A partire da un percorso didattico appositamente predisposto, la ricerca indaga la produzione di artefatti musicali e/o visivi elaborati (individualmente o in piccolo gruppo) da studenti preadolescenti di scuola secondaria di primo grado del sistema scolastico italiano. Lo sviluppo dello studio si è articolato sull'idea che tali produzioni, condotte nel solco di un'azione interdisciplinare, possano essere rivelatrici di una peculiare qualità di pensiero di natura metacognitiva. Il metodo di ricerca ha adottato alcune strategie tipiche della Ricerca-Azione, e si è basato su un approccio di tipo ermeneutico-interpretativo, le cui prassi analitiche sono state desunte dall'ambito critico/estetico e semiologico. La complessità a livello sistemico dell'indagine ha suggerito l'adozione di un approccio definito ecologico. Gli esiti dello studio hanno portato a individuare una particolare qualità di pensiero espressa a livello fabrile e sensoriale, per questo denominata metacognizione sensibile. La ricerca ha inteso con ciò avvalorare la relazione esistente tra il creare e il comprendere-conoscere, facendo emergere la processualità ambivalente che si esplica con reciprocità nel "dar forma al pensiero" e "dar pensiero alla forma". I risultati della ricerca costituiscono strumenti utili alla comprensione della valenza educativa dei processi di costruzione di una identità artistica, profilo necessario a definire i tratti di una completa personalità in uscita dalla scuola dell'obbligo. [ENG: Starting from the arrangement of a teaching activity especially arranged, the research investigates the production of musical and / or visual artifacts developed (individually or in small groups) by 13- and 14-year-old students who attend the first level of the secondary Italian school (Scuola Secondaria di Primo Grado). The development of the study has been based on the idea that these productions, carried out through an interdisciplinary action, can reveal a peculiar metacognitive quality of thought. The research method has adopted some Research-Action strategies, and is based on a hermeneutic-interpretative approach, whose analytical practices have been derived from the critical, aesthetic and semiological field. The systemic complexity of the survey suggested the adoption of an approach that can be defined as ecological. The results of the study led to identify a particular quality of thought, expressed at an operational and sensory level and therefore called sensitive metacognition. In this way the research intended to strengthen the existing relationship between creating and understanding-knowing, highlighting the ambivalent processuality that is reciprocally expressed by "give form to thought" and "give thought to form". The findings can be useful to understand the educational value of the building processes of an artistic identity, which is a necessary profile to identify the traits of a complete personality for students at the end of compulsory education.]

[pt] Na presente dissertação buscamos pensar a relação entre arte e política a partir das proposições teóricas de Jacques Rancière em diálogo com a obra Você gostaria de participar de uma experiência artística? do artista visual Ricardo Basbaum. A elaboração desse diálogo, compreendido aqui como princípio e criação filosóficos, se deu por meio de cartas, entre Basbaum e Rancière, nas quais, a partir do episódio doação do NBP (ação realizada pelo Coletivo Vaca Amarela na proposição Você gostaria de participar de uma experiência artística?), são discutidas a relação entre estética e política, os papéis do artista e do espectador no circuito de arte. Para Rancière, a politicidade das obras de arte não reside na capacidade de dar a ver as estruturas de dominação ou os conflitos políticos nem na de descortinar alternativas e soluções. A política acontece, antes, quando ocorrem dissensos na Partilha do Sensível, isto é, na configuração implícita que define lugares e formas de participação num mundo comum, que determina aquilo que é visível, audível e o que pode ser dito, pensado ou feito. A arte é política não por defender tal ou qual causa, mas à medida que mobiliza um conjunto complexo de relações. A consequência desta formulação é que a própria noção de obra enquanto um objeto deve ser ampliada para a ideia de regime das artes como um a priori que define toda rede de relações e articulações em torno da arte. Deste modo, não serão perscrutadas intenções ou motivações políticas na obra Você gostaria de participar de uma experiência artística?, aquilo que pretendemos é pensar de que forma Basbaum reconfigura o sensível sendo, portanto, política sua obra. / [en] This dissertation aims to present and discuss the relationship between art and politics from Jacques Rancière s theoretical propositions in dialogue with the work Would you like to participate in an artistic experience? by visual artist Ricardo Basbaum. The elaboration of this dialogue, understood here as a philosophical principle and creation, took place through letters, between Basbaum and Rancière, in which, from the episode NBP donation (action performed by the Collective Vaca Amarela in the proposition Would you like to participate in an artistic experience?), the relationship between aesthetics and politics, the roles of the artist and the spectator in the art circuit are discussed. For Rancière, the politicity of works of art does not lie in their ability to reveal the structures of domination or political conflicts or to uncover alternatives and solutions. Politics happens rather when dissent occurs in Sensitive Sharing, that is, in the implicit configuration that defines places and forms of participation in a common world, which determines what is visible, audible, and what can be said, thought, or done. Art is political not for defending such or any cause, but as it mobilizes a complex set of relationships. The consequence of this formulation is that the very notion of work as an object must be extended to the idea of the regime of the arts as an a priori that defines the whole network of relations and articulations around art. Thus, no political intentions or motivations will be scrutinized in the work Would you like to participate in an artistic experience?, What we want to think about is how Basbaum reconfigures the sensible and therefore his work is political.

[pt] No final do século passado, a apropriação de duas novas tecnologias pelo grande público desestruturaram a indústria fonográfica. Mas o compartilhamento generalizado de mp3 pela internet não impactaria somente o negócio das grandes gravadoras, mas também a própria função da escuta musical. Mais móvel, extensa e flexível, a fonografia se torna virtualmente ubíqua, ganhando novas potencialidades, revelando outras aspirações por parte dos ouvintes. Por mais de uma década, a audição de música gravada fica à margem da monetização institucional e sua experiência uma atividade sem um projeto específico por parte da indústria. As plataformas de streaming de música, sob o pioneirismo do Spotify, surgem nesse contexto, convertendo em serviço o que era produto e concebendo um novo conceito para a experiência fonográfica. Nesse novo modelo de negócio, uma escuta musical de alto valor simbólico para fruição estética, objeto de interesse de um público aficionado, perde espaço para uma audição situada, funcional, em que a música associada à rotina e ao estado mental do usuário agrega valor aos seus dados coletados no mercado de publicidade programática. A perda de centralidade no público-alvo e a própria visão corporativa sobre a fonografia indica a alienação do fã de música pela própria indústria. Esta pesquisa exploratória se destina a investigar como este nicho se sente com relação ao atual contexto e de que forma ele contempla suas necessidades de fruição fonográfica através de uma escuta dedicada. Para tal, além de uma revisão bibliográfica destinada a examinar a lógica sobre a qual as plataformas de streaming operam, seu modelo de negócios e qual o papel do fã nesse cenário, entrevistamos 40 indivíduos de 18 a 70 anos que se identificam como fãs de música. Se nossa pesquisa de campo indicou que o referido nicho utiliza as plataformas para audição dedicada, é significativa a amostragem da utilização de outros recursos, como a prevalência da mídia física, especialmente o vinil, e a recorrência ao audiovisual para obter experiência estética. / [en] At the end of the last century, the appropriation of two new technologies by the general public disrupted the recording industry. But the widespread sharing of mp3s over the internet would not only impact the business of major record companies, but also the very function of music listening. More mobile, extensive and flexible, phonography becomes virtually ubiquitous, gaining new potential, revealing other aspirations by the listeners. For more than a decade, listening to recorded music has not been subject to institutional monetization and has been an activity without a specific project by the industry. Music streaming platforms,by Spotify s leadership, emerge in this context, converting what was a product into a service and conceiving a new concept for the phonographic experience. In this new business model, listening to music with high symbolic value for aesthetic enjoyment, an object of interest for a passionate public, loses space to situated, functional listening, in which music associated with the user s routine and mental state adds value to the data collected in the programmatic advertising market. The loss of centrality in the target audience and the corporate vision of phonography indicates the alienation of the music fan by the industry itself. This exploratory research is intended to investigate how this niche feels in relation to the current context and how it addresses its needs for phonographic enjoyment through dedicated listening. To this end, in addition to a bibliographical review aimed at examining the logic on which streaming platforms operate, their business model and the role of the fan in this scenario, we interviewed 40 individuals aged 18 to 70 who identify themselves as music fans. If our research indicated that this niche uses platforms for dedicated listening, the use of other resources is significant, such as the prevalence of physical media, especially vinyl, and the use of audiovisual media to obtain an aesthetic experience.

Il presente lavoro cerca di avvicinarsi alla complessità dell'attuale status quaestionis della performance teatrale, con uno sguardo e una prospettiva estetica, rivolto in particolare alla drammaturgia postdrammatica degli ultimi trent'anni; uno sguardo che trova nello studio analitico di tre re-enactements – This is theatre like it was to be expected and foreseen (1982; 2012) e The Power of Theatrical Madness (1984; 2012) di Jan Fabre, seguiti da Les Aiguilles et l'Opium (1991; 2013) di Robert Lepage – un luogo privilegiato di osservazione. / This research tries to approach the complexity of the current status quaestionis of theatrical performance, with an aesthetic perspective focused on the postdramatic theatre of the last thirty years; a look that finds in the analysis of three re-enactements - This is theater like it was to be expected and Foreseen (1982; 2012) and The Power of Theatrical Madness (1984; 2012) by Jan Fabre, followed by Needles and Opium (1991; 2013) by Robert Lepage - a privileged place of observation.

Made available in DSpace on 2016-04-27T14:32:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Francisco Josivan de Souza.pdf: 935050 bytes, checksum: 71ef1c3e293a2929f04419023c4aecff (MD5) Previous issue date: 2008-11-26 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This study is about the urgency of an ethical and aesthetically mindful School for the humans who compose it. It s based on the indigenous myth of The Stone Home , of the Mỹky people. In this myth, House and Way appear like archetypes that intertwine themselves with the stillness and the wager, as who s dreaming of Walking from the Home to the hope that will be the construction of the coziness. The desire inside this work is a School that can be a cozy place. In this School, living together with the Other, we wagered in the not-yet dream, that will only be extant, if we leave Home and, from it, start an ethical-aesthetical way of living. The School is the necessary ethos of developing life in its totality; it is the Home from where students gaze at the way and build possible dreams, pro-ject the possible Utopia. Finally, a curriculum that rouse to the delight, then the desire of this Walking will be, itself, Aesthetic. Otherwise, it will not be creative Walking, it will be blunting. Similarly, the aesthetical dimension is, necessarily, an opened Way; it is curriculum. Walking is aesthetically building curriculum. This work´s purpose is to transform curriculum into verb and it is certain that it will be ethos for the tempting action of the human way of being educated and educator / Este é um trabalho acerca da premência de uma Escola ética e esteticamente atenta para os humanos que a compõem. Parte do mito indígena da Casa da Pedra, do povo Mỹky. Neste mito, Casa e Caminho aparecem como arquétipos que se entrelaçam com a quietude e a aposta, como quem sonha, da Casa, Caminhar para a esperança, que será a construção do aconchego. O que se deseja neste trabalho é uma Escola que seja espaço aconchegante. Nessa Escola, convivendo com o Outro, apostemos no sonho que ainda-não-é e que só será se sairmos da Casa e, a partir dela, vivermos ético-esteticamente. A Escola é o necessário ethos de realização do desenvolvimento da vida em sua integralidade; é a Casa de onde educandos miram o estradar e criam os sonhos possíveis, pro-jetam a utopia possível. Finalmente, um currículo que provoque o encantamento e o desejo do Caminhar será, em-si, Estético. Do contrário, não será Caminhar criativo, mas embotamento. Da mesma forma, a dimensão estética é, necessariamente, Caminho aberto; é currículo. Caminhar é fazer currículo esteticamente. Este trabalho propõe transformar o currículo em verbo e está certo que será ethos para a ação sedutora do humano-educando-educador

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Carolina da Cunha.pdf: 999430 bytes, checksum: 04828c376e3f4f5a3c79333cb1ca6102 (MD5) Previous issue date: 2009-05-11 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This research has as main objective the analysis of projects 2 and Karlskrona Superchannel of collective Superflex, Denmark, and projects Frivolity and Folly and Fripperies and Trimmings, of the group De Geuzen, the Netherlands, in the light of the theory of relational aesthetics of Nicolas Bourriaud. From the 1990s, Bourriaud set the parameters for contemporary artistic production that is based on and is embodied from social exchanges. Given this theoretical framework, the relevance of the research lies in the fact that focus on productions that use digital cyberspace and language as means of dissemination and transmission of artistic proposals - language and tools then viewed with reservation by Bourriaud. The problem of research, ultimately theoretical, lies precisely in this tension between the internal relational aesthetics of the French philosopher and the chosen corpus. Established relational groups, such as De Geuzen and Superflex, advocate the use of technological devices and declare that, in some art propositions, technology and the Internet facilitate and potentialize objectives of social exchange. Both groups focus more on the network relations provided by the Internet than the technology it encloses. They both make use of the digital language as relational/communicational tools. Thus, it is clear that, unlike what Bourriaud thought, it is not the fact that these groups use the technology that they lose their relational character. For the demonstration of this reflexive perspective, this work has considered alongside the research, the theories of Lemos, Lovejoy, Lévy, Trivinho, Virilio and Baudrillard on cyberculture, and the reflections of Musso, Parente, Prado, and Miltrop Latour, among others, on the networks. The theory of society as a network, designed by Castells and for which contributed Mafessoli, had significant importance in this research. Other important findings were made by direct research on the groups websites and through personal analysis of their works and access to documents submitted by them in symposia and electronic publications. In addition to the corpus of the study, art expressions that use technology and social exchange, as the foundation of production, were also presented, such as the propositions of tactical media and locative media as well as experiments in social networks / A presente pesquisa tem como principal objetivo a análise dos projetos Karlskrona 2 e Superchannel, do coletivo Superflex, da Dinamarca, e os projetos Frivolity and Folly e Fripperies and Trimmings, do grupo De Geuzen, da Holanda, à luz da teoria da estética relacional de Nicolas Bourriaud. A partir dos anos 1990, Bourriaud estabeleceu parâmetros para a produção artística contemporânea que se calcava nas e se corporificava a partir das trocas sociais. Dado esse referencial teórico, a relevância da pesquisa reside no fato de centrar-se em produções que utilizam o ciberespaço e a linguagem digital como meios de divulgação e transmissão de propostas artísticas ferramentas e linguagem até então vistas com ressalva por Bourriaud. O problema da pesquisa, teórico em última análise, reside justamente nessa tensão interna entre a estética relacional do filósofo francês e o corpus escolhido. Grupos relacionais consagrados, como o De Geuzen e o Superflex, defendem o uso dos aparatos tecnológicos e declaram que, em algumas propostas artísticas, a tecnologia e a internet facilitam e potencializam objetivos de intercâmbio social. Ambos os grupos focam mais as relações em rede que a internet proporciona do que as tecnologias que ela encerra. Utilizam as linguagens digitais como ferramentas relacional-comunicacionais. Dessa forma, fica claro que, diferentemente do que pensava Bourriaud, não é pelo fato de esses grupos utilizarem a tecnologia que eles perdem o seu caráter relacional. Para a demonstração dessa perspectiva reflexiva, foram consideradas, durante a pesquisa, as teorias de Lemos, Lovejoy, Lévy, Trivinho, Virílio e Baudrillard sobre a cibercultura, bem como as reflexões de Musso, Parente, Prado, Latour e Miltrop, entre outros, a respeito das redes. A teoria da sociedade em rede, concebida por Castells e para a qual contribuiu Mafessoli, teve importância relevante no trabalho. Outras constatações importantes foram realizadas mediante pesquisa direta em páginas eletrônicas dos grupos, bem como por meio de análise pessoal das obras e de acesso a documentos apresentados pelos grupos em simpósios e publicações eletrônicas. Em complementação ao corpus do estudo, manifestações artísticas que utilizam, como base fundamental de produção, a tecnologia e as trocas sociais também foram apresentadas, como, por exemplo, as propostas de mídia tática e mídia locativa e as experimentações em redes sociais

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paulo Cesar da Silva Teles.pdf: 5953003 bytes, checksum: a562faed567bb40ee6c5f2ea54f0a75f (MD5) Previous issue date: 2009-06-10 / This PhD thesis aims to point-out and map into our context, artistic tendencies basedon communication technologies that are supported by sensorial interfaces (triggered by gestures, touch and sound). The hypothesis realms that human-machines interactions shall be mediated by bodies-responsive touchless interfaces, without any device aid, like mouse, keyboards and many others. Our research has been supported by systemic works and researches - especially from the Claudia Gianetti, Esteves de Vasconcellos and Mark Hansen ones - and analyses highlighted artworks based-on digital media from Sterlac; Carmem Franinovic and Yon Visel; Myron Krueger; John Cage and Merce Cunnighan. Thus, we also propose artistic installations projects and a new approach of interactive music based-on our own touchless sensorial interface prototype. At our prototype and artworks, presence, gestuality and movements caused by the interactors, are mapped in a tridimensional space. Within this environment, people are detected by sensors that transform the triggered signals onto sound and images (generated and transformed) in real time, that sign irreversible imbrications between art and communication, and confirm our central issue / Esta pesquisa tem o propósito de pontuar e mapear tendências artísticas contemporâneas baseadas em tecnologias de comunicação, elaboradas a partir de interfaces sensoriais (reativas a gestos, toque e som). A hipótese que orientou a investigação é que as relações homem-máquina passarão a ser mediadas por interfaces que respondem ao corpo, sem utilização de comandos de teclado ou periféricos como o mouse. Do ponto de vista metodológico, operou-se a leitura crítica de bibliografia especializada e um mapeamento de obras artísticas relacionadas ao tema A partir de estudos de natureza sistêmica baseados em Maria Esteves de Vasconcellos, Claudia Gianetti, Humberto Maturana e Mark Hansen, são analisados projetos criativos com mídias digitais elaborados em ambientações com interfaces sensoriais e imersivas que constituem o corpus da pesquisa. Destacam-se aí os trabalhos de Sterlac; Carmem Franinovic e Yon Visel; Myron Krueger; John Cage e Merce Cunnighan. Ao final, apresentam-se projetos de instalações artísticas e um protótipo de uma interface interativa multimídia - por nós desenvolvidos - que reage poeticamente aos participantes sem a necessidade de qualquer contato físico. Neles, a presença, a gestualidade e a movimentação dos interatores são mapeadas em um espaço interativo tridimensional. No âmbito dessas instalações, os interatores são detectados por sensores geradores de algoritmos (capazes de ativar, gerar e modificar sons e imagens, expressas em tempo real), criando ambientes mediados por interfaces sensoriais, que anunciam as imbricações irreversíveis entre a arte e a comunicação e confirmam nossa hipótese central

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gisele Mello Gentil.pdf: 39259284 bytes, checksum: c126d52a1a814961cfd58d885261fdfe (MD5) Previous issue date: 2009-09-29 / This project has the goal to research the influence of women´s magazines on the making up of the present female beauty patterns. For doing so, the research starts from an analysis of the beauty patterns in 1960´s, 1970´s, 1980´s, 1990´s and 2000´s run in the advertising of CLAUDIA and NOVA magazines published by Abril publisher, building up the corpus of this research. A special attention is given to the use of editing softwares to correct images such as Photoshop, due to the fact of its extensive use in post production of women´s advertising photos run in the analyzed magazines; fact incisively proved through interviews with professionals from PLAYBOY and NOVA magazines that complemented the research. From the theoretical point of view, this research is based upon Umberto Eco, Georges Vigarello and Nancy Etcoff works on the history of beauty; the work of Lucia Santaella on the approach of the forthcoming post human phenomenon; to support the ideas of analysis on the politics of the body in the context of the digital culture the works of Mark Dery, Nízia Villaça and Paula Sibilia were used. Through the theory that the pattern of present female beauty is part of an image, women´s appearance, their activities and other elements such as colors and images were analyzed in the publicity ads. The analysis show that the exposure to the advertising images of women mechanically perfect, changed and corrected through the use of editing images softwares, impose to real women a naturally impossible beauty pattern leading them to search for solutions to make their bodies into what the Photoshop makes in advertising. At the end, based upon the corpus of the research and in the light of its bibliography, it is concluded that the present beauty pattern became a stereotype and it suffers the influence of the means of communication and the new technological scenery and it is ruled by the images projected in advertising. Those are images that go through several interventions of editing and correcting softwares that lead several women to submit themselves to surgical and chemical interventions with the purpose of drawing closer to the image shown on the means of communication / Este projeto tem como objetivo pesquisar a influência das revistas femininas na formação do padrão de beleza. Para tanto, parte de uma análise dos padrões de beleza das décadas de 1960, 1970, 1980, 1990 e 2000 veiculados nos anúncios publicitários das revistas CLAUDIA e NOVA, publicadas pela Editora Abril, que constituem o corpus da pesquisa. Destaque especial é dado ao uso de softwares de edição de imagem, como o Photoshop, em virtude da recorrência de seu uso na pós-produção das fotos publicitárias de mulheres veiculadas nas revistas analisadas, fato comprovado incisivamente pelas entrevistas com profissionais das revistas Playboy e NOVA, que complementaram a pesquisa. Do ponto de vista teórico, a pesquisa se apóia em Umberto Eco, Georges Vigarello e Nancy Etcoff para a história da beleza; Lucia Santaella, para a abordagem do fenômeno emergente do pós-humano; e para embasar as análises sobre as políticas do corpo no contexto da cultura digital, Mark Dery, Nízia Villaça e Paula Sibilia. Através da hipótese de que o padrão de beleza feminino atual parte de uma imagem, foi analisado nos anúncios publicitários a aparência das mulheres, suas atividades e outros elementos como cores e formas presentes. As análises mostram que a exposição das imagens publicitárias de mulheres mecanicamente perfeitas, alteradas e corrigidas por editores de imagens, impõe às mulheres reais um padrão de beleza naturalmente impossível, levando a busca de soluções para que possam fazer em seus corpos o que o Photoshop faz na publicidade. Ao final, com base no corpus da pesquisa e à luz da bibliografia, conclui-se que o padrão de beleza atual passou a ser um estereótipo e sofre interferências dos meios de comunicação e do novo cenário tecnológico e é pautado por imagens projetadas pela publicidade. São imagens que passam por diversas intervenções de programas de edição e correção de formas e que levam diversas mulheres a submeter-se a processos cirúrgicos e químicos, no intuito de aproximar-se da imagem apresentada nos meios de comunicação

Made available in DSpace on 2016-04-29T14:23:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Juliana Caetano Neto.pdf: 5965216 bytes, checksum: c4943a44b0fbf91c92b412aad919ca7b (MD5) Previous issue date: 2009-03-06 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / As the artistic movements, the act of story telling has changed considerably due to technical advances. Mobile devices have influenced the creation of unusual narratives that investigate, among other things, the relationship between space and individual. This essay intends to discuss the changes that this relationship has suffered due to the spread of pervasive computing, and how these changes enabled the emergence of new trends in aesthetic technology. Mobile devices of communication re-invent urban environments, such as multiplayer connected environments independent of the geographical position and physical presence, encouraging the emergence of hybrid spaces, which is defined by the disappearance of borders between physical and virtual and created by a constant mobility of users who use handsets. As theoretical support, the thinking is based on studies of André Lemos, Lúcia Santaella, Milton Santos, Pierre Lévy, and artists such as Jeremy Hight, the English Blast Theory. The essay intends to introduce a scenario of aesthetic technology based on mobile devices and the public spaces, and through an specific case show how is the relationship between narrative and technologies in hybrid spaces / Assim como os movimentos artísticos, o ato de narrar, de contar histórias, também se transformou consideravelmente com os avanços técnicos. Os dispositivos móveis têm influenciado criações narrativas inusitadas e que investigam, entre outras coisas, a relação entre espaço e indivíduo. A presente dissertação discute as transformações que essa relação tem sofrido devido à disseminação da computação pervasiva, e de que forma essas transformações propiciaram o surgimento de novas tendências da estética tecnológica. Os dispositivos móveis de comunicação re-inventam espaços urbanos como ambientes de multiusuários conectados independentemente da posição geográfica e presença física, favorecendo o surgimento de espaços híbridos, ou seja, definidos pelo desaparecimento das bordas entre físico e virtual e criados pela constante mobilidade dos usuários que utilizam aparelhos portáteis. Como referencial teórico, a reflexão se fundamenta nos estudos de André Lemos, Lúcia Santaella, Milton Santos, Pierre Lévy, e artistas como Jeremy Hight e o grupo inglês Blast Theory por ser uma pesquisa de caráter multidisciplinar. O recorte feito visa introduzir um cenário estético tecnológico com dispositivos móveis com foco em espaços públicos e através de um estudo de caso apresentar a relação entre criação narrativa em espaços híbridos

[pt] Construindo a hipótese de que a estética é uma estratégia para mitigar a angústia e consubstanciar o desejo, o autor busca estabelecer seu estatuto para o aparelho psíquico. No campo do sujeito, a estética participaria do nasrcisismo primário, momento em que a constituição do Eu é testemunha por uma imagem que dá materialidade ao sujeito e à presença da alteridade. Desenhar um perímetro para o vazio e poder vê-lo é atribuir sentido à existência e conter a angústia da morte. A estética também serviria à causa do desejo. Das cenas do sonho manifesto à imagem do objeto erótico, o desejo não pode dispensar a forma que constituirá o conteúdo de sua ilusão. Caberia a estética apresentar os contornos do recalcado e resgatar a criatividade da polimórfica perversão infantil. Através das obras-de-arte, o autor apresenta a estética como uma relação entre os sujeitos, intermediada pela angústia e pelo desejo. Investigando o sentido da busca pela estética designada como bela, analisa-se o papel desta na atualidade. Tendo como foco a subjetividade feminina contemporânea, o autor destaca sua dupla relação com a imagem. Se há, de um lado, um discurso estético enunciado pela mídia constituindo um corpo destinado ao consumo haveria, por outro, um mandamento estético proferido pelo superego feminino impondo o olhar do Outro como compensação ou negação da castração. O autor conclui sua abordagem do que designou como Doenças de beleza identificando dois grupos distintos um formado por sujeitos que buscam a morte do corpo como estratégia de sobrevivência do Eu. E outro, constituído pelos aderentes à mensagem estética contemporânea e adictos à visibilidade. / [en] In order to build up the hypothesis that aesthetics is a strategy to alleviate anguish and to consubstantiate desire, the author seeks to set up a statute for the psychic system. In the field of the subject, aesthetics would be part of the primary narcissism, a moment when the formation of the Ego is witnessed by an image that lends materiality to the subject and to the presence of alterity. To design a perimeter for the void and to be able to see it is to bestow sense to existence and to restrain the anguish of death. Aesthetics would serve the cause of the desire. From scenes of manifest dreams to the image of the erotic object, desire can not dispense with the shape which will grant form to its illusion. It would be incumbent on aesthetics to present the configurations of the repressed and to redeem the creativity of the polymorphic infantile perversion. By means of works of art the author presents aesthetics as a relation between the subjects, mediated by anguish and desire. Investigating the sense of the quest for aesthetics regarded as beautiful, one analyses its role at the present time. Using as a focus the contemporaneous feminine subjectivity, the author points out its double relation with image. Whereas, on one hand, there is an aesthetic discourse expressed by the media making up a body intended for consumption, on the other hand there would be another, an aesthetic commandment stated by the feminine superego imposing the regard of the Other as compensation for or negation of castration. The author concludes his approach of what he named as Infirmities of Beauty by identifying two distinct groups, one made up by subjects who seek the death of the body as a strategy for the survival of the Ego. And another made up by those who adhere to the contemporaneous aesthetic message and are addicted to visibility.