La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Le présent travail explique et approfondit la démarche artistique d’un compositeur travaillant à partir de la musique traditionnelle québécoise et cherchant à donner un élan à son travail en s’inspirant des musiques savantes. Il est divisé en trois chapitres dans lesquels on retrouve des analyses détaillées de pièces issues du répertoire traditionnel québécois et des répertoires classique et jazz. Le premier chapitre traite d’œuvres de Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard et Aimé Gagnon en cherchant à préciser les éléments stylistiques qui caractérisent le style d’ici. Le deuxième chapitre analyse les pièces Stolen Moments d’Oliver Nelson et Waltz for Debby de Bill Evans et explore un jazz en équilibre entre conservatisme et innovation. Le troisième chapitre explore deux approches originales à la modalité dans des musiques riches en variations par l’analyse de Pagodes de Claude Debussy et de Ostinato de Béla Bartók. Le quatrième chapitre expose ma démarche. / This work explains and elaborates the artistic approach of a composer that works primarily with traditional Quebec music and wishes to give momentum to his work by inspiring himself with the jazz and classical idiom. It is divided in three chapters in which pieces of the traditional repertoire and of the classical and jazz repertoires are analyzed in detail. The first chapter describes works of Joseph Allard, Louis « Pitou » Boudreault, Jos Bouchard, and Aimé Gagnon and aims at defining some stylistic elements specific to Quebec's traditional style. The second chapter addresses the pieces Stolen Moments by Oliver Nelson and Waltz for Debby by Bill Evans and explores a jazz in balance between conservatism and innovation. The third chapter deals with original approaches to modality through the analysis of two musical pieces rich in variations: Pagodes by Claude Debussy and Ostinato by Béla Bartók. The fourth chapter presents my own creative process.

Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatique. / If the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing.

Cette recherche de thèse de doctorat se propose de réaliser une anthropologie de la reconnaissance sociale au Brésil à partir des revendications de « dignité » du Mouvement social des travailleurs ruraux Sans Terre (MST).Pour comprendre cette exigence de reconnaissance (Taylor, 1992), et définir dans quelle mesure l’engagement des travailleurs ruraux dans la lutte du MST résulte d’une motivation affective issue d’expériences de mépris social (Honneth, 2000), la réflexion se centre dans un premier temps sur les conditions sociohistoriques de constitution des travailleurs ruraux au Brésil. L’étude de l’historiographie brésilienne permet ainsi de mettre en lumière comment les valeurs de la société brésilienne, la nature de la structure agraire héritée de la colonie portugaise, les rapports de domination entre grands propriétaires terriens et travailleurs ruraux basés sur la « domination personnelle » ainsi que les représentations des travailleurs ruraux ont participé de la construction de cette population comme une population subalterne (Spivak, 1988). La recherche s’intéresse ensuite aux pratiques développées par le MST pour reconquérir une dignité. Basées sur un usage politique de l’artistique, ces pratiques sont instituées dans le mouvement social au sein du « Setor de Cultura » (Secteur de la Culture) et combinent les deux aspects des théories de la reconnaissance sociale : l’« auto-reconnaissance » en termes d’estime de soi (Honneth, 2000), et, la reconnaissance sociale en termes de politiques publiques (Fraser, 2005). C’est pourquoi, l’analyse de ces pratiques s’appuie dans un premier temps sur l’ethnographie des moments de socialisation développés par le « Setor de Cultura » pour saisir jusqu’où ils permettent de créer un sentiment d’identification au MST et donnent aux travailleurs ruraux l’opportunité de se constituer en tant que sujets politiques. L’analyse interroge ensuite les usages de la musique et du théâtre visant à transformer la représentation dominante des « Sans Terre » dans la société brésilienne, et à rendre ainsi légitime la réalisation de la Réforme Agraire aux yeux de l’opinion publique. / This research takes aim to realize an anthropology of social recognition in Brazil based on the study of the Landness social mouvement’s (MST) revendications of « dignity ».To understand these recognition’s demands (Taylor, 1992), and how the commitment of peasants into the MST’s struggle is based on an affective motivation determinated by experiences of social comtempt (Honneth, 2000), this reflexion focus at first on the sociohistorical conditions of the peasant’s constitution in Brazil. The study of brasilian historiography allows to determine how the brasilian society’s values, the land structure’s nature inherited from the portuguese colony, the domination’s relations between the big landowners and the peasants based on the « personal domination » and the social representations of the peasants had participed to build this population as a subaltern population (Spivak, 1988). Then, this research take an interest in the pratices developped by the MST to recover a dignity. Making a politic use of the artistic, these pratices are instituted in the social movement in the « Setor de Cultura » (Culture’s Sector) and combine the two aspects of the social recognition’s theories : the « auto-recognition » in terms of self’s esteem (Honneth, 2000), and, the social recognition in terms of publics policies (Fraser, 2005). That’s why, the analysis of these practices is first based on the ethnography of the socialisation’s moments developed by the « Setor de Cultura » to understanding however they allow to create an identification’s feeling within the MST and give an opportunity to the peasant to form them as politic subjects. Then, the analysis questions the music and theater’s uses aiming to transforme the Landless dominant representation in brazilian society, making like this as legitimated the achievement of the Land Reform for the outside word. / Essa tese de doutorado tem como objetivo de realizar uma antropologia do reconhecimento social no Brasil a partir das reivindicações de « dignidade » do Movimento social dos trabalhadores rurais Sem Terra (MST).Para entender essa exigência de reconhecimento (Taylor, 1992), e tentar esclarecer de que maneira o engajamento dos trabalhadores rurais na luta do MST é o resultado de uma motivação afetiva alimentada de experiências de desprezo social (Honneth, 2000). Nossa reflexão se concentra num primeiro tempo sobre as condições socio-históricas de constituição dos trabalhadores rurais no Brasil. O estudo da historiografia brasileira permite salientar como os valores da sociedade brasileira, a natureza da estrutura agrária herdada da colonização portuguesa, as relações de dominação entre os latifundiários e os trabalhadores rurais baseadas na « dominação pessoal » assim como as representações dos trabalhadores rurais participaram da construção dessa população como uma população subalterna (Spivak, 1988). Depois, a pesquisa se interessa nas práticas desenvolvidas pelo MST pela reconquista de sua dignidade. Baseadas no uso político do artístico, essas práticas foram formalizadas no movimento social dentro do « Setor de Cultura » e combinam os dois aspectos das teorias do reconhecimento social : o « auto reconhecimento » em termos de autoestima (Honneth, 2000) e, o reconhecimento social em termos de políticas públicas (Fraser, 2005). No entanto, a análise dessas práticas se apoia num primeiro tempo sobre a etnografia dos momentos de socialização desenvolvidos pelo « Setor de Cultura » para entender até onde eles permitem de criar um sentimento de identificação ao MST e dão aos trabalhadores rurais a oportunidade de se constituir como sujeitos políticos. A análise interroga num segundo tempo os usos da música e do teatro que tem como objetivo transformar a representação dominante dos « Sem Terra » na sociedade brasileira, e assim defender e mostrar a legitimidade da realização da Reforma Agrária aos olhos da opinião pública.

Après la Seconde Guerre mondiale, la France, affaiblie politiquement et économiquement, développe une politique culturelle extérieure qui utilise les manifestations artistiques, et en particulier les tournées théâtrales, pour assurer le rayonnement de sa culture et de sa langue. Par l’intermédiaire de l’Association française d’action artistique (AFAA), elle envoie de par le monde ses plus grandes compagnies, la Comédie-Française, le Théâtre national populaire de Jean Vilar, et la Compagnie Renaud-Barrault qui devient théâtre national en 1959. Dans un monde façonné par la Guerre Froide, les tournées les plus prestigieuses ont lieu aux États-Unis, en Union Soviétique et en Amérique latine. Le but de cette thèse est de déterminer dans quelle mesure les compagnies théâtrales, instrumentalisées par la diplomatie culturelle française, utilisent aussi ces tournées pour leur propre statut dans le champ culturel français, pour leur économie, ou pour l’affermissement de leur propre identité. La première partie explore les origines et le développement du cadre politique et institutionnel qui a permis la naissance de tournées théâtrales subventionnées et fait du théâtre français un produit d’exportation. Le deuxième mouvement se concentre sur la caractérisation de ce théâtre envoyé à l’étranger, sur son économie et son répertoire. Le troisième temps analyse les différents impacts du déplacement du théâtre à l’étranger. Quelles sont les conséquences possibles de cette situation sur la représentation elle-même et les attentes du public étranger ? Au-delà de la question de la réception, c’est la dimension politique, l’impact esthétique et le rôle symbolique des tournées qui seront mis en lumière. / After World War II, a politically and economically weakened France develops a cultural foreign policy that uses artistic manifestations, and in particular theatrical tours, in order to ensure the influence of its culture and language. Thanks to the French Association for Artistic Action (AFAA), which was directly supported by the ministry of Foreign Affairs, France sends its greatest theatre companies all over the world, the Comédie-Française and the National Popular Theatre of Jean Vilar, as well as the Renaud-Barrault Company that becomes a national theatre in 1959. In a world shaped by the Cold War, the most prestigious tours take place in the United States, the Soviet Union, and Latin America. This thesis aims at determining to what extent these theatrical companies are not only exploited by the French government for cultural diplomacy, but manage themselves to benefit from the touring system, be that for their own status within the French cultural field, for their own economic solvency, or for the strengthening of their own identity. The first part explores the origins and development of the political and institutional frame that enabled the birth of this system of subsidized, international theatrical tours that made an export out of French theatre. The second part focuses on the characterization of French theatre abroad, on its economy and its repertory. The third section analyses the different impacts of the displacement of theatre abroad. What are the possible consequences on the performance itself and on the expectations of the international audience? Beyond the question of reception, the thesis will shed light on the political consequences, the aesthetic impact and the symbolic role of the tours.

En 2011, suite à un mouvement de réformation accélérée menant à l'appropriation par les écoles d'art françaises du dispositif LMD, celles-ci rejoignent l'espace européen de l'enseignement supérieur et quittent le ''régime de singularité'' qui les distinguait du système universitaire. Cette adhésion signe l'aboutissement d'une série de mesures dont l'implémentation visait à agir sur deux dimensions constitutives (différentes mais complémentaires) de la réalité des écoles d'art : la dimension académique, dont la mise aux normes des cursus et la restructuration de l'organisation pédagogique permettaient à ces établissements de délivrer des diplômes reconnus au grade de master ; le volet administratif qui, à travers la transformation des écoles d'art en établissements publics de coopération culturelle (EPCC), amorce un processus d'autonomisation vis-à-vis des structures tutélaires locales. C'est par une double opération d'interrogation des déterminants qui sont au fondement de la ''remise à niveau'' de la condition des écoles d'art, et d'examen des outils de gouvernance rendant effectif le déploiement de l'autonomie décrétée, que cette recherche se propose de saisir les nouveaux enjeux dont les écoles d'art font l'objet. / In 2011, following an accelerated reformation movement led by the network of French art schools, they joined the European area of higher education, getting out of the ''regime of singularity '', which distinguished them from the university system. This adherence note the accomplishment of a series of measures, whose implementation was intended to affect two distinct dimensions, constituting the reality of art schools: -the academic dimension, including the ''upgrading'' of curricula and restructuring the pedagogical organization, which allowed to accredit the awarded degree with a recognized diploma; -the administrative dimension, which through the transformation of municipal art schools into Public Cultural Cooperation Establishment (EPCC) aimed to start the empowerment process of local authorities. The aim of this research was to perceive the new issues regarding the art schools, one of them being the factors that stimulated the ''upgrading'' of the art schools condition. The other issue examined the governance tools that made possible and effective the deployment of autonomy decreed.

Précieuse source d’informations sur l’auteur des Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, la correspondance de Giorgio Vasari (1511-1574) est bien connue des historiens de l’art depuis son édition par Karl Frey (1923-1930). La conservation rigoureuse de ses nombreuses lettres ainsi que la remarquable qualité stylistique d’une grande partie d’entre elles, invitent à s’interroger sur la valeur que Vasari lui-même pouvait attribuer à son écriture épistolaire. Voyait-il ses lettres comme une partie fondamentale de son legs culturel ? On peut se demander s’il avait pu caresser le projet de les publier sous forme de recueil, conformément à une pratique très diffusée chez les hommes doctes du XVIe siècle. C’est justement un recueil qui se distingue tout particulièrement au sein du riche carteggio vasarien : le manuscrit Riccardiano 2354, de la Bibliothèque Riccardiana de Florence. Datant de la fin du XVIe siècle, ce petit codex contient quarante-huit missives copiées par le neveu et principal hériter de l’artiste arétin, Giorgio Vasari le Jeune (1562-1625), fonctionnaire médicéen versé dans différents savoirs techniques et scientifiques. Cette étude analyse les opérations de sélection, de transcription et de possible transformation menées par Vasari le Jeune à partir des sources épistolaires originales de son oncle, aujourd’hui introuvables. Des indices matériels et textuels laissent penser que le volume de la Riccardiana pourrait avoir été conçu comme un « livre de lettres » destiné à la publication, mais finalement jamais paru. Une initiative éditoriale avortée donc, visant la célébration posthume de la vie et de l’œuvre de Vasari à travers la valorisation de son héritage épistolaire. La lecture croisée des textes du recueil et d’autres missives qui y furent exclues, permet de reconnaître, en amont de l’entreprise de Giorgio le Jeune, un dessein de reconstitution biographique qui privilégie certains aspects de la figure de Vasari, en omet d’autres et, parfois, plie l’héritage culturel de l’artiste aux exigences d’affirmation personnelle du neveu dans le contexte médicéen de son temps. La résultante principale de cette recherche est une réflexion sur les dynamiques propres à l’écriture épistolaire de Vasari, sur les fonctions diverses qu’elle pouvait endosser dans les différentes phases de sa carrière d’artiste et d’écrivain. Car la pratique épistolaire fut pour Vasari un outil privilégié pour la mise en représentation de soi vis-à-vis de son réseau de correspondants, pour l’apprentissage de la parole littéraire et pour l’élaboration des procédés de l’ekphrasis, plus largement développés dans les Vies. / A valuable source of information on the author of The Lives of the Artists, the correspondence of Giorgio Vasari (1511-1574) is well known to art historians, mainly since its almost complete edition published by Karl Frey (1923-1930). If we consider the fact that Vasari zealously kept his numerous letters during his whole life, as well as the remarkable stylistic quality of many of these texts, we realise the importance of inquiring into how significant his epistolary writing could have been to him. Did Vasari see his missives as an essential part of his cultural legacy? In this case, it has to be questioned whether the artist could have ever conceived the project of publishing a selection of his letters, in accordance with a widespread practice among literates in the Fifteenth century. A collection of Vasari’s letters was actually gathered and still stands out from the large number of documents of his vast carteggio: it’s the manuscript Riccardiano 2354, held by the Biblioteca Riccardiana in Florence. Dating from the late Fifteenth century, this small codex contains forty-eight letters posthumously copied by the artist’s nephew and principal heir of his estate, Giorgio Vasari the Younger (1562-1625), an official of the Medicean Court deeply versed in several scientific and technical disciplines. This study investigates the process of selection, transcription and possible manipulation conducted by Vasari the Younger on his uncle’s original epistolary sources, which are nowadays still missing. Several material or textual hints can suggest that the Riccardiana’s volume might have been a “libro di lettere”, a book of letters designed for publication, but finally never printed. The chief aim of this editorial effort would have been a posthumous celebration of Vasari’s life and artistic achievements, through the highlighting of his missives. The comparison between the texts included in the Riccardiana’s manuscript and other excluded letters, allows us to recognise, as the essential mainstay in Giorgio the Younger’s work, the design of a biographical depiction of Vasari’s figure, focusing on specific traits and omitting others. The artist’s epistolary legacy seems to be occasionally subject to his nephew’s personal career requirements in the Medicean context of his time. The result of this research is a series of considerations on the dynamics inherent in Vasari’s epistolary writing, such as the various functions that it could assume according to the different phases of the artist’s career. Epistolarity has been Vasari’s main tool for self-fashioning towards his correspondents; as well as for literary learning and for the conception of the device of ekphrasis, developed on a larger scale in the Lives.

Le hasard m’a permis de faire des belles découvertes. La beauté particulière des câbles électriques et leur potentiel plastiques ont ainsi éclairé mon parcours artistique. J’ai fait le choix du câble comme matière première de mon œuvre depuis 1999. Une technique artisanale celle du Crochet, en lien avec la tapisserie contemporaine met l’accent sur l’idée de la connectivité et le tissage des liens sociaux par un seul fil continu sans coupure. Je cherche une transgression de cette pratique au profit d'une compréhension plus large de ce qu’elle représente. Par la répétition gestuelle qui m’a permis de conduire à une forme de ritualisation de ma technique, je passe par une phase de conscience où la perception devient plus aiguisée. Ma pratique est devenue une forme d’existence, d'amélioration et de soulagement pour arriver au constat d’un effet magique qui délivre le corps par une spiritualité. C’est aussi une forme de connectivité, d’échange avec des plasticiens qui ont agrandi mon univers. Par le travail sériel, monochrome (noir) et une analyse épistémologique, je suggère un mé-tissage de certaines disciplines, une forme d’hybridation entre un univers cosmologique, mathématique et physique. Mon corps devient un fil conducteur dessine dans l’espace externe mon intériorité par des vidéos performatives et expressives. Je fais là l’expérience d'une contiguïté issue en réalité de la continuité du fil. Cet espace interne et fusionnel, où je fais l'expérience de mon corps en relation avec le fil continu, revêt souvent une dimension imaginaire, auquel s'ajoute un espace externe, celui de la représentation et de la mise à distance dans le monde physique de mon œuvre. / Chance has allowed me to make beautiful discoveries. The particular beauty of the electric cables and their plastic potential have thus illuminated my artistic career. I made the choice of cable as raw material of my work since 1999. A traditional technique, that of Crochet, in connection with contemporary tapestry emphasizes the idea of connectivity and the weaving of social links by a single continuous thread, an unbroken thread. But I seek a transgression of this practice in favor of a broader understanding of what it represents. By the gestural repetition that allowed me to lead to a form of ritualization of my technique, I go through a phase of consciousness where the perception becomes more acute. My practice has become a form of existence, improvement, and relief to come to the realization of a magical effect, which delivers the body spiritually. It is also a form of connectivity, of exchange with several artists of which I made the collection carefully and which enlarged my universe, then by the serial work, monochrome (black) and an epistemological analysis, I suggest a " miscegenation" of certain disciplines in my work, a form of hybridization between a cosmological universe, mathematical and physical are interlaced. My body becomes a drawing thread in the external space, my interiority by performative and expressive videos. I am experiencing an adjacency that actually comes from the continuity of the thread. This internal and fusional space, where I experience my body in relation to the continuous thread, often takes on an imaginary dimension, to which is added an external space, that of representation and distancing in the physical world of my work.

Ce travail porte principalement sur l’étude de la partie triterpénique de trois résines végétales naturelles et commercialement disponibles, l’oliban, la dammar et la mastic, par diverses techniques analytiques (IRTF, CLHP/UV, CLHP/UV/Fluorimétrie etCPG-SM). Une étude fluorimétrique a été réalisée sur ces trois résines via réaction de greffage d’un marqueur de fluorescence(chlorure de dansyle), ce qui a permis de détecter les molécules triterpéniques par fluorimétrie, de diminuer leur seuil de détection et d’obtenir une empreinte digitale fluorimétrique spécifique pour chaque résine étudiée. Ce protocole a été appliqué avec succès sur un échantillon archéologique (G14) et le matériel résineux a été identifié (résine oliban, espèce B. frereana). La partie triterpénique a été extraite par divers procédés d’extraction (le reflux, le Soxhlet et les ultrasons) en utilisant trois différents solvants (le méthanol, le n-hexane et le d-limonène) dans le but de déterminer les conditions optimales pour l’extraction et l’identification des molécules triterpéniques par CLHP/UV. Deux colonnes de phase inverse ont été testés dans ce travail : une colonne classique RP-18 (Merck) et une colonne «core-shell» Kinetex (Phenomenex) pour essayer d’optimiser les conditions d’analyse. La colonne Kinetex a permis une diminution de temps d’analyse de 73% pour l’oliban et de 70% pour la dammar et la mastic, ce qui représente un résultat très encourageant. Le protocole optimisé a été appliqué avec succès sur l’échantillon archéologique G12 supposé contenir de la mastic, ce qui a été confirmé par les analyses CLHP/UV et CPG-SM. Une étude quantitative de rendement et d’aire relative du pic a été également réalisée. Les extraits ont été analysés par CLHP/UV etCPG-SM. Pour l’analyse en CPG-SM, la préparation des échantillons a été faite à travers la formation des dérivés TMS(triméthylsilylés) dans le but de créer une base de données de dérivés TMS pour les résines dammar et mastic. L’identification des composés caractérisés dans ce travail a été faite selon la littérature spécialisée, les tR et les spectres UV correspondants. Led-limonène, un solvant «vert», a été utilisé pour la première fois pour l’extraction de ce genre de matériaux, à notre connaissance et il permet une formation directe des dérivés TMS, en présence de solvant d’extraction. Au même temps, sep téchantillons artistiques supposés contenir un vernis à base d’une résine naturelle, en provenance de la Galerie Nationale de Sarajevo (Bosnie-Herzégovine) ont été analysés et seulement pour un de ces sept échantillons, il a été mis en évidence la présence d’une gomme-résine naturelle. L’étude scientifique des échantillons bosniens agrandira la documentation sur l’Art et sur le patrimoine culturel de Bosnie-Herzégovine, qui rencontre une période difficile depuis la dernière guerre (1992-1995) / This work is focused on the study of triterpene part of three natural plant resins commercially available, olibanum(frankincense), dammar and mastic, by various analytical techniques (FTIR, HPLC / UV, HPLC / UV / Fluorimetry and GC -MS). Afluorimetric study was conducted on these three resins via grafting reaction of a fluorescent marker (dansyl chloride), whichallowed to detected triterpene molecules by fluorimetry, decreasing their detection threshold and to obtain a specificfluorimetric fingerprint for each studied resin. This protocol has been successfully applied on an archaeological sample (G14)and the resinous material has been identified (the olibanum resin, the species B. frereana). A triterpenic fraction was extractedby various extraction procedure (reflux, Soxhlet and ultrasounds) using three different solvents (methanol, n-hexane, and dlimonene)in order to determine the optimal conditions for the extraction and identification of triterpenic molecules by HPLC /UV. Two reversed phase columns were tested in this work: a classical column RP-18 (Merck) and column «core-shell» Kinetex(Phenomenex) to try to optimize the analysis conditions. Kinetex column has allowed a reduction of analysis time to 73% foranalyses of olibanum and to 70% for analyses of dammar and mastic resin, and this is a very encouraging result. The optimizedprotocol was successfully applied on the archaeological sample G12, which was supposed to contain mastic resin and thishypothesis was confirmed by HPLC/UV and GC-MS analysis. A quantitative study of performance and the relative area of thepeaks were also performed. The extracts were analyzed by HPLC / UV and GC-MS. Concerning GC-MS analysis, samplepreparation was done through formation of TMS derivatives (trimethylsilyl) with the aim of creating a database of TMSderivatives for dammar and mastic resins. The identification of compounds characterized in this work was done according tothe literature, and corresponding tR et UV spectra. D-limonene, one of «green» solvents, has been used for the first time for theextraction of these materials, according to our knowledge and it allows a direct formation of TMS derivatives in the presence ofextraction solvent. At the same time, seven artistic samples supposed to contain a varnish based on a natural resin from theNational Gallery of Sarajevo (Bosnia and Herzegovina) were analyzed and for only one of these seven samples we found thepresence of a natural gum resin. The scientific study of Bosnian samples expands the scientific documentation in art andcultural heritage of Bosnia and Herzegovina, which encounters a difficult period after the last war (1992-1995)

La thèse traite du catholicisme en Basse-Bretagne, du début du 19è siècle à nos jours, à travers l'étude des bannières de procession présentes dans les églises du diocèse de Quimper et Léon , soit le département du Finistère. Les quatre parties s'organisent autour de la production des bannières, de leur comptage à partir des différents types d'inventaires disponibles, des piétés qu'elles mettent en évidence, voire des évolutions sociales dont elles témoignent.L'approche est quantitative et qualitative. Cela implique une visite systématique des églises et la conservation de traces photographiques de toutes leurs bannières. Il est fait appel aux sources classiques que sont les rapports des visites canoniques et à d'autres qui le sont moins, comme les inventaires de 1906.L'étude de la vie de deux paroisses, un doyenné datant du concordat et une anciennne ville épiscopale, a permis de mettre en évidence les mobiles générateurs de l'acquisition de bannières. Si les bannières paroissiales sont de règle, les bannières de congrégations témoignent du dynamisme des groupes de piété et de leur évolution au fil des siècles.Des approches quantitatives permettent de proposer une hypothèse de riposte, par bannières interposées, à la politique des lois laïques, parallèlement aux évolutions sociales.Si l'iconographie montre une influence lointaine des arts, c'est surtout l'importance du négoce qui apparaît, laissant cependant des possibilités d'expression d'une créativité, voire d'une spiritualité différente. Le chapitre final est consacré aux bannières réalisées à l'occasion de la Mission 2012. / This thesis is about catholicism in Lower Brittany through the study of processional banners from the beginning of the 19th century to our days. These were found in tthe churches of the diocese of Quimper and Leon , in the french county of Finistere. The thesis is divided into four parts : the production of banners, their counting from the various types of available inventories, devotion which they highlight, even social evolution of which testify.The approach is quantitative and qualitative. It involves a systematic visit of churches and the conservation of a photographic record of all their banners. Classic sources are used such as the reportsof the canonical visits, and others vho are less so the inventories of 1906.The study of the life of two parishes, a deanship dating from the concordat and a former episcopal city, allowed to highlight the generative motives of the acquisition of banners. If parochial banners are the norm, the banners of congregations reflect the dynamism of the groups of devotion and their evolution in the course of the centuries.Quantitative approaches allow to propose a hypothesis of reponse to the policy of the Laic laws by interposed banners, in parallel to social evolutions. If the iconography shows a distant influence of the arts, it is especially the importance of trade that appears. However it leaves possibilities of expression for a different creativity and even for a different spirituality. The last chapters concerrn the revival starting from the seond third of the 20th century. The last chapter is dedicated to the banners made for the Mission 2012.

S’appuyant sur les théories esthétiques des frères Schlegel, de Novalis et de Schelling, ce travail s’attache à analyser les discours esthétiques et scientifiques dans Les Frères de Saint-Sérapion d’E.T.A. Hoffmann et à étudier dans quelle mesure et jusqu’à quel point l’écrivain se réapproprie les réflexions de ces premiers romantiques et s’en distancie. Confronté au philistinisme, aux malveillances d’autrui et à ses démons intérieurs, l’artiste sérapiontique poursuit un idéal tant social que psychique. Rêveurs, fous, enfants ou encore sous influence magnétique, les personnages hoffmanniens sont tous en quête de reconnaissance et d’identité. Polyformes, polymorphes et hétérogènes, centrés sur l’interaction artistique, le travail de création et la réception, Les Frères de Saint-Sérapion créent une sorte d’« œuvre d’art totale » avant la lettre où se mêlent aussi bien les sciences que les arts. / Using the aesthetic theories of the Schlegel brothers, Novalis and Schelling, this thesis examines aesthetic and scientific discourse as it appears in E.T.A. Hoffmann’s The Serapion Brethren and considers to what extent Hoffmann appropriates early Romantic thought or distances himself from it. Faced with the philistinism and maliciousness of others and with his own interior demons, the Serapiontic artist pursues both a social and psychic ideal. Dreamers, madmen, children or those who are under the influence of magnetidm, Hoffmann’s characters are all seeking recognition and an identity. Polymorphous and heterogeneous, centered on artistic interaction and on the work of creation and reception, The Serapion Brethren is a type of ‘total work of art’ before its time in which the sciences and the arts come together.