Cette thèse retrace l’histoire des expositions temporaires à caractère artistique organisées aux Galeries nationales du Grand Palais (GNGP) entre 1966 et 2005. Les analyses sur le contexte historique, politique et social et sur la politique artistique internationale en France révèlent que le pouvoir publique contribue à cette histoire des expositions dès l’origine : il soutient et institutionnalise des expositions temporaires en tant qu’action culturelle de l’État. La mise en oeuvre des expositions est coordonnée principalement par trois organismes publiques : la Réunion des Musées nationaux (RMN), l’Association française d’Action artistique, et les administrations pour l’art contemporain. Sous le titre de grande exposition prestigieuse, chacune de ces expositions a été un moyen pour illustrer une célébration commémorative, une belle relation diplomatique avec l’étranger et une présentation de recherches scientifiques et de politique de patrimoine. De la volonté d’échanges artistiques avec des musées étrangers a résulté l’internationalisation des expositions temporaires, la professionnalisation de la RMN en la matière. Le développement des recherches en histoire de l’art en collaboration avec ces musées étrangers est une conséquence évidente. Toutes ces orientations apparentent les Galeries nationales du Grand Palais à une institution culturelle phare au centre de la capitale en affirmant leur place parmi les grands musées parisiens. Ce travail se focalise également sur la gestion organisatrice, introduite dans la pratique de l’organisation d’expositions aux GNGP notamment pour : l’entretien et la muséographie des collections, le financement des expositions et l’accueil des publics. On constate aussi une professionnalisation des métiers concernant l’organisation d’expositions, pendant ces années. Cette thèse présente le développement de grandes expositions organisées dans un cadre institutionnel, le goût des grands publics pour des expositions artistiques. Elle nous permet également de comprendre l’évolution des expositions temporaires muséales dans la seconde moitié du XXème siècle. / This thesis presents an investigation on the history of temporary art exhibitions at the Galeries nationales du Grand Palais (GNGP) between 1966 and 2005. The analysis of the historical, political and socialistic background and the international artistic policy of France show that the government has played a central role in the development of art exhibitions at the GNGP : the government has encouraged and institutionalized art exhibitions as one of its cultural policy. These exhibitions were mostly planned by three public institutions; Réunion des Musées Nationaux (RMN), Association française d’Action artistique, and the institution for contemporary arts. Each exhibition named as a major representation has been taken place for the commemoration and the presentation of friendly diplomatic relations with foreign countries. Some exhibitions announced academic achievements in art history and outcomes of museum and cultural heritage policies. The enhancement policy of the cultural exchange with foreign museums has led to the internationalization of artexhibitions, and the development of the RMN specialized for the planning of international art exhibitions. This policyalso contributes to the art history research development through the academic collaboration with foreign museums. These grand exhibitions that took place at the GNGP have contributed to make the GNGP as a major cultural institution in the centre of capital city, comparable to other main museums of Paris. This works also discusses the introduction of management for running exhibitions at the GNGP. First, this management included the systematic care and presentationof collections, then the funding of exhibitions and even more the reception of visitors. Moreover, during these years, there has arisen a professionalization of jobs related to art exhibition planning and operation. This thesis presents the development of grand art exhibitions organised in the frame of the public administrations, public audiences for fine arts exhibition, and also allows the understanding of the development of the temporary museum exhibitions held in thesecond half of the twentieth century.

Installé à Paris en 1911, Diego Rivera se rallie au cubisme pour retourner au réalisme en 1918. A cette époque, il tisse une amitié riche en échanges avec Élie Faure, socialiste comme lui. Faure voit chez l'artiste "une source inépuisable de surprises et d'enseignements»; Rivera considère l'historien de l'art comme l'un de ses« maîtres". Élie Faure a une compréhension de la société et de l'art basée sur la contribution de personnalités qui ont bouleversé la pensée et les arts depuis la Révolution française: Saint-Simon, Nietzsche, Dostoïevski, Tolstoï, Cézanne, entre autres. Déclarant l'échéance de l'esprit individualiste de la Renaissance, il annonce l'avènement d'un rythme collectif d'expression artistique sociale et monumentale, notamment architecturale, dont l'intention de «construire» en peinture est un symptôme. Le Moyen-âge français lui fournit un paradigme de l'ordre collectif et de I' «Art social», la cathédrale comme étant la plus parfaite expression, manifestation de la collaboration humaine et symbole même d'une civilisation. En 1921, décidé à militer pour l'établissement d'un nouvel ordre social, Rivera rentre dans son pays. Il est passionné par la socialisation de l'art et par l'architecture. Son discours et ses démarches révèlent ses affinités intellectuelles avec l'historien de l'art français et exprime une volonté de mener à son accomplissement l'"Art social". Cependant, les idées du peintre évoluent avec les évènements politiques, sociaux et culturels du Mexique, tenant compte du contexte mondial. Cet échange franco-mexicain illustre la complexité des transferts qui conduisent aux discours actuels de la mondialisation artistique. / Moving to Paris in 1911, Diego Riverais won over to Cubism only to return to Realism in 1918. During that period, he builds a rich friendship with Elie Faure, a socialist like him. Faure sees in the artist ''an endless source of surprises and lessons." Rivera considers the art historian Faure as one of his "masters. "Elie Faure has an understanding of society based on the contribution of individuals who have changed thinking and the art since the French Revolution : Saint-Simon, Nietzsche, Dostoïevski, Tolstoï, Cézanne, and others. Declaring the end of the individualistic spirit of the Renaissance, he announces the beginning of a collective rhythm of social and monumental artistic expressions, especially in architecture, with the intention to "construct" by painting as an indication. The French Middle Ages provides Elie Faure with a paradigm of collective order and "Social Art," of which the cathedral is the most perfect expression - a manifestation of perfect human collaboration and a symbol of a civilization. In 1921, having decided ta campaign for the establishment of a new social order, Rivera returns ta his country. He is passionate about the socialization of art and architecture. His speech and his actions reveal his intellectual affinity with the French art historian and show a willingness to carry to completion "Social Art. "However, the painter 's ideas evolve with the political, social, and cultural events of Mexico, taking into account the global context. This Franco-Mexican exchange illustrates the complexity of the transfers that lead to the current globalization of artistic discourse.

La propriété intellectuelle est suffisamment polymorphe pour s’appliquer tant aux personnes privées qu’aux personnes publiques. Il n’est pas question de nier la spécificité de la personne publique, qui en raison de son identité et de la nature des missions qui lui sont confiées dispose de prérogatives particulières, et est soumise à des règles spécifiques. L’objet de notre étude est de démontrer que la propriété intellectuelle soumet les personnes publiques et privées à un régime juridique commun, qui est aménagé pour répondre aux exigences propres aux personnes publiques. Ainsi, ces dernières disposent de prérogatives élargies par rapport aux personnes privées, notamment dans le cadre de l’acquisition et de l’exploitation de leurs créations intellectuelles. Cependant, les personnes publiques sont également soumises à des obligations renforcées, qui résultent des obligations plus générales qui pèsent sur elles, telles que, notamment, la protection du domaine public. En outre, l’apparition de nouvelles politiques publiques telles que l’open data doit être appréhendée par les personnes publiques pour s’adapter aux nouveaux enjeux de la propriété intellectuelle publique. / Intellectual Property (IP) is enough polymorphic to be applied to both private individuals and publicentities (understood as the State, administrative districts having legal personality, and public institutions). This is not about denying the specificity of public entities, who are entrusted with particular prerogatives, and subjected to specific rules because of their identity and the nature of their missions. The purpose of our study is to demonstrate that IP submits both public entities and private individuals to a common legal system, which is set to meet the requirements inherent to public entities. Thus, public entities have expanded powers over private individuals, through acquisition and exploitation of their intellectual assets. This is the expression, in IP, of the specific prerogatives thatpublic entities enjoy as part of their missions. However, public entities are also subjected to strengthened bonds, which are the result of general obligations placed upon them, such as the protection of public assets. Finally, the emergence of new dynamics related to IP such as open data represents a major evolution of this science that public entities must understand to adapt to new challenges of public IP.

La ciné-danse est une forme artistique hybride qui entrelace étroitement les propriétés techniques et esthétiques de la danse et du cinéma. Ce n’est pas un genre nouveau: d’une certaine manière, la ciné-danse existe depuis les tout débuts du cinéma. Mais elle est théorisée pour la première fois au milieu des années 1940 par Maya Deren qui propose aussi avec A Study in Choreography for Camera (1945) un film-manifeste qui s’est avéré déterminant pour la reconnaissance et le développement decette catégorie la plus transdisciplinaire du film de danse.Néanmoins, c’est seulement à partir des années 2000 etsurtout depuis le début des années 2010 que les festivals spécialisés se sont multipliés et que le genre a commencé à recevoir un éclairage théorique. Cette thèse contribue ainsi à ce tout jeune domaine de recherche que sont les screendance studies en proposant un premier panorama historique de la ciné-danse et en examinant certaines de ses spécificités formelles et dramaturgiques dont beaucoup n’avaient pas encore été analysées.Cette étude prend notamment le parti d’explorer la ciné-danse sous l’angle inaperçu de son hyper-sensorialité et des corporéités originales qu’elle façonne.J’y commence par retracer l’histoire plus large dans laquelle la ciné-danse s’inscrit, celle de la danse au cinéma en général et du film de danse en particulier. Puis,je propose d’esquisser plus spécifiquement l’histoire du genre. Je souligne ensuite la fécondité de l’hybridation artistiquequi définit la ciné-danse en analysant certaines de ses singularités formelles et dramaturgiques. J’examine notamment l’usage sui generis du gros plan dans ces films, la (re)matérialisation des corps à laquelle ils procèdent par un traitement hyper-sensoriel et synesthésique des images et des sons ainsi que les corporéitésétranges qu’ils créent et les implications critiques que celles-ci renferment. Enfin, je me concentre sur un aspect capital de la ciné-danse : les lieux qu’elle investit et les rapports complexes entre corps et espaces qu’elle interroge. Cette thèse brosse ainsi le portrait historique et esthétique d’un art hybride, d’un genre éminemment corporel et sensoriel et d’une pratique in situ. J’y mets au jour des oeuvres expérimentales qui explorent la capacité de ce croisement artistique à mettre en exergue la matérialité des corps ainsi que la sensorialité des films et de l’art chorégraphique. / Screendance is a hybrid artistic form which inextricably interweaves the technical and aesthetic properties of both dance and cinema. It is not a new genre: in a certain sense, screendance has existed since the very beginnings of cinema. It was first theorised, however, in the mid-1940s by Maya Deren, whose film-manifestoA Study in Choreography for Camera (1945) proved central to the recognition and development of this most transdisciplinary category of dance films. Nevertheless, it is only from the 2000s and even more-so from the 2010s onwards that specialisedfestivals have proliferated and that the genre has begun to receive theoretical attention. This dissertation is thus a contribution to the emerging field of screendance studies: it proposes a historical panorama of the genre and examines its formal and dramaturgical specificities, many of which have not yet been the object of in-depth analysis. This examination aims in particular to explore screendance from the previously unconsidered perspective of its hyper-sensoriality and the originalcorporealities it constructs.I begin by retracing the larger history within which screendance has grown that of dance in film and especially that of dance films. I then propose a more specific history of screendace proper. Next, I emphasise the fecundity of the artistic hybridisation which defines screendance by analysing certain of its formal and dramaturgical singularities. More specifically, I examine its sui generis usage of closeups, its (re)materialisation of bodies through a hyper-sensorial and synaesthetic treatment of images and sounds, as well as its strange corporealities and the critical implications they suggest. Finally, I focus on a crucial dimension of screendance: the places it investigates and its complex interrogations of the relationships between body and space. This dissertation paints a historical and aesthetic portrait of a hybrid art, an eminently corporeal and sensorial genre, a site-specific practice; it celebrates experimental works which explore the richness of an artistic cross-over and highlight the materiality of bodies as well as the sensoriality of dance and film.

L’auteur d’une oeuvre de l’esprit au Burkina Faso jouit d’un faisceau de droits reconnus par le droit positif. Ainsi, des droits aussi bien moraux que patrimoniaux lui sont octroyés. Dans le cadre de la mise en oeuvre de ces droits, un mécanisme est mis en place. Il consiste à la perception et à la répartition des droits de l’auteur sur son oeuvre. Cependant, le poids de la tradition, l’analphabétisme des populations et la méconnaissance de la propriété littéraire et artistique entravent conséquemment le bon déroulement du mécanisme. Ces facteurs socio-culturels concourent à la violation massive des droits d’auteur. En effet, les droits du créateur s’en trouvent fortement affectés tant l’exploitation illégale des oeuvres a atteint des proportions fort inquiétantes. Ainsi, l’auteur est pris en tenaille entre une société réfractaire et une loi obsolète. En effet, la loi n° 032/AN/99 du 22 décembre 1999 portant protection de la propriété littéraire et artistique au Burkina Faso est, à bien des égards, en déphasage avec l’environnement juridique contemporain. Il convient donc de procéder à une relecture de ce texte pour une protection optimale des droits de l’auteur burkinabé d’une oeuvre de l’esprit. Il convient, également, de mettre l’accent sur la sensibilisation des populations afin de changer la perception erronée de celles-ci de la propriété littéraire et artistique / The author of a work of the spirit in Burkina Faso enjoys a bundle of rights recognized by positive law. Thus, both moral and patrimonial rights are granted. As part of the implementation of these rights, a mechanism is put in place. It consists in the perception and the distribution of the rights of the author on his work. However, the weight of the tradition, the illiteracy of the populations and the ignorance of the literary and artistic property consequently hinder the smooth running of the mechanism.These socio-cultural factors contribute to the massive violation of copyright. Indeed, the rights of the creator are strongly affected as the illegal exploitation of works has reached very disturbing proportions. Thus, the author is caught between a refractory society and an obsolete law.Indeed, Law No. 032 / AN / 99 of 22 December 1999 on the protection of literary and artistic property in Burkina Faso is, in many respects, out of step with the contemporary legal environment. It is therefore appropriate to re-read this text for an optimal protection of the rights of the Burkinabe author of a work of the mind. Emphasis should also be placed on sensitizing the population to change their misperception of literary and artistic property

Dans l’histoire de l’estampe, l’étude de la lithographie en province a longtemps été négligée et les premierstravaux fondateurs datent seulement d’une quarantaine d’années. L’objet de cette thèse en histoire de l’art est decombler cette lacune en analysant, dans un esprit d’interdisciplinarité ouvert à l’histoire économique et sociale, lalithographie en Bretagne historique de 1819 à 1914.Cette recherche s’appuie d’abord sur l’étude de l’imprimerie lithographique. Après un panorama généralsur l’évolution du nombre d’ateliers et leur répartition géographique, les centres lithographiques principaux etsecondaires sont étudiés. L’imprimerie autographique qui, en parallèle, s’implante et concurrence les atelierslithographiques est analysée, comme les imprimeries lithographiques sur fer-blanc, une particularité bretonne.Au-delà de cette étude historique, le chapitre suivant dresse le portrait des acteurs de l’imprimerie et de laproduction lithographique comme leur environnement social. C’est un monde où se mêlent l’artiste peintre,l’artiste lithographe de profession, l’amateur de dessin, l’imprimeur et l’ouvrier. La réalité du monde de l’estampeest abordée dans le troisième chapitre, avec un coup de projecteur sur l’atelier et sur l’histoire matérielle de lalithographie (presses et matrices). L’atelier est ensuite appréhendé comme un espace de vie autonome avec sesfêtes et ses codes, garants de la cohésion ouvrière. Une unité renforcée avec la création des syndicats delithographes dans la seconde moitié du XIXe siècle.Grâce à l’établissement d’un inventaire des lithographies, fondé sur le dépouillement du dépôt légal etdes fonds publics d’estampes, l’analyse de la production lithographique imprimée en Bretagne révèle unediversité thématique insoupçonnée. La lithographie artistique à la feuille, en recueils ou en albums illustrés estanalysée sous l’angle stylistique et iconographique. Enfin, l’étude de la lithographie utilitaire et des boîtes en ferblanclithographié clôt ce chapitre. Le commerce de l’estampe, qui constitue le dernier maillon du circuit de laproduction, est retracé avec ses marchands, une profession en mutation au XIXe siècle, ses colporteurs et autresvendeurs occasionnels. Enfin, la question de la diffusion de l’estampe en Bretagne est abordée comme le marchéet la place de la lithographie bretonne dans un réseau national et international. / In the history of print, the study of lithography in province has long been neglected. The first founding worksonly date back to the last forty years. The purpose of this thesis on the history of art is to address this shortcomingby analysing lithography in historical Brittany between 1819 and 1914 bearing an interdisciplinarity mind open toeconomic and social history.Initially this research will be based on the study of lithographic printing. Following a general overviewon the evolution of the number of workshops and their geographical breakdown, leading and secondarylithographic centres are being considered. On the other hand, autographic printing which established itself andcame into competition with the lithographic workshops is being analysed with an emphasis on tin-plate printingworkshops being a characteristic feature of Brittany. Beyond this historical study, the following chapter paints aportrait of the printers and that of the lithographic production scene which being a social environment. It is aworld whereby the painter mingles with the professional lithographer, the drawing lover, the printer and thecraftsman. The reality of the printing world is being addressed in the third chapter with a particular focus on theworkshop and the history of the equipment specific to printing (plates and moulds). Subsequently the workshop isseen as a world in its own right with its celebrations and codes responsible for the working cohesion. This unitywill be accentuated in the second half of the XIX century with the constitution of lithographers unions. Thanksto the creation of a lithographs inventory drawn upon the austerity regarding registration of copyright and printpublic funds, the analysis of the print production in Brittany reveals an unexpected thematic diversity. The artisticprint on sheet, collections or illustrated albums is analysed from a stylistic and iconographic point of view.Finally, the study of useful lithography and the tin-box will bring this chapter to a close.Print trade which formsthe last link in the production chain is recounted through its merchants, a trade being transformed throughout XIXcentury, door-to-door and casual sellers. Lastly, the topic of the diffusion of print in Brittany is put forward asbeing the market place of Breton lithography within a national and international network.

This master thesis investigates abusive conduct in circus schools. Focus is put on the management level in order to achieve and provide knowledge of measures and attitudes related to prevention. The theoretical framework for the thesis is built on understanding knowledge as situated and the creation of normative borders producing ways for practitioners of identifying with artistic disciplines. Moreover, the thesis takes a structural understanding of abusive conduct. Stating the lack of research within circus schools, the thesis builds upon a research background relying on sports and academia as fields of reference. Research from these related fields are argued to help artistic education such as circus schools to make up for lost time. The data of this thesis comes from a survey conducted within a global federation of professional circus schools, FEDEC, and the results were thematically analyzed in eight categories. The results reflect circus schools as mainly willing actors against abusive conduct. However, the survey also shows a discipline that is in need of deeper knowledge in order to better apply policies and effectively prevent abuse. The respondents show varying degrees of uncertainty regarding policies and in certain cases refer to direct unwillingness to engage with designated safeguarding procedures, attitudes that must be seen as incompatible with management of any artistic school. In conclusion, this thesis argues that circus (and indeed other artistic) schools are in need of better knowledge and further research in order to better account for transparency, active leadership and bystanding dynamics within the specific social fields of the respective disciplines. Finally it is suggested that further research into identifying and naming problems related to cultures of abuse may help circus schools and other social actors within Circus to put these questions on the agenda. / Ce mémoire de Master étudie les comportements violents au sein des écoles du cirque. Il se concentre sur le rôle de la direction des écoles, dans le but de procurer les connaissances nécessaires à l’application des mesures et des attitudes relatives à la prévention. Le cadre théorique de ce mémoire s’appuie sur les concepts de “savoir situé” et de “frontières normatives”, permettant aux professionnel-le-s de s’identifier eux-mêmes et elles-mêmes aux disciplines artistiques. Ce mémoire inclut par ailleurs une analyse structurelle des comportements violents. Ayant constaté le peu d’observations effectuées au sein des écoles du cirque, il s’appuie sur des recherches ayant comme terrains de référence le sport et le milieu universitaire. La recherche issue de ces domaines connexes est utilisée pour permettre au secteur de l’éducation artistique, dont les écoles du cirque, de rattraper le temps perdu. Les données reprises dans ce mémoire proviennent d’une enquête menée au sein de la fédération mondiale des écoles du cirque, la FEDEC, et l’analyse des résultats est répartie en huit thématiques distinctes. Les résultats montrent que les écoles de cirque sont pour la plupart disposées à lutter contre les comportements violents. Cependant, l’enquête pointe également que la discipline requiert des connaissances plus approfondies pour pouvoir appliquer au mieux les règles en vigueur et empêcher efficacement les violences. Les répondant-e-s montrent des degrés divers de scepticisme concernant ces règles et, dans certains cas, une réticence directe à appliquer des mesures de protection spécifiques ; attitudes qui doivent être considérées comme incompatibles avec la gestion de toute école artistique. Enfin, il est suggéré que des recherches supplémentaires sur l’identification et la désignation des problèmes liés à la culture de la violence pourraient aider les écoles du cirque et d’autres acteurs sociaux au sein du monde du cirque à mettre ces questions à l’ordre du jour. En conclusion, ce mémoire soutient que les écoles de cirque (et bien d'autres établissements d’enseignement artistique) ont besoin de meilleures connaissances et de recherches plus approfondies afin de mieux rendre compte de la transparence, du leadership actif et des dynamiques d'observation au sein des domaines sociaux spécifiques des disciplines respectives. / <p>The English version was examinated 2021-06-11 and published 2021-07-01. The thesis was translated into French by the author. The translation was published 2022-03-31.</p>

Ce mémoire est une étude sur les processus de création, de présentation et de représentation des valeurs artistiques et compare leur début de production stratégique, supposément basé sur les changements infrastructurels et les caractéristiques du marché, avec leur stade de consommation tardif, principalement impliqué dans la formation du marché qui ajuste les connaissances, les habitudes et les attitudes de la population. Le corpus de la recherche est divisé en trois parties: 1) contexte théorique. 2) Les archétypes des arts de haut niveau associés aux changements d’infrastructure. 3) Les archétypes des arts de bas niveau associés à l’attitude, aux connaissances et aux habitudes des consommateurs. La première partie examine l'évolution de certaines des théories des quatre domaines, économie politique, marché, marketing et éthique politique, ainsi que leurs effets sur la société occidentale du milieu du XVIIIe siècle à nos jours. La deuxième partie utilise ces théories pour identifier les jalons de l'art et explique différentes stratégies de production dans le monde de l'art occidental. La troisième partie modélise la formation des connaissances et de l’attitude du consommateur sur la base de certaines théories de la psychologie existantes et observe la tendance et le rythme des changements d’attitude du public sur le marché. Nous comparons la troisième partie avec la deuxième pour montrer que les arts de haut niveau et les arts de bas niveau ont un impact mutuel à long terme: les arts de haut niveau activement inspirent les arts de bas niveau; tandis que les arts de bas niveau passivement modifient les connaissances et l’attitude des consommateurs à propos des arts de haut niveau. / This memoire is a study on three processes, creation, presentation and representation of artistic values, and compares their early stage of strategic production, which is supposedly based on artist’s intention, infrastructural changes and type of market, with their late stage of consumption, which is mostly involved with a market training that adjusts population’s knowledge, habits, and attitudes. The corpus of the research is divided into three parts: 1) theoretical background. 2) Archetypes of highbrow arts associated to infrastructural changes. 3) Archetypes of lowbrow arts associated to consumer’s attitude, knowledge, and habits. The first part reviews the historic evolution of some of the fundamental theories of the four fields, econo-politics, market, marketing and political ethics and their hierarchical effects on the western society from the mid-eighteenth century to present. The second part uses those theories to identify milestones in front art and explains different strategic production patterns in the western art world. The third part models the formation of consumer’s knowledge and attitude based on some existing theories of psychology and observes the trend and pace of public’s attitude change in today’s market. We compare the third part with the second to show that highbrow and lowbrow arts have mutual impact over each other: highbrow arts actively inspire lowbrow arts; while, lowbrow arts passively change consumer’s knowledge and attitude about highbrow arts.

Des architectes et artistes ont utilisé la photographie comme outil de la création et de l’analyse en architecture. Ce postulat est à la base de ce projet de thèse qui a pour sujet général la contribution de l’expérience photographique à la pensée en architecture. Ici, la notion d’expérience photographique est comprise dans un sens proche de l’expérience artistique selon le philosophe John Dewey. Dewey considérait l’expérience d’un art comme un outil pédagogique permettant d’apprendre à penser et à développer un sens critique. L’expérience était pour lui une manière d’approcher esthétiquement le monde et de le comprendre en dehors d’un cadre strictement scientifique. Si des travaux de recherche antérieurs ont permis de retracer l’histoire d’expériences photographiques d’architectes, dont Mies van der Rohe, Le Corbusier et Stirling et, aussi, de mieux cerner leurs rôles dans la construction de leur pensée architecturale respective, les origines des expériences photographiques de l’architecte, artiste et théoricien de renom Melvin Charney (1935-2012) et leurs contributions dans la construction progressive de sa pensée n’ont pas été clairement circonscrites. L’objectif spécifique de cette thèse est, en conséquence, de clarifier les contours des expériences photographiques de Charney et offrir une compréhension plus large de leur contribution dans l’histoire de sa pensée. Le dépouillement d’archives personnelles de Charney conservées au Centre canadien d’architecture et l’analyse du contenu de documents produits avant et pendant ses études en architecture ont permis d’identifier pour quels les motifs et sous quelles influences la photographie s’est introduite dans son œuvre. En particulier, mais non exclusivement, ont été mises en relief, dans l’œuvre – déjà largement étudiées - de Charney, des ramifications d’expériences photographiques de László Moholy-Nagy, d’Erich Mendelsohn, de James Stirling, de Walker Evans et d’Edward Ruscha. Enfin, en partie grâce aux apports de ses expériences photographique, Charney a appris de l’environnement bâti et, aussi, à penser sur l’environnement bâti. Plus spécifiquement, cette étude démontre qu’en travaillant avec la photographie Charney a appris à analyser ce qui est déjà là pour mieux comprendre l’origine des formes bâties. Également, la photographie a été omniprésente dans ses approches de la figuration critique de l’environnement bâti, de la réévaluation des bases de la discipline architecturale et de l’enseignement critique de l’architecture – l’architecture étant pour lui une pratique résolument sociale. Plus largement, cette thèse contribue à la connaissance de la production artistique comme stratégie de recherche dans les disciplines de l’architecture et du design de l’environnement et à l’essentielle reconnaissance d’expériences autres, entre art et architecture, comme leviers d’une pensée architecturale critique. / Architects and artists used photography as a tool for creating and analyzing architecture. This postulate is the basis of this thesis project whose general purpose is the contribution of photographic experiences in architectural thinking. Here, the notion of photographic experience is used in a sense comparable to the artistic experience defined by the philosopher John Dewey. Dewey understood the experience of an art as an educational tool to learn to think and develop a critical sense. Experience was for him a way to aesthetically approach the world and understand it outside a strictly scientific framework. If historians have already traced the history of photographic experiments of architects, including Mies van der Rohe, Le Corbusier and Stirling and, also, have identified the roles of photography in the construction of their respective architectural thinking, the origins of photographic experiments by renowned architect, artist and theorist Melvin Charney and their contributions in the progressive construction of his thought have not been clearly circumscribed. The specific purpose of this thesis is, consequently, to clarify the surrounding of Charney's photographic experiences and offer a broader understanding of their contributions in the history of his architectural thinking. Charney's motifs and influences in his photographic experiments and reflections on photography were identified through an investigation into his personal archives held at the Canadian Center for Architecture and the analysis of the content of documents that he produced before and during his studies in architecture. In particular, ramifications in Charney's work of photographic experiments of Laszlo Moholy-Nagy, Erich Mendelsohn, James Stirling, Walker Evans and Edward Ruscha have been revealed. Finally, partly thanks to the contributions of his photographic experiences, Charney learned from the built environment and to think about the built environment. More specifically, this study demonstrates that working with photography Charney has learned to analyze what is already there to better understand the origin of built forms. Also, photography was for him a tool for the critical figuration of the built environment, for the re-evaluation of the bases of the architectural discipline and, moreover, for the critical teaching of architecture. More broadly, this thesis contributes to the knowledge of artistic production as a research strategy in the disciplines of architecture and environmental design and to the essential recognition of other experiences, between art and architecture, as catalyst of a critical architectural thinking.

La Renaissance de la photographie entre la fin des années 1920 et le début des années 1930 en France était-elle liée au seul cercle des avants-gardes ? Les historiens de la photographie ont longtemps orienté leurs recherches sur le fait que les photographes de la Nouvelle Vision avaient sorti la photographie des errements du pictorialisme et lui avait rendu son autonomie vis-à-vis des arts graphiques, toutefois ils ont négligé une remarque formulée dès 1930 par Carlo Rim selon lequel « les images abstraites de Man Ray et de Tabard, qui annoncèrent une réaction heureuse […] ne fur[ent] qu’une vogue éphémère ». Si la Nouvelle Vision fut considérée comme un nouvel âge d’or, elle fut rapidement éclipsée en France par un retour « à l’image la plus nette du sujet le plus pauvre » généré par la redécouverte des photographes primitifs.C’est à cette part de l’histoire de la photographie que cette étude sur le photographe Emmanuel Sougez (1889-1972) est consacrée. Car si Sougez a été élevé au rang des maîtres de la photographie et célébré jusque dans les années 1950 comme le plus grand photographe français vivant, c’est pour avoir réintroduit l’usage de la chambre photographique de grand format et le tirage par contact. Ce faisant, cette étude fait apparaître une autre face de la Renaissance de la photographie en France à partir d’une figure oubliée, en évoquant le rôle crucial que Sougez a joué entre le Premier Salon indépendant de la photographie en 1928 et le dernier Salon national de la photographie en 1959. Aussi, en soulignant l’apport de ce photographe à l’histoire de son art, cette thèse révèle des aspects inédits de la photographie dans la première moitié du XXe siècle. / Is it possible for the renaissance in the field of photography that took place in France between the 1920’s and early 1930’s to be traced to a single group of avant-garde artists ? Photography historians have traditionally concentrated their research on the fact that the photographs of the New Vision released photography from the mistakes of pictorialism and gave it back its autonomy in terms of graphic arts. However, they neglected a remark made in 1930 by Carlo Rim: “the abstract images of Man Ray and Tabard, which foreshadow a joyful reaction, are nothing but an ephemeral fad.” Though the New Vision can be considered to be photography’s new golden age, in France it was rapidly eclipsed by a return “to the most in focus image of the poorest subject,” generated by the rediscovery of early photographs.It is to this era in the history of photography that this study of the photographer Emmanuel Sougez (1889-1972) is devoted. Sougez’s rise to the ranks of the masters of photography and his celebration until the 1950’s as one of the greatest living French photographers, is largely due to his reintroduction of the use of a large format view camera and contact prints. Thus, this study brings to light another facet of the renaissance of photography in France, within the context of a forgotten figure, by assessing the crucial role that Sougez played between the First Independent Salon of Photography in 1928 and the last National Salon of Photography in 1959. Furthermore, in emphasizing the photographer’s contribution to his art, this thesis reveals previously unseen aspects of photography in the first half of the 20th century.