Orientador: Fernão Vitor Pessoa de Almeida Ramos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-24T17:56:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Braz_BeatrizNogueiradeLimaD'Angelo_M.pdf: 1145799 bytes, checksum: 6dfccd626955893285744da67e3fb1bc (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: O presente trabalho propõe um estudo analítico de O Escafandro e a borboleta (Le Scaphandre et le papillont), 2007, de Julian Schnabel, baseado no livro homônimo e autobiográfico de Jean-Dominique Bauby. Esse estudo tem como objetivo analisar a forma com a qual o filme transpõe para o cinema a narrativa de Bauby, ao transformar a voz narrativa em primeira pessoa no olhar-câmera, que conduz o filme. Busca-se, assim, refletir sobre o ponto de vista no cinema, em especial sobre o plano ponto-de-vista, como forma de materializar em imagem o monólogo subjetivo e o confinamento que caracterizam as memórias de Bauby / Abstract: This piece aims to study and analyze the film adaptation of The Diving bell and the butterfly, 2007, directed by Julian Schnabel. Moreover, it intends to analyze how the film turns the narrative of Jean-Dominique Bauby¿s book into film by transforming the first person - the literary I in the book - into the camera, making the framing play a key role in the adaptation process. We seek to discuss and analyze point of view in the cinema, shedding light to the point of view shot, and how it made it possible to turn the subjective monologue and the sense of confinement that characterize Bauby¿s memoir into film / Mestrado / Multimeios / Mestra em Multimeios

Orientador: Wencesláo Machado de Oliveira Junior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-24T03:50:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rechia_KarenChristine_D.pdf: 3307718 bytes, checksum: c9c35baedfd058fecbbab92bf1f9dba8 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: A questão central desta tese gira em torno da noção de vidência deleuziana como potência de mobilização do pensamento a partir de um conjunto de imagens fílmicas. Dessa forma na parte um lida-se com os conjuntos de imagens selecionados a partir de três obras fílmicas. Duas delas, Umberto D e Alemanha Ano Zero estão circunscritas ao que se convencionou chamar de neo-realismo italiano e a terceira "O preço da ilusão", uma obra catarinense da qual só restaram sete minutos. A opção por certos filmes não está limitada a um ou outro movimento cinematográfico. O que se quer na verdade é destacar seus elementos fílmicos como vitais na configuração de uma estética e na potencialização das imagens. Neste viés realço que a opção por escolher conjuntos de imagens e não os filmes como um todo participa deste caminho metodológico que considera a imagem em sua atemporalidade, posto que o conceito de vidência é o que está em evidência nesta pesquisa e não a historicidade da filmografia. Assim, neste capítulo, os conjuntos de imagens dialogam com diferentes conceitos ou noções tais como: esgotamento, intolerável, plano sequência, campo, enquadramento etc. A parte dois versa sobre uma experimentação a partir de um curso de extensão. Na parte um o que está em questão é o que eu "aprendo" no diálogo com conceitos/noções e imagens e na parte dois é o que eu proponho e o que deriva deste movimento. Destacar o uso de elementos fílmicos - técnicos e estéticos - e temáticos como referenciais de análise tem como objetivo, mais do que a semelhança com as cenas da parte um, evidenciar aquilo que escapa do próprio aprendizado anterior, no sentido de apreender o que talvez sejam linhas de fuga. A parte três compõe-se das coisas que se deixou pelo caminho, daquilo que não se chegou a lapidar, alguns fragmentos arruinados de ideias edificantes. Filmes, conceitos, elocubrações. É dessa matéria, móvel e viva, que se compõe essa terceira parte. Por fim a parte quatro pretende uma conversa inicial sobre cinema e educação. / Abstrac: The central question of this doctoral research is based on the notion of Deleuze's clairvoyance as a mobilizing power of thought and the discussion of such notion is made from a set of filmic images. Thus, in the first part of this work, a set of images selected from three film works is discussed. Two of these works, Umberto D and Germany Year Zero are confined to what came to be known as Italian neo-realism while the third film work "The price of illusion," is a work produced in the state of Santa Catarina of which only seven minutes remains. The option for such films is not limited to different film movements. Actually, the intention is to highlight filmic elements as vital elements in configuring aesthetic and in potentializing images. From this perspective, I emphasize that the option to choose sets of images instead of using the movies as a whole is part of this methodological approach which considers the image in its timelessness, since the concept of clairvoyance is what is in evidence in this study instead of the historicity of filmography.Thus, in this first chapter, the sets of images dialogue with different concepts and with different notions such as exhaustion, intolerable, plan sequence, field, environment etc. In the second part, an experiment which was developed in an extension course is presented and discussed. Thus, in the first part of this study the emphasis is on what I "learn" from the dialogue between concepts/notions and images while in the second part the emphasis is on what I propose and what proceeds from this movement. Highlighting the use of filmic elements - technical and aesthetic - and thematic, as references to the analysis, more than showing the resemblance to the scenes of part one of this study, aims to make evident which escapes from one's previous learning, in a sense of someone learning what may be escapes lines. The third part consists of things that were left behind, such as movies, concepts, lucubrations which were not lapidated. Some ruined fragments of edifying ideas. This third part is compound by this moving and lively material. Finally, the fourth part intends to initiate a conversation on cinema e education. / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutora em Educação

Orientador: Fernão Vitor Pessoa de Almeida Ramos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T08:09:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tonelo_GabrielKitofi_M.pdf: 1386123 bytes, checksum: 0beb01e84603e1755752d1f599cd3726 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Este trabalho pretende analisar a obra de documentários do cineasta alemão Werner Herzog sob a ótica da autorreflexão do diretor, através de sua voz e de seu corpo, em seus documentários e da relação estabelecida entre Herzog e a narrativa em cada filme. Procura se estabelecer como a característica nasceu em sua filmografia e como evoluiu ao longo das cinco décadas de sua atividade como cineasta. Relacionam-se os processos da inserção de Werner Herzog em seus filmes com a teoria, própria do campo do Cinema Documentário, referente à inserção do sujeito-da-câmera na narrativa fílmica. Tomando como ponto de partida as reflexões surgidas no final da década de 1950 acerca da participação do cineasta na narrativa (Cinema Vérité) até as teorias de uma narrativa documentária profundamente voltada para o universo do próprio cineasta, popularizadas nos anos 1980, pode-se dizer que a autorreflexão do cineasta na narrativa é uma questão viva no campo teórico do Cinema Documentário e que é constantemente problematizada e renovada na produção documentária contemporânea / Abstract: This work intends to analyse german filmmaker's Werner Herzog documentary ouevre, under the optics of the director's voice and body self-reflexion in his documentaries and the relationship between Herzog and his narratives in each work. It tries to establish how this characteristic was born in his filmography and how it has evolved through five decades of his activity as a film director. Herzog's participation in his films is related to theories of Documentary Film concerning the reflexivity of the author in the filmic narrative. Going from questions arised in the late 1950's about the participation of the director in the documentary (Cinema Vérité) to questions related to a profoundly self-referrent documentary narrative popularized in the 1980's, one can say that self-reflection is a subject-matter that is still alive in documentary film theory, being constantly problematized and renewed in contemporary documentary production / Mestrado / Mestre em Multimeios

Orientador: Gilberto Alexandre Sobrinho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instittuto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T10:41:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marzliak_Natasha_M.pdf: 27475322 bytes, checksum: a4247a179330aab3d024b141aeaca98f (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Esta pesquisa analisa as propostas ambientais/fílmicas de Hélio Oiticica produzidas na década de 1970: os quase-cinemas. Por meio dos usos dos suportes do cinema, fotografia e som, e questionando o cinema narrativo e a posição apenas contemplativa do espectador, o artista concebeu espaços sensoriais, experiências quase-cinematográficas que propõem a recusa ao objeto acabado, o convite à participação e novas relações espaços-temporais que alteram o modo de percepção do visitante. Essas propostas se relacionam com o contexto artístico de sua época como, por exemplo, as experiências cinemáticas criadas pelo grupo Fluxus (os fluxfilmes), os eventos de Jack Smith, o Cinema Expandido, o Cinema Marginal e as práticas do Super-8 brasileiros. Em seguida, discute-se as possibilidades dialógicas dessas experiências com os conceitos e algumas práticas de vídeo instalação. Esta aproximação tem como premissa trazer questões estéticas referentes à arte contemporânea, a saber: a exploração dos diversos suportes possíveis, a imersão no espaço, a presentificação do tempo e a participação do público na obra. Tais temas, que já eram amplamente abordados pelo artista, se fazem também expressivos na poética atual das vídeo instalações. Finalmente, busca-se uma aproximação da poética da artista/pesquisadora com os procedimentos estudados / Abstract: This work aims at investigating the environmental and filmic proposals by Hélio Oiticica produced in the 1970's: the quasi-cinemas. Using different devices such as film, photography and sound, and putting into question the narrative cinema and the contemplative/passive position of the viewer, the artist conceived sensorial spaces, quasi-cinematographic experiences in which he desired to refuse the idea of the finished object, the call for active participation and new time/space relations focused on the changing the perception mode of the visitor. These proposals are related to the artistic context of that time, such as the cinematic experience created by the group Fluxus (the fluxfilms), Jack Smith, the expanded cinema and the Brazilian's Cinema Marginal and super-8 practices. Then, it is discussed the possibilities of such dialogical experiences with some of the concepts and practices of video installation. This approach is premised on bringing aesthetic issues relating to the contemporary art, for example through the exploration of different medium possibilities, the immersion in space, the time durative and the participation of public in the work. Such themes, which were widely covered by the artist, are also significant in the poetic form of video installations today. Finally, it is brought an approximation between the questions described above with the art work by the artist/researcher, Natasha Marzliak, author of this dissertation / Mestrado / Artes Visuais / Mestre em Artes

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T08:46:31Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Barros_Valdenira_D.pdf: 16877377 bytes, checksum: d2f9a2eaeefaaef528ea164f85ad5b55 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Esta tese tem como principal objetivo fazer uma reflexão sobre o processo de criação cinematográfica em torno da realização do filme O Sol Sangra, documentário que aborda as memórias de viajantes do trem de Carajás, que circula pelo norte do Brasil. É nossa intenção aprofundarmos o entendimento do cinema como um espaço de lembrança, de memória, de encontro de temporalidades e subjetividades tendo como base a experiência de elaboração desse filme / Abstract: This thesis has as its main objective to make a reflection on the process of cinematographic creation around the making of the film The sun bleeds, a documentary that deals with the Carajás railroad's train travelers memories, which runsthrough northernBrazil. It is our intention to deepen the understanding of the cinema as a place of remembrance, of memory, of meeting of temporalities and subjectivities based on the experience of making the film / Doutorado / Multimeios / Doutora em Multimeios

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-03T21:13:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Brum_AlessandraSouzaMelett_M.pdf: 1114726 bytes, checksum: 606e75d16bb2d8158af3336be85dd77a (MD5) Previous issue date: 2003 / Mestrado

Orientador: Iara Lis Franco Schiavinatto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-03T23:24:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Garboggini_JoaoAndreBrito_M.pdf: 6626970 bytes, checksum: 2239b71d6a4329a72a91355f2b1b9684 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: O presente trabalho propõe uma análise filmica de ''L 'Armata Brancaleone" de Mário Monicelli, produzido entre os anos 1965 e 1966. Na dissertação procuro, inicialmente realizar um mapeamento da commedia all 'italiana, gênero cinematográfico que se desenvolveu a partir do final da década de 1950 e atingiu seu auge em meados de 1970. Aí destacam-se alguns importantes filmes (Pane, Amore e Fantasia -1953, li Sorpasso -1962, Divorzio all1taliana - 1961, por exemplo) e cineastas (Luigi Comencini, Pietro Germi, Dino Risi, entre outros) para a elaboração da perspectiva cinematográfica de Mario Monicelli. Este procedimento permite perceber de que maneira L 'Armata Brancaleone se diferencia dos demais, por recuperar um período histórico, no caso a Idade Média, de uma forma cômica. Em um segundo momento, o objetivo é notar como "L 'Armata Brancaleone ", à medida em que constrói uma ficção histórica no que se refere à Idade Média, dialoga com alguns gêneros literários relacionadas à figura do "cavaleiro andante", tais como a Canção de Gesta, os Romances de Cavalaria, o D. Quixote de Ia Mancha de Cervantes, e também à figura da personagem Capitano da Commedia deU 'Arte, além de insinuar uma crítica à figura do Condottiero renascentista, presente na cinematografia italiana do período fascista. A última etapa consiste numa espécie de análise do filme; um ensaio a partir da "Morfologia do Conto Maravilhoso" de WIadmir Propp (1984), a fim de estudar o percurso das personagens dentro da narrativa filmica, num diálogo das personagens entre si e com o ambiente aonde se desenrola sua trajetória e onde se constrói a noção de um período histórico especificado como medieval / Abstract: The present work proposes an analysis of Mario Monicelli' s film "L' Armata Brancaleone ", produced between 1965 and 1966. In the dissertation I try, at first, to map the commedia all'italiana as a movie genre that started to be developed at the end of the 1950's and reached its heights around the 1970's. At this point some films (Pane, Amore e Fantasia -1953, n Sorpasso -1962 and Divomo ali Jtaliana - 1961, for example) and filmmakers (Luigi Comencini, Pietro Germi, Dino Risi, among others) are important for us to trace Mario Monicelli's perspective as a rnovie maker. This wiIl aIlow us to perceive in which ways "L '.Armata Brancaleone is different ftom other films, reconstructing the Middle Ages as a historic period in a comic way. In a second instance, the objective is to pinpoint how "L' Armata Brancaleone" builds a piece of historic fiction referring to the Middle Ages at the same time it establishes a dialogue with certain literary categories related to the figure ofthe knight, like Cervante's D. Quixote della Mancha, the Chanson de Geste or the Cilvary Romances, also characters like Capitano ftom the Commedia dell'.Arte. At the same time, the filmmaker hints to a critic of the renaissance's Condotiero as a character of the fascist period in the ltalian Cinema. The last part of the work contains an analysis of the film in the form of an essay, that was built having as a starting point Vladimir Propp' s ''Morphlogy of the Folktale" (1984), 50 we could study each character's trajectory inside the narrative, their interaction with each other and their setting, where an identification with a medieval period is constructed. / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Orientador: Marcius Cesar Soares Freire / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-04T00:44:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DeGrande_AirtonMiguel_M.pdf: 2163735 bytes, checksum: c9bae73db39d4d5de3ba1817c279514f (MD5) Previous issue date: 2004 / Resumo: Este trabalho tem como proposta analisar dez documentários brasileiros realizados entre 1990 e 2003 e verificar como se dá a representação de infratores nessas obras. Para tanto emprega, entre outros, os conceitos de Nichols (1988, 2001) sobre "voz" e "modo de representação" dos documentários e as apreciações de Bernardet (1985, 2003) a respeito da "voz do povo nos filmes". Coteja e diferencia as formas de produção do telejornalismo e do documentário e ressalta por que os documentários conseguem produzir representações mais completas e menos estigmatizantes que as reportagens televisivas / Abstract: This work has as its main purpose to analyse ten brazilian documentaries produced between 1990 and 2003 and to verify the way the representation of criminals occurs on them. For such task the author applied, among others, the Bill Nichols (1988, 2001) concepts of voice of documentary and documentary modes of representation . The observations of Bernardet (1985, 2003) concerning the voice of the people on films were also applied. This work also collates and distinguishes the modes of production developed by television journalism and by documentaries, and emphasizes why documentaries manage to produce more complete and less stigmatizing representations than TV reports / Mestrado / Mestre em Multimeios

Submitted by Maria Dulce (mdulce@ndc.uff.br) on 2014-02-13T19:44:34Z No. of bitstreams: 1 Esteves, Flavia-Tese-2013.pdf: 2241259 bytes, checksum: f12f2aeba5461d7002e571ee2bee6ef5 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-02-13T19:44:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Esteves, Flavia-Tese-2013.pdf: 2241259 bytes, checksum: f12f2aeba5461d7002e571ee2bee6ef5 (MD5) Previous issue date: 2013 / O cinema, como um veículo para interpretação de um contexto histórico particular, mantém estreitas relações com a conjuntura na qual é concebido e visto. O diálogo entre filmes e história é focalizado neste trabalho através dos personagens femininos de quatro produções brasileiras: S. Bernardo (Leon Hirszman, 1972); Lição de amor (Eduardo Escorel, 1975); Parahyba mulher macho (Tizuka Yamasaki, 1983) and Eternamente Pagu (Norma Bengell, 1988). Esta pesquisa tenta compreender uma proposta de cinema político que leva às telas mulheres expressivas como protagonistas ou personagens essenciais na narrativa — elas se convertem em instrumentos para se questionar aspectos do poder que extrapolam a política institucional. Tais filmes pertencem a um contexto no qual as artes no Brasil enfrentam os efeitos de um governo ditatorial, como a censura e a repressão política, além do crescimento de uma indústria cultural. Cabe aqui discutir se a opção por observar aspectos subjetivos e relações pessoais, em cada uma das produções analisadas, acaba por produzir uma concepção distinta de política e de um cinema que busca a crítica social. Para além de elementos que sugerem aceitação do mercado cinematográfico e as limitações do contexto político, tais personagens femininas, apropriadas de décadas anteriores na história do Brasil, expressam certo olhar questionador sobre relações familiares, pessoais ou amorosas, ou mesmo sobre os papéis femininos na sociedade. Relações sociais cotidianas e conflitos subjetivos compõem, através das personagens femininas, um espaço para a análise do poder em suas múltiplas dimensões — em outras palavras, concebendo e vivenciando o privado como político. / Cinema, as a vehicle for na interpretation of a particular historical time, keeps close relation with the context in which it is conceived and seen. The dialogue between films and History is focused on this essay through the feminine characters of four Brazilian movies: S. Bernardo (Leon Hirszman, 1972); Lição de amor (Eduardo Escorel, 1975); Parahyba mulher macho (Tizuka Yamasaki, 1983) and Eternamente Pagu (Norma Bengell, 1988). It tries to understand a proposal of political cinema that puts on screen expressive women as principal or essential characters in the narrative – these women appear as instruments to question aspects of politics which go beyond the institutional politics. These films belong to a context in which Brazilian arts face the effects of a dictatorial government, such as censure and political repression, and also the increase of a cultural industry. It is worth discussing whether the option for observing subjective aspects and personal relationships, in each of these movies, ends up producing a differentiated conception of politics and a film focused on social criticism. Besides the elements that signal and acceptance of the film market and the limitations of the political context, these feminine characters, which belong to previous decades in Brazilian History, express such critical remark on personal, family and love relationships, or even on women’s role in society. Social relations in the daily routine and subjective conflicts compose, through the feminine characters, a space to analyze the power in its multiple dimensions – in other words, conceiving and living the private as political.

[pt] O objetivo da dissertação é investigar a construção da narrativa em primeira pessoa no cinema de ficção brasileiro contemporâneo, levando em conta a crítica que se fez, nos anos 70, à voz do saber e ao uso da terceira pessoa, predominante no discurso do Cinema Novo - fruto de um período em que as artes caminhavam em consonância com um projeto coletivo e igualitário de nação, confiantes na importância do papel do artista para a conscientização do povo. Parte-se da conjunção, no pós-golpe militar, entre a autocrítica dos cineastas intelectuais e o surgimento do cinema direto, com captação simultânea de imagem e som, para pensar os desdobramentos da proposta de dar voz ao outro de classe no cinema da atualidade. A ascensão da primeira pessoa no documentário brasileiro, com a ênfase dada à entrevista, fornece subsídios para compreender o debate ético que se trava em torno da ficção cinematográfica em primeira pessoa, neste início do século XXI. No recorte da dissertação, os seguintes filmes foram selecionados como objeto de análise: O homem que copiava (2003), de Jorge Furtado, Cidade de Deus (2002), de Fernando Meirelles e Tropa de Elite (2007), de José Padilha. / [en] The goal of the dissertation is to investigate the construction of narratives in the first person in contemporary Brazilian cinema, considering the criticisms made in the 1970’s against the Voice of Authority and the use of the third person, predominately in Cinema Novo - the fruit of a period in which the arts traveled in consonance with a collective and egalitarian project of the nation, confident in the importance of the role of the artist to educate the people. Starting with the hypothesis that, in the post-Military Dictatorship, between the autocracy of intellectual directors and the rise of Direct Cinema, using the direct capture of image and sound, to analyze the consequences of giving voice to other classes in current cinema. The rise of the first person in Brazilian documentary, with emphasis on the interview, provides means to comprehend the ethical debate that surrounded cinema in the first person, in the beginning of the 21st century. In the selection of the dissertation the following films were chosen for analysis: O homem que copiava (2003), by Jorge Furtado, Cidade de Deus (2002), by Fernando Meirelles and Tropa de Elite (2007), by José Padilha.