The purpose of this study was to describe how mirrors affect contemporary dance pedagogy students’experiences of themselves. Empirical material was collected through semi-structured interviews with four dance pedagogy students at the School of Dance and Circus, and analyzed with the help of post-humanistic perspective and Lacanian mirror stage theory. The results suggest that mirrors are active agents that participate in several things, for example they create an evaluating gaze, objectification, alienation from the subject as a unity, experience of two-dimensional bodies and distraction. The results also suggest that the mirrors actively create afront and direction, and therefore they shield dancers from sensing their ‘inner selves’ as well as others in theroom, time and space. The feeling of success and mood affect the way dancers feel about their mirror images and themselves. In summary, this study stresses that the mirror, an object, is active and agentic, instead of thinking that the dancer is the only active part in the dancer-mirror relationship.

Au début des années 2000 un phénomène de transgression des représentations corporelles conventionnelles envahit les scènes chorégraphiques. Autonomie, indiscipline, réflexivité, expérimentation, tendance protéiforme, performativité, intégration sociale et attitude participative, ne sont que quelques dimensions que le corps dansant favorise. D’où provient-il ce phénomène ?Cette thèse, en mettant la question en perspective historique, examine comment les revendications chorégraphiques à orientation politico-artistique du milieu des années 1990, qui visaient à défier les limites propres de la danse, les limites entre les autres arts, mais aussi entre l’artiste, l’œuvre et le spectateur, la danse et les schémas institutionnels du pays, ont trouvé toute leur légitimité et porté leurs fruits dans les années 2000.Dans la lignée de l’analyse critique qui a récemment élargi son champ d’intérêt, interrogeant les frontières traditionnelles de la danse, cette thèse propose d’explorer les transformations du corps, de la pensée, de l’image et du regard, opérées dans le champ chorégraphique, en examinant : la (ré)formation du corps dansant, le processus d’historicisation du domaine, la mutation du visuel due aux démarches transdisciplinaires et transversales, ainsi que le projet de démocratisation de la discipline qui engendre des (ré)formations du corps-public. Trois questions principales traversent l’étude : Quel corps ? Quelle danse ? Qui danse ? A la fois panoramique et monographique, cette thèse développe une méthodologie qui se prête à offrir une sensibilisation à l’analyse pluridimensionnelle du domaine ainsi que des outils adéquats pour une historiographie des œuvres. / In the early 2000s, a phenomenon of transgression in the conventional representations of bodies invades the choreographic scenes. Autonomy, indiscipline, reflexivity, experimentation, protean tendency, performativity, social integration and participative attitude are some of the dimensions favored by the dancing body. Where does this phenomenon come from? Within a historical perspective, this PhD thesis examines how these choreographic claims with a politico-artistic orientation of the middle 1990s, aiming to challenge the proper limits of the dance, the boundaries among the other arts, the frontiers between the artist, his work and the audience, as well as the dance and the French institutional frame, found their legitimacy and started showing results in the years 2000. In line with the critical analysis which recently expanded its field of interest by questioning the traditional borders of the dance, this PhD thesis proposes to explore the transformations of the body, the thinking, the image and the view by examining: the (re)formation of the dancing body, the process of historicisation of the domain, the mutation of visuals stemming from transdisciplinary and transversal approaches, as well as the discipline’s democratisation which generates the (re)formation of the audience. This study deals with three main questions: Which body? Which dance? Who is dancing?Panoramic as well as monographic, this research develops a methodology which intends to raise awareness in favour of the multidimensional analysis of dance, as well as for the most adequate tools for the historiography of related works.

A presente dissertação se dedica a refletir sobre o corpo e o grotesco na arte e na comunicação contemporâneas. O objetivo do estudo foi investigar o grotesco na cena da dança contemporânea com o intuito de compreender como se dá a relação entre o modo de apreensão do grotesco na atualidade e o modo como ele se apresenta cenicamente. Assim, procurou-se investigar que representações da cultura contemporânea podem estar associadas às manifestações do fenômeno grotesco; como a mídia e o consumo de massa participam na disseminação desta estética; e como o corpo cênico na dança se aproxima/reflete estas representações presentes no cotidiano. O fenômeno grotesco, objeto de estudo desta pesquisa, foi investigado em duas companhias de dança: a Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) e o Grupo Cena 11 de Dança (SC), onde foram observados o tratamento artístico e os dispositivos utilizados para construção do efeito corpo-grotesco nos espetáculos e o posicionamento dos artistas com o uso da estética grotesca nas obras. O embasamento teórico do estudo investiu na compreensão do fenômeno grotesco nos âmbitos histórico, estético/artístico e social e sua contextualização na contemporaneidade. Partiu-se do entendimento de que o corpo é mídia primária, "espaço" de comunicação e de linguagem e a dança cênica é um fenômeno urbano, que espelha as transformações representacionais do início deste século XXI. As abordagens teóricas de Mikhail Bakhtin sobre o realismo grotesco; de Wolfgang Kayser, sobre o grotesco romântico e os estudos de Muniz Sodré e Raquel Paiva, sobre o grotesco na comunicação contemporânea fundamentaram as discussões. Foi relevante refletir sobre as mudanças de paradigmas sociais que vêm se desenhando na atualidade, sobretudo com a influência do desenvolvimento tecnológico e midiático sobre as corporeidades e os processos de subjetivação. As qualidades fluidas e polifônicas associadas à contemporaneidade nortearam o entendimento desses novos paradigmas estéticos do corpo - atribuídos como corporeidades móveis contemporâneas - e, serviram para denominar/compreender como "grotesco líquido" a presença múltipla e volátil dos fenômenos grotescos na atualidade. / This dissertation is dedicated to reflecting on the body and the grotesque in the contemporary art and communication. The aim of this study was to investigate the grotesque in contemporary dance scene in order to understand the relationship between the way of apprehension of the grotesque nowadays and how it is presented scenically. This way, we sought to investigate representations of contemporary culture that may be associated with manifestations of the grotesque phenomenon; how the media and mass consumption take part in the dissemination of this aesthetic; and how, in the dance, the scenic body approaches/reflects these representations present in everyday life. The grotesque phenomenon, object of this research, was investigated in two dance companies: Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) and Grupo Cena11 de Dança (SC), where we observed the artistic treatment and equipment used for the construction effect on body-grotesque during the performances and the point of view of the artists using the grotesque aesthetic in their works. The theoretical grounds of this study invested in understanding the grotesque phenomenon in historical fields, aesthetic/artistic and social and its contextualization in contemporaneity. This started from the understanding that the body is primary media, "space" of communication and language, and the scenic dance is an urban phenomenon that mirrors the representational transformations from the beginning of the 21st century. The theoretical approaches of Mikhail Bakhtin on the grotesque realism; Wolfgang Kayser, on the romantic grotesque and the studies of Muniz Sodré and Raquel Paiva, on the grotesque in contemporary communication grounded the discussions. It was important to reflect on the changing of social paradigms that have been molding themselves nowadays, especially with the influence of technological development and media on corporeality and subjectivity processes. The fluid and polyphonic qualities associated with contemporaneity, guided the understanding of these new aesthetic paradigms of the body - assigned as contemporary mobile corporealities - and served to denominate/understand as "liquid grotesque" the multiple and volatile presence of the grotesque phenomena today.

Ce travail de recherche a pour objectif de mettre en avant la rencontre cinéma-danse à partir d'une libération des soubassements métaphysiques de l'art, ce faisant un instrument de médiation d'un ordre supérieur à l'artiste dont l'activité se réglait à la lumière d'un idéal éthico-politique, source d'inspiration du thème de l'ailleurs. Le cinéma est ce nouvel espace où la danse s'invente un autre corps en dehors d'une réglementation des pratiques et des usages, d'une pédagogie par le biais de laquelle les affections du corps étaient corrigées en miroir des œuvres de l'esprit. Le fait que le cinéma soit apparu à un moment de réhabilitation de la valeur philosophique du sensible le rend complice d'une danse cherchant à accroître son expérience du mouvement et à s'affranchir des limites de la représentation classique. C'est cette complicité à l'égard d'une attitude en commun qui ressort des divers aspects que soulève la problématique de la danse contemporaine à l'épreuve du cinéma et de la vidéo. / This research work bas for objective to put forward the meeting cinema-dance from a liberation of the metaphysical bases of the art, making it an instrument of mediation of an order upper to the artist whose activity adjusted in the light of an ethical and political ideal, a source of inspiration of the theme of somewhere else. The cinema is this new space where the dance in vents another body except a regulations of the practices and the uses, the pedagogy by means of which the affections of the body were corrected in mirror of the works of the spirit. The fact that the cinema appeared at a moment of rehabilitation of the philosophic value of the sensitive makes it collusive in a dance trying to increase its experience of the movement and to free itself from limits of the classic representation. It is this complicity towards an attitude in common that takes out a gain diverse aspects which lifts the problem of the contemporary dance in the event of the cinema and the video.

Submitted by Jordan (jordanbiblio@gmail.com) on 2017-02-08T12:55:52Z No. of bitstreams: 1 DISS_2012_Danielle Milioli.pdf: 2720853 bytes, checksum: bbcd1f0c226a90604b86da1f5af31a75 (MD5) / Approved for entry into archive by Jordan (jordanbiblio@gmail.com) on 2017-02-08T13:03:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISS_2012_Danielle Milioli.pdf: 2720853 bytes, checksum: bbcd1f0c226a90604b86da1f5af31a75 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-08T13:03:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISS_2012_Danielle Milioli.pdf: 2720853 bytes, checksum: bbcd1f0c226a90604b86da1f5af31a75 (MD5) Previous issue date: 2012-03-09 / CAPES / Este trabalho se situa como diálogo interdisciplinar entre Dança Contemporânea e Psicologia Social atravessado por questionamentos provenientes do campo dos estudos sociotécnicos acerca da centralidade da agência humana. A dissertação é composta por três experimentos onde uma artista e não/humanos são parceiros de dança. A noção de experimentos sociotécnicos de criação empregada visa realçar humanos e não/humanos sem hierarquia agencial ou epistêmica entre ambos. Nessa perspectiva, diferentemente de objetos cênicos tão frequentes na dança, não/humanos são aqueles com quem se constitui a criação. Em cada experimento sociotécnico de criação, diferentes não/humanos constituíram as danças: papéis, grãos de soja e refugos tecnológicos. No primeiro experimento, tomam-se papéis como objeto sensorial para produzir arranjos que tornam visíveis multiplicidades corporais e atributos concernentes às materialidades com as quais se dança. No segundo experimento, a soja como uma espécie companheira encorpora diferentes práticas e transforma-se em tropo para pensar uma natureza dançante que traduz a relacionalidade na construção do mundo. No terceiro, discutem-se as relações entre dança e tecnologia em processos de aparelhagem e desaparelhamento em relações de exoevolução num corpoexperimento. / This paper situates itself as an interdisciplinary dialog between Contemporary Dance and Social Psychology, getting through questionings originating from sociotechnical studies on centrality of human agency. The dissertation is composed of three experiments where an artist and non-humans are dance partners. The notion of sociotechnical experiments of creation applied here aims to highlight humans and non-humans without agencial or epistemical hierarchy between both. In this perspective, unlike scenic objets so often in dance, non-humans are those with whom creation is constituted. In each sociotechnical experiment of creation, different non-humans constituted the dances: papers, soy grains and technological junk. In the first experiment, papers were taken as sensorial object to produce arrangements that turn corporal multiplicities and attributes, concerning the materialities with which it dances, visible. In the second experiment, the soy as companion specimen embodies different practices and turns into a trope to think a dancing nature that translates the relationality in world construction. In the third, relations between dance and technology are debated, in processes of deciving and undevicing in exoevolution relations in an experiment-body.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jussara.pdf: 3289353 bytes, checksum: ad28478a2395e5f09b3cb9b3166f8df7 (MD5) Previous issue date: 2012-05-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis discusses the concept of contemporary dance as event and realization of an experience in which life is intensified and transformed into a single space-time. Thus, the contemporary in dance is not determined by chronological factor, but as a suspended art where past, present and future crosses each other. The work is composed of different analytical essays. Its parts are offered as movable possibilities of combination, portions that are intertwined, flowing movements. It is a relational and transitory map of doings and sayings related to dance, in which, mainly, the arguments of Gilles Deleuze, Félix Guattari, Giorgio Agamben, Josette Feral and José Gil are essential. The first part is dedicated to problematize different corporealities: identifies games with the variation and plasticity of the body, such as attempts to produce new modes of perception and affection. In this sense, it presents the method Percepção Física, developed by director Alejandro Ahmed with Grupo Cena 11 Cia. de Dança. And also discusses performances of dancers and coreographers such as Eduardo Fukushima (SP) and Micheline Torres (RJ), whose bodies are permanently conceived as a becoming-other. Next, dance is investigated from a theoretical perspective of theatricality, that is, dance is understood as an artistic act that transform reality and violation of ordinary life. It is considered that theatricality results from dynamic perceptions the look that links the observed, either subject or object, to an observer, and only thus, gives rise to fiction. To search for different possibilities of action in the contemporary scene, creations capable of producing surprising effects related to the habitual, as well, displacements and deviations, are analysed. Artists and companies such as Vanilto Lakka (MG), Erika Rosendo (SC) and Cena 11 are considered / Esta tese discute a noção de dança contemporânea como acontecimento e realização de uma experiência em que a vida é intensificada e transformada num tempo-espaço único. Sendo assim, o contemporâneo na dança não é determinado por um valor cronológico, mas como arte suspensa em que passado, presente e futuro se atravessam. O trabalho é composto por diferentes ensaios analíticos. Suas partes se oferecem como possibilidades móveis de combinação, porções que se interpenetram, movimentos que circulam. Trata-se de um mapa relacional e transitório de fazeres-dizeres ligados a dança, em que, principalmente, os argumentos de Gilles Deleuze, Félix Guattari, Giorgio Agamben, Josette Feral e José Gil são imprescindíveis. Um primeiro momento é dedicado a problematizar diferentes corporeidades: identifica jogos com a variação e plasticidade do corpo, como tentativas de se produzir novos modos de percepção e afecção. Neste sentido, apresenta uma pesquisa do método Percepção Física, desenvolvido pelo diretor Alejandro Ahmed junto ao Grupo Cena 11 Cia. de Dança (SC). E, ainda, discute atuações dos intérpretes e criadores Eduardo Fukushima (SP) e Micheline Torres (RJ), cujos corpos são pensados de modo contínuo como devir-outro. No espaço seguinte, a dança é investigada a partir da perspectiva teórica da teatralidade, ou seja, a dança é compreendida enquanto ato artístico de transformação do real e violação do cotidiano. Considera-se que a teatralidade resulta de dinâmicas perceptivas - do olhar que une um observado, seja sujeito ou objeto, a um observador, e somente assim, faz emergir a ficção. Para pesquisar diferentes possibilidades de ação da contemporaneidade na cena, criações que fabricam efeitos de estranhamento em relação ao familiar, bem como, deslocamentos e desvios, são analisadas. Artistas e grupos como Vanilto Lakka (MG), Erika Rosendo (SC) e Cena 11 são considerados

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 119466.pdf: 267238 bytes, checksum: 5358a99cd828b7a71fe574cce08fec11 (MD5) Previous issue date: 2014-08-21 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The thesis discusses improvisation as a transformative element of the choreographer function, in dance, that reflects on collaborative processes of creation, which implies the participation of everyone involved in the work of composition, and from their artistic skills have a legitimate space for creation. The research develops a theoretical trajectory that crosses different areas, from the philosophy to the study in dance to illustrate and understand the improvisation role on the individual formation, and locate him in the experience space. Thus, it is possible to refer to the theory of "ethics of existence" and "self-care" developed by Michel Foucault, and Danielle Goldman, which suggests the improvisation practice as a practice of freedom. An analysis of the creation process is considered from multiple instances. In order to do that, this study develops a mapping of experiments and devices of procedures and collaborative processes of composition proposed by the vanguards of the 1960s, and the implications in the transformation of the concept of dance. It reflects on the improvisation phenomenon as a dance technique, as a cause of the transformation and strengthening of the collective, and its use in the creation processes with detailed analysis of the improvisation process. The concepts of language, meaning and affect are discussed to chart a course that outlines the thoughts as a choreographer, and where the dramaturgy and the meaning construction in the dance happen, in the processes one performs the choreographer function. Also, one considers in which state the dance presents and affects the imagination as a starting point for the process of invention and assembly. The aim is also to analyze the changes in the concepts of choreography, choreographer and some principles and practices pertaining to the universe composition before the panorama that is configured in the creation. Finally, in the same direction; however, with a perspective turned to the processes of two processes of assembly of Ronda Grupo, it is possible to describe parts of the proceedings of creation techniques, and the work of producing a sense, in the pieces Socorro (2008) and Lugar Nenhum (2010). Therefore, one brings for discussion the Deleuze and Guattarri s concepts of Ritornello and Fabulation as a way of questioning the creative form of improvisation and the creativity movement. / Esta tese discute a improvisação como elemento transformador da função do coreógrafo na dança que reflete em processos colaborativos de criação, que pressupõe a participação de todos os envolvidos no trabalho de composição que a partir de suas competências artísticas tem espaço legítimo para criação. A pesquisa desenvolve uma trajetória teórica que atravessa campos distintos, da filosofia para a pesquisa em dança para ilustrar e compreender o papel da improvisação na formação do sujeito e situá-lo no espaço da experiência. Para isso faz referência à teoria da ética da existência e o cuidado de si elaborados por Michel Foucault, e à Danielle Goldman, que sugere a prática da improvisação como uma prática de liberdade. A análise do processo de criação é considerada a partir de várias instâncias e, para isso, este estudo faz um mapeamento das experiências e dos dispositivos de procedimentos e processos colaborativos de composição propostas pelas vanguardas da década de 60 e suas implicações na transformação da noção de dança. Reflete sobre o fenômeno da improvisação como técnica de dança e como causa da transformação e do fortalecimento dos coletivos e do seu uso nos processos de criação, com a análise detalhada do processo da improvisação. Os conceitos de linguagem , sentido e afecto são discutidos para traçar um percurso que delineia o meu pensamento enquanto coreógrafa e por onde se dá a dramaturgia e a construção de sentido na dança nos processos onde exerço a função de coreógrafa. Além disso, considero em que estado a dança se apresenta a mim e afeta a minha imaginação como ponto de partida para um processo de invenção e de montagem. Busco, ainda, analisar as transformações nos conceitos de coreografia, de coreógrafo e alguns princípios e práticas pertencentes ao universo de composição diante do panorama que se configura na criação. Por fim, nesta mesma direção, porém com uma perspectiva voltada para os processos de duas montagens do Ronda Grupo, descrevo partes dos procedimentos das técnicas de criação e do trabalho de construção de sentido nos espetáculos Socorro (2008) e Lugar nenhum (2010). Para tanto, trago para a discussão os conceitos de Ritornelo e Fabulação de Deleuze e Guatarri como forma de problematizar a forma criativa da improvisação, ou o movimento da criatividade.

Made available in DSpace on 2014-12-17T14:00:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ChrystinePS_DISSERT.pdf: 2037695 bytes, checksum: 1cdce9c08277a41924f14e44bf173871 (MD5) Previous issue date: 2014-03-27 / Tanto no contexto acad?mico quanto no art?stico e mercadol?gico, ? crescente a discuss?o sobre o espa?o de conceitua??o da dan?a contempor?nea e suas fissuras, que deixam de abarcar esta ou aquela manifesta??o art?stica ou mesmo acaba por abarcar aquelas manifesta??es que n?o se encaixam em outros espa?os de conceitua??o. No presente trabalho objetivamos a investigar, a Dan?a na Contemporaneidade, para al?m do que se entende por dan?a contempor?nea, em sua capacidade de atravessar os espa?os de conceitua??o j? estabelecidos, para implicar em uma pluralidade de fazeres. Objetivamos tamb?m pensar a pot?ncia que a Dan?a imprime no corpo do artista criador, pensando tamb?m como este se comporta no espa?o de entre linguagens . A disserta??o que aqui se apresenta encontrou enquanto estrat?gia metodol?gica o recurso da met?fora, partindo das ideias de travessia, cartografia e cidades invis?veis para a constru??o do pensamento sobre o corpo do artista e suas rela??es com as diferentes linguagens art?sticas, tomando por base uma retomada das experi?ncias est?ticas e art?sticas de sua proponente. Dialogando experi?ncias pr?ticas e referenciais te?ricos, inicialmente tratamos da dan?a contempor?nea em seus problemas de classifica??o que apontam para a necessidade de um pensamento contempor?neo em dan?a, que pense as manifesta??es art?sticas em seus pontos convergentes, e n?o nos divergentes que as situam sob diversas nomenclaturas. No cap?tulo seguinte discutimos a possibilidade de contamina??o entre as linguagens art?sticas a partir do pr?prio corpo-artista. Discorremos tamb?m sobre a dan?a enquanto agenciamento e resposta aos impulsos resultantes da rela??o com o espa?o e outros corpos, pensando como o corpo do vivente se organiza nesta rela??o de compartilhamento de experi?ncias. Mostrando uma pot?ncia do corpo artista criador que se dedica ? transvalora??o das fronteiras entre as linguagens para a organiza??o do seu fazer. Por fim, apontamos para a diversidade na metodologia de processos de cria??o que variam de acordo com as possibilidades t?cnicas e necessidades est?ticas de cada artista criador

A presente dissertação se dedica a refletir sobre o corpo e o grotesco na arte e na comunicação contemporâneas. O objetivo do estudo foi investigar o grotesco na cena da dança contemporânea com o intuito de compreender como se dá a relação entre o modo de apreensão do grotesco na atualidade e o modo como ele se apresenta cenicamente. Assim, procurou-se investigar que representações da cultura contemporânea podem estar associadas às manifestações do fenômeno grotesco; como a mídia e o consumo de massa participam na disseminação desta estética; e como o corpo cênico na dança se aproxima/reflete estas representações presentes no cotidiano. O fenômeno grotesco, objeto de estudo desta pesquisa, foi investigado em duas companhias de dança: a Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) e o Grupo Cena 11 de Dança (SC), onde foram observados o tratamento artístico e os dispositivos utilizados para construção do efeito corpo-grotesco nos espetáculos e o posicionamento dos artistas com o uso da estética grotesca nas obras. O embasamento teórico do estudo investiu na compreensão do fenômeno grotesco nos âmbitos histórico, estético/artístico e social e sua contextualização na contemporaneidade. Partiu-se do entendimento de que o corpo é mídia primária, "espaço" de comunicação e de linguagem e a dança cênica é um fenômeno urbano, que espelha as transformações representacionais do início deste século XXI. As abordagens teóricas de Mikhail Bakhtin sobre o realismo grotesco; de Wolfgang Kayser, sobre o grotesco romântico e os estudos de Muniz Sodré e Raquel Paiva, sobre o grotesco na comunicação contemporânea fundamentaram as discussões. Foi relevante refletir sobre as mudanças de paradigmas sociais que vêm se desenhando na atualidade, sobretudo com a influência do desenvolvimento tecnológico e midiático sobre as corporeidades e os processos de subjetivação. As qualidades fluidas e polifônicas associadas à contemporaneidade nortearam o entendimento desses novos paradigmas estéticos do corpo - atribuídos como corporeidades móveis contemporâneas - e, serviram para denominar/compreender como "grotesco líquido" a presença múltipla e volátil dos fenômenos grotescos na atualidade. / This dissertation is dedicated to reflecting on the body and the grotesque in the contemporary art and communication. The aim of this study was to investigate the grotesque in contemporary dance scene in order to understand the relationship between the way of apprehension of the grotesque nowadays and how it is presented scenically. This way, we sought to investigate representations of contemporary culture that may be associated with manifestations of the grotesque phenomenon; how the media and mass consumption take part in the dissemination of this aesthetic; and how, in the dance, the scenic body approaches/reflects these representations present in everyday life. The grotesque phenomenon, object of this research, was investigated in two dance companies: Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) and Grupo Cena11 de Dança (SC), where we observed the artistic treatment and equipment used for the construction effect on body-grotesque during the performances and the point of view of the artists using the grotesque aesthetic in their works. The theoretical grounds of this study invested in understanding the grotesque phenomenon in historical fields, aesthetic/artistic and social and its contextualization in contemporaneity. This started from the understanding that the body is primary media, "space" of communication and language, and the scenic dance is an urban phenomenon that mirrors the representational transformations from the beginning of the 21st century. The theoretical approaches of Mikhail Bakhtin on the grotesque realism; Wolfgang Kayser, on the romantic grotesque and the studies of Muniz Sodré and Raquel Paiva, on the grotesque in contemporary communication grounded the discussions. It was important to reflect on the changing of social paradigms that have been molding themselves nowadays, especially with the influence of technological development and media on corporeality and subjectivity processes. The fluid and polyphonic qualities associated with contemporaneity, guided the understanding of these new aesthetic paradigms of the body - assigned as contemporary mobile corporealities - and served to denominate/understand as "liquid grotesque" the multiple and volatile presence of the grotesque phenomena today.

Orientador: Inaicyra Falcão dos Santos / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-09T15:06:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_SayonaraSousa_D.pdf: 4308087 bytes, checksum: 6528476f4d8fbfa0027de0187d661a80 (MD5) Previous issue date: 2007 / Resumo: O percurso desenvolvido nesta pesquisa teve como ponto de partida o Tanztheater2, movimento de dança que ocorreu na Alemanha a partir de 1932, e considerações sobre a obra de quatro de seus principais protagonistas, respectivamente: Kurt Jooss, Dore Hoyer, Pina Bausch e Susanne Linke. Em seu prosseguimento, a pesquisa foi articulada no desenvolvimento profissional da autora por meio das influências absorvidas ao longo dos trabalhos com Tanztheater, estudos na Folkwang Hochschule Essen e na Hochschule Für Musik Köln; e o incremento da carreira da autora como bailarina, coreógrafa e pedagoga nos anos que atuou na Alemanha (1985-2004). Para a sua realização efetiva, foi adotada, na pesquisa a combinação de vários métodos: revisão bibliográfica e videográfica relevantes, observação participante e entrevistas semi-estruturadas. Como resultado deste percurso, foi criado o espetáculo cênico ES-BOÇO, realizado com alunos do Instituto de Artes da Unicamp, onde se encontra refletida a influência do Tanztheater na caligrafia coreográfica desenvolvida pela pesquisadora / Abstract: The objective of this study is twofold: to research the German Tanztheater3 and the work of four of its leading influencers, and to develop a stage performance with the participation of students of the Arts Institute of the Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). A combined approach of literature and videographic reviews, participant observation, and semi-structured interviews is adopted to carry out this study. The study characterizes Tanztheater and analyzes the work of Kurt Jooss, Dore Hoyer, Pina Bausch, and Susanne Linke, based on the experiences of the author while studying, performing, teaching, and choreographing in Germany from1985 to 2004. The stage performance ES-BOÇO, which reflects the influence of the Tanztheater in its choreographic style, was created by the author as a result of this research / Doutorado / Doutor em Artes