Esta dissertação analisa os filmes Serras da desordem (2006) de Andrea Tonacci e Corumbiara (2009) de Vincent Carelli a partir da perspectiva da construção de uma memória dos vencidos. Esses filmes tratam de casos de massacres cometidos contra indígenas brasileiros em situação de isolamento, que, a pesar de terem sido amplamente divulgados na imprensa, nunca foram apurados e os culpados jamais foram condenados judicialmente. O objetivo desta pesquisa é o de compreender as estratégias utilizadas por cada um dos realizadores na reconstituição do passado e no estabelecimento no presente da memória dos grupos retratados nesses filmes. O conceito de memória usado nesta dissertação tem base nos estudos de Maurice Halbwachs. Sua aplicação nesta pesquisa demonstrou que a reconstituição do passado traz à tona a memória daqueles que historicamente vem sendo silenciados pela cultura hegemônica e letrada. Apesar da aproximação desses filmes do ponto de vista temático, a reconstituição do passado se dá de maneira distinta em cada um deles. Em Serras da desordem, Andrea Tonacci utiliza principalmente o procedimento da reencenação no presente dos episódios relacionados ao massacre por aqueles que vivenciaram essa história. Enquanto que em Corumbiara, Vincent Carelli utiliza o testemunho daqueles que sobreviveram aos massacres e dos que vivenciaram as consequências dos atentados como o principal recurso de rememoração. / The present thesis analyzes the films The Hills of Disorder (2006) by Andrea Tonacci and Corumbiara -­- they shoot Indians, don\'t they? (2009) by Vincent Carelli, and its based on memories of those who were vanquished. Both films deal with cases of massacres that were perpetrated against Brazilian Indians living in an isolated situation; cases that, although widely publicized by the press, were never investigated, and their perpetrators were never convicted in Court legally sentenced. The aim of this study is to understand the strategies that are used by each of these two filmmakers in order to reconstruct the past and to establish, in the present, the memory of the groups who are portrayed in their films. The concept of memory used in this paper is based on Maurice Halbwachs\'s studies. Its application to the present study has shown that a reconstruction of the past elicits the memory of those who have been historically silenced by hegemonic, literate culture. Even though these films are related as regards their theme, the reconstruction of the past takes place distinctly in each of them. In The Hills of Disorder, Andrea Tonacci mainly uses the procedure of a present-­-time reenactment of the events concerning the massacre, by those who have experienced the story. In Corumbiara, by contrast, Vincent Carelli uses the testimonies of those who have survived the massacres and those who have experienced the consequences of the attacks as his main resource for remembrance.

Desenvolvimento de pesquisa de campo através de métodos etnográficos e produções iconográficas tais como registros fílmicos, fotografias e blogs, com remanescentes de quilombos da comunidade de Pedro Cubas no Vale do Ribeira, sul do Estado de São Paulo. Busca-se a partir de uma abordagem etnográfica construir um texto interdisciplinar para orientar, de forma colaborativa, a produção documentária de um ícone com as expressões e as tensões da vida cotidiana marcadas pela singularidade de suas origens e lutas históricas. / Field research development by ethnographic methods and iconographic productions such as film registers, photos and blogs, with people from quilombos remains in Pedro Cubas community, Vale do Ribeira, south of São Paulo State, Brazil.

A presente pesquisa analisa e compara o processo criativo de dois filmes de Andrea Tonacci: Interprete Mais, Pague Mais (1974-1995) e Serras da Desordem (2006), com foco na relação do cineasta com os atores documentados, investigando a questão da encenação, performatividade e teatralidade. No primeiro filme, ao documentar a crise de um grupo de teatro, Tonacci explora a teatralidade inerente à realidade que documenta, resultando em uma presentificação que só existe através de seu registro cinematográfico. No segundo filme, ele encena a vida de um índio com o próprio índio, encontrando na reconstituição da vida do outro uma narrativa essencialmente autobiográfica. A comparação dos dois procedimentos visa ao confronto e a uma possível aproximação entre as diferentes formas de mise en scène/mise en présence no ato de filmar do cineasta, bem como a um entendimento das diferentes formas de encenar/presentificar o real no cinema de ficção e documentário. / This work analizes and compares the creative process of two films by Andrea Tonacci: Play More, Pay More (1974-1995) and Hills of Disorder (2006), focusing on the relationship between the filmmaker and the actors, by exploring the notions of staging, theatricality and performativity. On the first film, while showing the crisis faced by a theater group, Tonacci exposes the teatricality inherent to the reality portrayed, resulting in a presentification that only exists through his cinematic device. On the second film, by enacting the story of a native Brazilian, played by the native himself, he finds on the reconstruction of the life of the other a narrative that is essencially autobiographic. A comparison of the two procedures aims at the confrontation and possible approach of these two forms of mise en scène/mise en présence on the very act of filming, through an understanding of the diferent forms of staging/presenting the real on documentary and fiction films.

Deslocar a tônica dos estudos acerca da cinematografia paraibana dos anos 1960 (via advento do filme Aruanda) para os primórdios do século XX é o ponto de partida deste trabalho que empreendeu imersão em período da história até então não revisitado por pesquisas transformadas em documentos acadêmicos (dissertações, teses). Nessa linha e com esta perspectiva, o trabalho se propõe a responder uma questão central em torno da gênese da formação dessa cinematografia, marcada por uma singularidade deflagrada nos anos 1920: a filiação ao registro e produção de imagens em movimento do real, em contraposição ao gênero ficcional (posado), amplamente experimentado por demais ciclos cinematográficos do país no mesmo período. Revisitar o cinema silencioso paraibano permitiu, pela primeira vez na história, demonstrar ter sido este ciclo o efetivo marco zero da cinematografia local, fundada no código e na narrativa documental através de Walfredo Rodriguez, o primeiro cineasta. Procede-se a um reposicionamento de fatos, filmes e personagens obliterados ao longo de décadas para compreender a complexidade cultural envolvida no processo. O viés documental das imagens silenciosas vai se converter em gênero de expressão hegemônico no âmbito do moderno documentário brasileiro (1960) e ao longo de todo o século passado, com ressonâncias ainda presentes nas práticas audiovisuais paraibanas; a contemporaneidade das primeiras incursões, com ramificações, matrizes e mediações fundadas no campo da cultura nas décadas 1910/1930, fertilizou o campo das práticas audiovisuais, estabelecendo nexos geracionais e seu sentido de permanência na história do cinema brasileiro. / Move the tone of the studies on the Paraiba cinematography 1960s (via advent of Aruanda film) to the beginning of the twentieth century is the starting point for this work he has undertaken immersion period of history hitherto revisited by transformed research in academic documents (dissertations, theses). In this line and with this perspective, the study aims to answer a central question surrounding the genesis of the formation of this cinematography, marked by a singularity triggered in the 1920s: a membership to registration and real moving image production, as opposed to fictional genre (posed), widely experienced by other film cycles of the country in the same period. Revisit the silent cinema Paraiba allowed for the first time in history, demonstrate this cycle have been effective ground zero of the local film industry, based on code and documentary narrative through Walfredo Rodriguez, the first filmmaker. Proceeds to a repositioning of facts, movies and characters obliterated for decades to understand the cultural complexity involved in the process. The documentary bias of silent pictures will turn into hegemonic expression of gender in the modern Brazilian documentary (1960) and throughout the last century, with still present resonances in Paraíba audiovisual practices; contemporaneity of the first incursions, with branches, headquarters and mediations founded in culture in the decades 1910/1930, fertilized the field of audiovisual practices, establishing generational links and your sense of permanence in the history of Brazilian cinema.

O trabalho aborda a Festa de São Benedito realizada no município de Ilhabela (litoral norte de São Paulo). A partir da atuação em roteiro e pesquisa no documentário Sobre a Congada de Ilhabela (Eduardo Kishimoto, TV-USP, 2004 2010) a presente etnografia busca dar conta dos vestígios históricos que se encontram no entrecho procurando iluminar as relações que se apresentam imbricadas na Festa. Esta abordagem move-se em frentes que procuram dar conta, de um lado, dos eventos supostamente ocorridos referenciados na Congada, e de outro lado, das reverberações em conflitos e tensões vividos em Ilhabela atualmente. Toma-se a Congada enquanto uma convenção, um resultado de diversas indexações produzidas pela prática seus agentes ao longo dos últimos trezentos anos. A Congada representa os conflitos entre mouros e cristãos. A encenação fala de guerra enquanto o contexto no qual se encena apresenta-se em forma de festa. Existe, portanto, uma complementaridade entre o contexto representado e o contexto no qual se representa. / This paper addresses the St. Benedicts Feast yearly held in the municipality of Ilhabela (north coast of São Paulo). From the screenplay and research activities in the documentary Sobre a Congada de Ilhabela (About Ilhabelas Congada) (Eduardo Kishimoto, TV-USP, 2004 2010) this ethnography investigates some historical remains found in the plot looking to illuminate the intertwined relationships that are present in the St. Benedicts Feast. This approach moves in fronts to try to make sense on the one hand, the events allegedly occurred and referenced in the Congada, and on the other hand, the reverberations of conflicts and tensions experienced in Ilhabela today. We take the Congada as a convention, a result of several indexing agents produced by the practice over the last three hundred years. The Congada represents the conflict between Moors and Christians. The staging speaks of war while the context in which it comes is presented as party. Therefore, there is a complementarity between the impersonated context and the context in which it represents.

Este trabalho investiga os fatores que alicerçam os pontos de vista da produção de documentários de periferias. Desde o final dos anos 1990, vê-se o crescimento da realização de filmes e vídeos encabeçada por oficinas, escolas livres e coletivos independentes. Tal produção é marcada por uma heterogeneidade em formatos, narrativas, temáticas e opções estéticas. Diante dessa multiplicidade, o foco desta pesquisa volta-se para os documentários, pois essa modalidade fílmica tem uma importância vital nessa produção. Quarenta documentários realizados entre 2000 e 2010 compõem o corpus da tese, evidenciando, também, uma diversidade de pontos de vista sobre pessoas, espaços, histórias, sociabilidades. Partindo da ideia de que o ponto de vista no cinema remete tanto à significação do plano como à sua exteriorização, por meio da análise desses filmes formulo como hipótese a ideia de que estética, cotidiano e política estruturam os pontos de vista da produção documental periférica. Para testar essa premissa, a ferramenta metodológica utilizada é a análise fílmica que privilegia imagem, texto e som. A discussão sobre estética, cotidiano e política acena para a necessidade de se debater a questão da autoria e as composições do documentário dois pontos importantes para o entendimento das dinâmicas de produção e efeitos de sentido dos documentários de periferia. / This paper investigates the factors that underpin the points of view in documentary filmmaking of the peripheries. Since the late 1990s, one can see the growth of films and videos led by independent schools and collectives. This production is characterized by a heterogeneity in the formats, narratives, themes and aesthetic approaches. Given this multiplicity, the focus of this research turns to the documentaries, because this film category has a vital importance in that production. Forty documentaries made between 2000 and 2010 are the corpus of this thesis, showing also a diversity of views about people, places, stories, sociability. Starting from the idea that the point of view in film refers to both the significance of the plan as its manifestation, by analysing these films I point out, as a hypothesis, the idea that aesthetic, daily life and politics structure the approches of document production of peripheries. In order to test this premise, the methodological tool used is the film analysis that focuses on image, text and sound. The discussion about aesthetics, everyday life and politics points to the need to debate the question of authorship and compositions of the documentary - two important points for understanding the dynamics of production and meaning effects of documentaries of the periphery.

A presente pesquisa tem como objeto de investigação a apropriação de narrativas e estratégias documentais pelo artista contemporâneo, procurando traçar uma cartografia específica das ações do artista documentarista, a partir de três pressupostos comuns aos campos da arte e do documentário: o deslocamento, a participação e a fabulação. A meta é observar como esses impulsos se desenvolvem nas obras de alguns artistas em atividade hoje no Brasil, entre eles Maurício Dias e Walter Riedweg, Rosângela Rennó e Janaina Tschäpe. Sem querer abranger a totalidade do corpo ético e poético da obra desses artistas, a pesquisa enfoca atividades que combinam pesquisas de campo, invenção de situações e reinvenção de protocolos documentais. Ao analisar e questionar o estatuto testemunhal da imagem documental, e ao adaptar essa imagem para usos subjetivos, pessoais, conceituais etc., o artista documentarista estabelece uma nova plataforma para a prática documental, propiciando a revisão dos modos de leitura e representação da alteridade e da realidade. / As its object of investigation, this research looks at the appropriation of documentary narratives and strategies by the contemporary artist. It looks to trace a specific map of the actions of the artist documentarist starting from three conditions common to the fields of art and the documentary: displacement, participation and fabulation. The aim is to observe how these forces develop in works by artists active in Brazil today, among them Mauricio Dias and Walter Riedweg, Rosângela Rennó and Janaina Tschäpe. Far from covering the totality of the ethical and poetical body of these artists works, the research points to activities that combine fieldwork, invention of situations and the reinvention of documentary protocols. In analyzing and questioning the importance of the documentary image as evidence, and in adapting this image to uses that are subjective, personal, conceptual, etc., the documentary artist establishes a new platform for documentary practice, bringing about a revision of the ways of reading and representing otherness and reality.

A Ópera Mouffe (1958) é um filme inaugural na obra da cineasta Agnès Varda. Um \"documentário-ficcional\" que utiliza diferentes modos expressivos, construído a partir de imagens em fluxo constituídas de forma ficional, a partir de elementos simbólicos, ou registradas em situações observacionais na rua Mouffetard, em Paris. De natureza subjetiva, o filme exibe, ainda, o primeiro registro do corpo de Varda em sua obra, na ocasião grávida de sua primeira filha, Rosalie. Foi a gestação que a mobilizou para a feitura do filme e a maternidade é o foco da narrativa. Varda faz desse pequeno curta uma espécie de manifesto feminista sensorial, ao apresentar, de forma poética, os conflitos reveladores das angústias das mulheres no interior da sociedade patriarcal, através da expressão em consonância dos arquétipos de Vênus e Deméter, respectivamente a Amante e a Mãe, conjugados na personagem central. Em vários de seus filmes posteriores, Varda irá expandir a configuração e combinação destes mitos, através de personagens que apresentam conflitos em relacionamentos, comportamentos, ou traços de personalidades que ecoam esses arquétipos. Essa característica possibilitou a Varda apresentar narrativas que permitem analisar criticamente o papel reservado às mulheres em nossa sociedade. / The Mouffetard Opera (1958) is an inaugural film in the work of French filmmaker Agnès Varda. A \"fictional documentary\" that uses different expressive modes, constructed from a flow of images constituted of fictional form, symbolic elements, and documentary images registered in observational situations at the Mouffetard Street, in Paris. Of subjective nature, the film also shows for the first time Varda\'s body in her work, at the time when she was pregnant of her first daughter, Rosalie. It was the gestation that mobilized her to make the film and motherhood functions as the trigger of the narrative. That short film is as a kind of sensorial feminist manifesto which reveals, in a poetic way, conflicts engendered by the anguish women experience within patriarchal society through the consonant expression of the archetypes of Venus and Demeter, respectively the Lover and the Mother, combined in the central character. In several of her ulterior films, Varda will expand the configuration and combination of those myths through characters that present conflicts in relationships, behaviors, or personality traits that echo those archetypes. Such tools allowed Varda to present narratives that allow a critical perspective over the role offered to women in our society.

O presente trabalho investiga, a partir da sociologia do cinema, uma seleção de filmes documentais do cineasta americano Frederick Wiseman (1930-). Trata-se de um documentarista com grande importância para o que ficou conhecido como cinema direto ou cinema vérité, uma corrente cinematográfica que, através de determinados artifícios formais ausência de narração, entrevistas ou intertítulos , causa uma forte impressão de realismo. Com isso, pretendi não apenas melhor compreender a produção deste cineasta como também refletir sobre algumas das construções narrativas presentes em seus filmes e, a partir disso, sobre algumas das relações entre cinema e realismo. Buscando trazer para a discussão este diretor pouco comentado na literatura brasileira, analisei aqui oito de seus filmes, distribuídos em três blocos temáticos: hospitais, exército e lazer. A análise se deu através de uma sociologia do cinema que compreende que a análise deve partir do próprio filme, compreendendo-o enquanto obra e enquanto a principal fonte de informação. No caso deste trabalho, a maneira pela qual Wiseman construiu imagens e narrativas ao longo de sua filmografia é interpretada enquanto uma resposta a uma das questões que permeia o cinema documental, qual seja, de como retratar e detalhar o real. Tendo isso em mente, podemos dizer que a câmera observadora não apenas observa. Ela narra, ela fala e ela argumenta. / In this thesis I investigate, by means of a sociology of cinema, a selection of films by the American filmmaker Frederick Wiseman (1930-). Being a documentary filmmaker of great importance for what became known as direct cinema or cinema vérité, a cinematographic trend that, by means of certain formal devices the absence of voice-overs, interviews of inter-titles leads to a strong impression of realism. Thereby, I intended to not only better comprehend Wisemans production as well as some considerations on the narrative constructions in his films, but also to consider some of the relations between cinema and realism. While I aim to bring forth a debate regarding this rarely discussed director within the Brazilian literature, I here analyze eight of his films, divided in three different themed topics: hospitals, military and leisure. The analysis was done by means of a sociology of cinema, which understands that the investigation must begin with the film itself, understanding it as a piece of work and as the main source of information. In this thesis, the manner by which Wiseman crafted images and narrative over the course of his filmography is seen as an answer to one of the questions that permeates documentary cinema, namely, on how to depict and detail reality. With this in mind, we can say that the observational camera does not merely observe. It narrates, it speaks and it argues.

Esta dissertação tem como objetivo evidenciar as práticas de leitura na sala de aula, no dia a dia da escola, procurando maneiras diferentes de aproximar os alunos da leitura literária. A escolha de se trabalhar com o gênero crônica surgiu da hipótese de que ele facilita o processo do ensino-aprendizagem em Língua Portuguesa. Por meio dele, os alunos podem assumir-se como produtores do conhecimento e passam a ser sujeitos desse processo. Na sequência, o trabalho traz ainda dois outros gêneros textuais: a entrevista e o vídeo documentário que puderam ser desenvolvidos com base na leitura de crônicas na sala de aula. O tratamento metodológico construiu-se à medida que as situações reais de sala de aula e os questionamentos dos alunos foram surgindo e questões foram se impondo. A partir desse fato a fundamentação teórica se justifica pela necessidade real da investigação dos textos. Este trabalho se propõe ainda a desenvolver atividades que promovam a produção de sentido com base nas práticas de leituras, com os alunos de uma turma de 7º ano, de uma escola da rede pública do Estado de São Paulo. / The purpose of this dissertation is to demonstrate the reading practices in the classroom, day to day, seeking different ways of how to draw the students near to the literary readings. The choice of working with the short story genre came from the assumption that it facilitates the process of teaching and learning in the Portuguese language. Through this process, the students can take on the role of producers of knowledge and become subjects of this process. Subsequently, this work brings two other textual genres: the interview and the documentary video which could be developed based on the reading of short stories in the classroom. The methodological approach was formed as the real classroom situation and the students questioning were both emerging, and questions were established. For this reason, the theoretical foundation is justified by the actual need to investigate the texts. This work also aims to develop activities that promote the creation of meaning based on reading practices, with year 7 students from a public school in the state of São Paulo.