À l’origine de cette recherche se trouve un débat taxinomique opposant deux points de vue différents sur l’œuvre et l’appartenance ethnique de l’écrivain Marie NDiaye. Sa filiation franco-sénégalaise et sa couleur de peau ont poussé certains critiques à intégrer ses écrits à la littérature noire francophone, alors que la romancière a principalement vécu en Europe et se dit modelée par la mentalité et la culture occidentales. Pourtant, dans ses deux derniers romans, l’Afrique est un élément essentiel de la diégèse. Notre curiosité a été suscitée par ces différents positionnements. Afin de trancher entre la fascination pour un endroit exotique auquel la romancière est souvent associée et une appartenance sans équivoque au champ littéraire de l’Afrique francophone, nous avons mené une étude sur trois niveaux. Le point de départ a été de relever les influences les plus marquantes qui ont façonné les œuvres de Marie NDiaye et de situer les romans du corpus dans une tradition littéraire évidente. La deuxième partie interroge les dimensions narrative et descriptive de Trois femmes puissantes et Ladivine afin de déceler des signes de métissage. Le dernier fil conducteur creuse les figures de l’imaginaire et relie les deux œuvres étudiées surtout aux mythes et aux symboles issus de l’Antiquité gréco-romaine et du catholicisme. Au terme de notre thèse, nous pensons avoir réussi un travail rigoureux dont les conclusions prouvent que la filiation littéraire de Marie NDiaye est du côté de la littérature française. / At the origin of this research is a taxonomic debate between two different views on the work and the ethnicity of the writer Marie NDiaye. Her Franco-Senegalese descent and skin color have determined some critics to integrate her works within the Francophone black literature, while the novelist lived mainly in Europe and said she was shaped by the Western mentality and culture. Yet in her last two novels, Africa is essential for the diegesis. Our curiosity was aroused by these different positions. To distinguish between the fascination for an exotic location to which the novelist is often associated and an unequivocal belonging to the literary field of Francophone Africa, we conducted a study on three levels. To distinguish between the fascination for an exotic location to which the novelist is often associated and an unequivocal belonging to the literary field of Francophone Africa, we conducted a study on three levels. The starting point was to meet the most important influences that have shaped the works of Marie NDiaye and to find the place of the novels of the corpus in an obvious literary tradition. The second part examines the narrative and descriptive dimensions of Three Strong Women and Ladivine in order to detect signs of miscegenation. The last thread studies the figures of the imaginary and connects the two works with myths and symbols derived from the Greco-Roman antiquity and the Catholicism. At the end of our thesis, we think we have achieved a rigorous work which proves that the literary lineage of Marie NDiaye is on the side of the French literature.

Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau. Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies. Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque. Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier. Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps. La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.

La présente recherche interroge l'écriture littéraire de la Grande Guerre et de la guerre Iran-Irak, vecteurs de choc et de bouleversement, qu'a racontée maint récit et roman, partagés entre restitution et invention. L'enquête porte sur la capacité de la fiction à dire le phénomène guerrier. Après avoir démêlé les contextes littéraires, elle établit les tendances majeures de la poétique du genre du récit de guerre et scrute alors les récits du front. Dans le feu de l'action, une première vague de textes est marquée du souci de témoignage dans une optique réaliste. Malgré leurs divergences de style et d'axiologie, Le Feu de Barbusse, récit à la fois concret et symbolique, et Le Voyage de Déhghân, plus sommaire et documentaire, traduisent le même désir à dire l'indicible du feu et de l'horreur. Ces récits proprement mimétiques suivent la logique linéaire du souvenir et se veulent lisibles. Mais une deuxième vague de textes, postérieure aux combats, privilégie le fictionnel sur le factuel. Cris de Gaudé et Le Scorpion d'Abkénar, avec leur approche post-apocalyptique de l'événement, renouvellent le genre. La mise en scène de la guerre, loin d'être véridique ou vérifiable, est ici fragmentaire, voire lacunaire, avec des éléments de rupture et d'incohérence. Le soldat progresse dans un monde d'errance et de cauchemar. Plus ou moins adossée à une nouvelle image de la guerre, la narration contemporaine défie la possibilité de totaliser l'expérience de guerre et dénonce le vide qu'elle a causé. Mais la fiction romanesque table sur ce vide pour renouveler l'esthétique du sujet. / This research investigates the literature of the Great War as well as Iran-Iraq war, instigators of shock and disruption, narrated by a myriad of novels and fictions which are shared between restitution and invention. It focuses on the expressive capacity of fiction to illustrate the phenomenon of war. By unraveling contexts of the comparing literatures, the major tendencies of poetic of the novel of war are established first. Then the frontline stories are studied. In the core of the action, the first movement of the texts has testimonial and realistic concern. Under fire of Barbusse is a realistic and symbolic novel, while Journey of Dehghan is more brief and documentary. Despite their differences in terms of style and axiology, both have been contributed with the same desire to demonstrate inexpressible fire and horror of war. This part of literary war novels follows the mimetic pattern of the logic of memories and expected to be legible. But the second movement of texts – written following the end of main battles - favors the fictional to factual form. Screams of Gaudé and The Scorpion of Abkénar with their post-apocalyptic perspective comprise a new kind of fiction. The staging of war - far from being accurate and verifiable - is fragmented and even lacunar with signs of bursting and incoherency. The soldier rises through wandering and nightmare. Almost based on the new image of war, the contemporary narratives challenge the possibility of depicting a complete panorama of war and denounce the vacuum it leaves behind. The novelistic fiction, however, avails itself of such vacuum to revive the aesthetics of the subject.

Cette thèse prolonge les études déjà menées sur l'image du Japon en France et en Europe à partir de l'ère de Meiji (1868-1912). Elle analyse la production littéraire en France, ainsi que certains films et bandes dessinées, à compter de l'ère de Heisei (1990-2010). Elle soutient que, malgré les progrès du savoir et des mentalités, l'observateur français continue de considérer le Japon, les Japonais, les choses japonaise, d'un point de vue moins compréhensif et moins informé que critique et passablement négatif. Elle fonde son examen sur les méthodes de l'imagologie littéraire qui détermine la place, le rôle, le sens de la représentation d'un pays dans une oeuvre à partir de traits précis (nomination, distance hiérarchique, scénario, mythe personnel). / This thesis extends the existing studies on Japan's image in France and Europe from the Meiji era (1868-1912). It analyzes the literary production in France, as well as some movies and comics, as they have been developping since the Heisei era (1990 and 2010). It argues that despite the progress of knowledge and attitudes, the French observer continues to view Japan, Japanese, Japanese things, from a point of view far less comprehensive and informed than critical if not quite negative. It bases its scrutiny upon the methods of literary imagology, which determines the place, role, the meaning of the representation of a country in a given work from specific features (naming, hierarchical distance, plot, personal myth).

1 Michaela Rumpíková, Résurrection de l'auteur : Hervé Guibert Abstract Hervé Guibert's writings are shocking, revolting, surprising with their explicit and expressive content. The author's desire to show, to reveal and to expose himself transforms his private universe into a space where intimacy becomes extimacy. His exhibitionist project is accomplished with the assistance of a literary genre, autofiction, the new postmodern cosmos of the "I". This thesis seeks to analyse the notion and the modalities of his "I", intimately connected to the themes of body, illness, life, death and resurrection, in his literary chronicles of AIDS, To the Friend Who Did Not Save My Life, The Compassionnate Protocol, Modesty, or Immodesty and The Man in the Red Hat. The "I" of the autodiegetic narrator appears as fragmentary and unstable. His "self" configures and unconfigures at the same time. There is a sense of alienation from his own body which has been dramatically altered by the illness. As a consequence, we witness both physical and psychological defragmentation of the subject. The body, constituent of the "I" identity, gradually transforms into an impersonal "it", an entity apart. In order to (re)construct himself, the author uses various writing processes that help him become familiar with his new "self". Finally,...

Ce mémoire s’emploie à cerner les contours de la pensée incréative telle que la précise Kenneth Goldsmith dans les essais Uncreative Writing (2011) et Wasting time on the Internet (2016). S’appuyant sur un corpus de textes qui vise à analyser les conséquences de ce nouveau rapport au monde instauré par l’avènement du numérique, notre réflexion s’applique à révéler comment cette redéfinition de nos pratiques s’accompagne d’une transformation de notre rapport au texte, au langage et à la création. Le numérique ne doit plus se définir en termes d’outils ou d’avancées technologiques. Il est un espace qui nous entoure et dans lequel nous évoluons. Cet espace a favorisé la mise en place d’un nouveau rapport envers le savoir et ses moyens de production, de diffusion et de réception. À la base de cet écosystème numérique réside du langage : du code binaire. Des images, aux sons et aux vidéos qui sillonnent le Web, tout procède du langage. Internet propose de se confronter à l’abondance textuelle qui structure l’espace numérique en inondant la page de mots et de leur matérialité. Cette série de textes qui se divisent en section dont les titres reprennent les noms de mèmes célèbres est le résultat d’un travail de création employant des méthodes littéraires issues d’une pensée incréative telle que développée par Kenneth Golsmith. Ainsi, basées sur le concept de postproduction (Bourriaud), ces compositions font appel à des stratégies de copie et d’appropriation et usent des mots comme des matériaux de construction. Le lecteur est invité à les lire/non-lire en redonnant leur sens à des blocs de langage décontextualisés. / This dissertation seeks to identify the contours of uncreative thinking as articulated by Kenneth Goldsmith in the essays Uncreative Writing (2011) and Wasting time on the Internet (2016). Based on a corpus of texts that aims to analyze the consequences of this new relationship to the digital world, our reflection applies to reveal how this redefinition of our practices is accompanied by a transformation of our relationship to text, language and creation. Digital should no longer viewed only as tools or technological advances. It is a space that surrounds us and in which we evolve. This space has favored the establishment of a new relationship with knowledge and its means of production, dissemination and reception. At the base of this digital ecosystem lies language: binary code. From images, to sounds and videos that crisscross the Web, everything proceeds from language. Internet proposes to confront the textual abundance that structures the digital space by flooding the page with words and their materiality. This series of texts, which are divided into sections whose titles take up the names of famous memes, is the result of a creative work employing literary methods stemming from uncreative thinking as put forward by Kenneth Golsmith. Thus, based on the concept of postproduction (Bourriaud), these compositions call upon strategies of copying and appropriation and use words as building materials. The reader is invited to read/decode them by giving back meaning to decontextualized blocks of language.

L'ironie se rencontre dans la réécriture du Berger extravagant de Charles Sorel comme une figure de double pensée. À la fois critique des romans ± fabuleux ¿ et promotion de la fiction romanesque, Y Anti-roman se construit selon un plan contradictoire, voire paradoxal, où la plupart des énoncés rencontrent une double signification. Conséquence des bouleversements liés à la constitution du champ littéraire parisien des années 1620-1630 (par exemple le procès de Théophile de Viau ou la montée du purisme de l'Académie), l'ironie de Y Anti-roman n'est pas uniquement orientée vers la dévalorisation ou la célébration de l'imaginaire du roman pastoral ; elle met aussi en scène plusieurs discours qui ont marqué le premier XVIIe siècle, tels que l'apologétique chrétienne du jésuite François Garasse ou l'effritement graduel de l'humanisme des commentateurs renaissants, aboutissant au finale à une critique des Fables et des conceptions gnoséologiques qui s'y rattachent. À l'aide de l'ironie et de ses définitions historiques, ce mémoire explore les avenues et les échecs d'un "roman-commentaire" qui gardera une place de choix dans l'histoire moderne du genre romanesque.

Mémoire en recherche / Cette étude s’intéresse à l‘impact de l’adaptation cinématographique et à l’évolution du récit écrit par Marguerite Yourcenar, Le Coup de grâce, publié en mai 1939, au sujet de trois jeunes êtres qui se ressemblent et qui s’aiment dans un triangle relationnel compliqué dans le cadre de la guerre civile balte au lendemain de la fin de la Première Guerre mondiale. La présente étude se centre sur l’évolution des dimensions de la représentation du système des personnages, de l’éros, des genres (la masculinité dont les frontières évoluent dans le temps et l’espace) et de la guerre (une force thanatique) lors de l’adaptation cinématographique faite par Volker Schlöndorff en 1976, bref à l’impact du nouveau média sur l’histoire originale et les aspects initiaux imaginés par Marguerite Yourcenar en 1938 dans son roman Le Coup de grâce, où les mythes gréco-romains étaient une constante dans ses motifs d’inspiration pendant cette période des années 1930, où ces écrits réfutaient les pressions rigoristes qui perduraient dans cette décennie. Éric, le narrateur homodiégétique du roman était à la recherche d’une certaine liberté sexuelle et il faisait son récit un peu sur le ton de la confession intimiste, tel un journal de guerre. Rémy Poignault considère Le Coup de grâce comme une réécriture moderne, un palimpseste donc de « Patrocle ou le destin » de Feux avec des personnages appartenant à l’époque moderne. Le passage au film en 1976 déplace l’accent mis sur Éric dans le roman vers la dualité entre lui et Sophie dans le récit filmé, où les personnages perdent de leur profondeur, réduisant Éric à un être insensible, et ce, en limitant les scènes de camaraderie militaire avec Conrad. L’absence de prologue dans le film ne permet pas non plus d’évoquer les souvenirs heureux vécus à Kratovicé. Dans le film, la grande histoire prend le pas sur la petite histoire contrairement à ce qu’entendait Marguerite Yourcenar qui mettait l’accent sur le drame humain dans la préface de son roman. Le film priorise plutôt l’affirmation 5 d’une femme par rapport à son milieu dans la lignée d’autres films de Volker Schlöndorff comme L’honneur perdu de Katharina Blum. Le film est en somme un film féministe à l’image de Margarethe von Trotta qui était un des chantres du féminisme dans les années 1970 et qui collabora au scénario dudit film. Il s’agit donc d’une adaptation libre avec certains retranchements ou modifications par rapport à l’oeuvre originale. En enlevant de nombreuses scènes de camaraderie militaire entre les deux principaux personnages, le mythe grec ancien d’Achille et Patrocle présent en filigrane dans le roman est évacué dans le film. Tant le roman que le film se sont inspirés d’un certain académisme qui engendra une atmosphère limitant les émotions des personnages. / That research concerns the analysis of the evolution of the written narrative of Marguerite Yourcenar about three young characters who look like each other and who loves each other in relational triangle within the background context of the Baltic Civil War just after The First World War of 1914-18 and in its adaptation in film by Volker Schlöndorff in 1976. This study concentrates about representation of character’s system, dynamic of eros, represensation of gender for instance the masculinity and the war during the adaptation for the cinema by Volker Schlöndorff. Briefly, to the impact of the new media on the original themes which were developed in the original novel of Marguerite Yourcenar in 1939, Le Coup de grâce. Our study presents itself in a chronological order for making some conclusions about representations of the themes of desire and death, gender and war in the time from the story written 1939 and the film in 1976 We can conclude after analysis of both media for the narrative that Mythical figures as Thanatos and Eros present in this novel received a different treatment in the film adaptation where the emphasis moved to the dualistic relation between Eric and the women Sophie. The movie has become a feministic which puts emphasis on a woman against her social middle and diminish the impact of the mythical military friendship related to the mythic military myth of Achille and Patrocle which was underlined but present in the novel with the death of one main characters on the battlefied of the story. In taking off most of the scenes of military friendship between the two men charaters, the mythical part of the novel, is evacuated. The film adaptation is a free adaptation according to the classification of adaptation film of Esther Pelletier with retranchments and changes from the novel.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / L'histoire se déroulera en Espagne pendant la fête de la Saint-Firmin : la fête des taureaux à Pampelune. C'est dans cette atmosphère d'ivresse et de carnaval que de jeunes voyageurs, cherchant la trace d'Hemingway, assisteront à une corrida. Troublé par la disparition de son amie, l'un d'eux s'engagera alors sur une voie irréversible qui l'amènera à vivre une série de ruptures, à la fois intérieures et extérieures. Plutôt que d'analyser ces ruptures, notre intention sera de les montrer à travers divers événements : le voyage, la fête, la tauromachie et l'amour. Ainsi, notre récit sera presque journalistique au début ; la narration, en focalisation externe (Dashiel Hammett : La Clé de verre, Ernest Hemingway : Paradis perdu ; certains auteurs français du XIXe siècle introduisent l'intrigue de cette façon : Balzac : La Peau de chagrin, Flaubert : Madame Bovary), permettra d'examiner de l'extérieur la rupture physique. Par la suite, la narration, en focalisation interne (Stendhal : La Chartreuse de Parme ; James : Les Ambassadeurs ; Joyce : Le Portrait de l'artiste), permettra d'investir l'espace mental du héros afin de montrer deux autres ruptures, toutes intérieures celles-là. L'originalité du projet résidera dans l'utilisation de la tauromachie comme structure du récit. Ainsi, le récit - comme la tragédie de la corrida - sera divisé en trois actes : dans le premier acte, le "tercio de varas", le héros prendra conscience qu'il est seul. Dans le deuxième acte, le "tercio de banderillas", l'amour-propre du héros se retrouvera bafoué et déchiré. C'est dans le dernier acte, le "tercio de la muerte", que le héros subira la mort de ses illusions. Nous venons de le voir, le motif de la corrida sera très important dans le texte de création. Or, plusieurs écrivains se sont intéressés à la tauromachie, dont Michel Leiris dans un court essai intitulé "De la littérature considérée comme une tauromachie". Dans notre essai critique, nous visiterons ces auteurs et nous chercherons à comprendre comment le motif de la course de taureau intervient dans leurs textes.

JARRY SEMBLE AVOIR TOTALEMENT ABANDONNÉ LES COMPLICATIONS STYLISTIQUES QUI CARACTERISAIENT SES PREMIERS TEXTES LORSQU'IL FAIT ŒUVRE DE CRITIQUE LITTERAIRE À LA REVUE BLANCHE. EN RÉALITÉ, L'AUTEUR DE MESSALINE CONTINUE, MAIS DE FAÇON EXTRÊMEMENT SOUS-JACENTE, À PRATIQUER UNE FORME D'OBSCURITE, ELLE PARADOXALE, DANS LE SENS OÙ ELLE EST INAPPARENTE, ET QUI SE TRADUIT PAR LE DÉVELOPPEMENT CONSTANT D'UNE ESTHÉTIQUE DU RACCOURCI ET PAR UN APPARENT RETRAIT DE SA PRÉSENCE DE CRITIQUE JUSQUE DANS L'ACTE MÊME DU COMPTE RENDU, JARRY DONNANT TOUTE SA PLACE AU TEXTE COMMENTÉ, EN TAISANT CETTE FAÇON QU'IL A, INCESSAMMENT, DE LE CITER. AINSI, CE TRAVAIL EST CONDUIT D'UNE PART PAR NOTRE SOUCI DE FAIRE AFFLEURER LA FAÇON DONT SE FAIT JOUR L'ESTHÉTIQUE DU RACCOURCI (JARRY PROCÈDE PAR SYNTHESES INCESSANTES QUI, À FORCE D'AFFIRMATION, EN DEVIENNENT SOIT OBSCURES SOIT INSAISISSABLES) AU SEIN DE CES TEXTES APPAREMMENT ALIMENTAIRES QUE SONT LES CRITIQUES LITTERAIRES DE JARRY, L'AUTEUR DU SURMÂLE PRÉSENTANT DE VÉRITABLES CONCRÉTIONS DE SENS, EN LIEN AVEC LA NOTION D'ÉRUDITION, DANS DES DOMAINES EXTRÊMEMENT DIVERS. D'AUTRE PART, NOTRE TRAVAIL VISE À MONTRER COMMENT SE FAIT JOUR CHEZ JARRY LE DÉTOURNEMENT DE L'USAGE HABITUEL DE LA CITATION, QUI PORTE EN CREUX UNE CRITIQUE CORROSIVE DU STATUT DE CRITIQUE, L'AUTEUR DE LA CHANDELLE VERTE DEVENANT UN CRITIQUE QUI NE S'EXPRIME LE PLUS SOUVENT QUE SUIVANT L'ABSENCE TOTALE DE PROPOS CRITIQUE - PUISQUE LORSQU'IL S'AGIT D'ÉNONCER DES " JUGEMENTS ", C'EST EN FAIT POUR CONTINUER DE TISSER UNE FILIATION AVEC UNE COMMUNAUTE D'AUTEURS DESQUELS IL SE SENT PROCHE ET AINSI, PRINCIPALEMENT, AVEC LE LIEU DU MERCURE DE FRANCE.