La peinture de Rubens est hantée par la mythologie, et parmi les légendes les plus récurrentes figurent celles qui mêlent l'œil au désir, à la jouissance. Alors la peinture propose au spectateur, avec la puissance de l'esthétique baroque et les reliquats de la renaissance italienne, une image qui relève de la pulsion scopique, c'est-à-dire une image forte et séductrice, dans laquelle le regard du peintre et celui du spectateur sont habilement mis en abîme par les récits, et absorbés par les dispositifs picturaux. Les regards, dont il est question dans le mythe comme face au tableau, se posent toujours sur des corps nus ou interdits, comme attirés sans pouvoir résister à l'appel érotique. Et cet appel érotique du corps joue dans les sphères baroques, oscillant toujours entre la jouissance de voir l'interdit et le prix à payer pour cette transgression cannibale. Tous les tableaux mythologiques de Rubens parlent de cette ambivalence du regard: Narcisse, Vénus, Méduse, Orphée, Psyché, Actéon entre autres, métaphorisent la pulsion scopique dans ses différentes modalités, pulsion ressentie par tout être fait de chair et de sang dont font partie, bien sûr, Rubens et le spectateur de son œuvre. C'est le principe de sa peinture: montrer, voiler, métamorphoser et susciter la curiosité érotico-esthétique. Alors les pôles du baroque se définissent entre Eros et Thanatos, entre pulsion de vie et de mort: tout concourt à exalter la puissance du regard désirant, la force érotique et picturale d'un corps, ses effluves funèbres ou lumineux, à l'image d'Apollon et Dionysos. L'analyse esthétique de ces questions se fait sous l'éclairage de l'observation plastique des toiles de Rubens, de l'apport littéraire, poétique, psychanalytique, sous le regard d'auteurs, d'artistes classiques et contemporains qui portent ou préfigurent les traces subtiles de la peinture scopique de Rubens.

Notre étude du roman de Sony Labou Tansi aborde les notions de violence et des mythes dans leurs fonctions littéraire et sémiologique. Elle les envisage comme les sources fondatrices de l'écriture romanesque.C'est dans ce sens que la violence est assimilée à l'action des états postcoloniaux représentés par la fiction. Dans une interaction entre l'imaginaire et le réel, l'auteur évoque la confrontation des identités, des mémoires collectives et des territoires en résistance contre une autorité postcoloniale liberticide.Une autre forme de violence dite scriptuaire poursuit, avec audace, cet élan initié par les premières œuvres africaines de langue occidentale, elle s'exerce sur le langage littéraire déstructuré et dont les bases narratologiques sont éclatées. Le roman sonyen amène les mots à leur limite pour réinventer un langage néologique qui instaure, dans le roman, le domaine de " la tropicalité " sonyenne, une hétérogénéité littéraire et une hybridation du roman francophone.Notre étude du mythe exploite deux axes majeurs, en tant que parole et récit des origines, la mythologie structure une vision du monde basée sur l'ethno-religieux, dans sa fonction sémiologique, le mythe est lui-même signe et symbole, il appelle à l'analyse des langages littéraire, artistique et mythique démystifiés et débridés par un univers où l'humour et l'ironie participent d'une démythification du pouvoir et des traditions.

L'œuvre de Sylvie Germain, traversée par de nombreuses références mythiques et bibliques, invite à une lecture polyphonique du monde. Lieu privilégié pour interroger l'originaire, la famille, structurée par des liens complexes d'affiliation, de filiation et d'alliance, devient la scène où se jouent et se rejouent les drames individuels et collectifs, se fomentent les meurtres comme les lumineuses adoptions. Caisse de résonnance particulièrement sensible aux désastres du monde qui la traversent, elle fait parvenir, en sourdine ou en éclats, les flux et reflux généalogiques qui atteignent ses membres. À partir d'une étude approfondie des différentes figures familiales, ce travail explore les situations de violences primitives et les cheminements qui conduisent à la réconciliation du sujet avec son enfance et sa mémoire.

Diss.--Geisteswissenschaftliche Fakultät--Salzburg, 1983. / Bibliogr. pp. 626-638.

Comment l’interprétation d’un texte canonique, lors de sa conversion en cours d’action gestuel, permet-elle de faire persister diachroniquement la forme de vie d’un collectif et de la faire adopter par ses membres ? Cette recherche se fonde sur l’observation participante de deux pratiques ritualisées : le Karatedo et la Franc-maçonnerie, et sur leur « description dense » selon Clifford Geertz. A partir des données ainsi constituées, l’élaboration théorique fait appel à la formule canonique des mythes de Claude Lévi-Strauss, à un modèle de construction des certitudes par les institutions proposé par Mary Douglas et à la notion d’ « instauration » chez Etienne Souriau. Il en résulte un modèle descriptif : un dispositif d’espaces-temps successifs articulant texte et pratique, une syntagmatique modale persuasive et un processus selon lequel le cours d’action, à partir d’un proto-monde sémiotique proposé par la pratique, permet l’instauration d’un monde sémiotique. Cette instauration, englobant la substance et réalisant une prise de forme cohérente du signifiant en même temps qu’une prise de forme congruente du signifié, résulte de fait en transmission efficiente de la forme de vie. Ce processus a les caractéristiques d’un système autopoiétique, selon la notion théorique ainsi désignée par Maturana et Varela. / How does the interpretation of a canonical text by its conversion into a gestural practice allow the diachronic persistence of a community’s pattern of life and the adoption of this pattern of life by the members of this community? This research is grounded in the participant observation of two ritualised practices: Karatedo and Free-masonry, more precisely on their « thick description » according to Clifford Geertz. From the data provided by these descriptions, the construction of a model makes use of the canonical formula of myth by Claude Lévi-Strauss, of the institution of certainty according to Mary Douglas and of the concept of « instauration » by Etienne Souriau. The resulting model describes a process based on the succession of space-times articulating text and practice, a persuasive syntagm of modalities and the instauration of a semiotic world on the basis of a proto-semiotic world provided by the ritualised practice. This process converts the substance of the signifier according to a consistency and that of the signified according to a congruency, thus resulting in the transmission of the pattern of life. This process has the properties of an autopoietic system, according to the theoretical concept named as such by Maturana and Varela.

En dépit de la pléthore d’ouvrages existant sur le travail poétique d’Aimé Césaire et de Léopold Sédar Senghor, il en existe peu concernant l’exploitation de l’imaginaire à travers les concepts littéraires de l’épopée et du lyrisme. Bien que partageant une même histoire, Césaire et Senghor vivent une réalité politique, identitaire et culturelle différente. Ils abordent ainsi différemment les concepts d’épopée et de lyrisme qui prennent en compte l’histoire, le combat, l’expression des sentiments, le chant, l’art, l’intrusion de l’imaginaire et des mythes.Plus précisément, en fond de toile d’un imaginaire marqué, l’épopée narre la gloire d’un héros ou l’histoire d’un peuple. Et le lyrisme s’articule comme l’expression des sentiments personnels où le poète chante ses émotions, ses joies, ses peines et ses aspirations vers un idéal. On pourrait donc se demander quelles sont les empreintes épiques et lyriques qui participent à l’herméneutique de cette poésie négro-africaine. Et en quoi cette proposition de lecture nous invite à un croisement entre l’histoire, l’imaginaire et à la visée d’un idéal. / Despite the plethora of existing structures on the poetic work of Aimé Césaire and Léopold Sédar Senghor, there is little about the operation of the imagination through the literary concepts of the epic and lyricism. While sharing a common history, Senghor and Césaire experiencing a political, cultural identity and different. They thus address the different epic and lyrical concepts that take into account the history, the struggle, the expression of feelings, singing, art, the intrusion of fantasy and myth. Specifically, a backdrop of a marked fantasy, epic narrates the glory of a hero or the history of a community. And lyricism is structured as an expression of personal feelings which the poet sings his emotions, joys, sorrows and aspirations towards an Ideal.

La présente thèse se penche sur la tentative de transformation des mythes nationaux canadiens par le gouvernement Harper entre 2006 et 2015. La question à laquelle nous souhaitons répondre est : Comment le gouvernement Harper a-t-il cherché à transformer les mythes nationaux canadiens pendant sa décennie au pouvoir? Notre compréhension du concept de « mythe national » est basée sur la théorie des mythes sociaux de Gérard Bouchard (2014). En guise de réponse provisoire à notre question de recherche, nous proposons comme hypothèse que le gouvernement conservateur de Stephen Harper a tenté d’ériger trois mythes nationaux d’orientation conservatrice trouvant leur source dans son interprétation de la guerre de 1812. Le premier mythe est que le Canada est une « nation guerrière » avec un riche passé militaire. Le second est que l’histoire nationale canadienne est longue et remonte à un passé lointain. Le troisième est finalement qu’une part importante de l’identité canadienne correspond à son héritage britannique. L’établissement de ces nouveaux (ou anciens) mythes nationaux s’oppose à l’identité canadienne libérale. Au-delà de l’apparent rapprochement avec les États-Unis opéré par le gouvernement Harper, son récit identitaire prend bien soin de distinguer la nation canadienne de son puissant voisin. Notre étude se concentre sur le bicentenaire de la guerre de 1812, abondamment célébré par les Conservateurs en 2012, pendant l’unique mandat majoritaire du gouvernement Harper. Pour vérifier notre hypothèse, nous analysons une série de documents produits ou financés par le gouvernement canadien dans le cadre de ces commémorations. Notre analyse de contenu permet de mettre en lumière le message véhiculé par les Conservateurs sur l’identité canadienne à partir de cette guerre. Notre étude contribue également dans une plus large mesure à la littérature sur les mythes sociaux et les imaginaires collectifs en proposant une application pratique de la théorie de Bouchard.

Située au croisement de plusieurs disciplines – anthropologie, sociologie, histoire de l’art, études féministes et sur le genre – cette thèse s’intéresse aux oeuvres, aux pratiques, aux parcours et aux discours des femmes artistes māori néo-zélandaises s’inscrivant dans le champ de l’art contemporain et vivant en milieu urbain. Ces artistes sont à l’origine de revendications politiques et d’affirmations identitaires singulières du fait de leurs multiples appartenances : leurs productions recèlent des références simultanées à leurs histoires individuelles, à leur statut de membres d’une minorité autochtone et d’une tribu, à leur condition de femmes et de citoyennes au sein de la nation néo-zélandaise. L’analyse des données obtenues après avoir mené une enquête de terrain d’un an en Nouvelle-Zélande en 2012-2013, des recherches complémentaires sur Internet et des échanges avec les artistes au retour du terrain permet de montrer comment ces dernières s’inscrivent dans le mouvement actuel d’affirmation māori. En effet, suite à la colonisation britannique du XIXe siècle, les Māori luttent toujours pour affirmer leurs droits. Dans ce contexte, l’art est utilisé par certaines femmes comme un puissant moyen de contestation et de promotion d’un changement social visant à la reconnaissance du mana wahine (pouvoir, prestige féminin). Ce travail révèle également que la pratique artistique leur offre l’opportunité de réaffirmer les liens les unissant au monde māori tout en leur permettant d’accéder à une certaine autonomisation et émancipation. Elles développent des stratégies originales pour affirmer leur créativité sans transgresser des règles toujours importantes pour les Māori.

Envisager une étude portant sur Paul Valéry et Jorge L. Borges, c’est comprendre que les deux écrivains ont manifesté une inquiétude particulière à l’égard de leur identité, tâchant de toujours se tenir à l’abri d’un rôle public incertain. Les deux auteurs ont tenté de définir, à travers une quête permanente et angoissante manifeste dans leurs œuvres, une nature humaine ambiguë, paradoxale, parfois monstrueuse, comme celle d’Edmond Teste dans le cas de Valéry. Au cours de cette constante quête solitaire, seront convoqués les univers symboliques du rêve, de l’art dramatique, des mythes tels que Protée, le Minotaure, le Sphinx. À travers ces artifices, l’homme constate son enfermement dans deux mondes extrêmement complexes : le moi intérieur et l’univers infini qui l’entoure, chacun doté de dimensions incommensurables. Naît alors un nouveau concept «lecteur-écrivain-lecteur» qui embrasse l’œuvre littéraire devenue désormais universelle et infinie. / To consider a study about Paul Valéry and Jorge L. Borges is to understand that both writers have expressed particular concern about their identity, trying to always stay safe from an uncertain public role. The two authors have attempted to define - through a permanent and distressing search that we can read in their works – an ambiguous, paradoxical, sometimes monstrous human nature, as illustrated by Edmond Teste in the case of Valéry. During this constant and solitary quest, will be called the symbolic universes of dream, dramatic art, myths such as Proteus, the Minotaur and the Sphinx. Through these devices, man finds its confinement within two extremely complex worlds: the inner self and the infinite universe that surrounds him, each one with immeasurable dimensions. Then comes a new concept of «reader-writer-reader», embracing all their literary work who has become hereafter universal and infinite.

Cette thèse aborde l’ensemble de l’oeuvre théâtrale de l’auteur et metteur en scène français Didier-Georges Gabily (1955-1996) ; elle s’appuie sur les textes publiés et quelques inédits ainsi que sur des archives de la scène et desentretiens réalisés avec certains de ses acteurs et collaborateurs. L’étude est menée dans la perspective d’une poétique de la mémoire, une vision désenchantée de la société contemporaine surgissant de la confrontation permanente du passé avec le présent. Sont étudiées les modalités de déconstruction des mythes dans l’espace théâtral contemporain, qu’il s’agisse de mythes hérités du théâtre ou de mythes à dimension politique, tel le communisme ; ces deux angles permettant alors d’interroger la notion de communauté en son devenir. Cette recherche repose sur une observation des effets de la mémoire sur la structure du drame comme sur les régimes de la parole. On y observe en effet la récurrence d’une structure dramaturgique reposant sur une antériorité de la catastrophe que les personnages tentent vainement de recomposer. L’action y est alors remplacée par le récit, ce qui tend à produire de nombreux monologues comme une romanisation du drame. L’analyse s’appuie sur une approche esthétique mise en lien avec l’évolution des régimes d’historicité, ce qui aboutit à une lecture de l’oeuvre révélant la complexité avec laquelle l’auteur interroge le rapport au temps et à la représentation. Le dernier temps de cette recherche explore les relations de l’écriture au plateau et révèle ainsi un principe constant d’hybridation discursive manifestant l’importance du corps des acteurs et de la matérialité de la scène au sein de l’écriture. Cette étude tend à dénouer les écheveaux des héritages dans l’oeuvre théâtrale de Didier-Georges Gabily, thématique conduisant à la formulation d’une esthétique de la résistance allant contre la violence généralisée de la société libérale / This thesis covers the work of French writer and stage director Didier-Georges Gabily (1955-1996), his published and unpublished texts as well as production archives and interviews with his actors and collaborators. The perspective is that of a poetics of memory, a disenchanted vision of contemporary society that transpires out of the confrontation of the past with the present, resulting in the deconstruction of myths in contemporary dramatic space, be they myths bequeathed by former directors/actors or political myths such as communism; in either case, these two angles open a perspective onto a community in the making. The analysis is based on an observation of the impact of memory upon both dramatic structure and speech/dialogue patterns, as a recurrent dramaturgical structure resting on a former catastrophe is what the characters are constantly – and helplessly – trying to piece back together. As a result, action is replaced by narrative, which results in aseries of monologues, a “romanization” of drama (Sarrazac). The approach is based on aesthetic criteria together with the analysis of the dynamics of history in the work (both as a series of topoï and as a structuring pattern) to offer a reading of the work that reveals the complex interplay of time and performance in the author’s quest. The influence of the concreteness of the stage on Gabily’s writing is analysed in the last section of this research and reveals a process of perpetual hybridization, manifesting the importance of the actors’ bodies and the materiality of the stage in his writing. The analysis of the different threads in the fabric of literary and artistic heritage in Gabily’s work for the stage reveals the emergence of an aesthetics ofresistance going against the overall violence prevailing in liberal society