L'objectif de ce mémoire est d'observer la relation obsessionnelle qui se développe entre les figures du livre apparaissant dans trois nouvelles de l'écrivain argentin Jorge Luis Borges et les personnages-lecteurs entrant en contact avec elles. À travers l'étude de l'apparition et l'évolution de ces figures dans « Tlön, Uqbar, Orbis Tertius », « La Bibliothèque de Babel » et « Le livre de sable », nous en déterminons les impacts et les conséquences sur les personnages et leurs univers fictionnels. Notre analyse considère que l'obsession des personnages pour une représentation de la figure du livre est déclenchée exclusivement lorsque cette dernière se présente comme la figure du Livre total, le livre contenant tout. Dans un premier temps, nous déterminons ce que nous entendons par figure. Pour ce faire, nous utilisons principalement la théorie du symbole élaborée par Maurice Blanchot dans Le livre à venir (1959) et celle de la figure présentée par Bertrand Gervais dans Figures, Lectures - Logiques de l'imaginaire Tome 1 (2007). À partir de celles-ci, nous analysons les éléments nécessaires à l'apparition d'une figure dans un texte littéraire et nous étudions comment elle parvient à s'installer en tant que le centre d'attention des sujets avec lesquels elle entre en relation. Ces théories nous permettent d'affirmer que l'essence même d'une figure est l'obsession qu'elle parvient à susciter chez un sujet. Sans elle, il n'y a pas de figure. Nous faisons, ensuite, une analyse de la bibliographie critique. D'une part, nous étudions la signification du livre selon Jorge Luis Borges en nous appuyant essentiellement sur la conférence sur le livre qu'il donna en 1978. D'autre part, nous nous penchons sur plusieurs analyses sur son œuvre qui portent sur le rôle primordial que le livre joue dans celle-ci. De plus, nous remarquons que certains critiques signalent la présence chez Borges d'un objet livresque encore plus important : le Livre total. Ainsi, nous portons une attention particulière à la constitution d'un tel objet, afin de déterminer comment il parvient à prendre une place essentielle dans certains des textes borgésiens. Pour terminer, nous identifions les représentations de la figure du Livre dans chacune des trois nouvelles analysées. Nous décrivons leur apparition dans les univers textuels et expliquons comment elles parviennent à devenir obsédantes pour les personnages avec lesquels elles entrent en contact. Pour ce faire, nous mettons de l'avant le caractère infini de la figure du Livre et le concept du Livre monde qu'elle englobe. Finalement, nous explorons les différents impacts que cette obsession a sur les personnages et leur univers respectif en analysant l'évolution des composantes obsessionnelles entourant chacune des figures du Livre. Nous constatons que c'est l'impossibilité pour les personnages-lecteurs de satisfaire leur obsession qui cause ces conséquences, et que celles-ci deviennent alors irréversibles. ______________________________________________________________________________

This dissertation on Rachmaninoff's Rhapsody on a Theme by Paganini, Op.43 is divided into four parts: 1) historical background and the state of the sources, 2) analysis, 3) semantic issues related to analysis (discourse), and 4) performance and analysis. The analytical study, which constitutes the main body of this research, demonstrates how Rachmaninoff organically produces the variations in relation to the theme, designs the large-scale tonal and formal organization, and unifies the theme and variations as a whole. The selected analytical approach is linear in orientation - that is, Schenkerian. In the course of the analysis, close attention is paid to motivic detail; the analytical chapter carefully examines how the tonal structure and motivic elements in the theme are transformed, repeated, concealed, and expanded throughout the variations. As documented by a study of the manuscripts, the analysis also facilitates insight into the genesis and structure of the Rhapsody. How Rachmaninoff develops his ideas through several notebooks - including sketches and drafts - is described. Later parts of the dissertation deal with programmatic aspects of the Rhapsody. Related to the composer's significant use of the Dies Irae melody, semantic issues concerning "love and death" are taken into account and closely related to the specific structure of the piece. Rachmaninoff's symphonic poem, The Isle of the Dead, is a work which bears some intriguing resemblances to the Rhapsody in its larger structure as well as its ideology. Therefore, an interpretation of this work is provided to show the special relationship between the two pieces. The last chapter presents a discussion of two recordings of the Rhapsody by Rachmaninoff and Moiseiwitsch made in 1934 and 1938 respectively. Comparing and contrasting the different interpretations of each variation in these two historical recordings, this concluding part of the study explores ways in which analysis can be realized through performance.

This document identifies elements of a stylistic change which occurred in several of the pieces Rachmaninoff wrote during the last years of his life. These elements reflect a progressive trend in his music, which certainly maintained in spite of the change, its characteristic sound. The Variations on a Theme of Corelli, Op. 42 illustrate these new developments in their lean, angular unison sonorities, stripped of chordal padding and virtuosic display, in their percussive, staccato and incisive ostinato rhythmic figures, astringent chromatic harmony and modern air of detachment. The Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43 confirms this stylistic development in its remarkable similarity to the Corelli Variations. In the last twenty-six years of his life in exile from his homeland, making his way around the world as a concert pianist, Rachmaninoff wrote only six major works. Perhaps his increasing age, separation from homeland, and the musical revolutions surrounding him in the Western world produced this stylistic development.

Plusieurs patients du cancer au Cameroun pensent que leur état résulte d’une attaque de sorcellerie. Les auteurs en contexte africain attribuent cette thématique persécutrice au caractère collectiviste de la société qui fait de l’individu, en cas de maladie, la scène d’expression d’un conflit interpersonnel et communautaire. Nous tentons de montrer qu’au-delà de cet enjeu groupal, le vécu de persécution et son expression remplissent une fonction narcissique au niveau individuel. Le thème de la persécution chez la plupart de ces patients constitue un déni de la maladie, un moyen d’inhibition de l’angoisse de mort afférent à celle-ci, une expression du sentiment de toute puissance et d’immortalité caractéristique du narcissisme. Ainsi, il s’accompagne d’une hypertrophie du moi du sujet, lequel se croît envié par une personne de la génération parentale dans une lutte œdipienne mais parfois aussi de la même génération. Il s’agirait en réalité d’une forte réaction au vécu de catastrophe narcissique suscitée par le cancer.Le vécu et l’expression du thème de la persécution est aussi la recherche d’une protection contre la détresse liée au cancer par une fuite dans l’imaginaire observée chez les malades parfois même en milieu occidental. Ce qui favorise une richesse imaginaire en contradiction avec l’idée de démentalisation des malades somatiques soutenue par l’école psychosomatique de Paris notamment. Mais les patients sont débordés par cet imaginaire, ce qui leur ôte l’aptitude de l’élaboration mentale, et ne débouche pas sur une mentalisation et une symbolisation langagière. Par ailleurs, le vécu et l’expression du thème de la persécution s’est révélé être un moyen d’affirmation subjective pour des sujets aux prises avec des alliances narcissiques aliénantes. / Several cancer patients in Cameroon think that their sickness is the outcome of a witchcraft attack. Authors in the African context ascribe the theme of persecution to the collectivist character of the society that make the individual, in case of illness, the scene of expression of an interpersonal and community conflict. We try to show that beyond that goupal stakes, the experience and the feeling of persecution fulfils a narcissistic function at the individual level. The theme of persecution among most of these patients is a denial of the sickness, a mean of inhibition of anguish of death related to it, an expression of the feeling of omnipotence and immortality proper to narcissism. Thus, it is accompanied of an ego hypertrophy, which believes to be envied by a person of the parental generation in an Oedipian fight, but at times also with somebody of the same generation. It would be in reality a strong reaction to an experience of catastrophe provoked by cancer. The feeling and expression of the theme of persecution is also a search for a protection against the distress related to cancer by a escape in the imaginary observed among the patients even in the western milieu. This favors an imaginary affluence in contradiction with the idea of deficit of mentalising of somatic patients supported by Ecole psychosomatique de Paris. But these patients are overwhelmed by this imaginary richness, and this deprives them from the mental elaboration ability, and doesn’t lead to a mentalising and language symbolization. Moreover, the feeling and expression of the theme of persecution is also a mean of subjective affirmation for subjects confronted to alienating narcissistic alliances.

L’écriture de Francis Ponge est celle de la reprise : le corpus textuel est essentiellement formé par les dossiers des manuscrits et des pages dactylographiées réunissant les phases successives de la production du même fragment dites variations ou variantes. Les réécritures pongiennes s’articulent autour du même principe matriciel de construction appelé thème ou programme : à l’origine de chaque texte il y a des mots reliés par un certain type de rapport, le plus souvent des couples de mots répertoriés par leur nombre de phonèmes, dont la symétrie structurelle reflète idéalement la symétrie de l’ensemble. Dans ce contexte nous nous proposons d’étudier le concept fonctionnel d’objet trouvé tel qu’il apparaît dans la pensée esthétique d’André Boucourechliev qui nous permet de définir l’intertexte pongien à travers un vaste réseau de fusions trans-sémiotiques entre le langage verbal et le langage musical : l’interaction entre des notions telles que la partition graphique, la spatialisation sonore dans l’environnement boulézien, l’œuvre ouverte, l’écoute réduite et la série des interprétants empruntée à la sémiotique peircienne met en place des stratégies esthésiques qui rendent possible une interprétation complètement réformée de la signification. / Francis Ponge’s writing style is essentially based on repetition: the publication of his manuscripts revealed a vast network of contrapuntal variations which generate the consequent textual developments departing from a single matricial idea: called theme or programme symmetrical pairs of words ideally reflect the overall structural symmetry. Using the functional concept of the found object as it appears in André Boucourechliev’s aesthetic thought, this study attempts to define the pongian intertext through a multilayered range of trans-semiotic fusions between music and verbal language: thus emerge a rich dialectical approach built around the graphic partition, the spatialization in boulezian sound environment, the peircean series of interpretants, the open work and the phenomenological reduction, as interactive notions in the creative process of pongian rewritings. The dialogue established reforms the meaning of signification and rethinks the fundamental strategies of interpretation.

Le présent mémoire traite de la représentation occidentale de la cruauté dans l'art contemporain chinois. Cet art extrême est apparu vers la fin des années 1990 sur la scène artistique chinoise. Une grande part des pratiques extrêmes des artistes chinois a été introduite en Occident au début des années 2000, suscitant de vives réactions. Trois expositions européennes constituent notre corpus de recherche: l'exposition Hors Limites en 1994, la 5e Biennale d'art contemporain de Lyon en 2000, et l'exposition Mahjong en 2005 à Berne (Suisse). Dans les trois expositions, la mise en scène de la cruauté par les artistes chinois a suscité débats et controverses, et dans certains cas, l'intervention des tribunaux. Les oeuvres litigieuses chinoises ont toutes été censurées: soit interdites d'exposition, soit remplacées par des photographies. Notre problématique porte sur le «déséquilibre implicite» (Sally Price) qui caractérise le traitement et la représentation de l'art contemporain chinois dans les expositions occidentales. Alors que les pratiques extrêmes occidentales (actionnisme viennois, body art...) font l'objet de controverses essentiellement esthétiques, on assiste à un glissement du registre esthétique au registre juridique lorsqu'il s'agit de l'art contemporain extrême chinois. En effet, les oeuvres chinoises ne semblent pas, à l'instar des oeuvres occidentales, jouir de la même autonomie artistique et leur sort ne dépend pas des commissaires et des critiques mais plutôt des avocats et des juges. Ce traitement juridique des oeuvres litigieuses chinoises renverse les principes esthétiques que l'Occident a établi depuis le XIXe siècle: la liberté artistique, l'autonomie de l'oeuvre, la possible transgression de la mimésis. L'universalité de la notion d'art se heurte ici au caractère prétendument extraordinaire de la culture chinoise. En fait, ces cas de censure révèlent les fantasmes que l'Occident n'a cessés de nourrir au cours de son histoire sur la Chine, et sur le lien consubstantiel que la culture chinoise entretiendrait avec la cruauté. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art contemporain chinois, Art et cruauté, Art et censure, Huang Yong-ping, Xiao Yu, « Groupe Cadavre».

Ce mémoire se propose d'analyser les oeuvres des actionnistes viennois Günter Brus, Otto Mühl et Hermann Nitsch selon les aspects du rituel et de la violence. Cette recherche constitue la première étude sérieuse se penchant sur ces deux caractéristiques importantes de la pratique de ces artistes. À travers ce mémoire, nous abordons les concepts de la limite et de la transgression, du tabou, du rituel et de la violence afin d'en souligner leur manifestation à l'intérieur de leurs oeuvres ou dans leur pratique esthétique individuelle. Par l'entremise des thématiques du rituel et de la violence, nous élaborons l'hypothèse, que les actionnistes, à travers leurs actions, représentent l'ouverture du corps. Pour ce faire, nous avons basé notre travail de recherche selon les trois axes méthodologiques suivants: historiques, iconographiques et sémantiques. Nous avons découvert, ce faisant, que l'aspect du rituel et de la violence sont, dans un premier temps, liés intrinsèquement l'un à l'autre par le traitement du corps dans leur pratique respective, ensuite que leur mise en scène employant des éléments du rituel des sociétés dites «primitives» avait pour but l'exacerbation violente d'une situation prenant racine dans la société. Enfin, c'est par l'ajout, dans leur représentation du corps, des éléments empruntés aux divers rites, que la violence se manifeste dans leurs oeuvres à travers l'ouverture symbolique du corps. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Actionniste, Rituel, Violence, Transgression, Tabou.

Le mémoire qui suit porte sur les relations entre l'art actuel québécois et la vie quotidienne. Nous cherchons à étudier plus particulièrement les modes d'appréhension de la vie quotidienne des pratiques artistiques de BGL, de Jean-François Prost et de Devora Neumark. La proximité de ces pratiques avec l'espace quotidien engendre une modification des paramètres traditionnels, non seulement de création mais également, de réception des oeuvres et des interventions. Ces dernières misent sur l'exploration de l' « indécidabilité », de la mouvance et des « entre-deux » pour engendrer des manières inédites d'envisager l'espace quotidien. Leurs oeuvres et leurs interventions créent des rapprochements et des mises à distance, par rapport à la vie quotidienne, qui remettent en question la vision homogénéisée et standardisée du monde contemporain. Nous étudierons, dans un premier temps, le contexte de création des oeuvres et des interventions, nous mettrons l'accent sur « l'expérience sociale du quotidien ». Deux caractéristiques prédominantes du monde contemporain, l'excès et le paradoxe, nous permettront, par la suite, d'analyser les transformations de ce dernier. Nous étudierons la façon dont les artistes actuels investissent l'espace quotidien au moyen de tactiques. Ces « manières de faire » mettent l'accent sur la mobilité en se jouant des frontières et de la rigidité des normes sociales. Les tactiques artistiques permettent à BGL, à Prost et à Neumark d'appréhender la vie quotidienne de manière autre, d'une part, en explorant et en activant des «mi-lieux» et d'autre part, en adoptant une posture artistique similaire à celle de la figure théorique du nomade. Ensuite, les études de cas seront analysées en fonction des notions de rituel et de jeu. Ces notions, aux fondements de la « socialité », nous permettront d'analyser de manière plus spécifique les relations qui se tissent entre l'individu et le collectif lors des pratiques artistiques. Ces dernières permettent aux artistes d'instaurer des rapports ambigus à l'espace quotidien par le biais de « l'agir mimétique ». Enfin, à la lumière de ces études de cas, nous verrons que les oeuvres et les interventions contribuent à allier le corps physique et le corps social, en générant des relations qui sont autant locales que globales. Les oeuvres et les interventions touchent ainsi le récepteur par le biais de la médiation corporelle, tout en s'inscrivant dans le réseau de pensée qu'est « l'écologie cognitive ». Les agencements, créés par les relations esthétiques, contribuent également à rapprocher les oeuvres et les interventions de questions d'ordre politique et éthique. Ainsi, les pratiques artistiques de BGL, de Jean-François Prost et de Devora Neumark constituent des points de rencontres éphémères autant poétiques, qu'effectifs qui, en privilégiant l'altérité, esquissent les traits d'une communauté ouverte et plurielle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art actuel, Art québécois, BGL, Jean-François Prost, SYN, Devora Neumark, Mouvance, Altérité, Communauté, Vie quotidienne.

Cette étude porte sur le corps noir et l'intersubjectivité dans Ceux de July de Nadine Gordimer (1981), Tar Baby de Toni Morrison (1981) et Tu t'appelleras Tanga de Calixthe Beyala (1988). Dans chacun des récits, la représentation du corps noir est le pivot des relations qui unit les personnages noirs et blancs. L'évolution des différentes trames narratives dépend de la réinscription permanente de la figure du Noir dans les rapports intersubjectifs entre les Noirs et Blancs. Le premier objectif de ce mémoire de maîtrise est donc d'exposer la mise en scène littéraire de cette figure, avant tout, discursive, à travers les déplacements poétiques qu'effectue chacune des auteures. Cette analyse se fait principalement à partir de trois approches: organique, narratologique et sémiologique. Elle met aussi à contribution certaines notions relatives à la subjectivité dans l'énonciation. D'une part, cette analyse illustre les moyens par lesquels les personnages parviennent à construire des dichotomies qui, de prime abord, sont présentées comme étant indépassables à travers une série d'espaces où les différences sont démultipliées. D'autre part, ce travail de mémoire cherche à rendre compte de la nature intimement fictionnelle et sociale des corps, tout en démontrant une différence notoire de l'articulation du corps noir constamment chargé d'un « poids » métaphorique péjoratif qui efface le sujet. À travers leur écriture, les trois auteures parviennent à mettre en évidence les lieux communs de la représentation du corps noir, tout en réinscrivant ces derniers dans une polysémie déroutante et éclairante sur les communautés de sens qui enferment ou qui ouvrent les sujets sur eux-mêmes et sur les autres. En ce sens, les trois microcosmes déconstruisent -chacun dans son contexte respectif -la représentation du Noir. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Figure du Noir, Corporéité, Intersubjectivité, Stéréotype, Altérité, Roman, Mythe.

Le roman Les Démons de Fédor Dostoïevski se déploie dans les affres du chaos. Actes terroristes sanglants, questionnements sur Dieu et sur la nation et gestes incongrus posés par des personnages possédés scandent ce roman dense et éclaté. Or, dans tous ces bouleversements, c'est la crainte et l'espoir de l'Apocalypse qui surplombent tout le récit. Comment lire cette accumulation de désordres, tant dans le récit que dans la structure même de l'oeuvre? Comment expliquer une temporalité qui, encore aujourd'hui, est problématique, même pour les lecteurs aguerris de Dostoïevski? C'est par l'entremise de l'imaginaire de la fin que nous essayerons d'apporter certaines réponses à ces questions. Nous tenterons, dans le premier chapitre, de comprendre les divers troubles inhérents au récit dans la logique d'un temps qui menace de se terminer, une Russie sur le point de s'effondrer. Il s'agira d'abord de comprendre les racines de ce temps hors de lui, sans cesse en cavale et toujours insaisissable. Un temps qui happe les protagonistes et, par le fait même, le lecteur. Un temps de la crise dont certains profiteront pour tenter de prendre possession du pouvoir. Tous les signes convergent, dans le roman, vers une fin des temps, une apocalypse programmée. Ce temps qui menace de se finir demande un héros, un homme d'action, un sauveur qui protégera les fidèles de cette fin des temps qui semble imminente. Or, dans le contexte de la Sainte Russie sur le point de s'écrouler, c'est l'idole du nihilisme qui apparaît. L'homme du vide, traquenard insondable, qui ravit l'homme qui le contemple, homme totalement habité par le désir de croire. L'idole, que nous comprendrons, dans le chapitre deux, comme étant une figure, est nimbée d'une aura qui plonge celui qui le regarde dans des actes inexplicables. Toutefois, l'apocalypse programmée n'aura pas lieu. Nous verrons dans le troisième chapitre que ce n'est pas toute l'Humanité qui expire, mais bien l'homme, seule apocalypse possible, aussi injuste soit-elle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Imaginaire de la fin, Dostoïevski, Figure, Mort, Temps, Les Démons, Littérature russe.