Au cours des premières décennies du XXe siècle, la ville de Montréal se transforme rapidement et la population vit au rythme des changements qu'apportent les progrès de la vie moderne. En l'espace de quelques années, le paysage urbain montréalais voit apparaître de nouveaux modes de transport, des édifices toujours plus hauts, des grands magasins et de nombreux établissements à vocation culturelle, tels les théâtres, les cinémas ou les cabarets. L'influence de la radio, des journaux et des revues est incontestable, et l'impact de la culture américaine sur la culture populaire montréalaise semble désormais évident. Le milieu artistique québécois n'échappe pas à tous ces bouleversements et de nombreux peintres désirent, eux-aussi, faire le saut dans la modernité. Tel est le cas d'Adrien Hébert, qui notamment, par ses représentations de rues montréalaises, se porte à la défense des valeurs associées à la modernité, à la culture populaire, aux progrès techniques et à l'influence grandissante des États-Unis dans le mode de vie de la population. Malgré une technique assez classique, les oeuvres d'Hébert révèlent une modernité assurée, mais elles sont également empreintes d'une certaine américanité, celle associée à un espace urbain et contemporain. Les oeuvres d'Hébert font ainsi l'apologie du monde urbain, moderne et contemporain, dans lequel semble évoluer une population en parfaite harmonie avec son environnement. La réalité n'est cependant pas aussi simple puisque l'emprise du discours traditionnaliste de l'élite clérico-nationaliste est encore bien réelle à l'époque de l'entre-deux-guerres. Les tableaux d'Hébert représentent alors une réalité idéalisée par les valeurs et les idées que préconise l'artiste. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art au Québec 1920-1940, Adrien Hébert, Montréal, Urbanité, Modernité, Américanité.

Ce mémoire a pour objectif premier d'analyser et de décrire les représentations que construisent les auteurs de fiction spéculative canadiens au sujet de l'indépendantisme québécois. Ces derniers, particulièrement les auteurs anglophones, ont créé collectivement un corpus imposant de romans et de nouvelles, mettant en scène le mouvement indépendantiste québécois ou, dans certains cas, une éventuelle République du Québec. Or ces documents sont eux-mêmes le produit d'une époque historique avec laquelle ils sont en interaction. Ils constituent donc un moyen d'étudier leur contexte idéologique de production. À ce titre, la période 1975 à 1980 est particulièrement intéressante pour étudier les représentations du mouvement souverainiste dans la fiction spéculative, car elle correspond à un contexte historique particulier, à savoir la période comprenant la transformation du Parti québécois en parti de gouvernement (1976) et les incertitudes liées à l'imminence d'un référendum. Après notre premier chapitre traitant de notre méthodologie et de l'historiographie de la question, notre deuxième chapitre place ces récits en relation avec une certaine tradition canadienne du récit de fiction spéculative qui se caractérise par son aspect très politique, et ce, depuis le dix-neuvième siècle, tant du côté francophone qu'anglophone. Dans notre troisième chapitre, nous avons voulu démontrer que le corpus canadien d'expression anglaise se spécifie surtout par la généralisation des personnages francophones sous la notion de gallicité, soit le caractère de ce qui vient de France, par opposition à une essence anglo-saxonne. Cette essence gallic implique souvent une utilisation de la violence pour parvenir à l'indépendance. L'idée même d'un Québec indépendant est considérée comme contre-historique. Nous avons aussi décrit comment s'articule la diabolisation du nationalisme québécois sur le plan rhétorique, ce nationalisme n'étant pas considéré comme la conséquence d'une situation sociale ou politique, mais comme une dégénérescence de l'essence gallic. Ce sont ces éléments que nous avons comparés au corpus francophone dans notre quatrième et dernier chapitre. De leur côté, les récits francophones se caractérisent étonnamment par leur relative indifférence face à l'indépendance du Québec, qui sert davantage de contexte pour le récit que de moteur narratif. Contrairement au contexte anglophone, l'éventualité de l'indépendance n'est pas vécue comme en elle-même problématique, ce qui ne signifie pas nécessairement un appui à la cause indépendantiste. Ces façons d'appréhender la situation politique canadienne, le nationalisme québécois en général et l'indépendantisme en particulier, ne peuvent évidemment être considérées comme étant limitées à la fiction spéculative. Si ces représentations sont si généralisées, c'est qu'elles sont le reflet d'appréhensions politiques réelles. À ce titre, la fiction spéculative nous paraît être une source privilégiée pour en faire la démonstration. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Québec, Canada, Nationalisme, Science-fiction, Indépendance, Histoire des représentations.

Ce mémoire se consacre à une étude de l'infantile et de la pulsion de mort comme constituants d'une écriture du Mal dans Wuthering Heights (1847), l'unique roman de l'écrivaine anglaise Emily Brontë (1818-1848). Cette analyse s'inspire en premier lieu des travaux de Sigmund Freud sur les pulsions, le rêve et l'infantile. Le récit de Wuthering Heights s'articule autour des familles Earnshaw et Linton. L'arrivée de Heathcliff, un jeune orphelin, bouleversera la vie des membres de la famille Earnshaw. Catherine Earnshaw et de Heathcliff, élevés comme frère et soeur, mais liés dans leur jeunesse par une passion absolue et sans concession jusque dans la mort, subiront l'épreuve du temps à la sortie de l'enfance. Le roman présente des motifs récurrents qui contribuent à l'élaboration d'une expérience du Mal singulière. Les descriptions poétiques, la souffrance des personnages, la violence de l'écriture, les figures de la mort et l'hostilité des lieux du récit se donnent à lire comme les figures d'une répétition ou la reprise des éléments d'une histoire passée, moteur de la conception narrative du désastre et du tragique. L'étude du roman suppose l'exploration de cet univers inspiré par la violence, la cruauté, mais aussi la passion que suscite le désir d'absolu attaché à ce passé. Wuthering Heights est un récit dans lequel se mêlent, se démêlent, se confondent et se confrontent des mécanismes régis par des pulsions à la fois autodestructrices et libératrices. Ce mémoire analysera le roman dans sa structure narrative et son énonciation afin de rendre compte du caractère absolument tragique de la passion des protagonistes, de comprendre les mécanismes cruels de la narration et de démontrer la vision du Mal essentielle et universelle du récit. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Emily Brontë, Wuthering heights, Pulsion de mort, Infantile, Rêve, Mal, Tragique, Absolu.

Ce mémoire est une étude d'Autoportrait en vert de Marie NDiaye, une oeuvre hors genre qui véhicule une identité subversive dans le climat sociopolitique actuel de la France. Il commence en situant cette oeuvre dans le contexte de la production globale de l'auteure et dans celui d'une production actuelle croissante de photo-textes en France. Il procède ensuite en élaborant une définition de travail de l'hybridité à partir de plusieurs théories littéraires, culturelles, identitaires et photographiques. Comprise le plus simplement comme un entre-deux, l'hybridité est, selon nous, stratégique dans sa manifestation la plus radicale. Elle établit un lien entre la forme performative et parodique et l'identité comme mise en scène. L'analyse d'Autoportrait en vert se fait en deux temps. Il s'agit d'abord d'examiner comment le battement entre le trop-plein et le manque de forme et l'entrecroisement des genres et des médiums laisse émerger un tiers espace où une identité subjective multiple et subversive s'exprime. Ensuite, il analyse comment l'auteure met en scène cette identité subjective dans le personnage de la narratrice-écrivaine pour contourner les oppositions binaires afin de rendre visible et intelligible un soi littéraire subversif. Nous avançons qu'en menant la littérature et l'identité à l'état de crise dans ce photo-texte, Marie NDiaye crée un entre-deux et un entre-temps qui visent à ouvrir le contexte extra-littéraire et extra-photographique à une nouvelle conception de l'identité. En ce faisant, Autoportrait en vert ouvre de nouveaux espaces où les identités mineures peuvent s'écrire et se voir en France. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Hybridité, Parodie, Genre, Post-colonial, Marie NDiaye, Autoportrait, Photographie.

Chargé d'allusions à la mer et à la géographie terrestre, Nikolski est un roman dans lequel différentes conceptions de l'espace cohabitent. La première d'entre elles concerne les grands espaces: foulés, cartographiés, investis et habités, ils n'inspirent plus l'aventure ni la découverte. Au contraire, les voilà encombrés par les produits de consommation et les déchets. Dans de telles conditions, les voyages et les déplacements apparaissent désenchantés ils découlent d'une nécessité, professionnelle ou familiale. Le nomadisme perd du terrain au profit d'une occupation sédentaire du territoire, cependant qu'il continue à faire rêver, comme un paradis perdu où la liberté ne se réduisait pas au confort. La place qu'occupe le livre dans la société contemporaine est directement tributaire de ces changements: son irréductible matérialité l'associe à la sédentarité, et la multiplication exponentielle des exemplaires en fait un objet emblématique de la société de consommation. Partout où on les entrepose, les livres finissent par se fondre au paysage ; à défaut de circuler ils se minéralisent et s'intègrent à l'écosystème. Dans une société de plus en plus numérique, l'objet-livre souffre de son irréductible matérialité et apparaît à bien des égards désuet, folklorique. Sa place dans la société contemporaine doit être redéfinie, et avec elle les enjeux de conservation de la mémoire. Ces changements, propres à l'époque contemporaine, affectent les individus. Les familles se sont dispersées, laissant derrière autant d'orphelins que de parents atypiques. L'appartenance à un clan ne se fonde plus sur la cohabitation dans un même lieu. Elle doit trouver d'autres moyens de s'actualiser et donner naissance à de nouveaux récits de filiation. La figure du réseau, sans se substituer complètement à l'institution familiale, permet d'en lier les membres, selon une logique qui dépasse la simple coïncidence. L'impuissance des personnages n'est qu'apparente: la prise de parole par le narrateur et l'histoire qu'elle fait naître révèle une force transcendante qui gouverne là où le hasard semble régner. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mer, Voyage, Nomadisme, Sédentarité, Livre, Surabondance, Mémoire, Filiation, Réseau.

Il était une fois...l'histoire d'une petite fille curieuse qui, en suivant un lapin blanc, découvre un pays merveilleux habité par d'étranges créatures. Cette fillette et cet univers, nous les connaissons, c'est l'Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll. Ce conte a fait du chemin depuis sa parution en 1865 et ses pas l'ont mené jusqu'à aujourd'hui dans les mains d'un pionnier de la littérature d'horreur au Québec: Patrick Senécal. Depuis 1994, cet auteur est de plus en plus présent dans le panorama littéraire québécois, mais c'est son quatrième roman, Aliss, publié en 2000, qui retient ici notre attention. Dans ce roman, Senécal réécrit l'Alice au pays des merveilles de Carroll à l'aide d'un travail intertextuel et de réécriture. L'enjeu de ce mémoire est de découvrir de quelle manière s'opère la réécriture transformant le conte de Carroll en un nouveau texte qui propose une version moderne du sujet. Le récit de Senécal s'inscrit dans ce que Gérard Genette appelle l'hypertextualité : toute relation qui unit un texte (hypertexte) à un autre texte (hypotexte) dont il dérive. Dans nos recherches, ce sont les théories et la typologie intertextuelle qui servent de premiers moyens d'investigation. En sollicitant les catégories de la citation, de la référence et de l'allusion, nous sommes en mesure d'identifier et d'étudier les relations qu'entretient le récit de Senécal avec le conte de Carroll, mais également avec d'autres intertextes. Les théories de la réécriture et les concepts de répétition et de variation qui lui sont relatifs nous permettent d'analyser en profondeur les transformations apportées à Alice au pays des merveilles pour devenir Aliss. La réécriture joue notamment sur trois aspects. On assiste d'abord à un changement générique qui fait que l'on passe du merveilleux à une oeuvre se trouvant à la frontière entre le récit fantastique et le récit d'horreur. C'est notamment l'aspect cauchemardesque et fantastique déjà suggéré dans le conte de Carroll qui devient la source du glissement de genre. Pour parler de réécriture, il faut que l'on en reconnaisse obligatoirement le modèle. L'étude de la transposition des épisodes et des personnages d'Aliss, construits en miroir avec leur double carrollien et influencés par le changement générique, est donc nécessaire à la compréhension du phénomène. Finalement, en plus de s'approprier le conte de Carroll, Senécal intègre dans son récit l'auteur d'Alice au pays des merveilles et en fait un horrible personnage. Dans le dernier chapitre, la manière dont Senécal reprend les éléments caractéristiques de la vie de Carroll et de son oeuvre pour construire ce double subversif est étudiée. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Intertextualité, Réécriture, Fantastique, Horreur, Conte, Lewis Carroll, Patrick Senécal, Alice au Pays Des Merveilles, Aliss.

Ce mémoire porte sur l'usage du vêtement comme outil de médiation du corps féminin dans le travail de Jana Sterbak et de Vanessa Beecroft. Plus spécifiquement, nous souhaitons observer de quelle façon, à l'intérieur des représentations, le vêtement participe à (dé)construire l'identité du sujet. En abordant la représentation de la femme par l'analyse de ses inscriptions vestimentaires, nous cherchons également dans les oeuvres l'affirmation d'une subjectivité indissociable du corps. Dans un premier temps, nous procédons à une mise en contexte historique et théorique afin de démontrer le rapport d'interdépendance entre le corps féminin et son revêtement dans l'image et soulignons le rôle primordial de l'habillement dans la construction de la subjectivité. Nous exposons par ailleurs les divers enjeux soulevés par la représentation de la femme et observons des stratégies de résistance à la représentation objectivante du corps féminin. En second lieu, suivant les travaux de théoriciennes féministes, nous examinons notamment le concept d'image du corps ainsi que les modèles foucaldiens d'inscription corporelle et de pouvoir disciplinaire. De même, nous nous intéressons au rôle de l'habillement et des pratiques de la beauté dans la discipline du corps féminin afin de démontrer non seulement leur pouvoir normalisant et leur participation au maintien des identités monolithiques, mais aussi de considérer leur potentiel subversif. Enfin, la notion performative de l'identité de genre nous porte à croire que, dans les pratiques artistiques contemporaines, la mascarade féminine et la répétition ironique pourraient permettre d'explorer à la fois la construction des identités et la déconstruction critique. Nous analysons finalement les inscriptions vestimentaires dans les oeuvres de Sterbak et de Beecroft. Par leur utilisation du vêtement comme forme, matériau ou costume, les artistes suggèrent des images du corps transgressives qui viennent questionner les modèles culturels de la féminité en pointant leur contexte naturalisant. Malgré la singularité de leur démarche respective, les deux artistes donnent à voir des images du corps où les processus de construction identitaire ou d'élaboration d'une position de sujet s'avèrent sans cesse confrontés à des formes de pouvoir: les conventions de l'art, le regard de l'Autre, la maîtrise du corps, les diktats de la mode. Au terme de notre étude, les différentes stratégies parodiques observées nous apparaissent comme autant de négociations permettant de résoudre ponctuellement des problèmes liés à la représentation et à la définition du féminin. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art contemporain, Jana Sterbak, Vanessa Beecroft, Corps, Féminisme, Genre, Identité, Représentation, Vêtement.

Les impacts culturels du 11 septembre est un sujet qui suscite un grand intérêt auprès de plusieurs chercheurs. On retrouve divers ouvrages et de nombreux textes analytiques qui portent sur l'influence des événements au niveau du cinéma populaire. Dans nos recherches, nous avons consulté des ouvrages qui font état de certaines tendances. Par exemple, il existe des liens étroits entre l'industrie hollywoodienne et le gouvernement américain, où l'état peut parfois exercer une influence auprès des réalisateurs en instrumentalisant leurs films à des fins idéologiques. Cette instrumentalisation se caractérise par la mise en scène de menaces qui servent à justifier les forces de l'ordre. Une autre tendance qui a été soulevée est le fait que, depuis le 11 septembre, le cinéma américain semble se livrer à une mise en scène de la masculinité en péril, laissant par le fait même les femmes de côté. Des études psychologiques ont aussi démontré que les événements du 11 septembre ont rendu un grand pourcentage de la population américaine vulnérable, la peur se traduisant notamment chez plusieurs par une phobie des infrastructures et espaces publics. En partant de ces données, nous avons voulu étudier comment les films américains dans lesquels la terreur prédomine évoquent le 11 septembre, quels regards ces œuvres portent sur la société, ainsi que comment ils représentent la terreur et ses impacts. Pour ce faire, nous avons analysé 10 œuvres populaires parues entre 2005 et 2009, en ayant recours à la méthode sémio-pragmatique. En plus des visionnements, notre travail à consisté à répertorier des textes parus dans diverses revues cinématographiques ainsi que des commentaires d'internautes sur le site web The Internet Movie Database. Nous avons adopté cinq angles d'analyse, qui consisteront à étudier les points suivants : la représentation du mal, la représentation de l'ordre social et des figures d'autorité publique, la représentation de la terreur en milieu urbain, les procédés cinématographiques mis de l'avant par les réalisateurs pour dépeindre la terreur, ainsi que la représentation de la masculinité et de la féminité. Nous avons observé plusieurs tendances potentiellement significatives. Au niveau de la représentation du mal, plusieurs des films étudiés dépeignent celui-ci comme étant inhérent plutôt qu'étranger et le font apparaître dans des circonstances nébuleuses, en misant davantage sur les impacts directs que sur les causes. Dans plusieurs cas, la vision manichéenne du bien et du mal laisse place au relativisme. Finalement, dans plusieurs films, nous assistons à un véritable triomphe du mal, qui semble découler d'un profond pessimisme. Au niveau de la représentation de l'ordre social et de l'autorité, il est apparu que les films qui mettent en scène des militaires et des policiers dépeignent ceux-ci comme étant généralement impuissants. Dans un autre temps, plusieurs films tissent des liens entre terreur et individualisme. Finalement, les films qui font allusion à l'administration Bush dépeignent celle-ci sous un mauvais jour. Au niveau de la représentation de la terreur en ville, les infrastructures et lieux publics se transforment souvent en pièges et posent un danger pour la sécurité civile. Les scènes de destruction et d'accidents impliquant divers moyens de transport publics ou aériens abondent. Ainsi, la cité est associée au danger. Au niveau des procédés cinématographiques, trois réalisateurs ont recours à un style qui ressemble de près à celui adopté par les médias pour présenter les images du 11 septembre. Finalement, au niveau de la représentation de la masculinité et de la féminité, plusieurs des œuvres étudiées mettent en scène des protagonistes masculins vulnérables, tout en présentant des personnages féminins superficiels ou peu importants. Le thème de la relation père-fils est aussi très présent. Finalement, il y a une absence très marquée de romantisme dans l'ensemble des œuvres étudiées. Bien qu'il soit difficile d'établir si ces tendances sont représentatives de l'ensemble du cinéma américain, elles soulèvent des questions très importantes et ouvrent la voie à de futures recherches. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : 11 septembre, cinéma américain, sémio-pragmatique, terreur

La fin du XIXe siècle marque, dans l'histoire littéraire québécoise, l'avènement d'une prise de parole publique de la femme écrivaine. Alors que la structure sociale bourgeoise et patriarcale confinait !es femmes dans l'espace restreint de la famille, les écrits féminins avaient jusqu'alors reflété ce cloisonnement en se limitant aux échanges épistolaires et au journal intime. La fin de siècle correspond à un tournant majeur : la publication, par des écrivaines issues de la bourgeoisie, de textes divers allant de la chronique journalistique au conte, en passant par la nouvelle littéraire. La nouvelle semble avoir été, pour les écrivaines du tournant du siècle, une porte d'entrée dans le monde de l'écriture de fiction. Dans le cadre de ce travail, nous voyons de quelle façon le changement s'insère dans le champ des représentations, lorsque les femmes prennent la plume et dévoilent une perspective qui leur est propre, en étudiant un corpus de nouvelles parues entre 1878 et 1913, dans une perspective formelle et thématique. Nous nous proposons d'abord d'étudier le contexte historico-littéraire qui a permis l'avènement de ces femmes écrivaines, puis nous nous intéresserons à leur identité ainsi qu'aux conditions générales qui président à la publication des textes littéraires dans les périodiques et en recueils, notamment l'usage du pseudonyme. Nous nous penchons ensuite sur la nouvelle littéraire en tant que genre spécifique en littérature, la différenciant du conte et du roman et définissant les caractéristiques qui lui sont propres. L'ensemble de ces analyses nous permet de vérifier notre hypothèse : la nouvelle littéraire fournit-elle une voie à la fois convenable et accessible par laquelle les femmes peuvent faire leur entrée en écriture sans risquer de trop se compromettre? Il apparaît que, par leurs nouvelles, les femmes contribuent à la consolidation des caractéristiques de la nation canadienne-française (catholicisme, langue française et la famille comme fondement social structurant), tout en laissant les traces de leur identité propre. Laure Conan (Félicité Angers), Josette (Joséphine Marchand-Dandurand), Françoise (Robertine Barry), Colombine (Éva Circé-Côté), Adèle Bibaud et Madeleine (Anne-Marie Gleason) forment un groupe de pionnières dont l'audace peut encore surprendre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Québec, femmes, nouvelle, genre littéraire, 19e, 20e, Laure Conan, Félicité Angers, Josette, Joséphine Marchand-Dandurand, Françoise, Robertine Barry, Colombine, Éva Circé-Côté, Adèle Bibaud, Madeleine, Anne-Marie Gleason.

Le récit Éloge des voyages insensés ou l’Île, de Vassili Golovanov, est paru en 2002, puis traduit en français en 2007. L'auteur russe y relate les expéditions qui le mènent au nord de la Russie, sur l'île polaire de Kolgouev, au sud-est de la mer de Barents. Depuis la lecture de Robinson Crusoé dans son enfance jusqu'à la découverte de la carte de Kolgouev, explorée au XIXe siècle par le naturaliste Trevor-Battye, l'idée de l'île s'impose chez Golovanov et lorsque le désir d'aventure et d'éloignement devient incontournable, elle semble être un choix tout naturel. Toutefois, la séparation physique de l'île du reste du pays, ainsi que son écart idéologique en ce qui a trait aux enjeux politiques et sociaux, aident à créer, chez l'auteur, une perception spatio-temporelle unique. Ce mémoire s'intéresse au récit de voyage contemporain et, plus précisément, à la relation entre l'espace et le temps qui se construit dans le récit face à l'altérité. Il nous permet également de nous questionner sur la façon dont cette relation s'articule dans l'écriture du voyageur. L'étude est divisée en deux chapitres. Le premier chapitre se veut surtout une présentation théorique des récits de voyage. Il est question de l'historique du genre et de ses principales composantes. Afin de soutenir notre propos, le récit de Golovanov est étudié afin de comprendre comment se construit le parcours de l'auteur. Quatre moments sont déterminés: 1) avant le départ, 2) pendant les expéditions, 3) le retour, 4) le processus de l'écriture. Dans chacun de ces moments, nous repérons les principales marques du temps et de l'espace. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la notion de chronotope, telle que développée par Bakhtine, afin de comprendre les relations possibles entre l'espace et le temps dans le texte littéraire. Une analyse du récit de Golovanov est ensuite proposée et divisée selon trois dimensions spécifiques, perçues au fil de la lecture, qui influencent sa perception spatio-temporelle. L'observation de la dimension géographique permet d'abord de voir le rapport de Golovanov à l'espace de l'île. Puis, l'analyse de la dimension anthropologique permet de découvrir la sédentarisation forcée du peuple nenet et ses effets néfastes sur cette ancienne population nomade. Finalement, la dimension folklorique nous fait voir le lien entre les Nenets et leurs légendes, de même que le rapport étroit qui est créé entre le passé et le présent. À la suite de l'étude de ces dimensions, certains chronotopes ont été dégagés, soit le chronotope de l'île nordique, le chronotope sédentaire, le chronotope nomade et le chronotope folklorique et nous pouvons ainsi mieux concevoir l'articulation entre l'espace et le temps dans le récit de voyage de Golovanov, qui en définitive, se résume au fait que l'espace crée la temporalité du récit. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : récits de voyage, Vassili Golovanov, Éloge des voyages insensés ou l'île, espace-temps, chronotopes, Nenets, île, Russie