Maintes fois rééditées de 1559 au dix-huitième siècle, les histoires tragiques peuvent êtres lues comme un genre à succès, bien que non théorisé par les doctes à l’époque. Reposant sur une reprise de topoï romanesques, jouant avec différents modèles de récits et plusieurs genres à la mode de l’époque [roman sentimental, histoire prodigieuse, récit historique, fait divers, discours bigarré], allant jusqu’à des phénomènes d’hybridité générique, ces textes qui reprennent le même titre et s’écrivent et se lisent en série cherchent à étonner et à horrifier les lecteurs, en racontant des cas extraordinaires et sanglants, à la limite du vraisemblable, dans une visée proclamée d’exemplarité morale et d’édification. Proposant une vision paroxystique des vices humains et de leurs dramatiques conséquences, ces nouvelles spectaculaires exhibent une référence au tragique, tout en dépassant la tragédie en vers et en s’affranchissant de ses codes. Fruit d’une interaction entre les goûts macabres du public et des auteurs polygraphes vivant de leur plume, l’histoire tragique préfigure dans une certaine mesure les récits d’horreur, proposant un modèle de récit à sensation de l’âge baroque, qui plairait plus par sa démesure que par son exemplarité affichée. / Often republished from 1559 to the eighteenth century, « histoires tragiques » may be read as a fashionable genre, but not theorized at the time. These texts repeat the same topoi, playing with different narrative models and fashionable genres like romances, historical stories, prodigious stories, essays, and mixing them together. Constantly repeating the same title, all these stories telling gruesome bloody and sometimes unbelievable events, try to frighten and astonish the readers, even though they proclaim exemplarity and moralisation as purpose. Representing a paroxystic vision of crimes and passions, tragical stories obviously refer to the genre of tragedy, but they go beyond the theatrical form and become more like spectacular stories or « pictures ». The commercial success of this genre can be explained by the interaction between the reader’s bloodthristy tastes and the authors, who need to write for their living. « Histoires t! ragiques » can be considered as the ancestors of horror novels and short stories, because they invented a model of sensational story, more popular because of their excessive dimension than because of their exemplarity or moralisation.

La tragédie du quatrième siècle fut considérée depuis l’antiquité comme une phase de décadence du genre tragique. Toutefois, plusieurs spécialistes ont montré qu’il ne s’agissait pas d’un déclin : le théâtre continuait à jouer un rôle important dans la vie culturelle du monde grec. Dans cette thèse nous proposons une nouvelle édition des fragments des poètes tragiques grecs du quatrième siècle, qui furent actifs entre la fin de la guerre du Péloponnèse et la mort d’Alexandre le Grand. L’édition des textes est précédée d’une courte introduction sur chaque poète et suivie de leur apparat critique, leur traduction et des commentaires. Nous proposons également un nouvel ordre des poètes et des témoignages pour faciliter l’étude de ces textes. Nous espérons que cette thèse contribuera à une meilleure compréhension de cette production méconnue et invitera à des nouvelles recherches. / After the death of Euripides and Sophocles, tragic poets continue to write tragedies. During the fourth century BC theatre expanded all over the Greek world. In this thesis, I propose a new edition of the tragic fragments of the fourth century BC, by poets who were active from the end of the Peloponnesian war to the death of Alexander the Great. The edition of these texts is preceded by a brief introduction on each poet and followed by a critical apparatus, their translation and commentaries. I also propose a new order of the poets and testimonies in order to facilitate the study of the texts. I hope this thesis will contribute to a better understanding of this relatively unknown production and inspire new researches.

Johannes Harmonius Marsus (Giovanni Armonio Marso), poéte humaniste vénitien de la fin du Quatrrocento, a composé en latin, entre autres, deux pièces de théâtre : une comédie intitulée Stephanium, très proche de la fabula palliata romaine, et une tragédie historique, De Rebus Italicis deque Triumpho Ludovici XII Regis Francorum, pour célébrer l'entrée triomphale du roi français à Milan en 1499. Alors que la comédie a connu un succès retentissant dès sa première représentation et que, à l'inverse, la tragédie est restée complètement méconnue, il a paru important d'approfondir les caractéristiques dramaturgiques de ces deux pièces définies par la recherche constante de l'effet spectaculaire au service d'une intention édifiante. Notre traduction des deux pièces, la première en français, a ainsi été réalisée avec le souci de mettre en valeur le jeu scénique à travers lequel se dessine une nouvelle approche de la comédie et de la tragédie. L'étude du contexte d'écriture et la recherche des sources et modèles littéraires antiques (principalement Plaute et Térence d'une part, Sénèque et Claudien d'autre part) ont été réalisées dans le prolongement des travaux pionniers de Gilbert Tournoy (1978) pour la tragédie et de Ludwig Walther (1971) et Graziella Gentilini (1983) pour la comédie ; ainsi, par l'étude des similitudes et différences entre ces deux œuvres, nous avons essayé de définir l'originalité de l'esthétique dramatique de l'auteur ainsi que la place respective de chacune des deux pièces dans l'histoire de la réception des modèles poétiques de l'Antiquité et de l'élaboration, sans cesse renouvelée, du théâtre latin humaniste / Johannes Harmonius Marsus (Giovanni Armonio Marso), a Venetian humanist poet ofthe end of the Quattrocento, composed in Latin, among others, two plays : a comedy entitled Stephanium, very similar to the Roman fabula palliata, and a historical tragedy, De Rebus Italicis deque Triumpho Ludovici XII Regis Francorum, in order to celebrate the triumphant entrance of the French king in Milan in 1499. As the comedy had a resounding success from its first performance, and the tragedy, on the contrary, has remained completely neglected, it seemed important to deepen the dramaturgical characteristics of these two plays which are defined by the constant pursuit of the spectacular effect, thus serving the intention of edifying and praising. Then in our translation of both plays, the first time in French, we were careful to emphasize the stage acting through which a new approach of comedy and tragedy is taking shape. The study of the context of writing and the search for the ancient literary sources and models (mainly Plautus and Terence on the one hand, Seneca and Claudian on the other hand) have been carried out following the pioneer works of Gilbert Tournoy (1978) concerning the tragedy, of Ludwig Walther (1971) and Grazielle Gentilini (1983) concerning the comedy. Thus, by studying the similarities and the differences between these two works, we tried to define the originality of the author's dramatic aesthetic, as well as the respective places of each of both plays in the history of the reception of antiquity's poetic models, and of the constantly renewed development of the Latin humanist theatre.

Cette thèse a pour objectif d’étudier le retour de la tragédie grecque sur la scène française du XXe siècle, et de comprendre les significations qui s’appliquent à la forme théâtrale de la tragédie au XXe siècle, autour de quelques figures féminines. Notre recherche doctorale a retenu cinq écrivains, auteurs de pièces de théâtre inspirées par des personnages de la tragédie grecque : Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre et André Gide.En partant des oeuvres de l’Antiquité grecque comme berceau de la tragédie, on conçoit rapidement le fait que ces oeuvres constituent une source inépuisable pour les dramaturges français à travers les siècles. Ainsi, les auteurs français n’ont pas cessé de redonner la vie aux personnages tragiques grecs. Toutefois, il n’y a pas de lien particulier avec la civilisation antique si ce n’est un regard posé sur des mythes fondateurs de la pensée humaniste. Au plan méthodologique, nous nous appuyons sur les oeuvres, sans faire - plus que nécessaire - référence aux œuvres du théâtre grec. Bien qu’il prenne place dans le champ de la dramaturgie pour réinventer les dispositions d’un espace sociétal en plein mutation, le genre féminin n’a jamais été étudié d’une manière spécifique, détaillée et à partir d’un large corpus.Ce travail de thèse entre dans le cadre général de la thématique de la transformation du féminin qui est ainsi retranscrite ou traduite par la parole du dramaturge masculin. Après une identification de la personnalité des héroïnes et de leurs attitudes, notre propos sera de décrypter le réseau des alliances entre féminin et masculin. Les femmes s’impliquent dans les systèmes d’organisation que nous avons classés en trois parties : les relations dans la famille, les relations dans le couple et les relations dans le système politique. Au terme de cette exploration, nous arriverons à la conclusion suivante : la nouvelle identité que le XXe siècle a offerte à la femme a été mise en valeur. Alors qu’une infériorité considérable marque le statut de la femme, pendant des siècles, par rapport à celui de l'homme, des thématiques nouvelles surgissent pour donner naissance à une amélioration remarquable et à un changement de statut de la femme. / This thesis aims to study the return of the Greek tragedy into French theatre in the twentieth century, and to understand the significance applied to the Tragedy in the twentieth century focusing on some female figures. In this research, the following five French playwrights, authors of plays were chosen because they were inspired by characters of Greek Tragedy: Jean Giraudoux, Jean Anouilh, Jean Cocteau, Jean-Paul Sartre and André Gide.The return of Greek themes in French plays over the years shows us indeed just how valuable these finite sources of information and reference actually are and how much of an inspiration they have been. For this reason mainly, authors such as those mentioned above have not stopped bringing these old characters back to life in their plays. There is not any specific link with old civilization; it is but a look at the founding myths of the humanistic thinking. In terms of the methodology, work done in the 20th century with relation to classic Greek themes/ tragedy genre, has been selected specifically as a tool of studying more recent French theatre. The role played by these female characters in these plays has not been analyzed or looked at before in detail using this quantity of authors as a sample, making this thesis unique and an interesting contribution to the field.This study looks more deeply into the change or shift that took place when considering the role/character played by women in these plays, through the eyes of these male authors. After determining these distinctive female characters and their personalities and attitudes, the relationship between men and women can be analyzed and particular relationships, divided into 3 sections, namely will be analyzed and discussed: -  Role and relationship of female characters from a political system perspectiveThis thesis will aim to conclude that the identity and status associated to female characters, for several centuries have been significantly less than the status of men, and more specifically in these olden Greek plays from the 20th century.The study predicts that in light of the recent changes and developments undergone by new French play writers, inspired by classic Greek genre has led to a paradigm shift and drastic improvement in the identity and status associated to the Female characters in these plays.

La présente étude porte sur la pratique du genre de la tragédie classique au XIXe siècle, en particulier sous la Restauration et la Monarchie de Juillet. Ce qui nous intéresse, ce sont les développements les plus tardifs du genre tragique en France, genre dont nous documentons l’évolution et le déclin progressif au cours de la première moitié du XIXe siècle, c’est-à-dire jusqu’à sa disparition des théâtres français, qui a lieu autour de 1850. En nous basant sur un corpus de quatre-vingt pièces, nous essayons de brosser un tableau complet de la tragédie et des auteurs tragiques de la Restauration et de la Monarchie de Juillet, ou plus exactement des quarante années comprises entre 1814 et 1854. Conçu comme l’étude d’un code littéraire, ce travail s’articule en deux parties : dans la première, nous définissons le code tragique post-napoléonien sur la base des constantes formelles qui le caractérisent, en montrant l’évolution que le genre connaît des points de vue stylistique, structurel et plus strictement dramaturgique ; dans une seconde partie, nous examinons les constantes thématiques de ce code, en étudiant les stratégies par lesquelles la tragédie transpose, à travers les sujets historiques fortement allusifs qu’elle traite, les grandes problématiques politico-sociales de son temps. En documentant la continuité qui existe entre cette tragédie tardive et le drame romantique, nous cherchons enfin à valoriser les pièces de notre corpus et à mettre en évidence leurs traits modernes, ce qui nous conduit à rechercher les raisons de la persistance d’un genre traditionnel comme la tragédie classique et les facteurs qui déterminent sa revitalisation au XIXe siècle. / This study concerns the practice of the genre of classical tragedy in the nineteenth century, particularly during the Restoration and the July Monarchy. It focuses on the last developments of tragedy in France and documents the evolution and the progressive decline of this genre during the first half of the nineteenth century; that is until its disappearance from French theatres, which took place around 1850. By considering a corpus of eighty plays, this work aims to give a clear picture of the tragic genre and tragic authors of the Restoration and the July Monarchy, or more exactly of the forty years from 1814 to 1854. This work is conceived as the study of a literary code and is divided into two parts: in the first part, we try to define the tragic code of the post-Napoleonic era on the basis of the formal constants which characterise it, showing the evolution of the stylistic, structural and dramaturgic features of tragedy. In the second part, we look at the thematic constants of this code, studying the strategies that tragedy uses to transpose – through the historical and highly allusive subjects that it treats – the principal social and political problems of its time. Finally, by showing the continuity which exists between the declining tragic genre and the romantic drama, we try to valorise the texts in our corpus and to underline their modern features. This leads us to look for the reasons behind the persistence of a traditional genre like the classical tragedy and for the factors which revitalise it in the nineteenth century.

Corneille et Racine sont deux auteurs emblématiques de la tragédie classique du XVIIe siècle.L’objectif de ce mémoire a consisté en une analyse et une réflexion à travers des personnages féminins et masculins sur un corpus de quatre de leurs oeuvres en matière de libre arbitre et de conscience. Ces personnages représentent le héros tragique, issus de l’aristocratie et/ou de sang royal. Notre choix des oeuvres s’est porté pour Corneille sur - Polyeucte et Le Cid - et pour Racine sur - Andromaque et Polyeucte. La méthode est basée sur le livre Le dieu caché de Goldmann plus particulièrement sur son concept des trois sphères : du divin, du monde et de l’homme. L’analyse, a porté sur la capacité des protagonistes à utiliser le libre arbitre, à faire usage de la volonté et sur la notion de conscience.La complexité de cette étude a résidé dans la complexité des personnages et dans la coexistence des trois sphères du divin, du monde et de l’homme, à l’intérieur desquelles il y a différentes subtilités, d’autant plus que les sphères interagissent entre elles.De ce fait, cela génère la complexité de mesurer le degré de volonté, le libre arbitre des personnages. Par ailleurs, à travers les tragédies étudiées, nous pouvons voir la place centrale de la femme, la différence de l’homme et de la femme en ce qui concerne le libre arbitre, la place des émotions chez les personnages. / Corneille and Racine are two emblematic authors of the 17th century classic tragedy. It features characters of high rank from the nobility and/or from royal blood. The aim of this thesis is an analysis and a reflection, through female and male characters on a corpus of four of their works, in the field of free will and consciousness. These characters represent the tragic hero, coming from the aristocracy and/or of royal blood. Our choice is for Corneille, Polyeucte and Le Cid and for Racine, it is Andromaque and Britannicus. The method is based mainly on Goldmann’s book Le dieu caché and mainly the concept of three spheres: of the divine, the world and mankind. The analysis is focused on the protagonists’ ability to use free will, to make use of the will and on the notion of consciousness.The complexity of this study has been in the complexity of the characters and in the coexistence of the three spheres of the divine, of the world and of mankind, in which there are various subtleties especially since the spheres interact between them.By the same ways, it is complex to measure the will, free will of the characters. Through the studied tragedies, we can see the central place of women, the difference between man and woman in the matter of their free will, the place of emotions in characters.

La tragédie-opéra de Christoph-Willibald Gluck réalise les aspirations esthétiques des philosophes des Lumières dont l’influence de l’esthétique de la sensibilité, et la quête des origines en constituent la matrice poétique. Derrière les nouveautés introduites par la tragédie lyrique réformée dans les rapports qu’entretient le texte poétique à l’élément musical, s’émancipe un objet lyrique global qui, se fondant sur la construction organique de la tragédie grecque, s’érige en modèle poétique unitif. Souhaitant se placer au service d’une pluridisciplinarité exigée par les affinités qui s’établissent entre la tragédie grecque et le drame lyrique dès son origine, la présente contribution académique vise à apporter des éclaircissements sur le rôle du modèle antique dans l’élaboration théorique et la réalisation scénique de la tragédie-opéra pré-révolutionnaire de 1774 à 1789. Alors que le recours à la tragédie grecque répond à la fois aux nouvelles idées philosophiques et à la poétique globalisante de l’œuvre lyrique réformée, des inspirations textuelles et des liens de l’ordre de la construction formelle et poétique, notamment dans la réalisation des tableaux dramatiques, revendiquent une parenté composite et immédiate. Le lien intrinsèque établi dorénavant entre le théâtre déclamé antique et le théâtre lyrique réforme, met en lumière des questions inédites ou provenant du passé sur le rôle de la musique, aussi bien dans son rapport avec le poème que dans la corrélation avec le modèle global, faisant, ainsi ressortir le concept de musique « dramatique » sous fond de querelle musicale. Le recours à la tragédie grecque, derrière une apparence de légitimation du nouveau drame lyrique, fait apparaître l’émancipation de la forme antique, dont est reproduite surtout la finalité poétique. Entre le parcours d’un compositeur-dramaturge qui s’achève avec la tragédie d’Iphigénie en Tauride (1779) et celui d’un librettiste dont les poèmes ultérieurs s’inspirent de la forme antique, la tragédie-opéra, fondée sur une conception de théâtre « éprouvé », trouve pleinement sa place dans le mouvement du néo-classicisme des Lumières. / Christophe-Willibald Gluck’s tragédie-opéra, accomplishes the aesthetic inspirations of the Enlightenment based on the new aesthetic of sensibility and the quest of origins, its federal matric elements. Behind novelties introduced by the new relation between text and music, the emancipation of a global lyric project is founded in the organic structure of Greek tragedy, becoming, therefore, a poetic and unity model. The present academic contribution, based on a bi-disciplinary exigency due to early affinities between ancient Greek tragedy and opera, comes to enlighten the role of ancient model played on the tragédie-opéra’s theoretical elaboration and stage performance from 1774 to 1779. Although ancient tragedy responds not only to new ideas introduced by the Enlightenment but to the poetics of reformed opera, textual, formal and poetic inspirations, up to generating dramatic tableaux, mark a composite and immediate affiliation. New relation between ancient dramatic and lyric theatre is established on two fundamental directions: music’s new role as a poems interpreter, a collaborator to global result and as an art claiming its autonomy. On the other hand, the references to Greek tragedy to legitimize the reformed opera, reveals the emancipation of ancient Greek tragedy. The parallel itinerary of a composer-dramatist and a librettist, finishing, for the first, and, starting, for the second, with Iphigénie en Tauride, demonstrates that the global model, based on a felt conception of Greek tragedy, finds its place in the neo-classical movement.

Depuis plus d'un siècle, la Grèce antique ne cesse d'éblouir philosophes et hommes de lettre en Occident. La tragédie occupe une place éminente dans cet émerveillement venu de l'Athènes du Ve siècle avant Jésus-Christ. C'est pour matérialiser cette fascination que ce théâtre a donné lieu à des interprétations de tout genre : philosophique, humaniste, politique et morale... Il s'agit de lectures idéologiques dont la tragédie en général et Sophocle en particulier a fait l'objet. Dans cette perspective, il importait d'effectuer un panorama des lectures de cette tragédie devenue un mythe contemporain. L'oeuvre de Sophocle a servi d'illustration à la visée idéologique d'un théâtre qui s'intégrait à l'origine dans le cadre des manifestations culturelles en l'honneur de Dionysos à Athènes. Y avait-il lieu d'universaliser et d'immortaliser ces interprétations, fruits de l'imaginaire occidental ? Fallait-il continuer la réincarnation des personnages de Sophocle qui aurait avec son Antigone et son OEdipe-roi réussi à élaborer des modèles inimitables de la tragédie et de l'existence de l'homme ? C'est pour questionner cette vision de Sophocle qu'il semble nécessaire d'exploiter les éléments esthétiques (chant, musique) de cette tragédie qui offrent de nouvelles pistes de réflexion en porte-à-faux avec la lecture idéologique observée dans la critique contemporaine.

La gouvernance doit être considérée comme le principal enjeu du développement durable. En effet, un rapport du Programme des Nations Unies pour l’Environnement conclut : « une révision complète de la manière dont la planète est gérée est urgente si nous voulons répondre aux défis que pose le développement durable ». Partant du postulat selon lequel les problèmes environnementaux ont des racines dans la manière dont les humains s’organisent, quiconque cherche à solutionner ces problèmes devrait s’intéresser à la gouvernance. Toutefois, la gouvernance est un concept qui se décline en plusieurs variantes et il importe de préciser de quoi on parle. Dans ce contexte, la gestion en commun et la décentralisation semblent être des concepts incontournables permettant d’aborder adéquatement la gouvernance des ressources naturelles. La gestion d’une ressource naturelle par les usagers au niveau local – la gestion en commun – n’est pas un phénomène nouveau. Les différentes communautés forestières à travers le monde ont depuis plusieurs siècles développées leurs propres systèmes de règles pour encadrer l’accès aux ressources forestières desquelles dépendent directement leurs communautés. Dans plusieurs d’entre elles, l’accès aux différentes ressources forestières demeure à bien des égards encadré par des institutions traditionnelles. À un autre niveau, depuis l’époque coloniale, la quasi-totalité des pays à travers le monde ont, à des degrés divers, dans différents domaines, mis en place une gouvernance centralisée. Le domaine forestier notamment était alors intégré au domaine public, placé sous la tutelle de l’État à qui revenait l’ensemble des décisions le concernant : planification, gestion, exploitation, etc. Depuis quelques décennies toutefois, plusieurs observateurs soulignent le fait que les États semblent avoir échoué, que ce soit par manque de ressources, de capacité ou d’intérêt, à assurer une gestion durable des forêts. On se questionne alors à savoir si les problèmes de développement durable entourant les forêts (déforestation, dégradation des habitats, déclin de la biodiversité, pertes de services écologiques, pauvreté, inégalités, etc.) pourraient être attribuables une prise de décision centralisée. Dans ce contexte, plusieurs postulent qu’une partie de la solution à ces problèmes pourrait passer par une des modes de gouvernance alternatifs, plus précisément par une prise de décision moins centralisée. On défend de plus en plus l’idée selon laquelle il y une réelle plus-value à une implication active des populations locales dans la prise de décision sur les ressources forestières desquelles elles dépendent. À ce titre, l’idée qu’on ne peut plus exploiter les forêts au détriment ou sans considération pour les populations qui y vivent semble faire consensus depuis le Sommet de la Terre de Rio en 1992. Cette idée, loin de se limiter aux cercles académiques, se manifeste un peu partout à travers le monde par des politiques publiques qui reconnaissent des droits, des pouvoirs et des responsabilités aux communautés locales en matière de gestion des ressources forestières. Les observations montrent que le passage d’une gouvernance centralisée à une gouvernance « décentralisée » implique plus qu’une nouvelle législation, qu’il ne faut pas confondre changements législatifs et changements dans les modes de gouvernance. En effet, plusieurs décennies de centralisation ont altéré de manière significative et durable les institutions traditionnelles qui régulaient jusque-là l’accès aux ressources forestières dans les communautés. Dans ce contexte, il ne suffit pas de reconnaître des droits, des pouvoirs et des responsabilités aux communautés locales pour que les communautés reprennent la gestion des forêts là où elles l’avaient laissée. L’intégration d’un registre institutionnel traditionnel à un registre proprement moderne est un processus complexe. La décentralisation peut induire des effets pervers sur les rapports de force qui existent entre les acteurs au niveau local. La décentralisation peut être synonyme d’une prise de décision sur le long terme, respectueuse de l’environnement et des spécificités locales, mais pour ce faire elle doit s’intégrer au paysage institutionnel local et non tenter de s’y substituer. Ultimement, la décentralisation repose sur la capacité des acteurs impliqués à inventer de nouveaux communs, à capitaliser sur le capital social existant, à mettre en place de nouvelles institutions et à s’adapter aux capacités locales. Le Cameroun a entrepris en 1994 la réforme de son secteur forestier sous le thème de la décentralisation. Le pays a notamment offert la possibilité aux communautés de mettre en place des forêts communautaires. Ainsi, les communautés mises à l’écart d’une partie importante des décisions sur l’exploitation des forêts depuis plus d’un siècle se sont vues offrir la possibilité d’obtenir des droits, des pouvoirs et des responsabilités formelles sur le territoire sur lequel elles exercent des droits traditionnels informels. Après 20 ans de mise en œuvre, les observations montrent que l’articulation entre les registres institutionnels moderne et traditionnel cause de nombreuses problématiques de gouvernance dans les forêts communautaires camerounaises. Les institutions mises en place dans le cadre de cette gouvernance décentralisée ne semblent pas être adaptées aux contextes locaux. Le capital social et les institutions locales sur lesquels repose la gestion en commun ne sont pas valorisés. Au final, même si les communautés locales possèdent de réelles capacités en matière de gestion des ressources forestières, le bon fonctionnement des nouvelles institutions implique pour les communautés de mobiliser d’importantes ressources financières, de maîtriser un langage technique proprement moderne et ultimement, elles ne parviennent pas à s’approprier le processus et se retrouvent dépendantes d’acteurs externes. Au final, parce qu’elles ne s’y retrouvent plus dans ces nouvelles manières de fonctionner, elles se désintéressent de la forêt communautaire et c’est tout le processus qui manque sa cible.

La notion d'un esprit étranger et invisible qui prend possession d'un corps est, croit-on, sémitique. Les peuples proche-orientaux et juifs avaient développé des rituels et des pratiques spécifiques pour s'en débarasser. Les Grecs, pour leur part, avaient parfois à composer avec différentes entités, des daimones, des morts ou des apparitions et parfois des divinités dont les actions pouvaient s'avérer très nuisibles, si ce n'est nettement invasives. Toutefois, la communis opinio maintient que les concepts de la possession et de l'exorcisme ne furent chez eux, que tardivement introduits, et ce, sous l'influence des sémitiques. Pourtant, la littérature et les sources épigraphiques, papyrologiques et archéologiques semblent démontrer que les Grecs avaient déjà, dès l'époque classique, dans leur propre culture et religion, les éléments caractéristiques de la possession et de l'exorcisme. Une analyse approfondie de textes d'auteurs anciens, de formulaires de magie,dont les très connus Papyri Grecs Magiques et de diverses amulettes, apporte des arguments décisifs en ce sens. / The notion of an alien and invisible spirit who takes possession of a person is believed to be Semitic. The Near East and Jewish people had developed rituals and specific practices to get rid of them. The Greeks, meanwhile, had to deal with numbers of entities, daimones, dead or apparitions and sometimes with the gods themselves, whose actions could be very harmful, if not clearly invasive. Nevertheless, the communis opinio holds that the concepts of possession and exorcism where belatedly introduced, and this only under the influence of Semitics. However the literature and the epigraphic, archaeological and papyrological sources seems to show that the Greeks already had, from the classical period, in their own culture and religion, the characteristic elements of possession and exorcism. A detailed analysis of some ancient texts, of magical formularies, including the well-known Greek Magical Papyri, and of various amulets, provides decisive arguments in this direction.