À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individu. / Analysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual.

The diploma work deals with ethical dilemmas and conflicts in the European culture. It examines the disturbance of the human destiny in the paradigmatic characters of Antigone and Hamlet. On the basis of the two tragedies, the diploma work tries to reconstruct ethical teaching standing in the background of these two pieces of work. The diploma work is divided into four main chapters. In the first two chapters I concentrated, on the basis of professional literature, on the principal works Antigone and Hamlet. Then I handled the personality of the main characters, their contemplation of the problem, their thinking about how to make a decision and how they came to the way to solve their own situation. The third chapter deals with disturbance of human destiny. The fourth chapter is a synthesis of all the information which I gained while dealing with the topic of the diploma work.

Cette thèse porte sur la poétique du roman de Victor Hugo, Theodor Fontane et Thomas Hardy en s'appuyant plus spécifiquement sur l'étude de L'Homme qui rit (1869), Errements et Tourments (1888) et Tess d'Urberville (1891). En rapprochant ces trois romanciers majeurs mais tenus à l'écart des théories générales du roman, il s'agit de montrer le maintien d'une conception du roman moderne comme forme poétique du monde, s'inscrivant dans un horizon de pensée idéaliste, progressiste et critique. Hugo, Fontane et Hardy, romanciers qui se disent avant tout poètes, font le choix de faire du roman une tragédie, forme poétique du monde qui va à l'encontre du prosaïsme moderne et romanesque théorisé par Lukacs, à la suite de Hegel. Face au nihilisme et aux théories du roman réaliste qui voient le jour dans la seconde moitié du XIXe siècle et tentent de définir – au sens restrictif du terme – le genre romanesque, ils retrouvent le modèle du roman romantique et le redéfinissent face au roman réaliste. Leur poétique est alors fondée sur la « poiétisation » de la prose, autrement dit, sur l'imagination, le symbolique et le métaphorique. Ils affirment ainsi la spécificité et la possibilité d'une expérience poétique, c'est-à-dire subjective, héroïque et morale du monde, ainsi que la capacité du roman à produire un savoir poétique sur le monde et l'histoire. / This thesis deals with the poetics of the novel in Victor Hugo, Theodor Fontane and Thomas Hardy, with a specific focus on The Man who Laughs (1869), Trials and Tribulations (1888) and Tess of the d'Urbervilles (1891). By bringing together these three novelists who are widely acknowledged as major writers yet ignored by general theories of the novel, this study will show how a vision of the modern novel as a poetic rendition of reality, with an idealist, progressive and critical background, has maintained itself. Hugo, Fontane and Hardy, three novelists who considered themselves to be poets first and foremost, opted to turn the novel into a tragedy, a poetic rendition of reality which stands in contrast with Lukacs’ post-Hegelian theories of the modern novel as a prosaic literary genre. In the face of nihilism and the theories of the realist novel which surfaced in the second half of the XIXth century and attempted to define – in the restrictive sense of the word – the genre of the novel, they turned back to the model of the Romantic novel and reinvented it at a time when the realist novel was preeminent. Their poetics was therefore based on the “poietisation” of prose, in other words, based on the imaginary, the symbolic and the metaphoric. This enabled them to assert the specificity and possibility of a poetic, that is to say subjective, heroic and moral experience of the world, as well as the ability of the novel to generate poetical knowledge about the world and history.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Alexandre Augusto Bellei.pdf: 710329 bytes, checksum: d314819c6e25af613a4a700cd683e338 (MD5) Previous issue date: 2007-06-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / On examine l oeuvre du jeune Nietzsche, spécialement La naissance de la tragédie, à la recherche de la compréhension de ses fondements critiques en relation à la pensée occidentale, marquée, fondamentalement, par l influx du platonisme. Pour la collecte de données, on utilise la recherche dans les oeuvres de la jeunesse nietzschienne et aussi dans les oeuvres de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer et Platon. On indique comme résultats principaux : a) les influences de Schopenhauer et Wagner dans la théorie esthétique de Nietzsche, basée sur les impulsions apolliniennes e dionysiaques des arts; b) la théorisation esthétique de Nietzsche comme consolation métaphysique de la vie; c) la relation antipodique entre la métaphysique esthétique de Nietzsche et la critique des arts selon Platon; d) le platonisme, vu à partir de la survalorisation de la pensée logico-scientifique, au détriment des expériences émotives de l art; e) la relativisation de la vérité dans l esthétique nietzschienne / Investiga a obra filosófica do jovem Nietzsche, especialmente O nascimento da tragédia, na busca da compreensão de seus fundamentos críticos em relação ao pensamento ocidental, marcado, fundamentalmente, pelo influxo do platonismo. Para a coleta de dados, utiliza-se pesquisa nas obras da juventude nietzschiana como também nas obras de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer e Platão. Aponta como principais resultados: a) as influências de Schopenhauer e Wagner na teoria estética de Nietzsche, baseada nos impulsos apolíneo e dionisíaco das artes; b) a teorização estética de Nietzsche enquanto consolo metafísico para a vida; c) a relação antipódica entre a metafísica estética de Nietzsche e a crítica das artes segundo Platão; d) o platonismo, visto a partir da sobrevalorização do pensamento lógico-científico, em detrimento das vivências emotivas da arte; c) a relativização da verdade dentro da estética nietzschiana

La tragédie du personnage féminin dans certains écrits de Tahar Ben Jelloun, au regard de la réalité, sociale, religieuse, culturelle, économique et politique impose une analyse herméneutique des contours de la situation authentique de la femme marocaine, d'hier et d'aujourd'hui. Cette démarche tentera, dans un premier temps, de mettre en lumière, l'imaginaire littéraire qui met le thème du fantasme de la décadence, de l'érotisme exacerbé et de la volupté débridée au cœur du dispositif narratif chez l'auteur marocain. L'ébauche analytique,des figures féminines dans les romans choisis dans cette étude, cheminera vers l'exposition d'un modèle féminin stéréotypé qui met en exergue la relation conflictuelle de Tahar Ben Jelloun, auteur francophone et francophile par excellence, avec certaines formes de la culture marocaine. Cet apport permettra en fin la mise en évidence d'une forme de nomadisme linguistique mêlant exotisation, oralité et langue française dans un processus de recyclage et de renouvellent thématique constant et permanent. / The tragedy of the feminine character in some of Tahar Ben Jelloun's writings, in view of the social, religious, economical and political reality, imposes a hermeneutic analysis of the contours of the authentic situation of the Moroccan woman in the past and in the present. This approach will try, at first, to bring to light, the literary imagination which employs the theme of the fantasy of declination, the exasperated eroticism and the sensual delectation that is unbridled in the core of the narrative structure of the Moroccan author's oeuvres. The analytical study of the feminine figures as presented in the selected novels of this research, will substantiate an exhibition of a stereotypical feminine model. As a matter of fact, this will highlights the persuasion that Tahar Ben Jelloun, who is considered as a francophone author and francophile par excellence, has got a conflictual relationship with some features of the Moroccan culture. This attempt will reveal, at last, the use of a kind of a linguistic nomadism which combines exoticism, oral character and French language in a recycling process of constant and permanent reproducibility.

Cette thèse vise à préciser l’importance et le relief singulier que Valérius Flaccus donne aux figures du pouvoir monarchique dans les Argonautiques. Elle sollicite la vaste tradition littéraire antique portant sur les figures du bon roi et du tyran, ainsi que les représentations du pouvoir véhiculées par l’idéologie impériale, afin de déterminer quel regard spécifique ce poète porte sur une problématique universelle et quels procédés il met en œuvre pour rendre cette représentation originale et efficace. Ce travail, qui écarte tout parti pris référentiel,s’articule autour d’une étude des personnages.Le poète analyse les mécanismes de fonctionnement de la tyrannie. Il en souligne le caractère oppressant en faisant des tyrans les pivots de la narration épique et en théâtralisant fortement leurs apparitions, susceptibles de frapper le lecteur. Aux tyrans s’opposent de nombreux rois exerçant un pouvoir positif. Le poète grandit ces figures en les valorisant sur le plan éthique mais montre aussi de façon répétée leur chute ainsi que la stérilité de leur pouvoir afin de susciter la compassion du lecteur. L’élaboration du personnage de Jason se fait sur le même modèle que celle des bons rois. La mise en valeur des qualités du chef ne rend que plus saisissante sa déchéance future, sans cesse annoncée. L’inquiétude et le pessimisme se dégagent donc de cette représentation du pouvoir royal, conçu sous sa forme pervertie, la tyrannie, ou associé à la décadence.Cette thèse permet d’ajouter une contribution à l’histoire des représentations et de prendre la mesure des évolutions du genre épique, qui fait alors une place importante à la tragédie et aux effets pathétiques. / This thesis aims to specify the importance and the unique depth Valerius Flaccus gives to the figures of monarchic power in the Argonautica. It calls on the vast antique literary tradition which deals with the figures of the good king and the tyrant, as well as the representations of power carried by the imperial ideology, in order to determine what specific look this poet takes on an universal issue and what literary devices he uses to make this representation original and efficient. This work that rejects every referential bias is based on a study of the characters. The poet analyses how tyranny works. He underlines its oppressive nature by making tyrants the pivots of epic narration and by strongly dramatizing their appearances, which is likely to strike the reader. Numerous kingsembodying a positive power contrast with tyrants. The poet enhances these figures valuing them from an ethic point of view. But he also repeatedly shows their falls as well as the sterility of their power in order to arouse thereader’s sympathy. To elaborate the character of Jason he proceeds in the same way as for the good kings.Emphasizing the qualities of the leader makes his constantly announced future decline all the more striking andmoving. Anxiety and pessimism prevail in the representation of royal power, which is seen in its corrupted form,tyranny, or associated to decline.This thesis contributes to the history of representations and makes it possible to assess the evolutions of the epicgenre, which then affords an important place to tragedy and pathetic effects.

La thèse, composée de quatre volumes, propose l’ensemble de l’œuvre du dramaturge, à savoir les quinze pièces – dont sept sont inédites –, selon ses différentes caractéristiques : théâtre idéaliste (collaboration artistique), renouvellement de la tragédie antique (scènes de plein air), drames historiques (volonté d’accéder aux théâtres nationaux), adaptations dramatiques (traduction et translation). Les pièces, retranscrites, annotées (variantes et notes), sont accompagnées d’études (introduction et notice). L’introduction générale permet de présenter et de saisir le théâtre de l’écrivain, ses expériences scéniques ainsi que ses considérations sur l’art dramatique. L’édition critique a pour but de donner à lire l’œuvre injustement négligée, en rappelant le rôle important de ce théâtre dans l’histoire des idées et dans l’évolution artistique et littéraire de la fin du XIXe siècle jusqu’au début du XXe siècle. / This is to prepare the scientific edition of the complete theatre work of Joséphin Péladan. The thesis in four volumes offers all of the work of the playwright, namely fifteen plays – seven of which are unpublished – according to its different characteristics: idealistic theater (artistic collaboration), renewal of ancient tragedy (outdoor scenes), historical dramas (willingness to access the national theaters), dramatic adaptations (translation and transposition). The plays, transcribed and annotated (variants and notes), are accompanied by some analysis (introductions and detailed descriptions). The general introduction presents the playwright and allows to understand his complete work, his stage experience and his reflections on the art of drama. The critical edition of the theatrical works of Joséphin Péladan aims to render accessible his plays unjustly neglected in spite of his profound influence on the theatre creation during the late 19th century and the early 20th century.

Ce présent travail étudie la mobilisation des concepts relatifs à la légitimité et à l’usurpation dans le théâtre français classique, et a pour corpus toutes les pièces (tragédies, tragi-comédies et comédies héroïques) représentant des perturbations étatiques liées à l’usurpation entre 1630 et la fin du XVIIe siècle. Si la mise en scène de bouleversements politiques extraordinaires confère une certaine grandeur à l’œuvre dramatique, elle implique un aspect référentiel qui, surtout dans une France où l’absolutisme s’établit et s’affirme, pourrait conduire à une difficulté. Or, c’est précisément cette problématique qui assure l’efficacité propre du thème de l’usurpation. La référence idéologique et morale est elle-même mobilisable sur un plan dramaturgique et peut constituer un élément structurant de l’effet dramatique, assurer l’engrenage de l’action, et répondre à une vision poétique. En même temps, à travers ces procédés dramaturgiques, les pièces construisent leur sens qui, tout en faisant écho à l’absolutisme monarchique, peut parfois présenter un écart par rapport aux réflexions politiques contemporaines. Cette étude s’articule autour de trois concepts – le droit de régner, le devoir de régner et la volonté de régner. L’analyse de la manière concrète de leur mise en place mène à une réflexion sur l’évolution du traitement du thème durant le siècle et sur le rapport complexe entre idéologie et dramaturgie. / This piece of work studies the mobilization of concepts relating to legitimacy and usurpation in classical French theater. The corpus includes all plays (tragedies, tragi-comedies and heroic comedies) representing state-level disruptions linked to usurpation from 1630 to the end of the seventeenth century. If the representation of extraordinary political disorders makes the subject of a play more elevated, it also implies a referential dimension that could give rise to a complication, especially in a France where absolutism was taking shape. Yet it is precisely this problem that warrants the value of the theme of usurpation. Once dramaturgically mobilized, the ideological and moral reference constitutes a structural element that creates the dramatic effect, which ensures the circle of the action and echoes a poetic vision. At the same time, through these dramaturgical features, the plays construct their meaning, which besides reflecting absolutist ideology can sometimes deviate from contemporary political thought. This study hinges on three concepts – the right to rule, the duty to rule and the will to rule. The analysis of the concrete means of their implementation is followed by a reflection on the evolution of the treatment of the theme throughout the century as well as on the complex relationship between ideology and dramaturgy.

Cette thèse de doctorat vise, à partir de l'exemple que constitue le traitement du mythe d'Œdipe par les trois dramaturges que sont Eschyle, Sophocle et Euripide, à comprendre comment les tragiques grecs, qui traitaient toujours des mêmes histoires, et suscitaient pourtant l'intérêt du public, ont su renouveler la création théâtrale, en parvenant à ne pas faire les mêmes pièces à partir des mêmes légendes. Certes, la matière mythique n'était pas figée en soi ; toutefois, comme la tragédie était un genre très codifié dans sa structure et relativement limité en termes d’effets visuels, c'est surtout sur le texte même que l'auteur pouvait intervenir, au prix d'un travail toujours renouvelé sur sa langue.C'est donc au texte même des tragédies que cette étude s'attache, texte qui est abordé selon une triple perspective, à la fois herméneutique, philologique et comparatiste, ce qui permet de comprendre non seulement les enjeux profonds de chacun d'eux, mais aussi les variations sur le mythe et les effets ainsi créés. Le corpus, restreint mais raisonnable (Les Sept contre Thèbes d'Eschyle, l'Œdipe Roi, l'Antigone et l'Œdipe à Colone de Sophocle, et les Phéniciennes d'Euripide), est analysé avec rigueur et aussi peu d'a priori que possible. Cette étude permet de mieux comprendre le fonctionnement de la tragédie, ainsi que la façon dont une poétique se renouvelait sans cesse et évoluait de la sorte, en explorant les possibilités que lui offrait sa langue et en travaillant sur les représentations et les contenus traditionnels dont le poète tragique héritait. Ce projet vise ainsi à mieux saisir les ressorts de la création poétique dans un contexte culturel qui permet d’appréhender au mieux les limites entre lesquelles elle est mise en œuvre ; il permettra également d'approfondir la compréhension d'une culture qui prenait plaisir à aller voir des pièces dont elle connaissait déjà la fin. / The aim of this PhD thesis, based on Aeschylus’, Sophocles’ and Euripides’ treatments of the Oedipus myth, is to understand how Greek tragic playwrights – who aroused the public interest while always dealing with the same stories – managed to reinvent theatre and write new plays out of the same myths. Admittedly, mythical material was not fixed, yet, tragedy was a genre which structure was highly codified, and quite limited in terms of visual effects. Thus, it was mainly within the text itself that authors could intervene by way of an ever-repeated work on their own language. Therefore, it is the texts of tragedies themselves which are the subject of this study, and which will be explored from three different perspectives; hermeneutic, philological and comparative. This not only allows for an understanding of the deeper issues each text tackles, but also of the variations on the myth and the effects they create. The corpus (Aeschylus' Seven against Thebes, Sophocles' Antigone, Œdipus Rex, Œdipus at Colonus, Euripides' Phoenician Women) – limited yet reasonable – will be analysed rigorously and with as little a priori as possible. What is proposed in this study is a better understanding of how the mechanics of tragedy worked, as well as of how part of a poetics could evolve through perpetual renewal, as tragic poets explored the possibilities of their language, worked on representations and traditional materials they had inherited. The aim of this study is to better grasp the means of poetic creation in a given cultural context so as to gain the best possible understanding of the limits within which it took place. It also allows for a deepened understanding of a culture in which people still enjoyed plays while already knowing how they would end.

Cette thèse de doctorat porte sur la mendicité et la figure du mendiant dans la littérature grecque, d’Homère jusqu’au philosophes cyniques. Quatre familles de mots servent de point de départ à cette étude : πτωχός « le mendiant », ἀγύρτης « le prêtre mendiant », ἀλήτης « vagabond », πλάνης « le rôdeur » et la triade ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης « le quémandeur ». Le hasard de la conservation veut que les attestations de la mendicité dans la littérature grecque se cantonnent au corpus poétique. Or, par sa dimension pragmatique, la poésie grecque reste liée à son contexte d’origine, en traitant toujours de problématiques sociales qui lui sont contemporaines. Notre travail se propose d’étudier dans quelle mesure les représentations littéraires et esthétiques de la mendicité sont investies d’une fonction sociale. Notre thèse adopte trois perspectives méthodologiques : une étude lexicale de la mendicité examinant les jeux de synonymie et les connotations, un examen des fonctions littéraires et dramatiques du personnage, tantôt catalyseur de l'action, tantôt vecteur d'émotions, et une analyse sur son rôle argumentatif dans les réflexions politiques et morales sur la pauvreté au IVème siècle. Le motif de la mendicité permet aux Grecs d’envisager un certain type d’exclusion civique, et en contre-point, d’appréhender la nature du lien social. Une étude chronologique montre que ce personnage, initialement contre-modèle du parfait citoyen, devient aux moments de grands bouleversements économiques un personnage attachant, permettant à la cité de réintégrer symboliquement les pauvres et de prôner indirectement la solidarité collective. / This study/PhD thesis is focused on the beggary and the beggar in Greek literature, from Homer to the cynicism. At the beggining, I am dealing with the study of four word groups : πτωχός ‟beggar”, ἀγύρτης ‟begging priest”, ἀλήτης ‟vagabond”, πλάνης ‟wanderer” and ἐπαίτης, προσαίτης, μεταίτης ‟almsman”. The preserved corpus of Greek literature with mention of the beggary is fortuitously restricted to poetry. By her pragmatic function, ancient Greek poetry remains connected with contemporary social problems. My work's aim is to investigate how literary and aesthetic representations of the beggary have a social function. I adopted three methodological perspectives: a semantic study of the beggary (synonyms and connotations), an study of the literary and dramatic functions of that character (sometimes action accelerator, sometimes factor of emotions), and an analysis of his argumentative role in political and moral reflexions about poverty during the fourth century B.C. The motive of the beggary enabled Greek people to consider a type of civic exclusion, and in parallel, to apprehend the nature of the social cohesion. A chronological approach shows that this character, previously a counter-model of the perfect citizen, becomes - when big economical changes arrive - an endearing character, who symbolically reinstates excluded people in the city and indirectly promote public solidarity.