La notion d'un esprit étranger et invisible qui prend possession d'un corps est, croit-on, sémitique. Les peuples proche-orientaux et juifs avaient développé des rituels et des pratiques spécifiques pour s'en débarasser. Les Grecs, pour leur part, avaient parfois à composer avec différentes entités, des daimones, des morts ou des apparitions et parfois des divinités dont les actions pouvaient s'avérer très nuisibles, si ce n'est nettement invasives. Toutefois, la communis opinio maintient que les concepts de la possession et de l'exorcisme ne furent chez eux, que tardivement introduits, et ce, sous l'influence des sémitiques. Pourtant, la littérature et les sources épigraphiques, papyrologiques et archéologiques semblent démontrer que les Grecs avaient déjà, dès l'époque classique, dans leur propre culture et religion, les éléments caractéristiques de la possession et de l'exorcisme. Une analyse approfondie de textes d'auteurs anciens, de formulaires de magie,dont les très connus Papyri Grecs Magiques et de diverses amulettes, apporte des arguments décisifs en ce sens. / The notion of an alien and invisible spirit who takes possession of a person is believed to be Semitic. The Near East and Jewish people had developed rituals and specific practices to get rid of them. The Greeks, meanwhile, had to deal with numbers of entities, daimones, dead or apparitions and sometimes with the gods themselves, whose actions could be very harmful, if not clearly invasive. Nevertheless, the communis opinio holds that the concepts of possession and exorcism where belatedly introduced, and this only under the influence of Semitics. However the literature and the epigraphic, archaeological and papyrological sources seems to show that the Greeks already had, from the classical period, in their own culture and religion, the characteristic elements of possession and exorcism. A detailed analysis of some ancient texts, of magical formularies, including the well-known Greek Magical Papyri, and of various amulets, provides decisive arguments in this direction.

Dernière reine d'Égypte, Cléopâtre est, en France, la première héroïne de tragédie. Présentée comme un monstre de débauche et d'ambition par les auteurs latins, elle devient une figure majestueuse et digne sur la scène : la dramaturgie humaniste naît sous le signe de l'éloge.L'entrelacement des thèmes et des motifs, la composition des pièces ainsi que le travail stylistique et rhétorique des dramaturges mettent en place un tribunal où est instruit le procès de Cléopâtre, l'étrangère, la femme fatale qui a déjà séduit César et qui, responsable d'Actium, précipite la mort de Marc Antoine. Mais le suicide de la reine est mis en valeur par le recours au dénouement étendu, instrument dramaturgique au service d'une logique d'héroïsation. Ainsi réhabilitée dans le théâtre humaniste et " classique ", la figure de Cléopâtre illustre à merveille la définition du héros tragique.

À partir d’un corpus composé d’une quarantaine de tragédies parues en Normandie entre 1566 et 1640, mettant presque toutes en scène des actes de cruauté exercés par des représentants d’altérités exacerbées, ce mémoire de doctorat étudie les particularités scénographiques qui transparaissent dans ces textes, en mettant en évidence la similitude des éléments décrits dans les didascalies internes et dans les rares indications scéniques des œuvres avec les pratiques de l’Hôtel de Bourgogne telles qu’elles sont définies par le Mémoire de Mahelot. Après un rappel des formes et des événements dramatiques joués dans la province, la thèse poursuit par une étude des pratiques éditoriales rouennaises. Une fois établie l’historiographie des guerres de religion et des règnes d’Henri IV et Louis XIII, la thèse observe la manière dont le théâtre normand est contaminé par la production parisienne en voie de normalisation classique, puis disparaît progressivement, ainsi que les scénographies signifiantes qui le caractérisent ou comment leur sens est dévoyé pour célébrer une unité politique, pour laisser place au palais à volonté des drames parisiens. / Based on a corpus composed of about forty tragedies published between 1566 and 1640 in Normandy, most of which staging acts of cruelty carried out by strongly antagonistic protagonists, this doctorate thesis studies the specific stage designs shown out through those texts. Thus throwing into prominence the existing similarities between the components described in the internal stage directions, the few stage indications of the works, and the practices at the hotel de Bourgogne such as defined in the Mémoire de Mahelot. After recalling the shapes and the dramatic events performed in the province, the thesis goes on studying the editorial practices in Rouen. Historiography of wars of religion and Henri IVth and Louis XIIIth reigns once established, it observes how the Norman theatre is being corrupted by the Parisian production on its move to classical normalization, and then gradually vanishes as well as the meaningful stage designs, demonstrating then how their meaning is being perverted in order to celebrate a political unity, to make way for “palais à volonté” in the Parisian dramas.

La Révolution a longtemps donné l’image d’un trou noir au milieu de l’histoire littéraire, jugement que la recherche s’attache à reconsidérer depuis quelques décennies. L’étude de la carrière de Marie-Joseph Chénier (1764-1811), poète tragique renommé en son temps et frère cadet d’André Chénier, permet de mieux comprendre les continuités et les ruptures qui l’ont traversée. Entré dans le monde des lettres durant les dernières années de l’Ancien Régime, Chénier se fait soudain connaître à l’automne 1789 avec une pièce créée après un long affrontement contre la censure, Charles IX, qui met la liberté artistique, et singulièrement celle du théâtre, au centre des événements politiques. La scène semble devoir garantir à l’écrivain une influence sans précédent. Chénier tente ainsi au fil de ses tragédies suivantes d’accompagner l’évolution de la Révolution, non sans distance critique, tout en s’engageant dans la vie publique, d’abord chez les Jacobins, puis à la Convention. Il deviendra une figure importante des institutions culturelles, notamment grâce aux hymnes qu’il compose pour la quasi-totalité des fêtes révolutionnaires entre 1790 et 1795. Marqué personnellement par la Terreur, Chénier met sa vocation dramatique entre parenthèses après le 9 Thermidor. Il délaisse alors les lettres pour s’investir de manière prioritaire dans la reconstruction culturelle et politique de la République post-montagnarde. La réputation du poète, objet de haines politiques tenaces, en souffrira durablement. Son parcours est ainsi représentatif des transformations qui touchent le statut et l’action d’un homme de lettres sous la Révolution, tout comme des obstacles d’un nouveau genre auxquels il se heurte. / For a long time, the French Revolution has been seen as a black hole in the universe of literary history, a vision that scholars have yet been reconsidering in the past decades. The study of the literary career of Marie-Joseph Chénier (1764-1811), a tragic poet reputed in his time and the younger brother of André Chénier, offers the possibility for a better understanding of the many ruptures and continuities that the period underwent. Marie-Joseph Chénier enters the literary world at the very end of the Ancien Régime and unexpectedly makes himself a name in the fall of 1789 with a theatre play that he succeeds in putting on stage despite censorship: Charles IX, a tragedy in which he places artistic freedom and more specifically that of theatre at the heart of political events. The stage seems due to secure the author an unprecedented influence. Chénier attempts in this context to accompany in his later tragedies the evolution of the Revolution albeit not without some critical distance and together with an involvement in public life, first among the Jacobins then within the Convention. He thus becomes an important figure of the cultural institutions of his time notably through the anthems that he composes for nearly all the revolutionary festivals between 1790 and 1795. The events during the Terror have a lasting personal impact on Chénier who then decides to mark a pause in his theatrical vocation after 9 Thermidor. He abandons the literary world and focuses on the cultural and political reconstruction of the new Republic that follows the fall of the Montagnards. Chénier is subjected to tenacious political hatred that will lastingly affect his reputation as a poet. To that respect his life and career are representative of the transformations that inform the status and work of a man of letters under the Revolution. They also illustrate the new kinds of obstacles met by authors in that period.

À partir des mises en scène de L’Orestie d’Eschyle, d’Œdipe roi de Sophocle et des Bacchantes d’Euripide diffusées dans les institutions nationales en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1973 et 2010, la thèse procède à une archéologie du commun, en explorant, d’une part, le concept de commun, et en particulier ses enjeux politiques, à travers une analyse des mises en scène contemporaines du chœur tragique et en étudiant, d’autre part, ces mises en scène à travers l’expression du commun. Ce travail propose donc de mettre au jour la construction et la circulation du discours sur le commun dans et entre ces trois pays. L’analyse des spectacles, d’abord, expose les éléments qui font ou entendent faire du chœur une incarnation du commun et met en perspective ces choix avec la réception de la tragédie grecque. Le discours sur le commun qui se construit ainsi au théâtre est ensuite confronté aux discours philosophiques et anthropologiques du moment mais aussi aux événements économiques, politiques et sociaux afin de faire apparaître les échos, les analogies, les ruptures et les discontinuités. Ainsi, entre 1973 et 1980, la mise en scène du chœur des Bacchantes a donné du commun une représentation utopiste où la communauté est fondée par le rituel. Dès 1980, à partir des Orestie de Peter Stein et Peter Hall qui tiennent lieu de modèles, le chœur devient un collectif où ce que les individus ont en commun est précisément leur singularité. Dans la continuité, jusqu’en 1999, les mises en scène d’Œdipe roi racontent la naissance de l’individu moderne à laquelle le chœur sert de cadre archaïque. Enfin, et malgré les tentatives dans des mises en scène de L’Orestie, au tournant du millénaire, pour refonder la communauté à partir d’une mémoire commune, les tragédies grecques montées dans les années 2000 présentent un désespoir de communautés – au double sens objectif et subjectif de l’expression. Cette archéologie du commun, qui reflète la globalisation à l’œuvre, est donc en creux une archéologie de l’individu. / Analysing productions of Aeschylus’ The Oresteia, Sophocles’ Oedipus the King and Euripides’ The Bacchai in national theatres in France, Germany and the United-Kingdom between 1973 and 2010, this thesis proposes an archaeology of the common (in the sense of « what we have in common ») both exploring the political implications of the concept – thrown into sharp relief by the various ways ancient choruses were staged – and studying the productions themselves through the type of community that they make manifest. This work intends to highlight the construction and the circulation of contemporary discourses about the common within, and between, these three countries. Performance analyses first focus on the elements that make, or intend to make, the chorus into an incarnation of the common and put these choices into perspective through the reception of Greek tragedy. The discourse about the common thus built in theatres, is then confronted with philosophical and anthropological discourses, as well as with economic, political and sociological events in order to call attention to echoes, analogies, disruptions and discontinuities. Thus, between 1973 and 1980, performances of choruses in The Bacchai were built upon rituals, putting forward a utopian conception of the common. From 1980 onward, as Peter Stein’s and Peter Hall’s Oresteia became established models, the chorus morphed into a collective in which individuals had their singularity in common. Following this, until 1999, the performances of Oedipus the King hailed the birth of the modern individual, for whom the chorus acts as archaic backdrop. Lastly, and despite attempts in performances of The Oresteia at the turn of the millennium to rebuild a community out of common memory, Greek tragedies staged in the 2000s show the despair of, and about, communities. This archaeology of the common, reflecting the globalisation of European societies, is therefore indirectly an archaeology of the individual.

The diploma work deals with ethical dilemmas and conflicts in the European culture. It examines the disturbance of the human destiny in the paradigmatic characters of Antigone and Hamlet. On the basis of the two tragedies, the diploma work tries to reconstruct ethical teaching standing in the background of these two pieces of work. The diploma work is divided into four main chapters. In the first two chapters I concentrated, on the basis of professional literature, on the principal works Antigone and Hamlet. Then I handled the personality of the main characters, their contemplation of the problem, their thinking about how to make a decision and how they came to the way to solve their own situation. The third chapter deals with disturbance of human destiny. The fourth chapter is a synthesis of all the information which I gained while dealing with the topic of the diploma work.

Cette thèse porte sur la poétique du roman de Victor Hugo, Theodor Fontane et Thomas Hardy en s'appuyant plus spécifiquement sur l'étude de L'Homme qui rit (1869), Errements et Tourments (1888) et Tess d'Urberville (1891). En rapprochant ces trois romanciers majeurs mais tenus à l'écart des théories générales du roman, il s'agit de montrer le maintien d'une conception du roman moderne comme forme poétique du monde, s'inscrivant dans un horizon de pensée idéaliste, progressiste et critique. Hugo, Fontane et Hardy, romanciers qui se disent avant tout poètes, font le choix de faire du roman une tragédie, forme poétique du monde qui va à l'encontre du prosaïsme moderne et romanesque théorisé par Lukacs, à la suite de Hegel. Face au nihilisme et aux théories du roman réaliste qui voient le jour dans la seconde moitié du XIXe siècle et tentent de définir – au sens restrictif du terme – le genre romanesque, ils retrouvent le modèle du roman romantique et le redéfinissent face au roman réaliste. Leur poétique est alors fondée sur la « poiétisation » de la prose, autrement dit, sur l'imagination, le symbolique et le métaphorique. Ils affirment ainsi la spécificité et la possibilité d'une expérience poétique, c'est-à-dire subjective, héroïque et morale du monde, ainsi que la capacité du roman à produire un savoir poétique sur le monde et l'histoire. / This thesis deals with the poetics of the novel in Victor Hugo, Theodor Fontane and Thomas Hardy, with a specific focus on The Man who Laughs (1869), Trials and Tribulations (1888) and Tess of the d'Urbervilles (1891). By bringing together these three novelists who are widely acknowledged as major writers yet ignored by general theories of the novel, this study will show how a vision of the modern novel as a poetic rendition of reality, with an idealist, progressive and critical background, has maintained itself. Hugo, Fontane and Hardy, three novelists who considered themselves to be poets first and foremost, opted to turn the novel into a tragedy, a poetic rendition of reality which stands in contrast with Lukacs’ post-Hegelian theories of the modern novel as a prosaic literary genre. In the face of nihilism and the theories of the realist novel which surfaced in the second half of the XIXth century and attempted to define – in the restrictive sense of the word – the genre of the novel, they turned back to the model of the Romantic novel and reinvented it at a time when the realist novel was preeminent. Their poetics was therefore based on the “poietisation” of prose, in other words, based on the imaginary, the symbolic and the metaphoric. This enabled them to assert the specificity and possibility of a poetic, that is to say subjective, heroic and moral experience of the world, as well as the ability of the novel to generate poetical knowledge about the world and history.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Alexandre Augusto Bellei.pdf: 710329 bytes, checksum: d314819c6e25af613a4a700cd683e338 (MD5) Previous issue date: 2007-06-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / On examine l oeuvre du jeune Nietzsche, spécialement La naissance de la tragédie, à la recherche de la compréhension de ses fondements critiques en relation à la pensée occidentale, marquée, fondamentalement, par l influx du platonisme. Pour la collecte de données, on utilise la recherche dans les oeuvres de la jeunesse nietzschienne et aussi dans les oeuvres de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer et Platon. On indique comme résultats principaux : a) les influences de Schopenhauer et Wagner dans la théorie esthétique de Nietzsche, basée sur les impulsions apolliniennes e dionysiaques des arts; b) la théorisation esthétique de Nietzsche comme consolation métaphysique de la vie; c) la relation antipodique entre la métaphysique esthétique de Nietzsche et la critique des arts selon Platon; d) le platonisme, vu à partir de la survalorisation de la pensée logico-scientifique, au détriment des expériences émotives de l art; e) la relativisation de la vérité dans l esthétique nietzschienne / Investiga a obra filosófica do jovem Nietzsche, especialmente O nascimento da tragédia, na busca da compreensão de seus fundamentos críticos em relação ao pensamento ocidental, marcado, fundamentalmente, pelo influxo do platonismo. Para a coleta de dados, utiliza-se pesquisa nas obras da juventude nietzschiana como também nas obras de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer e Platão. Aponta como principais resultados: a) as influências de Schopenhauer e Wagner na teoria estética de Nietzsche, baseada nos impulsos apolíneo e dionisíaco das artes; b) a teorização estética de Nietzsche enquanto consolo metafísico para a vida; c) a relação antipódica entre a metafísica estética de Nietzsche e a crítica das artes segundo Platão; d) o platonismo, visto a partir da sobrevalorização do pensamento lógico-científico, em detrimento das vivências emotivas da arte; c) a relativização da verdade dentro da estética nietzschiana

La tragédie du personnage féminin dans certains écrits de Tahar Ben Jelloun, au regard de la réalité, sociale, religieuse, culturelle, économique et politique impose une analyse herméneutique des contours de la situation authentique de la femme marocaine, d'hier et d'aujourd'hui. Cette démarche tentera, dans un premier temps, de mettre en lumière, l'imaginaire littéraire qui met le thème du fantasme de la décadence, de l'érotisme exacerbé et de la volupté débridée au cœur du dispositif narratif chez l'auteur marocain. L'ébauche analytique,des figures féminines dans les romans choisis dans cette étude, cheminera vers l'exposition d'un modèle féminin stéréotypé qui met en exergue la relation conflictuelle de Tahar Ben Jelloun, auteur francophone et francophile par excellence, avec certaines formes de la culture marocaine. Cet apport permettra en fin la mise en évidence d'une forme de nomadisme linguistique mêlant exotisation, oralité et langue française dans un processus de recyclage et de renouvellent thématique constant et permanent. / The tragedy of the feminine character in some of Tahar Ben Jelloun's writings, in view of the social, religious, economical and political reality, imposes a hermeneutic analysis of the contours of the authentic situation of the Moroccan woman in the past and in the present. This approach will try, at first, to bring to light, the literary imagination which employs the theme of the fantasy of declination, the exasperated eroticism and the sensual delectation that is unbridled in the core of the narrative structure of the Moroccan author's oeuvres. The analytical study of the feminine figures as presented in the selected novels of this research, will substantiate an exhibition of a stereotypical feminine model. As a matter of fact, this will highlights the persuasion that Tahar Ben Jelloun, who is considered as a francophone author and francophile par excellence, has got a conflictual relationship with some features of the Moroccan culture. This attempt will reveal, at last, the use of a kind of a linguistic nomadism which combines exoticism, oral character and French language in a recycling process of constant and permanent reproducibility.

Cette thèse vise à préciser l’importance et le relief singulier que Valérius Flaccus donne aux figures du pouvoir monarchique dans les Argonautiques. Elle sollicite la vaste tradition littéraire antique portant sur les figures du bon roi et du tyran, ainsi que les représentations du pouvoir véhiculées par l’idéologie impériale, afin de déterminer quel regard spécifique ce poète porte sur une problématique universelle et quels procédés il met en œuvre pour rendre cette représentation originale et efficace. Ce travail, qui écarte tout parti pris référentiel,s’articule autour d’une étude des personnages.Le poète analyse les mécanismes de fonctionnement de la tyrannie. Il en souligne le caractère oppressant en faisant des tyrans les pivots de la narration épique et en théâtralisant fortement leurs apparitions, susceptibles de frapper le lecteur. Aux tyrans s’opposent de nombreux rois exerçant un pouvoir positif. Le poète grandit ces figures en les valorisant sur le plan éthique mais montre aussi de façon répétée leur chute ainsi que la stérilité de leur pouvoir afin de susciter la compassion du lecteur. L’élaboration du personnage de Jason se fait sur le même modèle que celle des bons rois. La mise en valeur des qualités du chef ne rend que plus saisissante sa déchéance future, sans cesse annoncée. L’inquiétude et le pessimisme se dégagent donc de cette représentation du pouvoir royal, conçu sous sa forme pervertie, la tyrannie, ou associé à la décadence.Cette thèse permet d’ajouter une contribution à l’histoire des représentations et de prendre la mesure des évolutions du genre épique, qui fait alors une place importante à la tragédie et aux effets pathétiques. / This thesis aims to specify the importance and the unique depth Valerius Flaccus gives to the figures of monarchic power in the Argonautica. It calls on the vast antique literary tradition which deals with the figures of the good king and the tyrant, as well as the representations of power carried by the imperial ideology, in order to determine what specific look this poet takes on an universal issue and what literary devices he uses to make this representation original and efficient. This work that rejects every referential bias is based on a study of the characters. The poet analyses how tyranny works. He underlines its oppressive nature by making tyrants the pivots of epic narration and by strongly dramatizing their appearances, which is likely to strike the reader. Numerous kingsembodying a positive power contrast with tyrants. The poet enhances these figures valuing them from an ethic point of view. But he also repeatedly shows their falls as well as the sterility of their power in order to arouse thereader’s sympathy. To elaborate the character of Jason he proceeds in the same way as for the good kings.Emphasizing the qualities of the leader makes his constantly announced future decline all the more striking andmoving. Anxiety and pessimism prevail in the representation of royal power, which is seen in its corrupted form,tyranny, or associated to decline.This thesis contributes to the history of representations and makes it possible to assess the evolutions of the epicgenre, which then affords an important place to tragedy and pathetic effects.