En s’emparant de la question ornementale, le cinéma s’inscrit dans une réflexion reliant les territoires balkaniques de l’art, au-delà de l’opposition entre les beaux-arts, les arts décoratifs et le design. La pensée de l’ornement au cinéma ne relève pas de l’évidence, tant il est vrai que l’histoire de la notion est marquée par sa relégation au seuil de la création artistique. Pourtant, il semble bien que l’ornement soit présent partout où il faut combler du vide, décorer un objet, embellir le corps. À quoi tient l’attrait de l’ornement au cinéma ? Quelles sont les relations qu’entretient le cinéma avec la pensée ornementale des images ? Contre le préjugé qui frappe l’ornement d’insignifiance, il semble nécessaire d’éclairer ses implications morales, sociales et politiques. À travers un corpus circonstancié qui se déploie à l’entour du cinéma, de l’histoire de l’art et de la culture visuelle, ce travail de recherche entend cartographier les enjeux critiques, formels et perceptifs du régime visuel de l’ornement. Penser l’ornement aujourd’hui, c’est opérer un basculement dans l’ordre des valeurs dont il se fait l’héritier. Il s’agit non seulement de faire retour sur son histoire et son élaboration conceptuelle, mais également d’emmener l’ornement vers un au-delà du discours de la subsidiarité pour établir une pensée dynamique de l’ornemental au cinéma. À travers différentes propositions théoriques, se formulent autant de constellations articulant les enjeux esthétiques, historiques et politiques de l’ornement : le régime de la dépense et le corps féminin en exercice, le processus de réification de « l’ornement de la masse » dans la modernité, le discours sur la couleur ornementale et la hantise cosmétique, les formes naturelles et abstraites, le paradigme du tapis et la texture des images, les états altérés de la perception. Les questions ornementales adressées au cinéma s’intègrent dans une pensée rénovée du style – point vif de la tension qui anime l’art et la vie – en tant que procédure de qualification des formes. / As it seized the ornamental issue, cinema has become part of a reflection process relating the scattered territories of arts, beyond the opposition between fine arts, decorative arts and design. Thinking the ornament in cinema is far from obvious, since this notion, throughout its evolution, has always been marginalized at the threshold of artistic creation. Yet, it does seem that the ornament is present wherever a void needs to be filled, an object to be adorned or a body to be embellished. What makes the ornament appealing in cinema? What relationships does the cinema hold with the ornamental visual thinking? To counter prejudices confining the ornament within insignificance, it appears necessary to clarify its moral, social and political implications. Through a detailed corpus spreading around cinema, history of art and visual culture, this research paper aims at mapping the critical, formal and perceptual issues of the visual regime of the ornament. Thinking the ornament today means swaying the order of the values it has inherited. It is not only about looking back on its history and its conceptual elaboration, but also about bringing the ornament beyond the subsidiary speech to establish a dynamic thinking of the ornamental in cinema. By way of different theoretical suggestions, many constellations are being elaborated. They connect the aesthetic, historical and political stakes of the ornament: the regime of consumption and the gestures of the feminine body, the process of reifying the “mass ornament” into modernity, the speech on decorative colour and the cosmetic obsessive fear, the natural and abstract forms, the carpet paradigm and the texture of images, the altered states of the perception of ornaments. The ornamental issues, which are addressed to the cinema, blend into a renovated thinking on style – central in the tension that stirs arts and life – as a process of qualifying forms.

La transsexualité et son image représentent pour plusieurs une subversion ou une transgression de la binarité du genre. L’image de la transsexualité est souvent considérée en termes de représentation. Afin de questionner cette image transsexuelle, sa subversivité, sa transgressivité et même sa représentabilité, on tentera de la regarder autrement. Ce mémoire propose d'étudier l'image audiovisuelle de la transsexualité comme figure. Pour définir la figure, on la distinguera d'un autre concept esthétique : la représentation. Par l'analyse d'un film, Transamerica (2005), réalisé par Duncan Tucker, on verra comment certaines modalités donnent à voir la figure trans. Suite à cette analyse de la figure au cinéma, on rendra compte de la manière avec laquelle on a poursuivi, au moyen de la vidéo, la recherche qui concerne la question de la figure trans. / Transsexuality and its depiction represent for many a subversion or transgression of gender binarity. Transsexuality’s depiction is oftenly regarded as representation. In order to question this transsexuality's depiction, its subversivity, its transgressivity, and even its representability, we will attempt to look at it otherwise. This thesis discusses transsexual audiovisual image as figure. To define what figure is, a distinction will be made between this term and another concept of aesthetics: representation. By means of a filmic analysis of Transamerica, directed by Duncan Tucker, we shall see how some modalities allow trans figure to appear. After this cinematic figure's study, we will give an account of the manner by which we pursued in a video production the research concerning the question about trans figure.

Cette thèse s’attache à montrer le rôle important qu’a joué la figure de sainte Cécile au XIXe siècle dans l’imaginaire musical européen. La première partie de ce travail est consacrée à l’historiographie de sainte Cécile, du Ve siècle au XIXe siècle, et à l’inscription de la figure dans l’espace culturel européen. Différents media ont contribué à faire de la patricienne romaine légendaire une sainte patronne reconnue et célèbre dont, au premier chef, le tableau de Raphaël, L’Extase de sainte Cécile. Cette œuvre du patrimoine artistique européen fait l’objet d’une véritable fascination auprès des écrivains, des musiciens et des peintres de la première moitié du XIXe siècle et ce travail tente d’en comprendre les raisons. Dans un deuxième temps, cette thèse montre que la figure de sainte Cécile est une figure trope, une allégorie vive, utilisée par de nombreux écrivains pour construire un discours sur la musique, sur l’art et sur le rapport entre les arts. Il y a véritablement des moments sainte Cécile au XIXe siècle qui conduisent à recharger la figure d’un souffle vivant ; elle s’impose alors, non plus comme une figure de rémanence, mais bien comme la possibilité de penser une transcendance et de construire un discours esthétique. Le troisième axe de cette recherche s’inscrit dans une perspective d’études de genres. Héritière de plusieurs types de traditions de représentations féminines, sainte Cécile apparaît comme un outil analogique riche de présupposés idéologiques sur la représentation de la femme et en particulier de la femme musicienne. Représentantes d’un Éternel féminin fantasmé, les femmes musiciennes comparées à sainte Cécile sont les garantes d’une mémoire idéologique qui enferme la femme musicienne dans un champ très restreint de la pratique musicale. / This thesis aims to show the important role played by the figure of Saint Cecilia in the European musical psyche in the 19th century. The first part of this work is devoted to the historiography of Saint Cecilia, from the fifth century to the 19th century, and to the inclusion of the figure in the European cultural space. Various media have contributed to make this legendary Roman patrician a celebrated and famous patron saint but, first and foremost, is the picture of Raphael, The Ecstasy of St. Cecilia. During the first half of the 19th century this artistic European heritage artwork is the subject of a true fascination for the writers, musicians and painters. This thesis tries to understand the reasons why. In the second phase, this thesis shows that the figure of Saint Cecilia is a trope figure, a vivid allegory, used by many writers to construct a discourse on music, art and the relationship between the arts. During the 19th century there were several strong phases of focus on Saint Cecilia, each leading to recharge the figure with a vivid breath. She then imposes herself, no longer as a figure of persistence only, but rather as the possibility of thinking about transcendence and of constructing an aesthetic discourse. The third axis of this research focuses on gender studies. Heiress to several types of feminine representations, Saint Cecilia appears as an analogical tool, rich in ideological presuppositions on the representation of women and women musicians. Representation of an eternal feminine fantasy, the female musicians associated to Saint Cecilia are the guarantors of an ideological memory which encloses the female musician in a very restricted area of the musical practice.

La thèse propose une approche du cinéma fantastique espagnol des années 1990 et 2000, et plus spécifiquement de la période allant de 1993 à 2005. En effet, on assiste alors à l’arrivée d’une nouvelle génération de réalisateurs qui donne un nouvel élan au genre en se le réappropriant. Nous partons du constat initial qu’au sein des diverses approches du genre présentes dans chacun de ces films, le fantastique espagnol semble privilégier l’apparition de trois incarnations du surnaturel : le fantôme, le slasher et le monstre. Notre étude se penche sur chacune d’entre elles afin de dégager quelles sont les lignes de force qui les structurent. Pour cela, nous nous servons de la notion de figure, qui à partir de l’étude de la représentation cinématographique des corps, permet également de déterminer quels sont les enjeux thématiques qui y sont associés, ainsi que la reconfiguration particulière que chacune d’entre elles opère sur le genre fantastique. / This thesis tackles Spanish fantastic cinema from the 1990s and 2000s, and more specifically from 1993 to 2005. Indeed, this period of time corresponds to the rising of a new generation of directors who gave a new impetus to the genre by re-appropriating it. We start off with the initial premise that within the various approaches of the genre present in each of these films, the Spanish fantastic seems to favour the emergence of three types of supernatural : the ghost, the slasher and the monster. Our study focuses on each of these types so as to highlight its structuring driving forces. In that respect, we use the notion of figure which, based on the study of the cinematographic representation of bodies, also allows to determine the thematic stakes related to it, as well as the specific reconfiguration that each of them operates on the fantastic genre.

À l’heure actuelle, les occasions de « rencontrer » des hommes du passé (ou du moins leurs représentants) se multiplient : l’exposition d’archéologie ne présente plus seulement des objets, mais fait découvrir au visiteur le mode de vie des anciens habitants d’un lieu ; les reconstitutions historiques font « revivre » des hommes du passé et mettent en scène courses de chars, artisanat et autres gestes « ancestraux » devant les yeux du public ; et enfin, les guides de monuments historiques prennent les traits de personnages-types, favorisant l’immersion et l’attachement au lieu. De la même manière, les émissions de télévision sur l’archéologie semblent de plus en plus effacer le scientifique et les vestiges du dispositif ; proposant ainsi une relation plus directe au passé et à l’homme du passé (c’est le cas par exemple de docufictions comme Homo Sapiens de Jacques Malaterre). Cette recherche questionne ainsi la relation au passé, proposée par les émissions de télévision sur l’archéologie. Comment ces films peuvent-ils créer une relation à la fois scientifique et symbolique au passé et à « l’autre » ? Quels sont les effets de cette nouvelle forme de médiation qui feint de s’effacer ? À l’inverse, quels sont les effets de l’affirmation du dispositif de médiation (dans les documentaires et les reportages) ? Pour répondre à ces questions, nous avons adopté une démarche « feuilletée », en « entonnoir ». Un corpus de référence réunit d’abord toutes les émissions sur l’archéologie, diffusées entre 1995 et 2008, sur la télévision hertzienne française. Son analyse statistique permet de dégager des tendances générales quant à la représentation de l’archéologie à la télévision. Ensuite, l’analyse sémiopragmatique d’un corpus test de 13 émissions sur Pompéi, mène à la constitution d’un modèle d’analyse de la médiation du passé et d’un outil permettant la systématisation du recueil de données sur un grand nombre d’émissions. Enfin, un troisième corpus de 51 émissions permet la vérification de ce modèle et aboutit à l’identification de quatre types de construction de la relation au passé. L’apport de l’étude est triple : 1) elle génère des connaissances sur l’objet de recherche lui-même, c’est-à-dire sur les représentations les plus courantes de l’archéologie à la télévision ; 2) elle propose une méthodologie et un modèle d’analyse de la médiation fondés sur des outils issus de la sémiopragmatique ; 3) enfin, d’un point de vue théorique, la recherche permet d’envisager la médiation, non comme un lien sociétal ou un « entre-deux », mais comme une stratégie de modulation de la distance, possible notamment grâce à l’intervention de « figures » de médiation. Ces figures sont des éléments référentiels qui cristallisent des représentations sociales et qui ont des rôles à jouer dans l’énonciation et la narrativité de l’émission / At present time, the occasions of “meetings” with men from the past (or at least with their representatives) multiply: the archaeology exposure does not only present the objects anymore, but makes discover the visitor, the lifestyle of the former inhabitants of a place; the historical reconstitutions make “relife” the men from the past and put in stage horse races and ancestral gestures in front of the public eyes; and finally, guides of historical places take the appearance of characters, supporting the immersion and the attachment to the place. In the same way, the TV shows about archaeology seem to erase the scientist and the vestiges of the device, offering a more direct relation to the past and to the man from the past (for example the docudrama Homo Sapiens, by Jacques Malaterre). This research questions the relation to the past, built by the television programs about archaeology. How these devices can create at the same time, a scientific and a symbolic relation to the past? Which are the effects of this new form of mediation which pretends to be erased? On the contrary, which are the effects of the affirmation of the mediation device (in the documentaries and reports)? To answer these questions, we adopted a “laminated” method, in “funnel”. A corpus of reference joins all the programs about archaeology, diffused between 1995 and 2008, on french hertzian television. Its statistical analysis makes it possible to draw the general tendencies of the representation of archaeology on television. Then, the semiopragmatic analysis of a test corpus of 13 emissions about Pompeii, leads to the constitution of an analysis model of the mediation to the past and to the constitution of a tool, allowing the analysis of a great number of films. Lastly, a third corpus of 51 emissions allows the checking of this model and leads to the identification of four types of construction of relation to the past. The contribution of the study is triple: 1) it brings knowledge about the object of research itself, about the most common representations of archaeology on television; 2) it proposes a methodology and an analysis model of the mediation based on tools coming from the semiopragmatic; 3) finally, from a theoretical point of view, this research makes it possible to consider the mediation, not as a “social bond” or a “interval”, but as a strategy of modulation of distance, thanks to the intervention of “mediation figures”. These figures are referential elements which crystallize the social representations and which have roles to play in the enunciation and the narrativity of the program

De quelle mise en discours procède l’ensemble des récits pluriels qui narrent les « origines » dans le livre de la Genèse de la littérature biblique pour composer ce qui est présenté comme un « cycle » ordonné ? Cette question conduit à formuler l’hypothèse selon laquelle le premier récit de création ou « septénaire des jours » constitue, tel un paradigme, un système apte à ordonner le déploiement des récits suivants (Gn 2 à 11). Surtout, l’originalité de ce système est de mettre en place des mécanismes d’orientation vers une instance d’énonciation, constituant ainsi une « empreinte ». Et la mise en discours des textes qui suivent dispose, par les parcours discursifs, des « formants-signifiants » d’ordre « figural » propres à rappeler cette empreinte et à fonctionner comme autant d’indicateurs de l’instance d’énonciation. Enfin, au terme du livre biblique, le septénaire des « sceaux » (Apocalypse 5-8) vient réexposer le paradigme, récapituler le « figural », renouveler l’indication de l’instance d’énonciation et redéfinir l’orientation vers cette instance. La mise en discours opère ainsi, par le figural, un véritable « nouage » entre les grandeurs figuratives et l’instance d’énonciation. En son figural, la figure devient achoppement balisant la lecture, orientant le lecteur pour le conduire au plus près des postures des sujets de l’instance d’énonciation. / What procedure of discursivization makes it possible to present the ensemble of varied narratives recounting “origins,” in the book of Genesis of the biblical literature, as an orderly “cycle”? This question leads to the formulation of the hypothesis that the first story of creation, the “septenary of days,” constitutes, as a paradigm, a system capable of structuring the deployment of the following narratives (Gn 2 – 11). The originality of this system consists, above all, in putting in place mechanisms of orientation toward an instance of enunciation which constitutes a “footprint.” Then, the discursivization of the subsequent texts, by means of the discursive path, employs “formant-signifiers” of the “figural” order, likely to recall this footprint and to function as so many indicators of the instance of enunciation. Finally, at the end of the biblical literature, the “septenary of seals” in the book of Revelation (Apocalypse 5-8) reexposes the paradigm, recapitulates the figural, renews the indication of the instance of enunciation, and redefines the orientation toward this instance. Thus, by means of the figural, discursivization ties a veritable “knot” between figurative values and instance of enunciation. In its figural, the figure becomes a stumbling stone along the path of the reading which orients the reader, leading him as close as possible to the positions of the subjects of the instance of enunciation.

L’absence d’identité fictive repérable chez le personnage, dans une partie du théâtre contemporain, révèle l’être théâtral comme une figure indéterminée. Notre étude s’intéresse aux influences de cette mutation sur le jeu de l’acteur. Comment ce dernier procède au jeu en l’absence de caractérisation et de psychologie chez le personnage-figure ? Comment produit-il une image à un personnage qui ne possède plus une forme lisible et « visible » dans une didascalie ? Comment fait-il image d’une créature discontinue, intemporelle et invisible ? Comment compose-t-il des présences variées de lui-même sans exposer son individualité propre ? À partir des trois concepts philosophiques de « l’être-chair », « la manière d’être » et « La Présence Totale », nous analysons le jeu de l’acteur dans certains spectacles représentés en France entre 2005 et 2007, afin d’expliciter les différentes esthétiques de la mise en jeu du personnage-figure, et de montrer ainsi ce qui arrive quand la parole se donne à l’acteur et non plus au personnage. Dans le théâtre du personnage-figure, l’acteur ne joue pas un personnage mais joue avec le personnage. Ce dernier n'est plus un objet que nous puissions voir, mais c'est un acte que nous saisissons dans la présence totale de l’être-chair en ses différentes manières scéniques d’être. / The fact that, in some contemporary theatre, characters have no distinctive fictional identity indicates that the dramatic being is an indeterminate figure. This study is concerned with the effects of this development on actors’ performances. How can the actor begin to perform in the absence of any characterisation or psychology in the character-figure? How does he produce an image of a character that no longer possesses any readable or “visible” form in a stage directions? How does he embody a creature that is at once discontinuous, a-temporal and invisible? How does he produce a set of variations on his own presence without revealing his own individuality? Drawing on three philosophical concepts, “being-flesh”, “mode of being” and “total presence”, this study analyses actors’ performances in a number of productions put on in France between 2005 and 2007, in order to draw out the different aesthetics involved in playing a character-figure, and thus to show what happens when the word no longer belongs to the character but to the actor. In the theatre of the character-figure, rather than playing a character, the actor plays with the character. The character is no longer an object we observe, but an act we grasp in the total presence of its being-flesh in its various theatrical modes of being.

De tout temps, ils se sont immolés par foi et amour. Dans toutes les civilisations, leur besoin de rendre hommage à Dieu s’est exprimé par la voix de la violence et du sang, et leur besoin de s’épurer du péché et de se protéger contre les forces surnaturelles s’est manifesté par le sacrifice. Cette thématique du sacrifice qui s’est propagée dès la création du monde jusqu'à nos jours, incarne et actualise de nombreux conflits et oppositions entre la vie et la mort, l’enfer et le paradis. Les écritures sacrées nous éclairent rarement sur le rôle des femmes dans les civilisations anciennes. Les plus grands sacrifices sont généralement associés aux hommes libres. Dans les religions chrétiennes, les sacrifiés empruntent les pas du Christ et obéissent à la demande de Dieu, alors que les femmes, déchues et esclaves sont toujours associées au péché originel. Ce mémoire de maîtrise prend pour objet d’étude l’espace sacrificiel féminin et la figure féminine dans le cinéma de Lars von Trier (en particulier dans les films Melancholia (2011), Antichrist (2009), Dogville (2003), Dancer in the Dark (2000) et Breaking the Waves (1996)). Cet espace sacrificiel est analysé au fil de ce mémoire à travers une lecture herméneutique des livres sacrés, en particulier la Bible dans son Ancien et Nouveau Testament. Nous abordons des questions importantes d’aspects religieux, mythologiques et cinématographiques pour comprendre la dimension provocatrice, mythologique, iconologique, spirituelle et religieuse de ces femmes qui se sacrifient dans l’espace de ces œuvres. Nous proposons dans ce mémoire d’observer l’évolution de cette figure féminine du statut d’esclave à celui du maître, de l’image Christique à celle du diable opposant ainsi le sacrifice à la justice. Nous tentons de démontrer au fil de ce mémoire que Lars von Trier a édifié avec son cinéma et par cette représentation du corps féminin mortifié, torturé et hystérique, un véritable espace sacrificiel, mental, idéel qui sature le cadre filmique. Le corps de ces femmes se décompose, se sacrifie, meurt et se réincarne dans un autre corps, une idée, une figure biblique et dans un espace sacrificiel qui le pose comme exemple à la manière de l’image Christique. Cette analyse de la figure sacrificielle féminine von Trierienne se réalise également par le biais d’un travail de création expérimental et hybride. Des images provenant de l’histoire de l’art et du monde de Lars von Trier y sont revisitées et rejouées dans un souci d’intertextualité filmique. Le film She is Lars est une exploration personnelle de la thématique du sacrifice et un hommage au cinéma de Lars von Trier. / In all eras, they have been immolated in faith and love. In all civilizations, the need to honor God was expressed by the voice of violence and blood, the need to be purified from the sin and to be protected against the supernatural forces, was manifested through the sacrifice. This theme of sacrifice has spread from the creation of the world until today, it embodies and performs conflicts and oppositions between life and death, God and the devil. The sacred writings rarely tell us about the role of women in ancient civilizations. The greatest sacrifices were generally associated to free men. In Christian religions, these sacrificed men borrow the footsteps of Christ and obey God's request, while women, the fallen slaves, are always associated to the original sin. This research studies the female sacrificial space and the female figure in the cinema of Lars von Trier (especially in Melancholia (2011) Antichrist (2009), Dogville (2003), Dancer in the Dark (2000) and Breaking the Waves (1996)). This sacrificial space is analyzed through a hermeneutic reading of sacred books, especially the Bible in its Old and New Testament. Important issues related to religious, mythological and cinematographic aspects are investigated to understand the spiritual, provocative, mythological, iconological and religious dimension of these women who sacrifice themselves in these films. We propose in this research to observe the evolution of the female figure from the slave to the master status, from the image of the Christ to the devil, while opposing sacrifice to justice. We intend to demonstrate that Lars von Trier has built with his cinema and the representation of the female body, as dead, tortured and hysterical, a true sacrificial mental and virtual space that saturates the film frame. The body of this woman breaks down, sacrifices itself, dies and reborns in another body, an idea, and a biblical figure in a sacrificial space that poses her as an example, as the Christ image. This theoretical analysis of the female sacrificial figure is also undertaken through the creation of an experimental and hybrid film. Images from art history, other from the world of von Trier are revisited with an intertextual approach. She is Lars is a personal exploration of the theme of the sacrifice as well as an homage to the cinema of Lars von Trier.

This dissertation examines dog and idiot tropes—and, specifically, the conflation thereof—in William Faulkner’s The Sound and the Fury (1929), John Steinbeck’s Of Mice and Men (1937), and Cormac McCarthy’s Blood Meridian, Or The Evening Redness in the West (1985). In addition to illustrating the key roles the idiot/dog figure plays in canonical works of twentieth-century U.S. fiction, it argues that this conflation is too often presumed to signify denigration (i.e. a social, political, and ethical exclusion) and degeneration (i.e. a biological threat). Around the turn of the century, the idiot/dog emerges as an aesthetic figure in conjunction with contemporaneous practices of dog breeding and eugenics, as well as co-extensive discourses of national progress and racial purity. In this context, literary idiot/dogs can be read as enciphering a violent historical subtext. Yet, rather than simply condemn this figure as a dehumanizing stereotype, this dissertation challenges such a reductive approach on the grounds that it risks reproducing a hermeneutic that is both ableist and speciesist. A new approach is proposed: reading for the tropological confusion of idiocy and caninity and the destabilizing affective and epistemological effects this poses for liberal subjectivity. Reading for tropological confusion in the fictions of Faulkner, Steinbeck, and McCarthy not only develops new interpretations of three canonical works; it unlocks the idiot/dog figure as a site of textual excess. In so doing, this dissertation makes original contributions to twentieth-century U.S. fiction scholarship, Disability Studies, Animal Studies, and biopolitical theory. The idiot/dog figure’s in/determination—a paradoxical embodiment of humanized canine animality and animalized human mental disability—catalyzes hermeneutic and affective uncertainties. Ultimately, both impinge upon questions of readers’ own abilities to: (i) fully parse the fictions idiot/dogs appear in, and (ii) self-reflexively understand themselves as autonomous, human(e) subjects. Each chapter carefully elaborates this figure’s centrality to the textual operations of, respectively, The Sound and the Fury, Of Mice and Men, and Blood Meridian in terms of their narrative and meta-narrative dimensions; this reveals under-examined continuities. By arguing for idiot/dogs’ disruptive potentials (i.e. affective, epistemological, and ethical), this dissertation bridges and extends previous Disability Studies and Animal Studies interventions that link literary representations to social and material contexts. Also, it further intervenes in these subfields by elaborating the biopolitical reasons for and ramifications of the idiot/dog figure’s emergence in twentieth-century Anglo-American fiction. Each chapter outlines how and why idiot/dog figures constitute a means for harmonizing readers’ experiences, thoughts, desires, and feelings with the normative U.S. social and symbolic order—a national order that hinges on recognitions and denials of human subjectivity, as well as on the production of subjectivity in which fiction is implicated. Ultimately, by closely analyzing literary idiot/dog figures, this dissertation contributes a biopolitical critique of the ontological production and governability of readerly subjects themselves. / Graduate / 2021-09-05

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