De toutes les musiques populaires contemporaines, le rap, né dans le South Bronx à New York vers le milieu des années 1970, est probablement celle que l’on associe le plus communément à l’expression d’un discours masculin misogyne. Les rappeuses elles-mêmes décrivent fréquemment le rap comme un environnement masculin voire hostile aux femmes. Pourtant, depuis 1979, plusieurs générations de rappeuses ont fait le choix d’investir cet espace, écoulant des dizaines de millions de disques et participant de manière significative au développement de cette musique, sans être reconnues à la hauteur de leur contribution la plupart du temps. Cette thèse, inscrite au croisement de la science politique et des sciences de l’information et de la communication, s’intéresse à la façon dont des femmes noires des classes populaires négocient leur place dans une industrie dominée par les hommes. Grâce au rap, elles accèdent à une forme de visibilité sociale dans l’espace public qui leur permet de faire entendre un discours sur le genre, la race et la sexualité à rebours des représentations hégémoniques. La représentation étant un principe organisateur des relations sociales réelles, l’analyse du discours des rappeuses aide à mieux comprendre la façon dont se constituent et sont contestées les normes de genre, de race et de sexualité aux États-Unis. Le rap est aujourd’hui l’un des principaux lieux de (re)production de ces normes, et le terrain d’une guerre de position culturelle à propos des différentes idéologies de genre et de race. Dans le rap, des artistes femmes performent leur genre et leur race et construisent autrement leur identité, loin des modèles dominants de la féminité. / Of all popular music genres, rap – a music born in the South Bronx in New York in the mid-1970s – is the one most commonly linked to a masculine and misogynistic discourse. Even female rappers often describe the genre as a male-dominated and even hostile environment. Still, numerous female rappers have entered this space since 1979, selling millions of records and contributing to the development of this genre, even though they usually don’t get the recognition they deserve. At the crossroads of political science and media studies, this study focuses on how working-class, black women find success in a male-dominated industry and reach social visibility in the public sphere. In their lyrics, female rappers openly discuss gender, race and sexuality and dispute hegemonic representations. Because representation is an organizing principle of social relations, a study of female rappers’ discourse provides us with a better understanding of the way norms of gender, race and sexuality are constituted – and challenged – through rap music. Rap is now one of the main spaces where these norms are (re)produced. It is the battlefield of an ongoing "war of position" involving ideologies of gender and race. In this space, black women express gender and race through performance and negotiate their identity far from the traditional gender norms.

Quel rôle est tenu par la fiction dans la relation qui s’établit entre des enfants - âgés entre 6 et 12 ans - et des monuments ? Financée par la région PACA, cette recherche s’intéresse aux formes prises par le monument dans sa « circulation triviale » (Jeanneret, 2008) et aux appropriations qu’en font les enfants. Partant du constat que la fiction nourrit les médiations proposées aux jeunes dans les monuments mais aussi que l’exposition médiatique de ces derniers est importante dans les fictions enfantines - notamment à travers le motif du château , trois niveaux de recherche ont été pensés. Le premier consiste à identifier, via une analyse sémiotique, les opérateurs de la fiction dans les médiations éducatives des monuments désignées explicitement comme telles - audioguides, livrets de visite, ateliers. La fiction mobilisée dans un tel contexte occupe des fonctions qui s’entrecroisent : didactique, ludique et expressive. Dans une démarche similaire, le second niveau propose d’analyser les processus de fabrication de monuments stéréotypés circulant massivement dans les fictions des industries culturelles - en prenant pour exemple, deux monographies : celle du château rêvé de Disney et de l’école Poudlard dans la saga Harry Potter. Le monument y agit principalement de façon cathartique, axiologique et diégétique. De fait, ces deux premiers niveaux mettent en exergue l’opérativité socio-culturelle de la fiction dans la relation proposée au monument. Mais que produisent ces opérateurs fictionnels ? Comment circulent-ils, se réinscrivent-ils et quelles valeurs confèrent-t-ils à la monumentalité ? Pour répondre à ces questions, le dernier niveau s’intéresse à leur réinscription dans les discours d’enfants sous une forme singulière de production de sens - appelés microliens. Ces derniers sont entendus comme des connexions infimes créées par analogie par des sujets entre des opérateurs de dispositifs actualisés dans des expériences sociales - la visite par exemple - et participant à l’élaboration d’un « être culturel » - la monumentalité. Les résultats montrent que la fiction permet des appropriations singulières du temps et de l’espace du monument et différentes formes d’immersion fictionnelle prises et de réflexivité de l’expérience vécue chez les enfants. Pour ces raisons, les expériences liées au monument seraient « polychrésiques » c’est-à-dire objets de constantes réappropriations et « prises(e) sans cesse dans un large spectre de logiques sociales différentes » (Jeanneret, op.cit. : 83). Le décloisonnement des domaines de la vie sociale que propose l’étude de la « trivialité », en tant que circulation des savoirs, montre que la naissance ou le développement d’une pratique pourrait se concevoir dans et avec un « ailleurs » imprégné de discours circulant comprenant des moments, des objets, des discours en dehors des monuments, autrement dit dans un espace ventilé.. / Which role is played by fiction in the relationship established between children - aged from 6 to 12 years old - and historical monuments? Funded by the PACA region, this research focuses on the forms taken by the historical monument in its « trivial circulation » (Jeanneret, 2008) and the appropriations that children do. Noting that fiction feeds mediations offered to young people in the monuments but also that the media exposure of these is important in children’s fictions - particularly through the pattern of the castle – three levels of search are thought. The first is to identify, through a semiotic analysis, operators of fiction in educational mediations of monuments explicitly designated as such – audio guides, visit booklets, workshops. Mobilized fiction in this context holds positions that intersect themselves: didactic, playful and expressive. In a similar move, the second level offers to analyse the manufacturing processes of stereotyped monuments massively flowing in the fictions of cultural industries - taking for example, two monographs: the dreamed castle of Disney and the Hogwarts School of Witchcraft and Wizardry in Harry Potter saga. The monument mainly acts in a cathartic, axiological and diegetic way. In fact, these two first levels highlight the socio-cultural operability of fiction in the proposed relation to the monument. But what do these fictional operators produce? How do they run, re-enroll themselves and what values do they give to “monumentality”? To answer these questions, the last level is interested in their re-enrollment in children’s speeches in a singular form of sense of production - called microlinks. These are understood as tiny connections created by analogy by subjects between updated devices operators in social experiences - the visit for example - and participating in the development of a « cultural being » - monumentality. The results show that fiction allows singular appropriations of time and space of the monument and different forms of fictional immersion taken and of reflexivity of the experience lived by children. For these reasons, the experiences linked to the monument would be « polychrésiques » which means objects of constant reappropriations and « taken constantly in a wide spectrum of different social logics » (Jeanneret, op.cit.: 83). The compartmentalisation of areas of social life that includes the study of the « triviality » as knowledge circulation, shows that the birth or the development of a practice can be conceived in and with an « elsewhere » imbued with running speech including moments, objects, speeches outside monuments, in other words in a ventilated space.

Réalisée en cotutelle avec l'université Sorbonne Nouvelle - Paris 3 / Cette thèse se penche sur les parcours et les pratiques d'artistes numériques naviguant au sein des secteurs multimédias de Montréal. L'étude des parcours de onze artistes numériques montréalais nous a permis de constater que leurs pratiques de production en arts numériques ne sont pas réductibles aux logiques de production propres à un seul lieu, que ce soit une entreprise privée, un centre d'art numérique ou encore l'université. La question du maintien de ces pratiques amène à prêter attention aux pluralités des éléments qui informent leurs (re)constitutions perpétuelles, ce qui appelle de nouveaux modes de théorisation des parcours d'artistes numériques et de leurs pratiques. Nous proposons une nouvelle manière de penser ces parcours - en tant que trajectoires - pour mettre en valeur la pluralité des modes d'articulation de ces pratiques. Elles sont ainsi considérées du point de vue de leurs médiations coconstitutives avec différents éléments. Nous avons isolé trois ensembles d'éléments pour rendre compte du maintien des pratiques en arts numériques et au travers desquels ces dernières déploient leurs multiples effectivités. Le premier ensemble recouvre les technologies intervenant dans la pratique en arts numériques. Le deuxième ensemble a trait au milieu des arts numériques et aux modes de l'organisé afférents. Enfin, le troisième ensemble traite du rapport entre les mondes de l'entreprise et la pratique en arts numériques. Ces trois ensembles d'éléments participent de diverses manières à la constitution, au maintien et à la singularisation de pratiques en arts numériques qui déploient leurs effectivités largement au-delà d'un espace social circonscrit ou spécialisé. / This thesis examines the paths and practices of digital artists navigating within the multimedia sectors of Montreal. Through the study of the paths of eleven digital artists based in Montreal we found that production practices in digital arts cannot be reduced to the logic of production specific to a single place, whether a private company, a digital arts center or a university. The issue of maintaining these practices leads one to pay attention to the plurality of elements that inform their perpetual (re)constitutions. This requires new ways of theorizing digital artists' paths and practices. We propose a new way of conceptualizing these paths - as trajectories - to highlight the plurality of ways the digital art practices are articulated. They are thus considered in terms of their co-constitutive mediations with different elements. We have identified three sets of elements to account for the maintenance of the practices in digital arts and through which these unfold their multiple effectivities. The first set covers the technologies involved in digital art practices. The second set relates to the digital arts community and the organizational modes characteristic of those locales. Finally, the third set deals with the relationship between the worlds of business and practices in digital arts. These three sets of elements contribute in various ways to the establishment, maintenance and singularity of digital arts practices that deploy their effectivities far beyond a circumscribed or specialized social space.

Cette recherche interroge les figures du sujet écoutant en jeu dans les mutations des espaces musicaux sur Internet de 2007 à 2014, afin de penser l’écoute en ligne dans ses spécificités philosophiques et communicationnelles. On étudie un dispositif industriel et logiciel de recherche et de recommandation musical complexe, l’interface de programmation d’ Echonest, pour en saisir les effets esthétiques, c’est-à-dire pour comprendre dans quelle mesure la culture numérique contemporaine façonne l’expérience musicale. Trois angles sont successivement abordés : une archéologie de l’écoute montre les héritages de son expérience en ligne, une étude des politiques de l’archive et de l’algorithme incite à penser les axiologies industrielles de machines du goût, enfin une analyse sémio-pragmatique met en exergue le régime fictionnel de l’écoute à l’écran. Face à l’émergence d’une forme médiatique, le streaming, ces trois temps décrivent un régime numérique contemporain de la perception (sensorium digital) comme une discipline de l’écoutable qui s’appuie sur des modes fictionnels de production de sens en ligne. / This research questions the figures of the listening subject in the context of the transformations of musical spaces on the Internet from 2007-2014, in order to consider the question of online listening from the perspective of the fields of philosophy and communications. I study the industrial and logical disposition (dispositif) of the API of The Echo Nest, a complex musical search and recommandation engine. I seek to grasp the aesthetic effects of this technoogy as a means of understanding the extent to which contemporary digital culture shapes musical experience. This is approached from three perspectives: an archeology of listening, which shows what is inherited in the online listening experience; a critical reading of the politics of digital archiving and algorithms,which incites us to think about the industrial axiologies of « machines of taste » ; and lastly, a semiotic-pragmatic analysis, which draws attention to the fictional modalities involved in mediated listening. With the emergence of music streaming as a new form of radio, this dissertation traces a contemporary regime of digitized perception (digital sensorium) that becomes a « discipline oflistenable » supported by the fictional mode of online production of meaning.

L’Afrique n’échappe pas aux débats sur les industries culturelles, déjà en vogue, au niveau mondial. Bien développées dans les pays du Nord, les industries culturelles connaissent cependant un développement très faible en Afrique. Dans le continent, si quelques pays ont des modèles réussis de développement de ce secteur, à l’instar du Nigéria ou de l’Afrique du Sud, les industries culturelles des pays francophones d’Afrique subsahrienne demeurent encore dans un état précaire. Cela semble probablement dû à une prise de conscience tardive de leurs enjeux, à des considérations socio-politiques, ou encore à une mauvaise compréhension des rôles des acteurs. D’où notre intérêt à étudier le rôle des pouvoirs publics dans le processus de développement des industries culturelles au Burkina Faso, à travers le sujet suivant : Les industries culturelles dans les pays francophones d’Afrique subsaharienne : cas du Burkina Faso. Pour mener à bien notre réflexion sur le sujet, la méthodologie a consisté aussi bien à un débroussaillage théorique et à des enquêtes de terrain, permettant de confirmer les hypothèses émises. Au Burkina Faso, les industries culturelles connaissent, par leur organisation, une certaine dynamique, malgré quelques insuffisances dans le développement des filières culturelles. Cette dynamique, favorable à la mise en place d’initiatives et d’évènements culturels d’envergure, fait sans doute considérer le pays comme un « carrefour culturel » en Afrique. Les industries culturelles génèrent des enjeux sociaux, politiques et économiques considérables pour le pays. Cependant, ces enjeux sont l’objet de conflits entre surtout les industriels de la culture et l’Etat. Aussi, est-il indispensable que les pouvoirs publics et les industriels de la culture travaillent en synergie, avec des rôles bien définis, pour prendre au sérieux les défis, pour un secteur plus viable, dynamique et durable. / THESIS SUMMARYAfrica is no exception to the debates on the cultural industries, already in vogue, at the global level. Although well developed in the North, cultural industries are less developed in Africa. In the continent, while some countries have successful models of development in this sector, like Nigeria or South Africa, the cultural industries in francophone countries of sub-Saharan Africa are still in a precarious level. This seems likely due to a late awareness of their issues, socio-political considerations, or a misunderstanding of the roles of the actors. Hence our interest in studying the role of public authorities in the process of cultural industries development in Burkina Faso, through the following subject: Cultural industries in francophone countries of sub-Saharan Africa: case of Burkina Faso. To carry out our reflection on the subject, the methodology consisted as well of a theoretical brusaillage and field investigations, allowing to confirm the hypotheses emitted.In Burkina Faso, the cultural industries are dynamic, by their organization, despite some shortcomings in the development of cultural sectors. This dynamic, favorable to the implementation of major initiatives and cultural events, makes the country as a "cultural crossroads" in Africa. Cultural industries generate considerable social, political and economic impacts for the country. However, these profits are the subject of conflicts between mainly industrial culture sector and the public sector. It is therefore essential that public authorities and cultural private sector work in synergy, with well-defined roles, to take the challenges seriously, for a more viable, dynamic and sustainable sector.

Cette recherche porte sur la façon dont les industries créatives, appréhendées en tant qu’idéologie et théorie scientifiquement construite, se déploient de manière non linéaire de l’international au local à travers les discours et pratiques d’acteurs hétérogènes (politiques, industriels, culturels…) jusqu’à leur opérationnalisation dans le cadre de politiques de reconfiguration du territoire local. Ces dernières désignent les politiques visant à transformer durablement la représentation d’un territoire donné. Pour ce faire, l’étude se concentre sur le cas du territoire métropolitain lyonnais, emblématique de plusieurs processus à l’œuvre depuis une quarantaine d’années (mondialisation, développement des TICN, décentralisation, métropolisation...) et des politiques de reconfiguration menées sur d’autres territoires (Berlin, Reims, Lille…). L’analyse se déploie en trois temps.Tout d’abord, nous analysons comment les industries créatives sont définies et promues à travers les discours d’institutions internationales, nationales et locales (Unesco, DCMS, France Créative…). Trois types de discours se distinguent : ceux à visée entrepreneuriale explicite ; ceux abordant les industries créatives comme un ensemble de secteurs liés aux industries culturelles, auxquels sont adjoints quelques autres plaçant la « créativité » au cœur de leurs activités ; enfin, les discours les appréhendant comme le pilier central du développement territorial. Ces types de discours institutionnels ont cependant encommun d’entrer en résonnance avec ceux des promoteurs du nouvel esprit du capitalisme. Ensuite, nous accordons une attention particulière aux discours et pratiques des professionnels de la reconfiguration territoriale, à savoir ceux de la communication publique et territoriale auxquels s’ajoutent désormais ceux du marketing territorial. Ces professionnels constituent des intermédiaires contribuant à la diffusion des industries créatives par la promotion de présupposés, pratiques et agencements entrant en résonnance avec ceux diffusés dans les discours institutionnels. Si un lexique, des notions et méthodes issues des sciences de gestion supplantent les références faites à la créativité et aux politiques territoriales axées sur l’innovation et la créativité, un décalage s’opère cependant entre leurs discours et leurs pratiques effectives.Enfin, nous nous intéressons à la façon dont les industries créatives sont réinvesties dans le cadre de politiques de reconfiguration territoriale du territoire métropolitain lyonnais pour en susciter et diffuser une représentation créative. La réflexion s’articule ici sur la façon dont ces politiques portent sur une triple reconfiguration territoriale (tangible, réticulaire et symbolique). En particulier, nous nous intéressons à l’opérationnalisation des grands événements culturels et artistiques, des projetsd’aménagement du territoire et de réseaux d’acteurs mis en place sur le territoire dans l’objectif d’en susciter une représentation créative. Les pratiques et agencements mis en place sur ce territoire s’inscrivent dans la continuité ou entrent en résonnance avec ceux prescrits dans les discours institutionnels et dans ceux des professionnels de la reconfiguration territoriale.En définitive, nous montrons comment l’idéologie des industries créatives se déploie à travers les discours et pratiques d’acteurs hétérogènes qui entrent en résonnance et, de ce fait, contribuent à renforcer cette idéologie. Notre étude prête attention aux circulations, qui ne sont pas uniquement descendantes ou prescriptives mais qui sont aussi des réappropriations et des interprétations des industries créatives par ces acteurs. Les logiques propres aux acteurs étudiés sont mises en évidence, tout en soulignant comment leurs discours et pratiques entrent en interaction. / This research focuses on how creative industries, apprehended as ideology and scientifically constructed theory, deploy in a non-linear way from the international to the local through the discourses and practices of heterogeneous actors (political, industrial, cultural ...) to their operationalization as part of local territory policies of reconfiguration. These refer to policies aiming at transforming the territory image. This work focuses on the metropolitan area of Lyon, which is emblematic of several processes taking place for forty years (globalization, development of ICT, decentralization...) and reconfigurationpolicies conducted in other territories (Berlin, Reims, Lille...). The analysis deploys in three steps.First, we analyse how the creative industries are defined and promoted through institutional discourses (Unesco, DCMS, Creative France...). Three types of discourses are distinguished: those with explicit entrepreneurial goals; those addressing the creative industries as ensemble of sectors related to cultural industries, to which are added few others placing "creativity" at the heart of their activities; finally, the discourses that apprehend creative industries as the central pillar of territorial development. Nonetheless, these types of institutional discourses have in common to resonate with those of the promoters of the New Sprit of Capitalism.Then, we pay particular attention to discourses and practices of professionals of the territorial reconfiguration, namely those of the public and territorial communication to which are added those of the territorial marketing. These professionals are intermediaries who contribute to the diffusion of the creative industries by promoting assumptions, practices and arrangements resonating with those disseminated in institutional discourses. If a lexicon, notions and methods from management sciencessupplant references to creativity and territorial policies focusing on innovation and creativity, a gap between their discourses and their actual practices exists.Finally, we are interested in the way in which the creative industries are reinvested in the territorial reconfiguration policies of the metropolitan area of Lyon in order to create and disseminate a creative image. The reflection is articulated here on the way in which these policies are related to a triple territorial reconfiguration (tangible, reticular and symbolic). In particular, we are interested in the operationalization of major artistic and cultural events, spatial planning projects and stakeholder networks taking place on the territory aiming generating creative image. The practices and arrangements realized on the territory are in continuity or resonate with those prescribed in the institutional discourses and those of the professionals of the territorial reconfiguration.In the end, we show how the ideology of the creative industries deploys through discourses and practices of heterogeneous actors that resonate and, as a result, contribute to reinforce this ideology. Our study pays attention to circulations, which are not only downward or prescriptive but are also re-appropriations and interpretations of the creative industries by those actors. The logics of the actors studied are stressed, while showing how their discourses and practices are in interaction.

Cette thèse se penche sur les parcours et les pratiques d'artistes numériques naviguant au sein des secteurs multimédias de Montréal. L'étude des parcours de onze artistes numériques montréalais nous a permis de constater que leurs pratiques de production en arts numériques ne sont pas réductibles aux logiques de production propres à un seul lieu, que ce soit une entreprise privée, un centre d'art numérique ou encore l'université. La question du maintien de ces pratiques amène à prêter attention aux pluralités des éléments qui informent leurs (re)constitutions perpétuelles, ce qui appelle de nouveaux modes de théorisation des parcours d'artistes numériques et de leurs pratiques. Nous proposons une nouvelle manière de penser ces parcours - en tant que trajectoires - pour mettre en valeur la pluralité des modes d'articulation de ces pratiques. Elles sont ainsi considérées du point de vue de leurs médiations coconstitutives avec différents éléments. Nous avons isolé trois ensembles d'éléments pour rendre compte du maintien des pratiques en arts numériques et au travers desquels ces dernières déploient leurs multiples effectivités. Le premier ensemble recouvre les technologies intervenant dans la pratique en arts numériques. Le deuxième ensemble a trait au milieu des arts numériques et aux modes de l'organisé afférents. Enfin, le troisième ensemble traite du rapport entre les mondes de l'entreprise et la pratique en arts numériques. Ces trois ensembles d'éléments participent de diverses manières à la constitution, au maintien et à la singularisation de pratiques en arts numériques qui déploient leurs effectivités largement au-delà d'un espace social circonscrit ou spécialisé. / This thesis examines the paths and practices of digital artists navigating within the multimedia sectors of Montreal. Through the study of the paths of eleven digital artists based in Montreal we found that production practices in digital arts cannot be reduced to the logic of production specific to a single place, whether a private company, a digital arts center or a university. The issue of maintaining these practices leads one to pay attention to the plurality of elements that inform their perpetual (re)constitutions. This requires new ways of theorizing digital artists' paths and practices. We propose a new way of conceptualizing these paths - as trajectories - to highlight the plurality of ways the digital art practices are articulated. They are thus considered in terms of their co-constitutive mediations with different elements. We have identified three sets of elements to account for the maintenance of the practices in digital arts and through which these unfold their multiple effectivities. The first set covers the technologies involved in digital art practices. The second set relates to the digital arts community and the organizational modes characteristic of those locales. Finally, the third set deals with the relationship between the worlds of business and practices in digital arts. These three sets of elements contribute in various ways to the establishment, maintenance and singularity of digital arts practices that deploy their effectivities far beyond a circumscribed or specialized social space. / Réalisée en cotutelle avec l'université Sorbonne Nouvelle - Paris 3

Comment les formes et les figures d’un catalogue d’exposition numérique ou d’un récit de fiction enrichi pour tablette, cadrées dans des pages-écrans et ancrées dans un dispositif numérique, modélisent-elles des lecteurs et des pratiques de réception ? Comment les concepteurs imaginent-ils ces modélisations de pratiques et comment celles-ci s’actualisent-elles de diverses manières dans une situation de réception précise en fonction des attentes des lecteurs ? Il n’existe pas encore de travaux sur le livre numérique enrichi confrontant les pratiques réelles ou imaginées de communautés de producteurs et de récepteurs aux pratiques modélisées par l’artefact, ses formes graphiques, ses signes alphabétiques et ses relations rhétoriques entre pages-écrans. Cette thèse retrace la genèse d’une méthodologie d’analyse socio-sémiotique, alliant en profondeur l’étude empirique des contextes de production et de réception du livre numérique enrichi avec l’analyse des stratégies sémiotiques et rhétoriques de ses interfaces. Souhaitant favoriser l’émergence d’une culture critique du design numérique, la méthodologie propose d’identifier les rapports de pouvoir qui traversent les pratiques en conception pour se loger dans la matérialité des artefacts. À travers un croisement expérimental d’approches sémiotique, sociologique et économique, nous faisons émerger un vocabulaire original des « figures de la lecture » du livre numérique enrichi. Indexé sur les pratiques des concepteurs, celui-ci met en avant le rôle des représentations, habitudes et normes sociales dans la sémiose. Il est enrichi par une étude en réception sur l’un des artefacts du corpus. / How will an exhibition catalog or a fictional story, enhanced for digital tablets, translate the visitor’s reading habits and expectations into pages-screens? How do the e-books’ designers understand and conceive these reading practices? How will concrete readers’ expectations meet the implicit reader of the text? This thesis is based on a social semiotic methodology, deeply intertwining the empirical study of the current e-books creative and consumption practices with a methodical analysis of the semiotic and rhetorical strategies of their editorial interfaces. Empirically merging semiotic, sociological and economical research, we bring to light a new original vocabulary of “reading features” of enhanced e-books. Combining it with the designers’ practices, this vocabulary exhibits the role played by usages and social standards in semiosis. It is also enriched with a reception study on a specific artifact.

Ce travail s’intéresse à la mission culturelle de France Télévisions à partir de la problématique suivante : La culture à la télévision de service public a-t-elle une qualité particulière ? Si oui, quels en sont les principes régulateurs et comment se manifeste sa cohérence ? À partir d’une définition restrictive de la notion de culture qui inclut à la fois les grandes disciplines artistiques et les productions des industries culturelles, le lecteur suit un parcours chronologique à travers trois mouvements : une analyse de rapports institutionnels publiés entre 1993 et 2008 ; une étude de figures d’artistes tels que visibles dans trois émissions de plateau (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais !) et Des mots de minuit) entre 2010 et 2011 ; des formes numériques d’écriture et de diffusion de la culture expérimentées entre 2011 et 2017. Nous appuyant sur une histoire de la télévision publique, nous nous inscrivons principalement dans une perspective sémiologique. Toutefois, nous empruntons quelques outils à l’analyse de discours, à l’approche par les modèles socio-économiques des industries culturelles, et proposons une conduite d’entretien graphique. L’hétérogénéité des objets concrets et des méthodologies que nous mobilisons nous conduisent à conclure que la culture de la télévision de service public se nourrit à la fois d’une conception majoritairement institutionnellement consacrée, d’une attention portée aux productions des industries culturelles et aux « médiacultures » et tend à s’élargir davantage au travers d’expériences numériques. C’est d’une conjugaison de cet ensemble d’éléments sur un mode propre que procède la culture de la télévision de service public.Descripteurs : télévision publique ; France Télévisions ; culture et arts ; industries culturelles ; rapport institutionnel ; programmes télévisuels ; nouvelles écritures audiovisuelles ; geste graphique / The dissertation focuses on the France Télévisions’s cultural agenda and addresses the following question : Is there a form of culture specific to public service broadcasting ? If there is, how is it regulated and how does its coherence appear? We tackle the issue using a restricted definition of the notion of culture that includes both the great artistic disciplines and the productions of cultural industries. A chronological analysis follows three movements that place the reader/audience in various political and media territories: an inquiry into the institutional reports published between 1993 and 2007; figures and portraits of artists in three lateevening TV shows (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais!), and Des mots de minuit) broadcast between 2010 and 2011; and digital writings/narratives of culture between 2011 and 2017. Based on a history of public television, our perspective is mainly semiological. However, our study is inscribed in a project that includes several methodological tools while also using discourse analysis and a socioeconomic approach of the cultural industry. Finally, we have carried out graphic interviews. The heterogeneous nature of the artefacts and methods we summon lead us to conclude that public television culture is conveyed thanks to an understanding of culture close to the "established culture", the productions of cultural industries and "mediacultures", although it tends to expand in relation to digital experiences. Lastly, the combination of a number of factors produces a synoptic vision of the different conceptions of public television culture. Keywords : Public television ; France Télévisions ; culture and arts ; cultural industry products ; institutional reports ; talk-shows ; new audio-visual writing ; graphic gesture.

Mémoire présenté en cotutelle : Université Laval, Québec, Canada, Maître en droit (LL. M.) et Université Paris-Saclay, Cachan, France Master (M.) / La Convention de Rome est le texte international qui fonde les prémisses du régime des artistes-interprètes. Elle dispose que trois critères doivent être identifiés : la présence d'une personne physique, la réalisation d'une interprétation et la présence d'une œuvre de l'esprit. Ces trois critères sont communs à tous les artistes-interprètes : musiciens, comédiens, acteurs. Dans le domaine de l'audiovisuel, les nouvelles techniques numériques ont souvent remis en question le régime de l'artiste-interprète : au cinéma, surtout, il est fréquent de voir en postproduction l'usage de techniques d'effets visuels numériques, ce qui permet, somme toute, de modifier une interprétation réelle pour aboutir à une création virtuelle. Aujourd'hui, c'est davantage l'usage de l'intelligence artificielle qui questionne les juristes : l'intervention d'une image numérique peut supprimer le critère d'intervention d'une personne physique. L'apparition d'Internet a également posé d'autres difficultés, en ce qui concerne la diffusion et l'interprétation d'œuvres en ligne par de purs amateurs. Mais le contenu créé est-il toujours une œuvre de l'esprit ? Ainsi, deux niveaux de bouleversements de l'audiovisuel par les nouvelles techniques peuvent être constatés : au stade de la diffusion des œuvres et au stade de leur création. La notion d'interprétation, point central des critères d'accès au régime de l'artiste-interprète, est donc particulièrement bouleversée : comprendre les difficultés théoriques et pratiques est essentiel pour ne pas perdre l'esprit du législateur de la Convention de Rome. La confrontation du régime initial de l'artiste-interprète, lié à l'expansion de ces nouvelles techniques, aux difficultés pratiques actuelles, permet d'appréhender les possibles changements d'un tel régime, de saisir les points de tension et d'envisager les hypothèses d'un changement de nature du droit voisin de l'artiste-interprète. / The Rome Convention is the international text governing the status of performers. It stipulates that three criteria must be identified: the presence of a natural person, the performance of an interpretation and the presence of a work of the mind. These three criteria are common to all performers: musicians, comedians and actors. In the audiovisual field, new digital techniques have often called into question the status of the performer: in cinema, in particular, it is common to see the use of digital visual effects techniques in post-production, which, after all, make it possible to modify a real performance to produce a virtual creation. Today, it is more the use of artificial intelligence that is raising questions among legal experts: the intervention of a digital image necessarily removes the criterion of intervention by a physical person. The emergence of the Internet has also posed other difficulties, regarding the online distribution of works by pure amateurs. But is the content always created a work of the mind? New technologies have brought about two levels of upheaval in the audiovisual sector: at the stage of distribution of works, and at the stage of their creation. The notion of interpretation, central to the criteria for access to the performer's regime, is thus particularly upended: understanding the theoretical and practical difficulties is essential to preserve the spirit of the legislator of the Rome Convention. Comparing the performer's initial regime, linked to the expansion of these new techniques, with today's difficulties enables us to understand the possible changes to such a regime, to grasp the points of tension and to envisage the hypotheses of a change in the nature of the performer's neighboring right.