Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création. / Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.

Le présent mémoire de maîtrise s'intéresse à la question de l'image et en propose une exploration placée sous le signe du double. Entre recherche et création, poésie et photographie, éclatement formel et méditation ontologique, ce mémoire ouvre des dialogues pour tenter de comprendre, en deux temps, la mécanique des confluences et leur intérêt sur le plan des processus créateurs. À la croisée des notions qu'il embrasse : l'image ; et le faisceau de ses manifestations, qu'elles soient de l'ordre de l'empreinte (trace), de l'archive (souvenir) ou encore de l'aura (lumière). Fruit d'un travail à quatre mains, Empreintes invite tout d'abord à entrer en immersion dans un monde duel où le fond comme la forme participent de la perte des repères. Présenté dans un format hors norme (deux fois 66 pages disposées tête-bêche) , le recueil photo-poétique joue avec l'espace et le temps, proposant d'arpenter en cinq tableaux les paysages laissés par des êtres qui ont été aimés, qui ont été perdus. Une parole s'élève des blessures et du silence pour retrouver leur trace , se dégage peu à peu de ses propres ruines pour naître à elle-même – puis mourir à nouveau – en un cycle sans fin. Empreintes laisse ainsi sourdre la parole vivante en abordant, par le thème de l'eau, le deuil sous toutes ses formes. Pour soutenir ce recueil, la partie Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image offre ensuite une réflexion en deux parties . Un rapport de laboratoire permet de remonter le fil du processus créateur pour mieux saisir, par l'archivage, la genèse du recueil. Il présente les trois méthodes de création intermédiatiques expérimentées entre écriture et photographie. Un essai lyrique sur la photographe franco-canadienne Alix Cléo Roubaud (1952-1983) aborde enfin la magie du nu féminin pour clore cette quête de l'image en pleine lumière / This Master's thesis deals with the topic of images and leads its exploration with a dual-view. Midway between research and creation, poetry and photography, formal fragmentation and ontological meditation, this memoir opens dialogues in a two-stage attempt to understand the mechanics of confluences and their relevance with regard to creative processes. At the crossroads of notions covered : images ; and the irrange of manifestation, whether in terms of footprints (trace), archives (memory) or aura (light). Fruit of a four-hands work, Empreintes is first of all an invitation to immerse oneself in a dual world where both substance and form contribute to a loss of bearings. Presented in a non-standard size (twice 66 pages arranged head to tail), the photo-poetic collection plays with space and time, offering a five-step walk among landscapes deserted by beings once beloved, now forever lost . A Word rises from wounds and silence to recount them, emerges gradually from its own ruins to self- originate - then die again - in an endless cycle. Empreintes then lets the living Word arise in addressing mourning in all its forms by the theme of water. To support this collection, the Création littéraire et photographie argentique : intermédialité pour une poétique de l'image part then offers a reflection in two stages. A lab report traces back the thread of the creative process to better understand, via archiving, the genesis of the collection. It presents three methods of intermedia creation experienced between writing and photography. A lyrical essay on the French-Canadian photographer Alix Cléo Roubaud (1952-1983) eventually addresses the magic of the female nude in order to end this quest for images in full light.

Cette thèse pose la question de la fortune remarquable du surréalisme en Belgique et porte particulièrement attention à la poétique de Christian Dotremont qui, après une période surréaliste, trace le premier logogramme en 1962. La partie initiale de notre recherche interroge ses rapports avec le groupe surréaliste bruxellois (Paul Nougé et René Magritte), préoccupé par le refus de l’œuvre. Cette démarche subversive se transforme dans l’art expérimental du groupe Cobra (communauté artistique fondée en 1948 par Dotremont). Nous nous intéressons à cette évolution d’une préoccupation logocentrique (où le mot compte pour le contenu qu’il véhicule : il s’agit de la poétique « primitive » de Nougé et des objets bouleversants de Magritte) vers l’exploration du mot comme trace, comme scription et, par là même, comme source de poésie. La deuxième partie de notre recherche traite de l’époque Cobra où se forge ce que nous appelons la poétique du visible chez Dotremont dont le résultat est la découverte du pouvoir créatif du mot en tant que matière, en tant que trace manuscrite. Ces expérimentations centrées sur la matérialité du langage préparent le cheminement artistique de Dotremont vers l’invention du logogramme (objet d’analyse de la troisième partie de la thèse). Dans l’idée d’une légitimation du logogramme en tant que nouveau genre poético-pictural, nous relevons ses invariants créateurs : sans pour autant se soumettre au modèle pictural, celui-ci n’est ni peinture des mots, ni mot-tableau, il exploite la matérialité de la lettre comme source poétique : genre transfrontalier qui ne cesse de mettre en question et d’inclure dans sa cinétique la métamorphose de sa réception. / The main focus of our research points out the noteworthy longevity of the Belgian surrealist group. Thus, we have chosen to analyze the poetic and artistic works of one of its most important representative, Christian Dotremont. His interartistic poetics (beginning with a surrealist phase and continuing until the invention of the logograms in 1962) is in fact symptomatic for the complete transformation of the Belgian movement. Consequently, the first part of our research examines Dotremont’s contacts and collaborations with the surrealist group (Paul Nougé and René Magritte), mainly interested by subversive creative works. Their negative technique is transformed by Dotremont into experimental art along with his own group founded in 1948, Cobra. The second part of this research would particularly like to draw attention to this evolution from a logocentric artistic point of view in which the word is important for its meaning (Nougé’s “primitive” poetry theory or Magritte’s praxis of “objets bouleversants”) toward Dotremont and Cobra’s discovery of the word as materiality, as scription, and as poetic source. This is the object of the second part of our thesis, where we explore Cobra “poetics of visible”: the pictorial and poetic importance of painted not written texts, words or letters. Cobra collective inventions investigate the aesthetic results of in-between artistic techniques and also emphasize Dotremont progression from a subversive surrealist literary point of view to the invention of logograms. This hybrid creation, the logogram, is examined in detail in the third and last part of our thesis.

Avec l’émergence des nouveaux médias, une nouvelle façon de raconter les histoires s’impose. Les structures connues de l’esthétisme classique semblent désuètes par rapport aux dispositions des nouvelles plateformes de diffusion. Mieux encore, ces plateformes propulsent le récit, lui permettent de sortir de la rigidité de la ligne narrative : elles intègrent la technique au logos. L’intermédialité devient omniprésente; la diversité des types médiatiques employés dans une œuvre sont rendus visibles et sont articulés par la mise en récit. Méchoulan dira que dans l’« être-entre », dans l’espace reliant chacune des unités sémantiques, que l’événement de la pensée advient; pour Rodowick c’est le « figural ». Une figure particulière s’impose : le labyrinthe. Multipliant les possibilités narratives spécifiques aux nouveaux médias, le labyrinthe fait converger les composantes intermédiales. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, une œuvre dirigée par Norman Klein, pose le labyrinthe comme élément structurel en y tissant un réseau où s’inscrit une pratique intermédiale. On y adresse le temps comme une opération fragmentaire, qui se sectionne, se réorganise en rompant avec la linéarité classique. Il nous faudra alors voir comment le labyrinthe réfléchit dans l’étude du temps certains éléments de la mythologie grecque. Les réflexions de Gervais sur le labyrinthe permettront d’étayer pareille hypothèse. Nous analyserons Bleeding Through à la lumière de ces théories pour ainsi dégager l’essence de cette figure qui a infiltrée la narration contemporaine. En somme, le labyrinthe se présente dans l’écologie médiatique actuelle comme une figure inhérente à la mise en récit. / With the emergence of new media, a new way of storytelling becomes necessary. The known structures of classic estheticism become obsolete when confronted with the dispositions of the new broadcasted platforms. These so called platforms propel the plot structure, allowing an expansion of the rigid narrative line : they integrate technology into the logos. Intermediality becomes omnipresent ; the diverse media summoned in the different projects are made visible and articulated through narrative work. Méchoulan would talk about the « être-entre », the virtual space linking semantic units, that the occurrence of thoughts convene ; Rodowick would refer to this same spatial concept as « figural ». A particular figure then appears and seems to illustrate the workings of intermediality: the labyrinth. In multiplying the narrative possibilities specific to new media, the labyrinth interrelates the intermedial components. Bleeding Through : Layers of Los Angeles 1920-1986, directed by Norman Klein, establishes the labyrinth as a narrative backdrop to the intermedial practice. Herein, time is addressed as a fragmented function that can be segmented, reorganized, thus breaking with classic linearity. Subsequently, elements of Greek mythology tied to the labyrinth’s imaginary are highlighted, particularly through Gervais’s reflexions on memory and forgetting. To question the essence of the labyrinth’s figure, which infiltrates contemporary narration, Bleeding Through is analyzed under the scope of these theories. In short, the labyrinth is presented as an inherent figure to storytelling within the current media ecology.

Ce projet analyse le rôle des images – photographies, films, dessins – produites dans le cadre des recherches ethnographiques « interdisciplinaires » menées par l’anthropologue italien Ernesto De Martino en Italie méridionale dans les années 1950. Ces expéditions ont donné lieu à des documents multiformes puisqu’elles regroupent des chercheurs de formations différentes : historien des religions, ethnomusicologue, psychiatre, photographe, et occasionnellement cinéaste. Plus spécifiquement, il s’agit d’étudier le rôle des matériaux visuels dans la recherche sur le tarentisme, rituel de possession observé dans les Pouilles en 1959 par De Martino et son équipe, matériaux dont une partie constitue l’annexe photographique de son œuvre célèbre La terra del rimorso (1961). Nous portons également attention à l’atlas iconographique de son ouvrage sur la lamentation funèbre, Morte e pianto rituale nel mondo antico. Dal lamento pagano al pianto di Maria (1958), fruit d’une étude de terrain dans la région sud italienne de la Lucania (Basilicata). Tout en considérant les relations intermédiales entre les images, le texte, le son et le corps, ce mémoire identifie les rapports dialectiques entre les techniques d’enregistrement et les logiques répétitives, rythmiques et performatives des rituels en question. Chez De Martino, l’image est point de tension en matière de temporalité et de ressemblance : elle suggère une anthropologie de la « survivance » nous permettant de relever plusieurs correspondances avec l'oeuvre de l’historien de l’art Aby Warburg. / This project deals with the production of images in Italian anthropologist Ernesto De Martino’s 1950s “interdisciplinary ethnographies” in southern Italy. These expeditions, innovative for their time, involved a team of researchers (including a religious historian, ethnomusicologist, psychiatrist, photographer and, at times, a filmmaker) and gave rise to mixed-media documents. While the textual aspects of De Martino’s work have been studied in depth, my approach focuses on image-making practices: photography, film, drawings. Building largely on his famous work La terra del rimorso (1961) on tarantism – a possession ritual observed by De Martino’s team in Puglia in 1959 – as well as on the iconographic atlas of Morte e pianto rituale nel mondo antico. Dal lamento pagano al pianto di Maria (1958) – his study on mourning rituals led in the southern Italian region of Lucania (Basilicata) –, this thesis suggests that images, despite their ancillary status, formed a major part of De Martino’s fieldwork and transmitted much more than documentary knowledge. Not only does the visual haunt De Martino’s own text as a literary device, but it is also tightly connected to a series of intermedial elements (sound, objects, bodies) inherent to the ritual “apparatus” itself and its documentation process. It was thus possible to perceive a dialectical relationship between technological imagistic devices such as photography and film, which “reproduced” possession rituals, and those practices’ own repetition processes, temporal rhythms, and performativity. Lastly, these images also suggest an anthropology of “afterlife” by means of visual analogies passed through bodily gesture, reminiscent of Aby Warburg’s work.

Ce mémoire étudie les rapports texte/image dans Vues et visions de Claude Cahun, première œuvre composite créée en collaboration avec la peintre graphiste Marcel Moore. L’objet littéraire protéiforme, appartenant au genre de l’iconotexte (Alain Montandon), instaure un dialogue intermédial entre le textuel et le visuel au point de déconstruire l’horizon d’attente du lecteur : celui-ci est incité à lire et à voir alternativement les poèmes en prose ainsi que les dessins de sorte que les frontières qui définissent l’espace du littéral et du figural apparaissent poreuses. Subdivisé en deux chapitres, notre travail s’attachera dans un premier temps à mettre en lumière le rôle de l’écriture qui intègre certains dessins de Moore. En nous inspirant de l’iconolecture (Emmanuelle Pelard), nous tenterons d’effectuer des liens entre la plasticité et la signification littérale des signes linguistiques qu’illustrent ces images-textes tout en étudiant les correspondances thématiques et formelles qu’elles entretiennent avec les poèmes de Cahun. Le second chapitre étudiera la manière dont le figural investit le texte littéraire en adoptant une approche intermédiale. Après avoir abordé la figure du double, une partie de l’analyse sera consacrée à la figure de l’allusion, une stratégie d’écriture pour introduire le visuel au sein du textuel, ce qui nous permettra d’entrer en matière pour étudier « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). Enfin, l’effet-tableau ainsi que l’anamorphose seront employés comme cadre d’analyse afin de penser le dialogue qui se noue entre le pictural et le texte littéraire dans Vues et visions. / This dissertation studies the relationship between text and image in Claude Cahun’s Vues et visions, her first project realized in collaboration with the visual artist Marcel Moore. This heterogeneous object of art belongs to the iconotext genre (Alain Montandon) and establishes a dialogue between Cahun’s prose poems and Moore’s drawings to the point of deconstructing the reader’s horizon of expectation : he is induced to read and behold alternatively the texts and the images so that the boundary line that defines the literary’s and pictorial’s spaces appears porous. Subdivided in two chapters, our work becomes attached in the first place to bring to light the role of the written word which incorporates some graphics of Marcel Moore. Inspired by a reading method called « iconolecture » by Emmanuelle Pelard, we will try to link the plasticity and the literal signification of the linguistic signs illustrated by those hybrid drawings while studying the formal and thematic similarities they share with Cahun’s prose poems. Using an intermedial perspective, the second chapter will study how the visual arts influence the poet’s writing style. After having broached the figure of the double, we will analyze the figure of allusion as a writing strategy to introduce the pictorial register in the literary texts that will lead us to study « l’image-en-texte » (Liliane Louvel). « L’effet-tableau » and the anamorphosis will be explored as frame of reference to conceive how links are tied between visual arts and poetry in Vues et visions.

Pour minoré et ignoré qu’il fût, le roman policier est désormais légitimé par l’institution littéraire. À parcourir les livres publiés dans la Caraïbe francophone, le genre demeure dans la marge de cette production [issue de la Caraïbe francophone (Haïti, Guadeloupe, Guyane française, Martinique)]. Quoiqu’il en soit, on notera que les années 1990 ont inauguré une véritable éclosion de publications de polars. Tout cela augure d’une acclimatation de ce genre qui ne s’accompagne pas moins de questionnements sur les spécificités éventuelles du polar caribéen francophone. Se situe-t-il dans la convention? Tente-il au contraire d’établir une distanciation avec la norme? C’est pour répondre à ces interrogations que cette thèse se propose d’explorer les enjeux de l’appropriation du polar provenant de cette aire géographique. À l’aune de la poétique des genres, de la sociocritique et de l’intermédialité, un corpus composé de quatorze romans fait l’objet d’une étude approfondie. Dans le premier chapitre, un bref récapitulatif permet de situer les œuvres à l’étude dans l’histoire littéraire du genre tout en soulignant l’adaptation du polar dans la Caraïbe de langue française. Il en ressort qu’un nombre significatif d’écrivains, attentifs à la latence du magico-religieux dans leur société, mettent en scène le surnaturel alors que le roman policier conventionnel plébiscite la méthode logico-déductive. C’est la raison pour laquelle le second chapitre s’intéresse à l’usage de l’inexplicable et son rapport avec le cartésianisme. Quant au troisième chapitre, il se penche sur un topos du genre : la violence telle qu’elle surgit dans ses dimensions commémoratives et répétitives de l’histoire tumultueuse de la Caraïbe. Notre corpus tend à relier la notion du crime, fut-il d’emprise originelle, à l’histoire post-coloniale. Dans la mesure où les personnages constituent un élément clé du genre, ils sont sondés, dans un quatrième chapitre, en regard de la critique sociale qu’ils incarnent et véhiculent. Le dernier chapitre cherche à circonscrire l’intermédialité qui structure et qualifie l’œuvre au sein du roman policier depuis sa genèse. Somme toute, ces divers axes contribuent à mieux comprendre le phénomène de transposition du polar dans cette région du monde. / Although long looked down on and given short shrift by the literary establishment, the detective novel now enjoys legitimacy. Yet a survey of such books published in the French-speaking Caribbean (Haiti, Guadeloupe, French Guiana, Martinique) indicates that this genre remains marginalized there. Be that as it may, the 1990’s ushered in a publishing surge on detective novels. While this attests to the genre’s acculturation, it nevertheless raises questions about which, if any, characteristics distinguish the Caribbean, francophone detective novel. Does it fit mould, or conversely seek to establish distance between itself and the norm? To answer such questions this thesis will explore the dynamics of appropriating the detective novel in said geocultural space. And in-depth study of fourteen novels in light of the poetics of genres, sociocriticism, and intermediality, forms the body of this thesis. Its first chapter sets out a brief overview so as to contextualize these fourteen novels within the literary history of this genre, while at the same time highlighting the detective novel’s adaptation to the French-speaking Caribbean. This overview demonstrates that a significant number of writers pay heed to the magic and sorcery implied in their society so that they incorporate the supernatural, whereas the standard detective novel overwhelmingly adopts the logico-detective mindset. This explains why the second chapter addresses the use of the inscrutable and its relationship to Cartesianism. Meantime, the third chapter focuses on a topos of the genre, namely violence, with its commemorative and recurring manifestations in the Caribbean’s tumultuous history. Regardless of its immediate cause, the fourteen novels tend to conceive crime as linked to postcolonial history. Those characters who prove key to the genre make up the fourth chapter which examines them from the perspective of the social critique the articulate and personify. The final chapter endeavours to delineate the intermediality that structures the detective novel and has constituted its touchtone from the start. In short, the different avenues of inquiry enable one to grasp the confrontation between this genre’s traditional canon and its creative variants. This contributes to a better understanding of the phenomenon of transposing the detective novel to this region of the world.

Le présent mémoire propose de croiser les démarches de deux auteures et artistes contemporaines, Sophie Calle et Miranda July, dont les quatre œuvres à l’étude – Douleur exquise (2003), Aveugles (2011), Rachel, Monique (2012) de Calle et Il vous choisit (2013) de July – se fondent sur des expériences en amont de l’écriture qui mobilisent le corps même des auteures, les engagent dans une action concrète et, bien souvent, dans des interactions avec autrui. Cet art de la contrainte, cet art action qui devient le sédiment de leurs écrits s’inscrit dans la filiation hypothétique des théories du philosophe pragmatique John Dewey et de celles de l’artiste Allan Kaprow – l’un des premiers à réfléchir l’art de la performance. L’écriture intermédiale qu’elles pratiquent – ce jeu de relations entre différents médias au sein même de l’œuvre – permet à la fois de réactiver la valeur performative de l’expérience qui a impulsé la création littéraire et d’embrayer une expérience de lecture qui devient elle-même performative. Exemplaires d’une esthétique relationnelle, polyphoniques dans les voix qui s’expriment, les quatre ouvrages du corpus donnent à sentir le bruissement d’une communauté. Il s’agit d’une littérature interdisciplinaire et intersubjective, mais surtout performative dans son questionnement incessant sur le pouvoir de l’art pour transformer la vie. / This master’s thesis proposes to establish a dialogue between the practices of two contemporary writers and artists, Sophie Calle and Miranda July. The four studied pieces of work – Calle’s Douleur exquise (2003), Aveugles (2011) and Rachel, Monique (2012) and July’s Il vous choisit (2013) – are based on concrete experiences occurring beforehand, prior to the act of writing itself. Those experiences mobilize the body of the writers engaging them in a real action and often in interactions with other people. This form of action art becomes the foundations of their writing and could be linked to the theories of pragmatic philosopher John Dewey and artist Allan Kaprow – one of the first to develop a reflexion on performance art. The intermedial writing that Calle and July practice as a game of relations between different medias in the same work allows both artists to revive the performative value of the experience. It impulses the writing and initiates a reading experience which itself becomes performative. Exemplary of a relational aesthetic, polyphonic in the voices that are expressed, the studied body of work reveals glimpses of community to feel and experiment. It is a literature that is interdisciplinary and intersubjective but primarily performative in its constant questioning of art’s capacity to transform life.

Cette thèse étudie le statut du dessin dans l'œuvre de Sergueï M. Eisenstein, à partir de l’étude des rapports entre dessin et montage, entre dessin et mise en scène et de l’examen de la nature intermédiale de l’œuvre d’Eisenstein. Dans le système de ce réalisateur le dessin est au cœur de son processus créatif et devient un milieu-médium à l’intérieur duquel des transferts, passages, transportations de formes, d’images et d’idées sont possibles. Eisenstein s’intéresse au dessin, à la fois, comme processus et comme méthode visuelle universelle de la créativité.On constate l’analogie entre la structure globale du film Ivan le Terrible et les axes essentiels de sa réflexion théorique, en particulier les principes de sa méthode créatrice (la pars pro toto, le MLB, la plasmaticité et le montage). Subordonnée à une architectonique spatio-temporelle rigoureuse, la structure du film est en même temps une structure ouverte, vivante en évolution perpétuelle, et cela tant à l’étape de sa conception qu’au niveau de sa perception et de sa post-analyse.Les analyses conduites dans cette thèse sur la production graphique d’Eisenstein, et à partir de celles-ci sur l’ensemble de ces travaux et de ces concepts, démontrent clairement la corrélation entre la structure de l’œuvre d’Eisenstein, en particulier pour celle du film Ivan le Terrible, et le fondement de son processus de pensée créative, processus qui traduit son propre rythme intérieur et la structure de sa conscience, les deux donnant l’impulsion à son expression artistique. Le dessin devient pour Eisenstein le milieu de réflexion sur lequel il s’appuie pour exposer la problématique du médium, mais aussi celle de l’histoire du cinéma en son lien avec l’histoire des médiums expressifs. Les dessins préparatoires constituent le médium visuel d’élaboration, de vérification et de mise en pratique de ses concepts théoriques dans une situation réelle de création de film.Eisenstein a ainsi constitué, à travers ce projet transversal et intermédial du film, un dispositif sphérique d’écriture de la méthode et de l’histoire générale du cinéma, en réalisant ainsi un modèle du « livre sphérique ». / This thesis studies the status of drawing in the work of Sergei M. Eisenstein, based on the study of the relationship between drawing and montage, between drawing and staging and the examination of the intermedial nature of Eisenstein’s work. In the system of this film director, the drawing is at the heart of his creative process and becomes an environment-medium in which transfers, passages, transportations of shapes, images and ideas are made possible. Eisenstein is interested in drawing, both as a process and as a universal visual method of creativity. An analogy exists between the overall structure of the film Ivan the Terrible and the essential axes of his theoretical reflection, in particular the principles of his creative method (pars pro toto, MLB, plasmaticity and montage). Subordinated to a rigorous spatial and temporal architectonics, the structure of the film is at the same time an open, living structure, in perpetual evolution, this as much at the stage of its conception as at the level of its perception and its post-analysis.The analyzes led in this thesis on the graphic production of Eisenstein, and from them on all his works and concepts, clearly demonstrate the correlation between the structure of the work of Eisenstein, and in particular that of the film Ivan the Terrible, and the foundation of his creative thought process, a process that reflects his own inner rhythm and the structure of his consciousness, both giving an impetus to his artistic expression. Drawing becomes for Eisenstein the medium of reflection on which he relies to develop the problematic of the medium, but also the one of history of cinema in its connection with the history of expressive mediums. The preparatory drawings constitute the visual medium of elaboration, verification and putting into practice of his theoretical concepts in a real situation of film creation.Eisenstein thus constituted, through this transversal and intermedial film project, a spherical system of writing of the method and the general history of the cinema, thus realizing the model of the "spherical book".

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