Submitted by Micheli Abreu (mabreu@fiocruz.br) on 2016-05-18T15:01:23Z No. of bitstreams: 1 Liz_Feligueira_EPSJV_Mestrado_2016.pdf: 951739 bytes, checksum: 51f1738bf6221c9d30f305e9d5ecefe9 (MD5) / Approved for entry into archive by Mario Mesquita (mbarroso@fiocruz.br) on 2016-06-29T19:41:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Liz_Feligueira_EPSJV_Mestrado_2016.pdf: 951739 bytes, checksum: 51f1738bf6221c9d30f305e9d5ecefe9 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-29T19:41:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Liz_Feligueira_EPSJV_Mestrado_2016.pdf: 951739 bytes, checksum: 51f1738bf6221c9d30f305e9d5ecefe9 (MD5) Previous issue date: 2016 / Made available in DSpace on 2016-07-22T13:29:57Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Liz_Feligueira_EPSJV_Mestrado_2016.pdf.txt: 318236 bytes, checksum: 9d6a425835e2b4591f287b7334c7288f (MD5) Liz_Feligueira_EPSJV_Mestrado_2016.pdf: 951739 bytes, checksum: 51f1738bf6221c9d30f305e9d5ecefe9 (MD5) license.txt: 2991 bytes, checksum: 5a560609d32a3863062d77ff32785d58 (MD5) Previous issue date: 2016 / Fundação Oswaldo Cruz. Escola Politécnica de Saúde Joaquim Venâncio. Programa de Pós Graduação wm Educação Profissional em Saúde / A presente dissertação tem por tema o estudo dos discursos sobre as formas de recepção aos usuários em sofrimento mental que procuram atendimento no ambulatório geral de adultos do Instituto de Psiquiatria da Universidade Federal do Rio de Janeiro, IPUB/UFRJ, ressaltando a participação do profissional de serviço social nesta prática. Para a execução da pesquisa, foram elencadas doze publicações científicas, entre monografias, artigos, e livros que versam sobre as práticas cotidianas de atendimento e ensino no ambulatório em questão. A análise do material foi realizada através dos pressupostos da Análise de Discurso e procurou-se verificar as condições históricas de produção dos diferentes discursos, bem como se estes dialogam com as reflexões produzidas pelo Movimento da Reforma Psiquiátrica, ligado à saúde mental, e pelo Movimento de Reconceituação, intrínseco à categoria do serviço social. O período estudado abarca desde a década de 1970, momento de surgimento do Movimento da Reforma Psiquiátrica e de renovação do serviço social até 2014. / La presente disertación tiene por tema de estudio de los discursos sobre las formas de recepción del usuario en sufrimiento mental que busca atendimiento en el ambulatorio general de adultos del Instituto de Psiquiatria da Universidade Federal do Rio de Janeiro, IPUB/UFRJ, con énfasis en la participación del trabajador social en esta recepción. Para el desarrollo de la investigación fueron estudiadas doce publicaciones científicas, entre monografías, artículos e libros que tocaban sobre las prácticas cotidianas de atendimiento y enseñanza en el ambulatorio ya mencionado. El análisis de los datos se realizó de acuerdo con los presupuestos de Análisis del Discurso y se buscó verificar las condiciones históricas y de producción de los distintos discursos, así como si estos dialogaban con las reflexiones producidas por el Movimiento de la Reforma Siquiátrica vinculados a la salud mental y el Movimiento de Reconceptualización intrínseco a la categoría del trabajo social. El periodo estudiado comprende la década de 1970, momento de surgimiento del Movimiento de la Reforma Siquiátrica y de la renovación del trabajo social hasta el año de 2014. / La presente disertación tiene por tema de estudio de los discursos sobre las formas de recepción del usuario en sufrimiento mental que busca atendimiento en el ambulatorio general de adultos del Instituto de Psiquiatria da Universidade Federal do Rio de Janeiro, IPUB/UFRJ, con énfasis en la participación del trabajador social en esta recepción. Para el desarrollo de la investigación fueron estudiadas doce publicaciones científicas, entre monografías, artículos e libros que tocaban sobre las prácticas cotidianas de atendimiento y enseñanza en el ambulatorio ya mencionado. El análisis de los datos se realizó de acuerdo con los presupuestos de Análisis del Discurso y se buscó verificar las condiciones históricas y de producción de los distintos discursos, así como si estos dialogaban con las reflexiones producidas por el Movimiento de la Reforma Siquiátrica vinculados a la salud mental y el Movimiento de Reconceptualización intrínseco a la categoría del trabajo social. El periodo estudiado comprende la década de 1970, momento de surgimiento del Movimiento de la Reforma Siquiátrica y de la renovación del trabajo social hasta el año de 2014.

Les années de dictature militaire (1973-1984) furent paradoxalement la période la plus importante dans l’histoire de la Cinémathèque Uruguayenne. En ces temps obscurs l'institution s’est forgé une réputation au niveau local et international sur la base d’un travail culturel indépendant. Malgré les circonstances répressives propres au régime, le public de la cinémathèque a montré des signes de vie publique et a participé activement à la création d'un espace symbolique de résistance. En ce sens, pendant la période de dictature, la Cinémathèque Uruguayenne va s’inscrire en tant qu’institution de médiation, comme un « nouveau » acteur culturel qui émerge dans des circonstances critiques particulières, pour assumer un rôle que ne l’avait pas été réservé jusqu'à ce moment-là. Ainsi, nous croyons que dans le contexte latino-américain des années 1960-70, le cinéma s’est transformé, suivant l’expression de Pierre Sorlin, en un « lieu de conflits » L’objectif principal de ce travail consiste donc en décrire, à travers le témoignage des abonnés qui assistaient aux séances programmées par l’institution tout au long de la période de dictature, le lieu social où se déroulait la réception. A la suite de l’approche historique des études de réception développée par la théoricienne américaine Janet Staiger, nous nous proposons de comprendre l’influence du contexte dans les formes de réception cinématographiques et de discerner les mécanismes à travers lesquels le public s’est approprié le cinéma comme un « espace de résistance culturelle », appellation que recevait la Cinémathèque à l’époque. / The years of military dictatorship (1973 – 1984) ironically turned into the most important period in the history of Uruguayan Cinematheque. Based on an independent cultural work, back in those dark times, the institution was able to consolidate a task acknowledged both locally as well as internationally. Despite the repressive circumstances of the regime, the public of the institution showed signs of a public life and actively participated in the creation of a symbolic space for the resistance. As a cultural mediation institution, the Cinematheque so appeared as a "new" actor emerging in specific critical circumstances to assume a role that it did not have in store until then. In this way, we believe that in the 70s and 80s Latin American context, cinema transformed into a “place of conflicts” (lieu de conflits), following Pierre Sorlin’s expression. The main objective of this work is to describe – through the testimony of the spectators who attended the films programmed by the institution during the dictatorship period – the social place where the reception occurred. Following the historical focus of the reception developed by American theorist Janet Staiger, we intend to understand the influence of the sociopolitical context in the ways of cinematographic reception and to discern the mechanisms whereby the public got hold of the cinema as a “cultural resistance space”, name given to Uruguayan Cinematheque back then. / Los años de dictadura militar (1973-1984) se transformaron, paradójicamente, en el período más importante de la historia de la Cinemateca Uruguaya. En base a un trabajo cultural independiente, en esos tiempos oscuros, la institución supo consolidar una tarea reconocida tanto a nivel local como a nivel internacional. A pesar de las circunstancias represivas del régimen, el público de la Cinemateca mostró signos de vida pública y participó activamente en la creación de un espacio simbólico de la resistencia. Como institución de mediación cultural, la Cinemateca apareció así como un "nuevo" actor, que emergía en circunstancias críticas específicas para asumir un papel que no tenía reservado hasta entonces. De esta manera, creemos que en el contexto latinoamericano de los años 1970 a 1980, el cine se transformó, siguiendo la expresión de Sorlin, en un "lugar de conflictos." El objetivo principal de este trabajo es describir - a través del testimonio de los socios que asistieron a las funciones programadas por la institución durante el período de dictadura - el lugar social donde se desarrollaba la recepción. Siguiendo el enfoque histórico de la recepción desarrollado por la historiadora norteamericana Janet Staiger, nos proponemos entender la influencia del contexto socio-político en las formas de recepción cinematográfica y discernir los mecanismos mediante los cuales el público se apropió del cine como un “espacio de resistencia cultural”, apelativo que recibía la Cinemateca Uruguaya en aquel momento.

The aim of this paper is to get a better understanding of the potential advantages and disadvantages of the audiovisual education in relation to the teaching and learning of Spanish as a Foreign Language in 21st century Swedish upper secondary schools. From here, we will work on establishing a clearer view of if these audio and visual presentations of school materials should remain in its current state of utilization or if it should be either increased or decreased for the completion of the vision of a more advanced comprehension, a higher motivation and higher grades among the students.           For us to be able to accomplish the main purpose of this paper, we have chosen to base our investigation on the dual-coding theory and on a collection of questionnaires to work as a quantitative research method. These research instruments were distributed to three of the largest upper secondary schools in Karlskrona, Blekinge, Sweden; where three Spanish teachers and their total of 117 students answered a total of 13 questions that later were compared and generalized to aid us throughout our task of establishing the role of the audiovisual education.           As a conclusion, the results showed clear evidence of how many of the audiovisual technologies help or overturn the comprehension, the motivation and the grades of the students. Although two of these technologies lacked in frequency of utilization, which aggravated the results, we could with ease see that technologies such as Whiteboard, PowerPoint, movies and videos should be able to improve all three of the mentioned factors for the majority of the students. In turn, this would mean that a higher utilization rate of the audiovisual technology could be beneficial for future education of Spanish as a Foreign Language.

[ES] Esta tesis es producto de un trabajo investigativo centrado en la recepción estética de la exposición Metamorfosis: ver en el tiempo, presentada en Valencia - España. La investigación busca apropiarse del mismo arte para examinar, reflexionar y cuestionar el arte contemporáneo en relación con el espectador - sus elecciones, gustos, percepciones, comportamientos e interpretaciones. Las 28 obras plásticas híbridas y performativas fueron creadas, bajo la idea de que, en la actualidad, se ha producido una ruptura de intereses y, consiguientemente, un inevitable distanciamiento entre el espectador y el arte contemporáneo. Esta investigación procura conocer las miradas y los afectos del público no especializado en arte y se propone a reflexionar acerca de los principales aspectos y conexiones existentes entre un artista anónimo, sus obras performativas y su espectador. ¿El arte actual puede ser atractivo y entretenido para el gran público? ¿Puede el artista crear obras contemporáneas más democráticas y menos excluyentes? A partir de una encuesta con los visitantes de la exposición y de un cuestionario realizado con 55 personas, se buscó verificar si el artista había logrado afectar al espectador e inducirlo a cuestionamientos y reflexiones sobre los temas, a saber: arte contemporáneo, transformaciones y tiempo. Los datos recolectados y categorizados fueron comentados a la luz del pensamiento y de la teoría de los afectos del filósofo holandés Baruch Spinoza (2016). Por medio tanto de una metodología cuantitativa como, sobre todo, cualitativa, se pudo verificar y trabajar el concepto de obras-parábola, es decir, obras que pueden ser percibidas de acuerdo con la sensibilidad y potencialidad de cada individuo, dejando trasparecer, al mismo tiempo, sus gustos, afecciones y afectos. La tesis se presenta, en fin, como una forma singular de reflexionar y pensar el arte contemporáneo, por medio de obras que se metamorfosearon durante la muestra, y su experiencia estética por parte del espectador en un momento puntual, sin pretensión de crear ningún análisis, teoría o metodología relacionada con la tríada artista-obra-espectador. / [CA] Aquesta tesi és producte d'un treball d'investigació centrat en la recepció estètica de l'exposició Metamorfosi: veure en el temps, presentada a València - Espanya. La investigació busca apropiar-se del mateix art per a examinar, reflexionar i qüestionar l'art contemporani en relació amb l'espectador - les seues eleccions, gustos, percepcions, comportaments i interpretacions. Les 28 obres plàstiques híbrides i performatives van ser creades, sota la idea que, en l'actualitat, s'ha produït una ruptura d'interessos i, consegüentment, un inevitable distanciament entre l'espectador i l'art contemporani. Aquesta investigació procura conèixer les mirades i els afectes del públic no especialitzat en art i es proposa a reflexionar sobre els principals aspectes i connexions existents entre un artista anònim, les seues obres performatives i el seu espectador. L'art actual pot ser atractiu i entretingut per al gran públic? Pot l'artista crear obres contemporànies més democràtiques i menys excloents? A partir d'una enquesta amb els visitants de l'exposició i d'un qüestionari realitzat amb 55 persones, es va buscar verificar si l'artista havia aconseguit afectar l'espectador i induir-lo a qüestiona ments i reflexions sobre els temes, a saber: art contemporani, transformacions i temps. Les dades recol·lectades i categoritzades van ser comentats a la llum del pensament i de la teoria dels afectes del filòsof holandès Baruch Spinoza (2016). Per mitjà tant d'una metodologia quantitativa com, sobretot, qualitativa, es va poder verificar i treballar el concepte d'obres-paràbola, és a dir, obres que poden ser percebudes d'acord amb la sensibilitat i potencialitat de cada individu, deixant transparentar, al mateix temps, els seus gustos, afeccions i afectes. La tesi es presenta, en fi, com una forma singular de reflexionar i pensar l'art contemporani, per mitjà d'obres que es van metamorfosar durant la mostra, i la seua experiència estètica per part de l'espectador en un moment puntual, sense pretensió de crear cap anàlisi, teoria o metodologia relacionada amb la tríade artista-obra-espectador. / [EN] This thesis is the product of an investigative work centered on the aesthetic reception of the exhibition Metamorphoses: see in time, presented in Valencia - Spain. The research seeks to appropriate the art itself to examine, reflect and question contemporary art regarding the viewer - their choices, tastes, perceptions, behaviors and interpretations.The 28 hybrid and performant plastic artworks were created under the idea that, today, there was a rupture of interests and, consequently, an inevitable distance between the viewer and contemporary art. This research seeks to know the views and affections of the public not specialized in art and aims to reflect on the main aspects and connections existing between an anonymous artist, his performant works and his viewer. Can current art be attractive and fun for the general public? Can the artist create more democratic and less exclusive contemporary works? From a survey with the visitors to the exhibition and a questionnaire carried out with 56 people, we sought to verify whether the artist managed to affect the viewer and induce him to question and reflect on the themes: contemporary art, transformations and time. The collected and categorized data were commented on in the light of the thinking and the theory of affects of the Dutch philosopher Baruch Spinoza (2016). Through a quantitative and, above all, qualitative methodology, it was possible to verify and work on the concept of works-parable, that is, works that can be perceived according to the sensitivity and potential of each individual, while showing, at the same time, their tastes, affections and fondness. Finally, the thesis presents itself as a singular way of reflecting and thinking about contemporary art, through works that metamorphosed during the show, and its aesthetic experience by the viewer in a punctual moment, without the intention of creating any analysis, theory or methodology related to the artist-work-viewer triad. / Oliveira Góes, CE. (2021). Miradas en metamorfosis: una investigación estética sobre la producción puntual de un artista anónimo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/177356 / TESIS

Sometimes the concrete form and skill of a work of art stand in a non-arbitrary or non-contingent relationship with the social circumstances of its facture. I hypothesise that this form and such skill was used by Diego Velázquez for artistically, socially and politically subversive purposes. In particular, I show how Velázquez used painting techniques to undermine the constitutional theory—or fiction—of the reigning monarch as mystically having two bodies: one ʻpublic’, sacred and immortal—even deified—, representing and incarnating the commonwealth, one ʻprivate’ and one mortal, capable of naturalist portraiture. In Hall XII at the Madrid Prado there hangs on your right as you exit a rather small bust portrait of the Iberian Habsburg monarch, Philip IV. It was painted in about 1653, during a pivotal period that saw a general climatic, economic, social, cultural, religious and political crisis and powerful intellectual developments that still characterise Western societies. The picture contains two essentially naturalistic motifs which can be seen from two different vantage points: a bust of a middle-aged man (ʻMotif I’) and, obliquely ʻat a glance’, a skull (ʻMotif II’). Both serve to subvert the constitutional fiction of the King’s Two Bodies: Motif I invites the beholder to approach closer to admire and work out the artist’s already at the time famously ʻloose’ technique, the use of manchas or borrones. The motif will then dissolve and show itself to be artifice which requires the beholder’s cooperation to make it look like the King. It suggests that the Monarchy similarly is an arti-fact that is manu-factured by artists in cooperation with the subjects. Motif II is in effect a vanitas, underlining the mortal and therefore human and transient nature of the monarch, and by implication of the monarchy itself. With the ambition of satisfying the Popperian test of hypothesis falsification, I have proceeded on the basis of the time-hallowed method of the connoisseur of looking closely at works of art in situ and, broadly understood, Wölfflin’s and Panofsky’s theoretical models, together with fundamentals of human psychology and physiology of perception and cognition, assuming an interaction of innate Gestalten and historically and culturally contingent habitus. I interpret my findings in the context of 17C Iberia, including intellectual contributions like that of Pacheco, Carducci, Castiglioni and Gracián. I rely on the rich historical literature on the period and on Philip IV and Velázquez (and their relationship). I make some comparisons between Velázquez, his fellow court-painters Hans Holbein, jr, and Anthony van Dyck, and an artist far from the courts but so close to Velázquez in technique and maybe personal convictions, Frans Hals. My hypothesis relies on three fundamental auxiliary claims—wagered against falsification—to support the claim that Velázquez was a subversive and to give the context for the subversiveness of the portrait of Philip IV: (1) Velázquez did have the practical freedom to produce this subversive royal portrait; (2) it is likely that he used that freedom for this purpose; and (3) he actively manipulated vision and visuality. I at least make likely all three claims. On the basis of Velázquez’s œuvre more generally—especially in his portraits of the marginalised—I show that he had a significant degree of freedom and that he consistently worked towards artistic, social and even political subversion (though not necessarily revolution) using his deep knowledge of vision, visuality and optics—science at the cutting edge in the 17C. As he appears to have suffered from the stain (mancha) of deficient limpieza de sangre, Velázquez’s own person and career—culminating in a knighthood—amounted in itself to social and political subversion. It is appropriate to characterise the technically resourceful Velázquez-the-painter as ingenioso. In fact, as the clever and skilled painter’s hidalguía was almost certainly proved with dissembling and falsified evidence, the mancha of his artisan antecedents—and possibly also of Jewish ancestry—makes him a true ingenioso hidalgo de la mancha. / A veces, la forma y la habilidad concretas de una obra de arte guardan una relación no arbitraria ni contingente con las circunstancias sociales de su realización. Mi hipótesis es que esa forma y esa habilidad fueron utilizadas por Diego Velázquez con fines artísticas, sociales y políticamente subversivos. En particular, muestro cómo Velázquez utilizó las técnicas pictóricas para socavar la teoría —o ficción— constitucional del monarca reinante como poseedor místico de dos cuerpos: uno «público», sagrado e inmortal —incluso divinizado—, que representa y encarna la mancomunidad, otro «privado» y mortal, susceptible de retrato naturalista.   En la sala XII del Museo del Prado de Madrid, a la salida, cuelga a la derecha un retrato de busto bastante pequeño del monarca ibérico de los Austrias, Felipe IV. Fue pintado hacia 1653, durante un periodo crucial en el que se produjo una crisis general climática, económica, social, cultural, religiosa y política, así como una poderosa evolución intelectual que aún caracteriza a las sociedades occidentales. El cuadro contiene dos motivos esencialmente naturalistas que pueden contemplarse desde dos puntos de vista diferentes: el busto de un hombre de mediana edad («Motivo I») y, de forma oblicua «en un vistazo», una calavera («Motivo II»). Ambos sirven para subvertir la ficción constitucional de los Dos Cuerpos del Rey: El Motivo I invita al espectador a acercarse para admirar y elaborar la ya entonces famosa técnica «suelta» del artista, el uso de manchas o borrones. El motivo se disolverá entonces y se mostrará como un artificio que requiere la cooperación del espectador para que se parezca al Rey. Sugiere que la Monarquía también es un arti-ficio fabri-cado por artistas en cooperación con los súbditos. El Motivo II es, en efecto, una vanitas, que subraya la naturaleza mortal y, por tanto, humana y transitoria del monarca y, por implicación, de la propia monarquía.  Con la ambición de satisfacer la prueba popperiana de falsación de hipótesis, he procedido basándome en el método consagrado por el tiempo del conocedor de observar de cerca las obras de arte in situ y, en sentido amplio, en los modelos teóricos de Wölfflin y Panofsky, junto con los fundamentos de la psicología humana y la fisiología de la percepción y la cognición, asumiendo una interacción de Gestalten innatas y habitus históricas y culturalmente contingentes. Interpreto mis hallazgos en el contexto de la Iberia del siglo XVII, incluyendo aportaciones intelectuales como las de Pacheco, Carducho, Castiglioni y Gracián. Me baso en la rica literatura histórica sobre el periodo y sobre Felipe IV y Velázquez (y su relación). Hago algunas comparaciones entre Velázquez, sus pares artistas de la corte Hans Holbein, jr, y Anthony van Dyck, y un artista alejado de la corte pero tan cercano a Velázquez en técnica y quizá en convicciones personales, Frans Hals.   Mi hipótesis se basa en tres afirmaciones auxiliares fundamentales —puestas en contra de la falsificación— para apoyar la afirmación de que Velázquez era un subversivo y para dar el contexto de la subversividad del retrato de Felipe IV: (1) Velázquez tenía la libertad práctica para producir este retrato real subversivo; (2) es probable que utilizara esa libertad para este fin; y (3) manipuló activamente la visión y la visualidad. Yo, al menos, hago probables las tres afirmaciones. Sobre la base de la obra de Velázquez en general —especialmente en sus retratos de marginados— demuestro que tenía un grado significativo de libertad y que trabajó constantemente en pro de la subversión artística, social e incluso política (aunque no necesariamente de la revolución) utilizando sus profundos conocimientos de la visión, la visualidad y la óptica, ciencia de vanguardia en el siglo XVII. Como parece haber sufrido la mancha de sangre carente de limpieza, la persona y la carrera de Velázquez —que culminó con el título de caballero— constituyeron en sí mismas una subversión social y política. Resulta apropiado calificar de ingenioso al pintor Velázquez, técnicamente ingenioso. De hecho, como la hidalguía del hábil e ingenioso pintor se probó casi con toda seguridad con pruebas disimuladas y falsificadas, la mancha de sus antecedentes artesanos —y posiblemente también de ascendencia judía— le convierte en un verdadero ingenioso hidalgo de la mancha.

Al llarg d'aquest treball, he intentat defensar la idea de que els judicis de valor que elabora la crítica de cinema espanyola estàn inscrits en tradicions culturals que deriven, la major part d'elles, de categories històrica i socialment construïdes. En aquest cas, la cinefília, en qualsevol de les seves accepcions, seria l'origen sociocultural de les tradicions cinematogràfiques de gran part de la crítica. D'ella sorgirien les idees i conceptes que fa servir la crítica sobre el que és art, cultura i cinema. D'altra banda, he desenvolupat la idea de que aquestes tradicions cinèfiles, per molt diverses que puguin ser des d'un punt de vista històric, cultural i social, es converteixen en una pràctica institucionalitzada des del moment en què es formulen a través de la crítica de cinema. Pel que fa institució, per tant, la crítica treballa per mantenir la seva posició social privilegiada com estament regulador dels discursos cinematogràfics que circulen en la societat en un moment històric determinat. La proposta d'analitzar la crítica de cinema en els anys 90 és perquè en aquesta dècada es formalitza un canvi generacional llargament incubat durant els 80. En aquest aspecte, es produeix un xoc generacional en el qual cada formació crítica, més enllà de les seves tradicions culturals i cinèfiles, treballarà per legitimar uns gustos cinematogràfics i consolidar-los com a part de la institució. En el procés, els mateixos crítics s'erigeixen en representants d'aquests gustos emetent discursos públics sobre el cinema i la cultura, jerarquitzant, fent judicis de valor i discriminant models estètics cinematogràfics i culturals. En aquest sentit, la crítica de cinema funciona com un espai de confrontació dels gustos culturals de les diferents tradicions cinèfiles, gustos que es van institucionalitzant a mesura que els discursos es legitimen social i culturalment. Aquests discursos cinematogràfics i aquests processos d'institucionalització estan sotmesos a múltiples variables socials, culturals, històriques, econòmiques, nacionals, generacionals i de gènere que els situa més enllà del camp cinematogràfic. Al llarg d'aquest treball, he intentat aprofundir en cadascun d'aquests paràmetres per a establir els orígens i significats dels discursos i pràctiques culturals que circulen al voltant del cinema. El mètode d'anàlisi que m'ha permès un acostament interdisciplinari a la cinefília i la crítica de cinema és la branca dels estudis culturals que ve de la teoria cultural i la sociologia de la cultura. / A lo largo de este trabajo, he intentado defender la idea de que los juicios de valor que elabora la crítica de cine española están inscritos en tradiciones culturales que derivan, la mayor parte de las veces, de categorías histórica y socialmente construidas. En este caso, la cinefilia, en cualquiera de sus acepciones, sería el origen sociocultural de las tradiciones cinematográficas de gran parte de la crítica. De ella surgirían las ideas y conceptos que maneja la crítica acerca de lo que es arte, cultura y cine. Por otro lado, he desarrollado la idea de que estas tradiciones cinéfilas, por muy diversas que puedan ser desde un punto de vista histórico, cultural y social, se convierten en una práctica institucionalizada desde el momento en que se formulan a través de la crítica de cine. En cuanto institución, por tanto, la crítica trabaja para mantener su posición social privilegiada como estamento regulador de los discursos cinematográficos que circulan en la sociedad en un momento histórico determinado. La propuesta de analizar la crítica de cine en los años 90 es porque en esa década se formaliza un cambio generacional largamente incubado durante los 80. En este aspecto, se produce un choque generacional en el que cada formación crítica, más allá de sus tradiciones culturales y cinéfilas, trabajará para legitimar unos gustos cinematográficos y consolidarlos como parte de la institución. En el proceso, los mismos críticos se erigen en representantes de esos gustos emitiendo discursos públicos acerca del cine y la cultura, jerarquizando, haciendo juicios de valor y discriminando modelos estéticos cinematográficos y culturales. En este sentido, la crítica de cine funciona como un espacio de confrontación de los gustos culturales de las diferentes tradiciones cinéfilas, gustos que se van institucionalizando a medida que los discursos se legitiman social y culturalmente. Estos discursos cinematográficos y estos procesos de institucionalización están sometidos a múltiples variables sociales, culturales, históricas, económicas, nacionales, generacionales y de género que los sitúa más allá del campo cinematográfico. A lo largo de este trabajo, he intentado profundizar en cada uno de estos parámetros para establecer los orígenes y significados de los discursos y prácticas culturales que circulan en torno al cine. El método de análisis que me ha permitido un acercamiento interdisciplinar a la cinefilia y la crítica de cine es la rama de los estudios culturales que viene de la teoría cultural y la sociología de la cultura. / Throughout this work I have attempted to defend the idea that value judgments produced by the Spanish film criticism are enrolled in cultural traditions that derive, most of the times, from historically and socially constructed categories. In this case, cinephilia, in any of its forms, would be the sociocultural background of the cinematic traditions of much of contemporary Spanish film critics. From it arises the ideas and concepts to handle criticism about what art, culture and film should be. Furthermore, I developed the idea that these cinéphiles traditions, however different that may be from an historical, cultural and social perspective, become an institutionalized practice from the time they are made through film criticism. As an institution, therefore, film criticism works to maintain its privileged status as a regulator estate of those cinematic discourses circulating in a society at a particular historical moment. The proposal to analyze Spanish film criticism in the 90s, is because in that decade formalizes a long-incubated generational change since 80s. In this aspect, there is a generational clash in which each critical training, beyond cultural and cinéphiles traditions, will work to legitimize and consolidate some cinematic tastes as part of the institution. In this process, critics are put forward as representatives of those tastes by issuing public statements about cinema and culture, a hierarchy, making discriminating judgments, and aesthetic models and cultural films. In this sense, film criticism works as a confrontation of cultural tastes of the different cinéphile traditions, and tastes are becoming institutionalized as legitimate social and cultural statements. These cinematographic discourses and institutionalizing processes are subject to multiple social, cultural, historical, economic, national, generational and gender variables, which puts them beyond the cinematographic field. Throughout this work I have attempted to delve into each one of these parameters in order to establish the origins and meanings of discourses and cultural practices that circulate around the cinema. The method of analysis that has allowed me to an interdisciplinary approach to cinephilia and film criticism is the branch of cultural studies that comes from cultural theory and sociology of culture.

El presente proyecto de investigación muestra el estudio realizado en una red de transporte microondas de un operador local de telecomunicaciones que aplica el uso de la polarización cruzada o también llamado polarización co-canal con el fin de verificar que existe una duplicidad del ancho de banda y por ende un mejoramiento en la red de transporte, a través del manejo de aplicación de XPIC. Para verificar el mejoramiento de un enlace, hay que considerar ciertos parámetros de radio que nos ayudaran a determinar el comportamiento del mismo, como son el nivel de XPD, nivel de RSL, Margen de desvanecimiento y disponibilidad del enlace. Dentro del estudio se está considerando los factores externos que afectan a un enlace microondas con el uso de XPIC como fallas en instalación, climas por región, obstrucciones en afectación de línea de vista, así como también estudiaremos la parte de simulación con los parámetros de radio involucrados que podrían afectar a poder duplicar la capacidad del enlace, y se mostrará un caso real para verificar el tráfico. This research project shows a study in a network of microwave complimentary local telecommunications operator that applies the use of cross polarization also called co-channel polarization in order to verify that there is a duplication of bandwidth and hence an improvement in the transport network, by managing application XPIC. To verify the improvement of a link, consider certain parameters within which we help to determine the behavior of the same, as are the level of XPD, level RSL, fade margin and link availability. Inside the studio is considering external factors affecting a microwave link using XPIC as faulty installation, climates region affectation obstructions in line of sight, the radio parameters were studied in the part that involved simulation could affect the ability to double bond, and show a real case to verify traffic.

La compagnie des Ballets russes, fondée par Diaghilev en 1911, constitue un tournant dans l’histoire de la scène occidentale. Reprenant le principe de l’œuvre d’art totale, la troupe propose des spectacles composés par des peintres, des chorégraphes et des musiciens. Leur succès est fulgurant et leur influence décisive. Cette thèse se propose d’étudier la réception des Ballets russes en Espagne. Alors que l’Europe est en guerre, la Péninsule constitue une terre d’accueil propice aux échanges. Les intellectuels du pays s’interrogent sur les possibilités de rénover la scène théâtrale et sont attentifs aux expériences qui viennent de l’étranger. Les ballets que propose la compagnie entrent en résonnance avec leurs propres préoccupations. Ils posent à la fois la question de la tradition au sein de la modernité, du national et du cosmopolitisme et s’exportent à l’étranger. Ce travail s’attache à confronter les différentes réceptions qui sont simultanément menées dans les deux capitales culturelles de l’Espagne au moment où les régionalismes s’affirment toujours plus. La présentation de l’état des lieux de la scène espagnole constitue le premier moment de cette thèse. La deuxième partie est entièrement consacrée à la première saison (1916) que la compagnie donne en Espagne ainsi qu’aux débats auxquels elle donne lieu. Les troisième et quatrième parties mettent en miroir les lectures qui sont faites à Madrid puis à Barcelone et présentent les singularités de chacune des deux capitales culturelles du pays. / The Ballets Russes company was founded by Diaghilev in 1911, and marked a turning point in the history of the Western European stage art. Taking up the Gesamtkunstwerk, the company offered shows composed by painters, choreographers and musicians. Their success was immediate and their influence was decisive. This work will examine how the Ballets Russes were received in Spain. The Spanish peninsula offered a fertile ground for exchange while Europe was at war, with the country's intellectuals wondering about how to renew the theatre scene and being receptive to foreign experiments on the matter. The ballets offered by the company reflected those concerns by addressing the question of the role of tradition within modernity as well as the concepts of nationalism and cosmopolitism while managing to find an audience abroad. This study aims at confronting the simultaneous reception of the Ballets Russes in the two cultural capitals of Spain at a time when regionalism was becoming increasingly strong. The first part will give a description of the Spanish theatre and arts scene. The second part will be entirely dedicated to the company’s first season in Spain (1916) and to the debates it raised. The third and fourth parts will deal with the way the ballets were received and understood in Madrid and Barcelona, through a presentation of the particularities of each of these two cultural capitals. / La compañía de los Ballets russes, fundada por Diaghilev en 1911, constituye un momento relevante de la historia de la escena occidental. Inspirándose del principio del Gesamtkunstwerk wagneriano, la compañía presenta espectáculos compuestos por pintores, coreógrafos y compositores. Su éxito es enorme y su influencia decisiva. Esta tesis estudia la recepción de los Ballets russes en España. Durante la Primera Guerra Mundial, la Península aparece como una tierra de acogida propicia a los intercambios. Los intelectuales españoles se interrogan sobre las posibilidades de renovar la escena teatral y están atentos a las experiencias realizadas en el extranjero. Las obras estrenadas por la compañía llaman su atención. Compaginan la tradición y la modernidad, lo nacional y el cosmopolitismo y se exportan al extranjero. Este estudio presenta una comparación entre las diferentes recepciones llevadas a cabo en las dos capitales culturales españolas en un momento en que los regionalismos se afirman cada vez más. Una presentación general de la escena español de aquel entonces constituye el primer momento de esta tesis. La segunda etapa se centra en la primera temporada rusa que la compañía presenta en España (1916) así como en los debates que surgen entonces. Las etapas 3 y 4 estudian las recepciones que tienen lugar en Madrid y en Barcelona comparando las características de cada una de las capitales culturales del país.