Tesis por compendio / [ES] Esta tesis doctoral presentada como un compendio de artículos académicos compuesta por seis artículos seleccionados, en dónde, el primer artículo titulado "La aplicación de las políticas gubernamentales para la difusión del patrimonio inmaterial: Un estudio de casos en Latinoamérica", se muestra como un antecedente de esta investigación. Los siguientes artículos aportan nuevos datos y conocimientos en función de los objetivos planteados en la investigación doctoral. Es así, que el siguiente artículo identifica las leyendas principales o más reconocidas de Latinoamérica a través de una revisión documental sistemática y el criterio de un grupo de personas con amplio conocimiento respecto al tema. El tercer artículo determina cuáles son las producciones animadas basadas en La leyenda de la Llorona creadas en Latinoamérica en la década 2010-2020, Además, compara las versiones producidas en formato serie de la leyenda la Llorona, mediante el análisis de las similitudes y diferencias de su estructura narratológica. El cuarto artículo toma dos relatos literarios y los compara a través de orientaciones metodológicas y teóricas de la narratología con la versión animada del largometraje de La Leyenda de la Llorona, para determinar similitudes y diferencias. Asimismo, analiza ciertos elementos del lenguaje cinematográfico que tienen concordancia con las obras literarias para entender que los vuelve diferentes y específicos. El siguiente artículo analiza los principios de animación utilizados en las representaciones visuales animadas de la leyenda de la Llorona para conocer la vigencia de los principios animados y su aplicación en una serie animada. El sexto artículo determina si las producciones animadas son un medio eficaz para transmitir las tradiciones orales en niños de 6 a 10 años generando interés en ellos como público objetivo. Finalmente, la leyenda de la Llorona y varias otras forman parte de la identidad cultural latinoamericana, han logrado sobrevivir a lo largo de varias generaciones y además traspasar fronteras, adaptarse y permanecer en la memoria colectiva de los latinoamericanos, que ven en ellas otro rasgo que unifica a una región tan diversa y llena de cultura. Asimismo, han tomado los nuevos medios y tecnología como una herramienta para permanecer y diseminarse en los niños y jóvenes. / [CAT] Aquesta tesi doctoral presentada com un compendi d'articles acadèmics composta per sis articles seleccionats, on el primer article titulat "L'aplicació de les polítiques governamentals per a la difusió del patrimoni immaterial: Un estudi de casos a Llatinoamèrica", es mostra com un antecedent d'aquesta investigació. Els articles següents aporten noves dades i coneixements en funció dels objectius plantejats en la investigació doctoral. És així que el següent article identifica les llegendes principals o més reconegudes de Llatinoamèrica a través d'una revisió documental sistemàtica i el criteri d'un grup de persones amb coneixement ampli respecte del tema. El tercer article determina quines són les produccions animades basades en La llegenda de la Llorona que hagin estat creades a Llatinoamèrica a la dècada 2010-2020. A més, compara les versions produïdes en format sèrie de la llegenda la Llorona, mitjançant l'anàlisi de les similituds i diferències de la seva estructura narratològica. El quart article pren dos relats literaris i els compara mitjançant orientacions metodològiques i teòriques de la narratologia amb la versió animada del llargmetratge de La Llegenda de la Llorona, per determinar similituds i diferències. Així mateix, analitza certs elements del llenguatge cinematogràfic que tenen concordança amb les obres literàries per entendre que els torna diferents i específics. El següent article analitza els principis d'animació utilitzats a les representacions visuals animades de la llegenda de la Llorona per conèixer la vigència dels principis animats i la seva aplicació en una sèrie animada. El sisè article determina si les produccions animades són un mitjà eficaç per transmetre les tradicions orals en nens de 6 a 10 anys generant-hi interès com a públic objectiu. Finalment, la llegenda de la Llorona i diverses altres formen part de la identitat cultural llatinoamericana, han aconseguit sobreviure al llarg de diverses generacions ia més traspassar fronteres, adaptar-se i romandre en la memòria col·lectiva dels llatinoamericans, que hi veuen un altre tret que unifica una regió tan diversa i plena de cultura. Així mateix, han pres els nous mitjans i tecnologia com una eina per romandre i disseminar-se en els infants i els joves. / [EN] This doctoral thesis is presented as a compendium of academic articles composed of six selected articles, where the first article entitled "The application of government policies for the dissemination of intangible heritage: A case study in Latin America", is shown as a background of this research. The following articles provide new data and knowledge according to the objectives set out in the doctoral research. Thus, the following article identifies the main or most recognized legends of Latin America through a systematic documentary review and the criteria of a group of people with extensive knowledge on the subject. The third article determines which are the animated productions based on the legend of la Llorona that have been created in Latin America in the decade 2010-2020. It also compares the versions produced in series format of the legend of la Llorona, by analyzing the similarities and differences of its narratological structure. The fourth article takes two literary stories and compares them through methodological and theoretical orientations of narratology with the animated version of the feature film La Leyenda de la Llorona, to determine similarities and differences. Likewise, it analyzes certain elements of the cinematographic language that are consistent with the literary works to understand what makes them different and specific. The next article analyzes the principles of animation used in the animated visual representations of the legend of la Llorona in order to know the validity of the animated principles and their application in an animated series. The sixth article determines whether animated productions are an effective means of transmitting oral traditions to children from 6 to 10 years of age, generating interest in them as a target audience. Finally, the legend of la Llorona and several others are part of the Latin American cultural identity, have managed to survive over several generations and also cross borders, adapt and remain in the collective memory of Latin Americans, who see in them another feature that unifies a region so diverse and full of culture. Likewise, they have taken the new media and technology as a tool to remain and spread among children and young people. / Pomaquero Yuquilema, ML. (2023). Representaciones visuales animadas de leyendas latinoamericanas. La leyenda de la Llorona [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/191963 / Compendio

Esta investigación tuvo como objetivo mostrar cómo el arte y la cultural son valores del desarrollo territorial del distrito de El Carmen, oportunidad clave para el desarrollo de la actividad turística de un distrito emblemático y territorio más representativo de la cultura afroperuana en el Perú. Entendiendo que la dinámica económica de una actividad cultural no es un ente aislado y que sus actividades están vinculadas con otras formando una suerte de cadena productiva, la investigación de carácter cualitativo analizó la cadena de valor de un espectáculo de danza en El Carmen a través del recojo de data cualitativa vía la observación de eventos, la realización de entrevistas y de talleres con la población de El Carmen, en ese sentido la investigación arrojó los siguientes hallazgos: la población reconoce el valor de su historia y tradición cultural, la danza es una de las expresiones artísticas más representativa de su cultura, y la población tiene un alto grado de involucramiento en el desarrollo de las actividades culturales. Esta es una muy buena oportunidad para, desde la perspectiva de la gerencia social, reconocer al arte y la cultura como valores propulsores del desarrollo territorial de una localidad, promoviendo el empleo digno y benéfico para las nuevas generaciones de cultores en El Carmen.

The contextual study of the oriental imports and their local imitations discovered in the Early Iron Age cemeteries at Knossos is of great importance, as it reveals the attitude of the Knossian society towards imports coming from the Near East during a period that lasted more than four centuries. Another important part of this study is a coherent analysis of the distribution of the fully published tombs and cemeteries. The main argument of this thesis is that there were different elite groups at Knossos which were in competition with each other and, for this reason, used different clusters of tombs and/or cemeteries. It is argued that the oriental imports and their close copies were used by those different elite groups in order to mark political and ideologies differences. / El estudio contextual de las importaciones orientales y sus imitaciones producidas en Creta, descubiertas en los cementerios de la Edad del Hierro temprana de Cnosós, es de gran importancia porque nos revela cómo la sociedad de Cnosós reaccionó a las importaciones procedentes de Oriente Próximo durante un período que duró más de cuatro siglos. Otra parte importante de este estudio es un análisis coherente de la distribución de las tumbas y los cementerios cuyos datos han sido publicados en su totalidad y su asociación con las importaciones. El argumento principal de esta tesis es que hubo distintos grupos de élite que competían unos con otros y por eso utilizaron tumbas y cementerios distintos. Estos grupos también utilizaron las importaciones orientales y sus imitaciones con el fin de marcar sus diferencias, políticas e ideológicas.

[EN] In the first half of the 20th century, Mexico, India and Egypt, embarked in a process of cultural self-affirmation that will live its mark in their national architecture. These three countries are placed in regions with an architectural heritage for thousands of years that, unfortunately, they have been disrespected during the Western occupation. Far from a change taking place, the blind faith in Western culture made them embrace the international style that hardly could be accepted by the lack of technical adequacy and scarcity of economic resources. Against this background, three figures emerged that are the purpose for this study: Hassan Fathy, Juan O'Gorman y Balkrishna V. Doshi. These architects present parallel lives; located obstinately against the century of the specialization and committed to acting as a guard of the local traditions. These architects will try to achieve answers to the questions of architectural identity suitable to their new nations. An identity which modernity is based on the local tradition and the technology adapted to the level of development of their countries and appropriable for their beneficiaries. The study tries to demonstrate the degree of affinity of their discourses, despite the apparent distance of their homelands. We will focus on the strategies to confront those common problems that they found in the course of their works. These strategies will form a common catalogue of architecturally applicable solutions in developing countries who try to reach the benefits of globalization without giving up their cultural roots. / [ES] En la primera mitad del siglo XX, México, India y Egipto, se embarcaron en un proceso de autoafirmación cultural que tendrá su eco en la arquitectura nacional. Se trata de tres estados asentados en regiones con una herencia arquitectónica de miles de años que, lamentablemente, había sido denostada en una lucha de poder durante la ocupación occidental. Lejos de producirse un cambio, la fe ciega en occidente les hizo abrazar un estilo internacional que a duras penas podía ser aceptado por la falta de adecuación técnica y carestía de recursos económicos. Ante este panorama, surgieron las tres figuras que son objeto de estudio: Hassan Fathy, Juan O'Gorman y Balkrishna V. Doshi. Estos arquitectos presentan vidas paralelas; ubicadas tercamente a contracorriente en el siglo de la especialización y empeñadas en actuar como centinelas de las tradiciones locales. Los tres arquitectos tratarán de lograr respuestas a las cuestiones de identidad arquitectónica dentro de sus naciones embrionarias. Una identidad cuya modernidad se base en la tradición local y la tecnología apropiada al nivel de desarrollo de sus países natales y apropiable por sus beneficiarios. El estudio pretende demostrar el grado de afinidad de sus discursos, pese a la lejanía aparente de sus países de origen. Se incidirá sobre sus estrategias para afrontar aquellos problemas comunes que se encontraron en el ejercicio de su profesión. Estas estrategias configurarán un catálogo común de soluciones arquitectónicas aplicables en países en vías de desarrollo que pretendan alcanzar los beneficios de la globalización sin renunciar a sus orígenes. / [CA] En la primera meitat del segle XX, Mèxic, Índia i Egipte, es van embarcar en un procés d'autoafirmació cultural que tindrà el seu ressò en l'arquitectura nacional. Es tracta de tres estats assentats en regions amb una herència arquitectònica de milers d'anys que, lamentablement, havia estat injuriada en una lluita de poder durant l'ocupació occidental. Lluny de produir-se un canvi, la fe cega en occident els va fer abraçar un estil internacional que amb prou feines podia ser acceptat per la falta d'adequació tècnica i carestia de recursos econòmics. Davant aquest panorama, van sorgir les tres figures que són objecte d'estudi: Hassan Fathy, Juan O'Gorman i Balkrishna V. Doshi. Aquests arquitectes presenten vides paral·leles; situades tossudament a contracorrent al segle de l'especialització i obstinades a actuar com a sentinelles de les tradicions locals. Els tres arquitectes tractaran d'aconseguir respostes a les qüestions d'identitat arquitectònica dins de les seves nacions embrionàries. Una identitat moderna basada en la tradició local i la tecnologia apropiada al nivell de desenvolupament dels seus països natals i apropiable pels seus beneficiaris. L'estudi pretén demostrar el grau d'afinitat dels seus discursos, malgrat la llunyania aparent dels seus països d'origen. S'incidirà sobre les seves estratègies per afrontar aquells problemes comuns que es van trobar en l'exercici de la seva professió. Aquestes estratègies configuraran un catàleg comú de solucions arquitectòniques aplicables en països en vies de desenvolupament que pretenguin aconseguir els beneficis de la globalització sense renunciar als seus orígens. / Artola Dols, S. (2015). VIDAS PARALELAS: HASSAN FATHY, JUAN O'GORMAN Y BALKRISHNA DOSHI. Paralelismos y divergencias a través de sus obras y teorías sobre arquitectura en el contexto postcolonial [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59435

El propósito de nuestra investigación es analizar la imagen del París surrealista para luego ver su posterior recepción y variación por parte de Julio Cortázar en Rayuela. Los criterios analíticos de nuestra investigación constan en la importancia de la promenade y la visión en la construcción de la imagen de la ciudad a manera de espacio interior. Para comprender los orígenes e inserción en la tradición por parte de los surrealistas, fue necesario establecer los orígenes de las poéticas urbanas de la ciudad de París a finales del siglo XVIII, comprender el auge de París como tema literario a mediados del siglo XIX, analizar la importancia de la tradición noctámbula y la incidencia de Baudelaire en el París moderno para situar a los surrealistas en su manera de comprender la ciudad como un espacio psíquico e interior. Por último, comprenderemos los distintos elementos surrealistas de la construcción de París en Rayuela de Cortázar gracias a los textos escritos durante su período de interés surrealista (1947-1949) y su posterior variación en Rayuela. / The purpose of our investigation is to analyze the image of Paris forged in four Surrealist texts published between 1926-1928 in order to understand the Surrealist elements that allowed Julio Cortázar to forge his own image of the city in the novel Rayuela. Our analytical criteria are the importance of the regard and the promenade in the construction of the city as an interior and personal space. To understand the importance of the Surrealist production, it was necessary to visit the origins of Paris as a literary text in the late eitheenth century, the importance of the tradition noctámbule in the XIXth century, the incidences of Baudelaire's work regarding the modern Paris and the change of century that allowed the Surrealist movement to understand the city as an interior and psychic space. Through the establishment of certain criteria and images, we analyzed Paris in Cortázar's novel Rayuela as a Surrealist product, even if Cortázar himself never felt as as a Surrealist writer.

[EN] This PhD in Fine Arts is the introduction to a Yantric Theory of Drawing as a result of researching plastic forms from the universal principles present in perceptive reality. Based on the yantra as an active element in the drawing of a integral mandalic vision, Drawing re-presents a vision of the world based on aesthetic distance, in which the sum and multiplication of all the parts is contemplated from one point of view, a naked eye. This perspective is transdimensional, whereby co-creative man is capable of making his own vision real, enjoying the aesthetic experience through the practice of Art. Art is the fifth element in which contact with Beauty takes place in a disinterested way. This thesis in its Form and Consciousness explores the fundaments of these aesthetic formulations through its most yogic roots in India. We will add a metaphor to such aesthetic formulations and explain them through the voice of the artist, in which the process of transmutation of the matter, the transformation of the Nature into Art takes place. The shilpi yogi is the inspiration and aspiration of the being which indwells the imagery artist who develops images of himself, the imprints of personal consciousness transcended through transpersonal art forms. Its being, its Presence, can be modulated through plasticity, from the purest abstraction to the finest figurative art. This thesis represents a plastic voyage to the very heart of India, in which an artist and a sadhu go hand in hand as a symbolic encounter between indosophy and the sublime plastic representative of the tragedy of duality, sunk in life under the weight of chiaroscuro. Light is the Great Symbolic Metaphor and the primordial object of the mystery of Science. The space of the heart is the fifth plastic element on which we base our Yantric Theory of Drawing. We use this to reintegrate the coherence of Art from all times and places, reinterpreting it from an optimistic historical standpoint. Drawing gives us the power to make this real (maya-magic), through the yantric vision. This thesis is the foundational preface to a way to make real the dream of the imagined, a function which Art, the original inoculant, has had throughout history. Such a possibility of form-function-power is endorsed by the most ancient foundations of civilization: the great symbolic potential which was crystalised in Man, the complex system of ancient times which doesn't respond to limits, but rather to constellations, the tantra, inspiration and aspiration of quantic meta-physics. / [ES] Esta tesis doctoral en Bellas Artes es la introducción de una Teoría Yántrica del Dibujo como resultado de una investigación de la forma plástica desde principios universales presentes en la realidad perceptiva. Basada en el yantra como elemento activo dibujístico de una visión mandálica integral, el Dibujo viene a re-presentar una visión del mundo basada en la distancia estética, en la que la suma y multiplicación de todas las partes es contemplada desde un punto de vista y un ojo genuino, transdimensional, en el que el hombre co-creativo es capaz de realizar su propia visión y disfrutar de la experiencia estética a través de la práctica del Arte. El Arte es el quinto elemento en el que el contacto con la Belleza de modo desinteresado tiene lugar. Esta tesis, como Forma y Consciencia explora los fundamentos de estas formulaciones estéticas, a través de sus raíces más yóguicas, en India. A tales formulaciones estéticas les añadimos una metáfora y las explicamos a través de la voz del artista, en el que se da el proceso de transmutación de la materia, la transformación de la Naturaleza en Arte. El silpi yogui es la inspiración y aspiración del ser que habita en el artista imaginero, quien desarrolla sus propias imágenes o la huella de la consciencia personal que se supera a sí misma a través de la plástica de lo trans-personal. Su ser, solo Presencia, se deja modular en el vehículo plástico desde la más pura abstracción a la más fina figuración. Esta tesis representa un viaje plástico al corazón de la India, en el que van de la mano una artista y un sadhu como encuentro simbólico de la indosofía y el sublime representante plástico de la tragedia de la dualidad, sumido en la vida y el peso del claroscuro. La Luz es la Gran Metáfora simbólica y el objeto de misterio primordial de la Ciencia. El espacio del corazón es el quinto elemento plástico en el que se basa nuestra Teoría Yántrica del Dibujo para reintegrar la coherencia del Arte de todos los tiempos y lugares, desde un punto de vista histórico optimista que está en nuestras manos hacer real (magia-maya), a través de la visión yántrica para el Arte, a que da pie el Dibujo. Esta tesis es el prolegómeno fundacional de una vía de hacer real el sueño de lo imaginado, como ha venido haciendo el Arte como inóculo original a lo largo de la Historia. Tal posibilidad de forma-función-poder está avalada por los más antiguos fundamentos de la civilización, el gran potencial simbólico que fue posible cristalizar en el Hombre, el sistema complejo de la antigüedad que no responde a límites, sino a constelaciones, el tantra, inspiración y aspiración de la meta-física cuántica. CLARA M. SEVILLA SEGUÍ / [CA] Aquesta tesi doctoral en Belles Arts és la introducció d'una Teoria Iàntrica del Dibuix com a resultat d'una investigació de la forma plàstica des de principis universals presents en la realitat perceptiva. Basada en el iantra com a element actiu del dibuix d'una visió integral del mandala, el Dibuix vindria a re-presentar una visió del món basada en la distància estètica, en què la suma i multiplicació de totes les parts és contemplada des d'un punt de vista i un ull genuí, "transdimensional", en què l'home co-creatiu és capaç de realitzar la pròpia visió i gaudir de l'experiència estètica a través de la pràctica de l'Art. L'Art és el cinquè element en què el contacte amb la Bellesa hi té lloc de forma desinteressada. Aquesta tesi, en tant que Forma i Consciència, explora els fonaments d'aquestes formulacions estètiques mitjançant unes arrels basades en sistema del ioga, pel que fa a l'Índia. A aitals formulacions estètiques els afegim una metàfora, i les expliquem per mitjà de la veu de l'artista, l'individu en qui es produeix el procés de transmutació de la matèria, la transformació de la Natura en Art. El silpi iogui és la inspiració i aspiració de l'ésser que habita en l'artista imaginer, qui desenvolupa les seves pròpies imatges o l'empremta de la consciència personal que se supera a si mateixa a través de la pràctica d'allò trans-personal. El seu ésser, tan sols Presència, es deixa modular en el vehicle plàstic des de la més pura abstracció fins a la figuració més fina. Aquesta tesi representa un viatge plàstic al cor de l'Índia, en què una artista i un sadhu, plegats, conflueixen de manera simbòlica en la indosofia i el sublim representant plàstic de la tragèdia de la dualitat, immers en la vida i el pes del clarobscur. La Llum és la Gran Metàfora simbòlica i l'objecte primordial de la ciència. L'espai del cor és el cinquè element plàstic en què es basa la nostra Teoria Iàntrica del Dibuix, el propòsit del qual consisteix a reintegrar la coherència de l'Art de tots els temps i llocs, des d'un punt de vista històric i optimista, que tenim a les nostres mans convertir en real (màgia-maia) a través de la visió iàntrica per a l'Art, a què dóna peu el Dibuix. Aquesta tesi és el prolegomen fundacional d'una via per tal de materialitzar el somni respecte d'allò imaginat, com ha vingut fent l'Art com a inòcul originari al llarg de la Història. Aquesta possibilitat de forma-funció-poder és avalada pels més antics fonaments de la civilització, el gran potencial simbòlic que fou possible cristal·litzar en la figura de l'Home, el sistema complex de l'antiguitat que no respon a límits, sinó a constel·lacions, el tantra: inspiració i aspiració de la meta-física quàntica. / Sevilla Seguí, CM. (2016). Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63259

Der Artikel stellt eine der allerersten Beiträge von Alfonso de Toro zu Postmoderne und zum Postkolonialismus in den romanischen Studien sowie den ersten Beitrag zum Postkolonialismus und zu Postmoderne in Beziehung zum Werk von Jorge Luis Borges dar. Hier wird eine grundlegende und wegweisende Auseinandersetzung mit der postmodernen und postkolonialen Theorie und Praxis, die die Sprache, Terminologie, die zeitlich-historische Entwicklung, die Eingrenzung der Theorien sowie die Verschränkung beider Gebiete erfasst und in die Einführung der Konzepte ‚Postmodernität‘ und ‚Postkolonialität‘ einmündet. Als Basis für ein neues Verständnis von ‚Postkolonialität‘ dient das Essay von Borges, „Der argentinische Schriftsteller und die Tradition“ (1955) und für die neue Auffassung von ‚Postmodernität‘ greift de Toro v.a. auf die französische postmoderne bzw. poststrukturale Philosophen wie Foucault, Derrida, Deleuze/Guattari, Lyotard, Baudrillard, aber auch auf Vattimo und auf Borges Erzählungen, u.a. wie „El Aleph“, „Tlön, Uqbar, Tertius Orbis', Pierre Menard Autor von Don Quichotte'. / This article represents one of the very first contributions by Alfonso de Toro to Postmodernism and Postcolonialism in Romance studies, as well as the first contribution to postcolonialism and postmodernism in relation to the work of Jorge Luis Borges. Here is a fundamental and pioneering examination of postmodern and postcolonial theory and practice, covering language, terminology, temporal-historical development, the delimitation of theories, and the intertwining of the two fields, culminating in the introduction of the concepts of ‘Postmodernity’ and ‘Postcoloniality’. Borges’ essay “The Argentinian Writer and the Tradition” (1955) serves as the basis for a new understanding of ‘Postcoloniality’. For a new conception of ‘Postmodernity’, de Toro draws primarily on French post-modern or post-structural philosophers such as Foucault, Derrida, Deleuze/Guattari, Lyotard, Baudrillard, but also on Vattimo and on Borges’ narrations, such as “El Aleph”, “Tlön, Uqbar, Tertius Orbis”, “Pierre Menard author of Don Quixote”. / Este artículo representa una de las primeras aportaciones de Alfonso de Toro al postmodernismo y al poscolonialismo en los Estudios Romances, así como la primera contribución al poscolonialismo y al posmodernismo en relación con la obra de Jorge Luis Borges. Aquí, un examen fundamental y pionero de la teoría y la práctica posmodernas y poscoloniales que recoge el lenguaje, la terminología, el desarrollo temporal-histórico, la delimitación de las teorías, así como el entrelazamiento de ambos campos, culmina con la introducción de los conceptos de ‘posmodernidad’ y ‘poscolonialidad’. El ensayo de Borges “El escritor argentino y la tradición” (1955) sirve de base para una nueva comprensión de la “poscolonialidad”. Para una nueva concepción de la ‘posmodernidad’, de Toro se basa principalmente en filósofos franceses posmodernos o posestructurales como Foucault, Derrida, Deleuze/Guattari, Lyotard, Baudrillard, pero también en Vattimo y en los cuentos de Borges, como “El Aleph”, “Tlön, Uqbar, Tertius Orbis”, “Pierre Menard autor del Quijote”.

L’étude présente l’histoire de la classe du participe à travers un corpus de grammaires del’espagnol, du français, de l’italien et du portugais parues entre le XVe et le XVIIIe siècle.La démarche comparative s’appuie sur le principe méthodologique de la mise en série d’une centaine d’ouvrages regroupés et confrontés selon des paramètres variables : la chronologie, le thème ou la tradition grammaticale de la langue-objet.La première partie aborde la question de la catégorisation en linguistique et s’interroge sur la nature des formes non finies du verbe, tout particulièrement du participe et de son emploi dans les formes verbales analytiques. La deuxième partie traite de l’histoire du participe sous un angle général. Ainsi, après avoir donné un aperçu des aspects problématiques qui intéressent les grammairiens grecs et latins, l’analyse se centre sur le traitement de la classe dans les grammaires des langues romanes. La troisième partie s’attache à étudier les approches et les concepts dont se servent les grammairiens de la Renaissance pour traiter les temps composés ainsi que la façon dont ils décrivent et (re)catégorisent les formes participiales de ces temps verbaux. / The study investigates the history of the word-class of participle through a close study of a corpus of French, Spanish, Portuguese and Italian grammars which were published between the 15th and 18th centuries. The comparative approach is based on the methodological principle of “series of texts”, by grouping and collating a hundred works according to several variable parameters: the chronology, the theme or the grammatical tradition of the language in question.The first part of the study deals with the linguistic categorization and questions the nature of the non-finite verbal forms, especially the participle and its use in an analytical verbal form. The second part deals with the history of the participle from a more general point of view. Thus, after an overview of the problematic aspects of Greek and Latin grammarians, the analysis focuses on the treatment of the word-class in the grammars of the Romance languages. The third part focuses on the approaches and concepts used by the Renaissance grammarians to deal with compound tenses and on how they described and (re)-categorized the participle forms of these verbal tenses. / El estudio presenta la historia de la clase del participio a través de un corpus de gramáticas de español, francés, italiano y portugués publicadas entre los siglos XV y XVIII. El enfoque comparativo se basa en el principio metodológico de la constitución de series textuales, que nos permite agrupar y cotejar un centenar de textos en función de parámetros variables: la cronología, el tema o la tradición gramatical de la lengua objeto.La primera parte aborda el asunto de la categorización en lingüística e indaga la naturaleza de las formas no finitas del verbo, especialmente la del participio y su utilización en las formas analíticas del verbo. La segunda parte propone una aproximacióna la historia del participio desde una perspectiva más general. Así pues, tras una cala en los aspectos problemáticos relacionados con el participio tratados por los gramáticos griegos y latinos, el análisis se centra en el tratamiento de la clase en las gramáticas de las lenguas romances. La tercera parte investiga sobre los enfoques y los conceptos que emplean los gramáticos del Renacimiento para tratar los tiempos compuestos, y sobre el modo en que describen y (re)categorizan las formas participiales de esos tiempos verbales.