Notas sobre o deserto: extensão e transbordamento como articuladores espaço-temporais é uma refl exão que trata de uma pesquisa em poéticas visuais, investigando principalmente alguns trabalhos realizados a partir de 2011, nas linguagens de vídeo, performance, objeto, fotografi a e instalação. Esta tese articula-se a partir da percepção de um contexto que se coloca diante das escolhas plásticas, em aspectos recorrentes que ressignifi cam o corpo e a casa, principalmente a partir do que é estabelecido como limite ou apropriado. Três autores são fundamentais para este trabalho, criando situações de diálogo e espelhamento. Vitor Ramil e a percepção de uma paisagem que permite a experiência do vazio, bem como aspectos de impregnação revelados quase sempre por uma atmosfera úmida, onde os contornos podem ser desfeitos. Samuel Beckett e um sujeito que se apresenta também enquanto coisa, aguçando a compreensão de aspectos estruturais do corpo, suas atividades ou imobilidades. E ainda, Nuno Ramos, em sua abundância plástica, redefi nindo o tempo todo a materialidade do mundo a partir de sua produção literária e visual. O texto foi escrito e organizado tendo como base os próprios trabalhos, que defi niram em seu número a quantidade de Notas (textos curtos ao invés de capítulos) a serem discutidas. Estes pensadores aparecem nas Notas brevemente e entrecortando-as enquanto Recuos, como textos um pouco maiores, que amparam a refl exão aqui construída. As Notas e os Recuos foram propostos como textos articuláveis que, apesar da ordenação indicada pelo sumário, podem ser remanejados em sua individualidade. / Notes on the desert: extension and overfl ow as spatiotemporal articulators is a refl ection upon a visual poetics research, mainly investigating some works done starting on 2011, concerning the video, performance, object, photography and installation languages. This thesis is structured from the perception of a context that is placed on the plastic choices, on recurring aspects that resignify the body and the house, mainly over what’s stablished as a limit or appropriate. Three authors are critic to this work, creating dialog and mirroring situations. Vitor Ramil and the perception of a ladscape that allows the experience of emptiness, as well as aspects of impregnation revealed almost always from a moist atmosphere, where the contours can be undone. Samuel Beckett and a man who presents himself also as a thing, sharpening the understanding of structural aspects of the body, its activities or imobilities. And yet, Nuno Ramos, in its plastic abundancy, resetting the whole time the materiality of the world from his literary and visual production. The text was written and organized based on the works that defi ned the amount of Notes (short texts instead of chapters) to be discussed. These thinkers appear in Notes briefl y and also intersected as Setbacks, slightly larger texts which give support to the refl ection built here. The Notes and Setbacks have been proposed as articulated texts that, despite its indicated order in the summary, can be relocated in their individuality.

ARQUIVO 2.0 – des_memórias fotográficas é uma pesquisa na linha de Poéticas Visuais que trata do conceito de latência a partir de arquivos fotográficos disponíveis on-line. Abordando processos de criação que investigam a imagem e seus desdobramentos em meios, procedimentos e tecnologias, explorase relações entre palavras e fotos, a partir de duas séries: DELETE.use e RASTER. Em DELETE.use (2013-2015), a latência é investigada através da supressão da figura humana em clássicos da fotografia, procurando ressignificações para imagens de vários gêneros. Já em RASTER (2012-2016), a latência é analisada através de interferências sobre os códigos estruturais de arquivos fotográficos digitais. Nas duas séries, procurou-se criar estratégias para manipular, expor e compartilhar fotografias notórias, observando questões relacionadas com apropriação e coautorias, processos artísticos colaborativos, tradução e deslocamento de sentidos para arquivos fotográficos digitais, que culminaram na formulação do conceito de des_memória, como um estado poético e transitório, que influi nos modos de ver e falar sobre fotografia como um bem cultural. / ARCHIVE 2.0 - photographic des_memórias is a research in Visual Poetics line dealing with the concept of latency, from photographic archives available online. Addressing creation processes that investigate the image and its developments in media, procedures and technologies, explores relationships between words and photos, from two series: DELETE.use and RASTER In DELETE.use (2013-2015), the concept of latency is investigated by eliminating the human figure in photography classics, looking reinterpretation of images of various genres. Already RASTER (2012-2016), latency is analyzed by interference on the structural codes of digital photo files. In both series, we tried to create strategies to manipulate, display and share notorious photographs, observing issues related to ownership and coauthorships, collaborative artistic processes, translation and displacement directions for digital photo archives, which culminated in the formulation of the concept of des_memory as a poetic and transient state, that influence the ways of seeing and talking about photograph as a cultural asset.

O presente trabalho busca conhecer os efeitos de sentido produzidos na interação da tutoria a distância com os discentes, no ambiente virtual de aprendizagem – AVA, através dos fóruns, do curso de Licenciatura em Artes Visuais – EaD, oferecido pela Rede Gaúcha de Ensino Superior a Distância – Regesd. Trata-se de uma pesquisa de cunho qualitativo, com análise textual dos discursos produzidos nos diálogos entre o tutor e os discentes, adotando como aporte teórico e metodológico os regimes de interação e sentido da sociossemiótica (LANDOWSKI). Por tratar do papel da tutoria nesse curso, apresenta o modelo pedagógico em que o tutor esteve inserido. A pesquisa possibilitou destacar competências de interação na linguagem escrita importantes aos tutores no exercício do seu trabalho. E, nesse contexto, ressalta as implicações que problematizam a categoria profissional do professor que atua como tutor. Nos discursos selecionados e analisados dos fóruns buscou-se compreender os mecanismos de produção de sentido na prática das interações através da mediação digital. Ao identificar tais discursos com os regimes de interação por programação, ajustamentos sensíveis, acidentes ou manipulação, depreende-se que o tutor pode (re)configurar suas práticas de acordo com o perfil dos sujeitos. O regime da manipulação apareceu com maior frequência, evidenciado na ação do destinador de instigar o destinatário a querer ou dever fazer algo que resultasse em troca de valores para ele. Contudo, o princípio de sensibilidade no qual se baseia o regime do ajustamento mostrou-se necessário e importante. Algumas conclusões deste estudo apontam que os modos de interação entre os tutores e os discentes fazem com que estes se sintam motivados e pode resultar em ganho na qualidade do seu ensino e aprendizagem no processo educativo a distância. / Este estudio busca conocer los efectos de sentido producidos en la interacción de la tutoría en línea con los estudiantes, en el Ambiente Virtual de Aprendizaje - AVA, a través de foros, del curso de Licenciatura en Artes Visuales – Ead, ofrecido por la Red Gaucha de Educación Superior en Distancia - Regesd. Se trata de una investigación cualitativa, con el análisis textual de los discursos producidos en los diálogos entre el tutor y los estudiantes, adoptando como aportación teórica y metodológica los régimenes de interacción y sentido de la sociossemiótica (LANDOWSKI). Al tratar del papel de la tutoría en este curso, presenta el modelo pedagógico en el que se insertó el tutor. La investigación permitió señalar las habilidades de interacción en el lenguaje escrito que son importantes a los tutores en el desempeño de su trabajo. Y, en este contexto, pone de relieve las implicaciones las cuales generan problematización de la categoría profesional del profesor que actúa como tutor. En los discursos seleccionados y analizados de los foros se trató de comprender los mecanismos de producción de sentido en la práctica de las interacciones por medio de la mediación digital. Mediante la identificación de tales discursos con los regímenes de interacción por programación, ajustamientos sensibles, accidentes o manipulación, se infiere que el profesor puede (re)confirgurar sus prácticas de acuerdo con el perfil de los sujetos.El sistema de manipulación apareció con más frecuencia, señalado en la acción del destinador de provocar el receptor para querer o deber hacer algo que genere valores de cambio a lo mismo. Sin embargo, el principio de sensibilidad en el que se basa el régimene del ajustamiento se ha demostrado necesario y importante. Algunas de las conclusiones de este estudio indican que los modos de interacción entre los tutores y los estudiantes hacen que éstos se sientan motivados y puede resultar en incremento en la calidad de su enseñanza y aprendizaje en el proceso educativo en línea.

O presente trabalho abre-se para um debate que coloca em evidência os desdobramentos da interação entre a pixação e o campo da arte. A pesquisa procura compreender como a pixação – ao usufruir da estrutura deste campo – pode levar à reflexões sobre as práticas artísticas que ocorrem a partir de uma perspectiva variável, talvez momentânea, ou mesmo de uma zona de interstício. Esta interação é abordada em três momentos: o primeiro concentra-se nos ataques de 2008 que tiveram como alvo o Centro Universitário Belas Artes, a Galeria Choque Cultural e a 28ª Bienal de São Paulo; o segundo foca a participação dos pixadores Rafael Augustaitiz e Cripta Djan em duas bienais (29ª Bienal de São Paulo e 7ª Bienal de Berlim); o terceiro se volta a uma reflexão reinserida no contexto cultural urbano da pixação pós 2008. Como ferramentas analíticas e reflexivas, consideraram-se conceitos como o da estética da iminência de Néstor García Canclini, bem como muitas noções que se inserem na discussão sobre a complexidade cultural latino-americana. Adotam-se conceitos relativos a produção simbólica dentro das chamadas culturas urbanas para aprofundar a reflexão sobre o uso social do espaço urbano, as práticas discursivas da arte assim como o discurso poético-político da pixação. / This work presents the possibility of opening a debate that highlights the unfolding matters concerning the interaction between the pixação and the field of art. The research seeks to understand how the pixação – through it’s usage of this field structure – can lead to reflections on artistic practices that occur from a variable perspective, perhaps momentary, or even in that interstice zone. This interaction was approached considering three moments: the first one focuses on the 2008 attacks that targeted the Centro Universitário Belas Artes, the Choque Cultural Gallery and the 28th São Paulo Biennial; the second one focuses on the participation of the pixadores Rafael Augustaitiz e Cripta Djan in two biennials (29th São Paulo Biennial and 7th Berlin Biennial); the third one is a reflection reinserted in the urban cultural context of post-2008 pixação. As analytical and reflexive tools, concepts like the aesthetics of the imminence developed by Néstor García Canclini were considered, as well as many notions that are inserted in a discussion about the complex cultural aspects of Latin America. Concepts related to symbolic production within the so-called urban cultures were adopted to deepen the reflection on the social use of urban space, the discursive practices of art as well as the poetic-political discourse of pixação.

A tese apresenta a problematização de políticas da arte na licenciatura em artes visuais indagando sobre como certos modos de operar com a arte nesse curso produzem efeitos sobre os professores em formação. Efeitos como a demarcação de lugares, modos de ser ou certas concessões em relação às artes visuais são analisados, tendo em vista a docência para a educação básica. Utilizaram-se metodologias artísticas de investigação, adotando-se como procedimento as residências em duas universidades públicas brasileiras onde existem cursos de licenciatura em artes visuais e experiências artísticas com fotografia, escrita e intervenções em folhas de papel almaço, consideradas como um elemento característico de situações de educação. A metodologia também assumiu uma perspectiva teórica desenvolvida com o estímulo foucaultiano em articulações ao pensamento de Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Georges Didi-Huberman, Carlos Skliar, Jorge Larrosa, Jan Masschelein e Maarten Simons, entre outros, permitindo conexões entre a filosofia, a arte e a educação. Na constituição discursiva da licenciatura em artes visuais, foi possível identificar vínculos entre uma estrutura política e uma prática moral implementadas por uma economia da arte. Observou-se que a formação docente assume o discurso do campo artístico, considerando-o como o princípio a ser adotado pelos professores, o que produz diferentes lugares e modos de ser dos licenciandos em relação à arte. A partir daí foi possível descrever as principais bases componentes da formação docente, a base estética e a base criadora, que atendem à estrutura teórica e poética da arte Quando tais bases são conectadas à educação, contribuem à ênfase no sujeito e aliam-se a promessas de liberdade e progresso. Em consonância à atitude adotada desde a composição da metodologia da pesquisa, propõe-se a inserção de uma base política na licenciatura em artes visuais como a possibilidade de perturbar as operações com a arte atribuídas à formação docente e à educação escolar. Como atitude, a política daria condições de realizar as indagações necessárias à arte e à educação indo além da reafirmação das experiências do artista e do espectador, da autonomia da arte e do viés biográfico que atravessa a constituição desse campo. Essas operações, no curso de licenciatura, mantêm o tom metafísico da experiência e do conhecimento artístico e fazem germinar sobre a docência o exame moral esvaziador do agir político necessário à arte e à educação. A atitude política de eliminar as distâncias e redistribuir os lugares de experiência com a arte na licenciatura em artes visuais pode produzir existências artísticas nascentes em lugar de modos de ser delineados por outros. Como contribuição, aponta-se que profanar o que tornou-se sagrado e afastado do uso comum, como certos modos de ser, posses e direitos sobre a arte, pode dispo-la ao uso livre na escola. / This thesis presents the problematization of the politics of art int the graduation on Visual Arts inquiring how certain ways of operating with the arts in this course affect the teachers under training. Effects as the mapping of the places, ways of being or certain concessions in relation to the training to the Visual Arts are analyzed, having in sight the teaching in basic education. Artistic methodologies of investigation were used: residences at two Brazilian public universities where there are undergraduate courses in Visual Arts; and artistic experiences such as photography, writing and interventions on lined sheets of paper, which are considered a typical element of learning situations. The methodology also assumed a theorical perspective developed with the Foucaultian stimuli in articulation with the thought of Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Georges Didi-Huberman, Carlos Skliar, Jorge Larrosa, Jan Masschelein and Maarten Simons, among many, allowing connections among Philosophy, Arts and Education. In the discursive constituion of undergraduation in Visual Arts, it was possible to identify links between a political structure and a moral practice implemented by an economy of the art. It was observed that the teaching training assumes a discourse at the aisthetic field, considering it the principle to be adopted by teachers, which produces different places and ways of being on the undergraduates in relation to art. From this on it was possible to describe the main component basis of the teaching training, the esthetical basis and the creative basis which attend the thoeorical and poetic structure of the arts When those are connected to education, they contribute to the emphasis on the subject and are allied to promises of freedom and progress. In accordance to the attitude adopted since the composition of the methodology of research, it is proposed the insertion of a political basis at the undergraduation course of Visual Arts as a possibility to disturb the operation with art attributed to teacher training and to school education. As an attitude, the politics would give conditions to realize the necessary questioning to the art and to education, going beyond the reaffirmation of the artist experiences and the expectator, the authonomy of the arts and the biographical bias which goes through the constitution of this field. These operations, in the course of undergraduation, maintain the metaphysical tone of the artistic experience and knowledge and make germinate over the teaching the emptying moral scrutiny of the political acting to Arts and Education. The political attitude to eliminate distances and redistribute the places of experiences with art at the undergraduation course of Visual Arts may produce artistic rising existences instead of ways deliniated by others. As contribution, we poit out that to profanate what became holy and distant from the common use, as certain ways of being, possessions and rights over the art, may dispose it to the free use of the school.

Esta tese trata das potencialidades subjetivas de gênero pulsantes no diálogo entre os feminismos e as artes visuais. Partindo da constatação de que o campo da educação tem trabalhado a imagem quase singularmente como instrumento de uma vontade de saber que educa normativamente os corpos, esta tese é, sobretudo, uma aposta teórico-metodológica sobre uma outra forma de nos relacionarmos com as imagens, qual seja: pensar a relação com a imagem como um lócus fértil a uma educação ética do olhar. Com efeito, e fundamentado em Michel Foucault, Georges Didi-Huberman e Judith Butler, objetivamos, com este estudo, problematizar como algumas práticas artísticas contemporâneas colocam em questão, na e pela relação do olhar, as formas como, hoje, o gênero é percebido, vivido e pensado dentro de uma onto-epistemologia normativa do humano. Para tanto, as proposições lançadas neste trabalho são desenvolvidas a partir da análise de três artistas contemporâneas – Yasumasa Morimura, Maria Lídia Magliani e Judy Chicago –, pois, como argumentamos, reverberam, em seu conjunto, como os feminismos nos convocam a transformarmos e criarmos eticamente nossas subjetividades. / This thesis covers the potential of the dialogue between feminisms and the visual arts to gender subjectivities. During the development of this study, we have been observing that the field of Education has worked with image almost singularly as an instrument of a will to knowledge that normatively educates the bodies; otherwise, this thesis proposes to think the image as a fertile locus to an ethical education of the eye. Based on Michel Foucault, Georges Didi-Huberman and Judith Butler, we aim to problematize how some contemporary artistic practices call into question the ways in which gender is understood, lived and thought within a normative ontoepistemology of the human. For that, the ideas launched in this work are established on the analysis of three contemporary artists - Yasumasa Morimura, Maria Lídia Magliani and Judy Chicago -, because we believe that feminisms call us to transform and create ethically our subjectivities.

A presente pesquisa tem como objeto de estudo a produção artística intitulada Convescotes, série de foto-eventos realizados em espaços ao ar livre, tendo a fotografia como seu modo de apresentação. Assim, a série de fotografias envolve a proposição de eventos comensais para ter como retorno uma imagem desse espaço de tempo compartilhado. Para tal feita, a pintura de Claude Monet Le déjeuner sur l´herbe apresenta-se como a grande referência e como o ponto de partida para tais situações serem construídas. Com o intento de construir uma reflexão acerca do processo de trabalho Convescotes, assumiuse o formato de fascículos para o texto que figura a presente tese, sendo a mesma organizada em três partes. A formatação em três fascículos independentes possibilita a sua leitura encadeada assim como também oferece lugar para leituras cruzadas, as quais apresentam as dimensões do processo de trabalho Convescotes. O primeiro fascículo apresenta as imagens que fundamentaram a pesquisa, tanto no âmbito de elaboração dos Convescotes quanto no das reflexões teóricas suscitadas por eles. Na arquitetura textual do segundo fascículo tomei partido do formato epistolar, através do envio de seis cartas a companheiros que me ajudaram a pensar os elementos que compõem os Convescotes. Para Claude Monet foram enviadas cartas que dialogam com os elementos formadores do processo, como o piquenique, a amizade e os espaços ao ar livre. Com Roland Barthes, a escrita investigou a fotografia e o modo como ela habita meu processo, estendendo-se aos projetos de uma série de outros artistas. Já no terceiro fascículo esta pesquisa apresenta uma abertura teórica para as questões disparadas nas cartas escritas para Monet e para Barthes, sendo a mesma mediada por outros pensadores e artistas. As cartas e as notas se relacionam por meio de uma espécie de correspondência numérica; a primeira desenvolve-se por meio de uma conversa mais informal e a segunda constitui-se de uma reflexão apoiada em outros pensadores, sejam eles da imagem ou dos conceitos. / This study has as its object the artistic production called Picnics, a series of photo events outdoors, which have photography as their form of presentation. Thus, the series of photos involves the proposal of eating events to have as a return a photo of this shared time frame. In order to achieve that, Claude Monet’s painting Le dejeuner sur l’herbe presentes itself as the major reference and the point of departure for the eating events to take place. Aiming at reflecting on the Picnics work process, we turned to the fascicle format for this dissertation, which is divided into three parts. The format of three independent fascicles makes a sequenced reading possible. It also provides room for crossed readings, which demonstrate the dimensions of the Picnics work process. The first fascicle introduces the images that support the study regarding the elaboration of the Picnics as well as the theoretical considerations that emerge from them. In the textual architecture of the second fascicle, I made the choice for the epistolar format, based on the letters sent to peers, which have helped me think about the elements that constitute the Picnics. To Claude Monet, letters that dialogue with the constituting elements of the process, such as the picnic, the friendship, and the outdoors, were sent. As for Roland Barthes, the study investigated photography and the way it is part of my artistic process, and extended itself to the projects of a series of other artists. In the third fascicle, this research study presentes a theoretical opening to the issues found in the letters written to Monet and Barthes, mediated by other intellectuals and artists. The letters and the notes are related through a numeric correspondence, in which the former unfolds as a more informal conversation and the latter constitutes a reflection based upon other intellectuals, whether their objects be images or concepts.

Esta dissertação é consequência de uma pesquisa em poéticas visuais que aborda e articula modos de intensificação das potencialidades do corpo humano como abertura, meio de inscrição e disseminação da vida como obra em processo. O corpo é pensado como lugar e limite de onde o sentido parte, partilha, colide e compõe com outros corpos. O trabalho se constitui em cinco volumes, ao mesmo tempo autônomos e vinculados entre si. Em cada um deles, dimensões da experiência vital, conjugadas a procedimentos artísticos, são exploradas e apresentadas de diversas maneiras. Assim, a soma de segmentos que resultam no conjunto da dissertação abre um espaço de relações contíguo ao deslindar do seu próprio contorno, canteiro que se mede e se faz simultaneamente. / This dissertation stems from research conducted on visual poetics, which starts with an overview and analysis of ways of intensifying the human body’s potential, and proceeds to explore ways of inscribing and disseminating life as a work in progress. The body is reflected as a place and a limit from which meaning originates, splits, collides, and creates with other bodies. This paper consists of five volumes, all of which are independent, yet connected at the same time. In different ways, each volume presents and explores life combined with artistic procedures. Thus, the sum of all the presented elements that come together in this dissertation, opens a space of relations, contiguous to the unraveling of its own contour like a workspace that is simultaneously being measured and created.

Esta tese apresenta uma reflexão acerca da minha produção artística – o conjunto de trabalhos que identifico como Alegorias do Estranho, desenvolvidos entre 2010 e 2014. Nesta investigação, analiso o processo de criação dos trabalhos, partindo da descrição e reflexão teórica e poética acerca de cada uma das suas etapas, dos elementos técnicos, materiais e simbólicos que constituem meu trabalho como um todo. O texto está estruturado em três capítulos que correspondem às três principais questões suscitadas por meu trabalho: 1. De onde vêm as imagens?, 2. Por quê a gravura?, e 3. Alegorias do estranho?. O primeiro capítulo – De onde vêm as imagens?, tem como objetivo investigar a constituição do meu universo imaginário em relação às minhas influências e referências, propondo o meu trabalho como a articulação de um universo simbólico, através da alegoria. O segundo capítulo da tese - Por quê a gravura?, Investiga os procedimentos técnicos de criação do meu trabalho – o desenho, a gravura, o bordado, a apropriação e a montagem, a partir dos seus aspectos formais e simbólicos. O terceiro capítulo – Alegorias do Estranho?, envolve a reflexão acerca do animal como tema e como símbolo no meu trabalho, a partir da sua identificação com o estranhamente familiar. / This thesis presents the reflection about my artistic production – the body of work I identify as Alegorias do Estranho, developed between 2010 and 2014. In this investigation, I analyse the procedures of creation of works, starting from the description and theoretical and poetic reflection on each of its stages, the technical, material and symbolic elements that represent my work as a whole. The text is structured in three chapters corresponding to three main questions suggested by my work: 1.Where do the pictures come from?, 2. Why engraving ?, and 3. Alegorias do Estranho?. The first chapter – Where do the pictures come from?, has as objective to investigate the constitution of my imaginary universe related to my influences and references, proposing my work as the articulation of a symbolic universe, through allegory. The second chapter of the thesis – Why engraving?, investigates the technical procedures for the creation of my work – the drawing, engraving, embroidery, the appropriation and montage, from its formal and symbolic qualities. The third chapter – Allegories of the uncanny?, involves the reflection on the animal as theme and symbol of my work, from its identification with the strangely familiar.

O propósito desta dissertação é estudar as representações femininas nas letras luso-brasileiras do século XVII, sempre levando em conta os pressupostos teóricos formulados pela crítica brasileira atual. Pretende-se examinar as práticas letradas seiscentistas pelo prisma dos critérios retórico-poéticos vigentes na época, em que se destacam a importância dos elementos visuais. O estudo tem como base o contraponto das figuras de Eva e Maria, formando o grande paradigma da dualidade feminina nas letras coloniais; tal construção da imagem da mulher como tentadora e salvadora foi um longo processo desde as letras dos tempos antigos, se intensificando no período medieval até chegar no século XVII. Desse modo, focalizamos as poesias de Gregório de Matos e alguns sermões do padre Antonio Vieira, dialogando com questões históricas, sociais e artísticas no momento de produção das obras para tentar reduzir os riscos de anacronismo, sempre presentes quando abordamos períodos tão distanciados no tempo. Analisamos variadas configurações femininas nas poesias líricas e satíricas de Gregório de Matos; já nos sermões de Vieira, percebemos que o contraponto entre as concepções mariana e eviana fica mais evidente. Mostramos como as figuras femininas examinadas se aproximavam de Eva ou de Maria, levando em conta o contexto sócio-econômico das mesmas. Notamos que o modelo ideal de mulher encarnando na figura de Maria, difundido pela Igreja com o objetivo de alcançar todas as mulheres, não correspondia à realidade das mesmas no sistema colonial e não se adequava as suas necessidades. Examinamos igualmente como tal construção feminina perfeita e submissa circulava nos manuais de boa conduta em que a família patriarcal se encaixava, atendendo às exigências dos modelos propagados pela Igreja Católica na época. Apesar de todos os esforços da Igreja Católica e do homem para domesticar a mulher, tão temida e admirada pelos mesmos, muitas mulheres fugiram aos padrões sociais e foram estigmatizadas, rotuladas, discriminadas, mas acima de tudo foram mulheres que ficaram registradas nas páginas da Inquisição, na história e principalmente, nas letras luso-brasileiras do século XVII, escritas por homens, como o poeta Gregório de Matos e o padre Antonio Vieira / The purpose of this dissertation is to study the female representations in Luso-Languages of the 17th century, always taking into account the theoretical assumptions formulated by current Brazilian criticism. It is intended to examine the seventeenth century literate practices through the prism of rhetorical-poetic criteria in force at that time, in which we highlight the importance of Visual elements. Such study is based on the counterpoint of the figures of Eve and Mary, forming the great female duality paradigm in colonial languages.This construction of women image as tempting and Savior was a long process since the ancient time languages , being intensified from the medieval period until the 17th century. Thus, we focus on Gregório de Matos poetry and some Father Antonio Vieira sermons dialoguing with historical, social and artistic issues at the time of production of the works to try to reduce the risks of anachronism, always present when we talk about periods so distanced in time. We analyze various female configurations in lyrical and satirical poetry of Gregório de Matos. In Vieira sermons ,we realize that the counterpoint between mariana and eviana conceptions becomes more evident. We show how the female figures examined approached to Eva or Mary, taking into account their socio-economic context .We realize that the ideal model of woman embodying in the figure of Mary and diffused by the Church with the goal of reaching all women did not correspond to their reality in the colonial system and didnt fit their needs. We also examine how such female construction ,both submissive and perfect, circulated in the manuals of good behaviour ,in which the patriarchal family fit, meeting the requirements of the models propagated by the Catholic Church at that time. Despite all the efforts of the Catholic Church and men to domesticate women,considered so feared and admired by them,many women fled social standards and were stigmatised, labelled, broken down, but most of all, were women who were registered in the pages of the Inquisition, in history and especially in the 17TH century Luso-letters written by men, as the poet Gregório de Matos and the priest Antonio Vieira