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Charlie Chaplin - laboratório subversivo e sabotagens industriais: um estudo de A casa de penhores (1916) e Tempos Modernos (1936) / Charlie Chaplin subversive laboratory and industrial sabotages: A study of The Pawnshop (1916) and Modern Times (1936)Lima, Gabriel Bordignon de 19 October 2018 (has links)
Lançado em 1916, A casa de penhores é uma síntese dos curtas-metragens de Chaplin e funciona como um laboratório cômico, no qual o artista e sua equipe desenvolvem experimentos subversivos, desafiando valores burgueses. O primeiro capítulo desta dissertação apresenta uma análise de A casa de penhores, seu contexto e suas afinidades eletivas com o surrealismo francês, a biomecânica desenvolvida por Meyerhold e o teatro épico de Brecht, mostrando o potencial revolucionário do cinema num tempo de crescentes conflitos entre capital e trabalho. Essa análise detalhada fornece outra perspectiva para Tempos Modernos (que discutimos no capítulo dois), diferente de uma teleológica. Lançado vinte anos depois, em 1936, Tempos Modernos é o último filme silencioso de Chaplin. Nessa obra, Chaplin reflete sobre o fordismo, a mecanização do homem, os problemas sociais da Grande Depressão e as contradições do capitalismo. E, através da autorreferencialidade, o filme tenta sabotar o sistema, refuncionalizando-o num sentido progressista. / Released in 1916, The Pawnshop is a synthesis of Chaplins short-films and functions as a comic laboratory, in which the artist and his crew develop subversive experiments, that defy bourgeois values. The first chapter of this dissertation presents an analysis of The Pawnshop, its context and its elective affinities to French surrealism, as well as the biomechanics developed by Meyerhold and Brechts epic theater in order to show the revolutionary potential of cinema in a time of increasing clashes between capital and labor. This detailed analysis provides another perspective to Modern Times (which we discuss in the chapter two), different than a teleological one. Released twenty years later, in 1936, Modern Times is Chaplins last silent film. In this work, Chaplin reflects on fordism, the mechanization of man, the social problems of the Great Depression and the contradictions of capitalism. And through self referentiality, the film tries to sabotage the system, refunctioning it in a progressive way.
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A dramaturgia negativa: dialética trágica e formação do teatro brasileiro / -Matos, Ivan Delmanto Franklin de 27 April 2016 (has links)
Esta tese sobre a história da dramaturgia no Brasil tomou como pressuposto a ideia de formação, inspirada na obra de Antonio Candido, Formação da Literatura Brasileira, que é caracterizada por definir, no campo das letras nacionais, a ambivalência que marca nosso processo de constituição cultural, marcado pelo empréstimo de formas artísticas importadas em desajuste com a realidade histórica local. Procuramos traçar o percurso de formação de uma dramaturgia nacional identificando os limites e avanços deste processo de aclimatação das formas e gêneros de origem europeia, escolhendo objetos de análise específicos, a saber, obras e autores considerados como \"momentos decisivos\". Partimos da hipótese de que, no âmbito teatral, os \"momentos decisivos\" desta formação são aqueles influenciados pelos conceitos europeus (formulados pelo crítico Peter Szondi) de drama burguês, drama moderno e de teatro épico, que, no entanto, ao serem incorporados pelos autores teatrais brasileiros geraram formas híbridas, \"arruinadas\" e desajustadas em relação aos modelos originais. Consideramos que tal importação, assolada por um processo histórico também ele altamente contraditório e desigual, gerou entre nós diversas manifestações teatrais fraturadas, que poderiam ser contempladas por um conceito ampliado de tragédia. Procuraremos identificar, nestes momentos decisivos, diversas manifestações de uma certa dialética trágica que, não obstante sua diversidade, poderia caracterizar esse processo de formação como capaz de gerar obras tão dilaceradas quanto o tecido social que lhes corresponde. / This thesis on the history of dramaturgy in Brazil explores the idea of formation, inspired by Antonio Candido\'s work Formação da Literatura Brasileira (Brazilian\'s Literature Formation), which is known in the national literary field for defining the ambivalence that exists in our cultural constitution process, and is characterized by the influence of imported artistic forms imbalanced with local historical realities. We seek to trace the development of a national dramaturgy, identifying the boundaries and advances in the acclimation process of European forms and genres, by selecting key analytical pieces, namely works and authors considered to be \"turning points\". We hypothesize that these decisive moments are the ones influenced by the European concepts of bourgeois drama, modern drama and epictheater formulated by the critic Peter Szondi; by incorporating such concepts, Brazilian playwrights have generated hybrid forms, \"ruined\" and misfits of the original models. This thesis considers how such importation - coupled with a highly contradictory and uneven historical background - has generated amongst us several fractured theatrical manifestations that could be categorized under a broader concept of tragedy. We will seek to identify, from these decisive moments, indications of a certain tragic dialectic and how it, not withstanding its own diversity, could characterize this formation process capable of generating new works as lacerated as the social fabric to which they correspond.
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O dragão e o leão: elementos da estética brechtiana na obra de Glauber Rocha / The dragon and the lion: elements of brechtian aesthetics in the work of Glauber RochaGutierrez, Maria Alzuguir 26 February 2009 (has links)
Esta pesquisa teve por objetivo verificar, nos filmes e na obra escrita de Glauber Rocha, a presença de elementos da estética de Bertolt Brecht. Foram selecionadas seqüências de O dragão da maldade contra o santo guerreiro e de Der leone have sept cabezas para análises mais detidas, passando-se em seguida a uma observação mais geral dos procedimentos e conceitos brechtianos na obra de Glauber Rocha. A análise dos filmes levou ao encontro da história do Brasil, da América Latina em sua relação com a África, da guerrilha, do pensamento político e da figura mítica de Che Guevara. A observação de recursos do teatro épico em uma obra cinematográfica gerou a apreciação das especificidades do cinema na busca por uma participação reflexiva e crítica do espectador, e o aprofundamento na compreensão da relação entre cinema e teatro. / This research is an attempt at finding, in the films and written work of Glauber Rocha, elements of Bertolt Brecht`s aesthetics. Scenes from O dragão da maldade contra o santo guerreiro and Der leone have sept cabezas were selected for deeper analysis, then moving on to a broader observation of brechtian concepts and procedures in Glauber Rocha`s work. The film analyses have led to the study of Brazillian history, Latin American history and their ties with Africa, with gerrilla warfare tactics and the mythical character of Che Guevara, whose political thoughts are also looked into in this study. By observing epic theatre techniques at work in a film, we could better appreciate cinema`s specific traits employed in its search for the reflexive and critical participation of its viewer, leading to a deeper understanding of the relationship between cinema and theatre.
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The American Clock, de Arthur Miller: forma épica e grande depressão / Arthur Millers The American Clock: Epic form and Great DepressionOliveira, Éwerton Silva de 03 February 2017 (has links)
Considerando o conceito de épico tal como o analisado por teóricos do teatro como Szondi (2001) e Rosenfeld (2006), este trabalho objetiva empreender a análise de elementos épicos presentes na estrutura de The American Clock (O Relógio Americano, 1980), do dramaturgo norte-americano Arthur Miller (1915-2005). O estudo será de como a forma teatral desta peça (com seus traços épicos) representa cenicamente a Grande Depressão econômica que assolou os Estados Unidos após a quebra da bolsa de valores em 1929 e durante toda a década de 1930. The American Clock conta com mais de 40 personagens (muitos deles também narrado-res) que comentam e ao mesmo tempo vivenciam os problemas gerados pela recessão econô-mica dos anos 1930, em que milhões de pessoas chegaram ao nível da miséria. Embora não seja uma das obras teatrais mais estudadas de Arthur Miller (tanto no contexto americano co-mo no brasileiro), a análise de The American Clock é fundamental para um maior entendimen-to da poética deste autor, tão debatida por críticos e dramaturgos brasileiros: diferentemente do que acontece em outros trabalhos teatrais de sua autoria, Miller assume abertamente, em seus ensaios, a importância do elemento épico para a construção de The American Clock, e o resultado deste uso explícito e consciente do épico por parte do dramaturgo é uma utiliza-ção mais abrangente e aprofundada de recursos épicos nesta peça, tanto dos que já eram co-muns em outras obras de Miller (personagens-narradores, por exemplo), quanto novos recur-sos como a dança e a música. Outra consequência desta consciência do épico é a apropria-ção que o autor faz de conceitos como o de mural, vaudeville e narrativa oral para a constru-ção formal da peça. Esta preocupação de Arthur Miller em considerar o épico na criação de The American Clock existe, dentre outras coisas, devido à necessidade de representar cenica-mente a Depressão econômica, uma temática de cunho social, econômico e histórico, cujas transformações sociais, políticas e culturais que ela provocou são cruciais por reverberarem em outras décadas da história dos EUA (e, consequentemente, no processo histórico de outros países como o Brasil). / Considering the concept of epic in theater theories such as Szondis (2001) and Rosenfelds (2006), this research aims at analyzing the epic elements present in the structure of The Amer-ican Clock (1980), a play by the American playwright Arthur Miller (1915-2005). The objec-tive is to study how this plays theatrical form (with its epic traces) puts on stage the Great Depression, which was responsible for devastating The United States economy after the 1929 stock market crash and during the 1930s. The American Clock contains more than 40 charac-ters (many of them are also narrators) who simultaneously discuss and experience the eco-nomic problems generated by this 1930s recession, which led millions of people to face mis-ery in this period. Although The American Clock is not one of Millers most studied theatrical works (both in Brazilian and American context), the analysis of this play is essential to a bet-ter understanding of the authors poetics, largely discussed by Brazilian critics and play-wrights: Miller overtly declares, in his essays, the importance of the epic element in The American Clocks creation, which is something singular in this playwrights career. The result of this explicit and conscious use of the epic by Miller is a deepened and broadened inser-tion of epic resources in this play, both the ones already present in other Millers works (char-acters-narrators, for example), and new ones such as dance and music. Another consequence of this epic consciousness is the authors use of concepts such as mural, vaudeville and oral narrative in order to create the form of the play. Arthur Millers concern in considering the epic in the creation of The American Clock exists, among other things, due to the necessity of putting on stage the Great Depression, a social, economic and historical subject, which brought crucial changes responsible for affecting socially, politically and culturally other dec-ades of American history (and, consequently, this 1930s economic crisis also affected the his-torical process of other countries such as Brazil).
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NekyiaiBaertschi, Annette Martine 30 May 2013 (has links)
Begegnungen mit der Unterwelt stellen ein konstitutives Element antiker, vor allem epischer Poesie dar. Besonderer Popularität erfreute sich das Thema in der neronisch-flavischen Epik, die an die von Homer begründete und von Vergil weitergeführte Tradition anknüpfte, diese jedoch in innovativer Weise umgestaltete. In der vorliegenden Arbeit wird gezeigt, dass die Nekyiai der kaiserzeitlichen Dichter, wiewohl in der Forschung oft negativ beurteilt, originelle Variationen des für das Genre zentralen Motivkomplexes darstellen und eine wichtige Etappe in der Geschichte des Topos bilden. Insbesondere wird mit Hilfe eines stärker die dynamische Wechselwirkung zwischen Prä- und Posttext berücksichtigenden sowie neben der diachronen auch die synchrone Ebene von Sinnkonstitution einbeziehenden Interpretationsansatzes die vielschichtige intertextuelle Dimension der neronisch-flavischen Unterweltsszenen erhellt, die sich durch den kontaminierenden Rekurs auf eine Reihe literarischer Vorlagen ergibt. Es wird dargelegt, dass die Jenseitsepisoden der nachaugusteischen Epiker eine wichtige poetologische Bedeutung haben, indem sie den bevorzugten Ort für die literarische Selbstpositionierung und -legitimierung des Verfassers bilden. Darüber hinaus wird der Einfluss der veränderten politischen, sozialen, ideologischen und ästhetischen Bedingungen im 1. Jahrhundert n. Chr. auf die Neukonzeption der Unterwelt im neronisch-flavischen Epos untersucht. / Encounters with the underworld are a constitutive element of ancient, especially epic poetry. The topic was particularly popular among Neronian and Flavian poets who closely engage the literary tradition established by Homer and further developed by Vergil, yet refashion it in an innovative way. In this thesis, I shall argue that the necyia scenes of the imperial poets, although often criticized by scholars, are original variations of the motif, which is of essential significance for the genre, and mark an important stage in the history of the theme. Using an interpretive approach which focuses more strongly on the dynamic interaction between hypo- and hypertext and also considers the synchronic level of creating meaning in addition to the diachronic one, I shall demonstrate in particular the complex intertextual dimension of the Neronian-Flavian underworld scenes, which is based on their combined reference to multiple literary models. In addition, I will show that the necyia episodes of the post-Augustan epicists have an important poetological meaning, providing a privileged venue for the author to position himself within the literary tradition and to legitimize his own work. Finally, I will examine the impact of the political, social, ideological, and aesthetic changes in the first century CE on the shift in representation of the underworld in Neronian-Flavian epic.
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Um épico possível: refuncionalizações de técnicas, formas e clichês, em Nashville, de Robert Altman / A possible epic: refunctionalization of techniques, forms and clichés, in Nashville, by Robert AltmanAleixo, Antonio Marcos 22 April 2013 (has links)
Lançado em 1975, Nashville é uma das últimas produções de um período da cinematografia norte-americana conhecido como Nova Hollywood ou Renascença Hollywoodiana. Tomando a capital da música country nos EUA como objeto de crítica e pano de fundo espacial da narrativa, o filme reflete sobre problemas políticos e sociais de seu tempo. A tese que orienta o presente trabalho é a de que a imagem da História evocada em sua narração só foi possível porque o diretor e seus colaboradores fizeram um esforço consciente para apropriar-se do repertório fílmico industrial de técnicas, formas e até mesmo clichês, refuncionalizando-o de modo a torná-lo adequado à expressão de sua visão crítica. O resultado é, ao mesmo tempo, um retrato dialético dos EUA no início dos anos 1970, uma prova da possibilidade da encenação épica no contexto industrial e um exemplo de resistência cultural a partir da organização produtiva dos trabalhadores do cinema. / Launched in 1975, Nashville is one of the last productions of a period in American cinema known as the New Hollywood or Hollywood Renaissance. Taking the capital of country music in the USA as the object of criticism and spatial backdrop of its narrative, the film reflects upon social and political problems of its time. The thesis that guides the present study is that the image of history evoked by its narration was possible only because the director and his collaborators made a conscious effort to apropriate the repertoire of industrial filmic techniques, forms and even clichés, refunctioning it to make it suitable to the expression of their critical point of view. The result is, all at the same time, a dialectical picture of the USA at the beginning of the 1970s, concrete evidence of the possibility of epic mise-en-scène in the industrial context and an example of cultural resistance built upon the productive organization of cinema workers.
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Experiências de um lirismo agreste: o relato de identidades femininas, em As mulheres de Tijucopapo, de Marilene Felinto / Experiences of a backland lyricism: the report of female identities, in Women of Tijucopapo, by Marilene FelintoSilva, Maria Emília Martins da 24 October 2012 (has links)
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Previous issue date: 2012-10-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis regards the reading of the novel The Women of Tijucopapo (2004), by
Marilene Felinto, with emphasis on the reading of the relationships between the
polyphonic othernesses and the protagonist -Risia- in three stages of the narrative
(the child, the adult, and the mythical) in a discursive tangle. During the analysis
process, the following primary hypotheses were elected: the non-place of the past
(real or mythical) takes the durative present via memory; the memories provides a
present constructive relationship placing the experience concerned with the
enunciative subject in its singularity; a fictional temporal game of othernesses, which
is articulated by the account of the pronominal triad I-SHE-THEY, emerges in the
narrative. This paper was founded through three chapters starting from Mikhail
Bakhtin s reflections and his concept of dialogism applied to the treatment of
polysemy of the first-person narrator s poetic dialogs; Henri Bergson s supports the
memorialist narrative in trancending history, as invented or fictional language
production; and Giorgio Agamben s arguments childhood and contemporaneity
themes, fundamental axis of transgressive enunciation in contemporary novels. The
achieved results highlight that: by language experience of memorialist narratives, on
the threshold of autobiographical, the discursive identities or dissonant subjects, and
the split female first-person narrator builds a temporal flow of the narrative
reconstruction among present, past and future. As the narrative unfolds, spacialities
receive new poetic tenses through epic narration and, thereby, marking the novel
genre on the origin of imagery recalled by the I and, set in dialogic relation by its
univocal female othernesses: SHE/ THEY / A presente dissertação visa à leitura do romance As mulheres de Tijucopapo
(2004), de Marilene Felinto, com ênfase na leitura das relações entre as alteridades
polifônicas e a protagonista Rísia em três etapas do relato a infantil, a adulta e a
mítica , em seu emaranhado discursivo. Conduzindo as análises, elegemos como
principais hipóteses de comprovação: o não lugar do passado (real ou mítico) ganha
o presente durativo pela via da memória; a memória estabelece uma relação
construtiva do presente, colocando a experiência em causa com o sujeito
enunciativo em sua singularidade; emerge na escritura um jogo temporal ficcional
de alteridades articuladas pelo relato da tríade pronominal eu-ela-elas.
Fundamentamos este trabalho dissertativo em três capítulos a partir das reflexões
de Mikhail Bakhtin e o conceito de dialogismo aplicado ao tratamento da polissemia
dos diálogos poéticos da narradora em primeira pessoa; Henri Bergson dá suporte
ao relato memorialista ao ultrapassar o histórico, enquanto produção de linguagem
ficcional ou inventada; Giorgio Agamben defende as temáticas da infância e da
contemporaneidade, eixos basilares da enunciação transgressora presente na forma
do romance contemporâneo. Os resultados alcançados ressaltam que, por meio da
experiência da linguagem em relato memorialista, no limiar do autobiográfico, as
identidades discursivas ou sujeitos dissonantes e desdobrados do eu feminino que
narra constroem um movimento temporal de reconstrução da narrativa entre
presente, passado e futuro. Na movência da escritura, espacialidades ganham
novos tempos poéticos pela via do narrar épico, marcando o gênero do romance na
origem da imagem relembrada pelo eu e colocada em dialogia por suas alteridades
femininas unívocas: ela/ elas
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Mensageiro de uma terra devastada: Valêncio Xavier, o romance épico e a alegoria / The messenger of a waste land: Valêncio Xavier, the epic novel and the allegoryPizzicola, Gustavo 28 September 2015 (has links)
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Previous issue date: 2015-09-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation analyzes the relationship between the genre of epic romance and allegory in one of the works of Valêncio Xavier (2006), Rremembranças da menina de rua morta nua e outros livros. The corpus shows up by a cryptic way, cultivating a hybrid literature, composed of collages and clippings extracted from various types of media. The central problems of this dissertation were how the epic is retaken in the novels analyzed and if there is a possibility of an allegorical interpretation of these novels. The intention is to understand the procedures used by the author, with particular attention to the montage, articulating it with the characteristics of the epic, as conceived by Georg Lukacs. Next, the corpus is illuminated by the concept of allegory, in its relation to an idea of melancholy. The theoretical framework is founded in Georg Lukács, Walter Benjamin, Theodor Adorno, Serguiéi Eisenstein and Giorgio Agamben. As a result, we came to the conclusion that Valêncio Xavier recoves the epic genre principally by means of montage and citation, giving a new dimension to the novel genre and inscribing it in contemporary. In addition, the allegorical reading of the work in question can only to happen by means of an understanding of melancholy, pathos that pass the analyzed novels / Esta dissertação analisa as relações entre o gênero romance épico e a alegoria na obra Rremembranças da menina de rua morta nua e outros livros, de Valêncio Xavier (2006). O corpus se apresenta de maneira enigmática, cultivando uma literatura híbrida, composta de colagens e recortes extraídos dos mais variados tipos de suportes. Os problemas centrais desta dissertação foram de que forma o épico é retomado nos romances analisados e sobre a possibilidade de uma interpretação alegórica desses romances. Pretendeu-se então apreender os procedimentos utilizados pelo autor, dando atenção especial à montagem, para articulá-la com os traços da épica, conforme idealizada por Georg Lukács. O corpus passa a ser iluminado por meio do conceito de alegoria, em sua relação com uma ideia de melancolia. A fundamentação teórica balizou-se principalmente em Georg Lukács, Walter Benjamin, Theodor Adorno, Serguiéi Eisenstein e Giorgio Agamben. Como resultados, chegou-se a conclusão de que Valêncio Xavier, por meio principalmente da montagem e da citação, retoma o épico, redimensionando o gênero romance e inscrevendo-o no contemporâneo. Além disso, a leitura alegórica da obra em questão somente pode se dar por meio de um entendimento da melancolia, pathos que percorre os romances analisados
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A épica de Cláudio Manuel da Costa: uma leitura do poema Vila Rica / The epic of Cláudio Manuel da Costa: a reading of the poem Vila RicaDjalma Espedito de Lima 25 October 2007 (has links)
Este ensaio estuda a invenção retórico-poética do poema épico Vila Rica, lido como uma composição que emula o costume da escrita das epopéias gregas, latinas e modernas, especialmente a Farsália de Lucano e a Henriade de Voltaire, atualizando, pelo intermédio do pensamento das preceptivas de Francisco José Freire, filtradas pela postura crítica de Voltaire, que deprecia a importância de muitas regras convenientes ao decoro do gênero épico. A epopéia de Cláudio Manuel da Costa é entendida como um exercício prático de poesia, orientado para o ensinamento da instrução moral e para a admiração do deleite poético, retratadas na atitude ideal do chefe militar português de uma encenação da história da pacificação das terras mineiras, produzindo uma gênese mítica heróica para a pátria mineira, buscando a perpetuação da memória na posteridade, seguindo o exemplo da poesia épica retratada no mundo hispano-colonial, no chamado Siglo de oro, que encena a descoberta e a pacificação das colônias pelos europeus, aplicando um estilo sublime na reinvenção de uma ação entendida como heróica. Ao realizar este movimento, permanecendo inédito por muito tempo, e pouco divulgado por séculos, o poema Vila Rica agrega uma fortuna crítica que se divide entre a apologia e o vitupério do texto, que representa o topos do utópico, na medida em que a paisagem retratada difere evidentemente daquela encontrada na Arcádia e nas margens do rio Mondego, mais adequadas à figuração do exemplar locus amoenus, da poesia idílica de Teócrito. Ao mesmo tempo, realiza a mitificação da história pela superposição de diversos fatos históricos, apresentados no Fundamento Histórico, encenados como tópicos da morte e do amor, orientando e evidenciando o caráter de valorização da glória dos feitos dos representados do reino português num herói portador da perfecta eloquentia, contra um suposto domínio da lei natural pelos nativos do Estado do Brasil, reinventando a história na agregação de uma glória poética a ser reconhecida ou inventada numa sociedade hierárquica que encena a si mesma num teatro de imagens e discursos. Exclui-se a subjetividade de um sujeito em conflito consigo próprio pela melancolia da paisagem rochosa, buscando-se a glória, além da tradição, demonstrando a honra da moral católica da sociedade colonial luso-brasileira no empenho da elucidação da história. / This essay studies the rhetorical-poetical invention of the epic poem Vila Rica, read as a composition that emulates the written custom of the greek, latim and modern epics, especially the Pharsalia of Lucan and the Henriade of Voltaire, bringing up to date, by the intermediacy of the thought of Francisco José Freire\'s precepts, filtered by the critical position of Voltaire, that depreciates the importance of many convenient rules to the decorum on the epic genus. The epic of Cláudio Manuel da Costa is understood as a practical exercise of poetry, guided by the teaching of a moral instruction and in favor of the admiration of a poetical delight, portrayed in the ideal attitude of the Portuguese military head as a representation of the mining lands pacification\'s history, producing a mythical heroic source for the mining country, searching the upholding of the memory in the posterity, following the example of the epic poetry portrayed in the Hispanic-colonial world, in the so called Siglo de oro, that represents the discovery and the pacification of colonies by Europeans, applying a sublime style in the re-invention of an action understood as heroic. When carrying through this movement, remaining unknown for a long time, and little divulged for centuries, the poem Vila Rica supports a critical history that is divided between praise and vituperation of the text, which represents the topos of utopian, taking into account that the portrayed landscape differs evidently from that one joined in the Arcadia and in the edges of the Mondego river, adjusted to the picture of the pattern locus amoenus, of the idyllic poetry of Theocritus. At the same time, it carries through turning the History into a myth, by the overlapping of various historical events, presented in the Fundamento Histórico, figured as topics of the death and of love, guiding and evidencing the estimation\'s character on the glory of the Portuguese kingdom\'s representatives\' actions in a hero carrying a perfecta eloquentia, against a belief in the natural law\'s domain on the State of Brazil\'s natives, re-inventing History in the aggregation of a recognized poetical glory, or to be invented in a hierarchic society that stages itself in a theater of images and speeches. It is abstained the subjectivity of a being in conflict with himself caused by the melancholy of the rocky landscape, searching the glory, further than tradition, demonstrating the moralistic catholic\'s honor in the Portuguese-Brazilian colonial\'s society, persistencing in the explanation of History.
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Corinthians, meu amor - segundo Brava Companhia: teatro e militância na periferia da cidade de São Paulo / Corinthians, My love. According to Brava Company: Theater and militancy in the periphery of the city of São Paulo.Sepulvida, Paula Bellaguarda de Castro 23 August 2017 (has links)
Este trabalho realiza uma analise estética da encenação Corinthians Meu amor. Segundo Brava Companhia. Uma Homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo, que tem como intuito compreender as influências do grupo homenageado e das movimentações políticas ocorridas ao longo da ditadura militar no Brasil, sobretudo nos anos 1970, sobre o trabalho da Brava Companhia. A pesquisa, que tem por base a dramaturgia original de Cesar Vieira, escrita em 1966, compara a primeira ao texto cênico proposto pela Brava Companhia, em 2011. Nosso objetivo foi tecer considerações e hipóteses acerca das transformações na cena teatral militante produzida junto às \"classes populares\" e aos trabalhadores ao longo dos últimos anos. Tendo como base a análise comparativa dos dois documentos dramatúrgicos, esta pesquisa buscou interpretar tais modificações estilísticas à luz de uma prática de teatro épico, bastante presente na cena teatral paulistana. / Corinthians, My love. According to Brava Company: Theater and militancy in the periphery of the city of São Paulo performs an aesthetic analysis of the play Corinthians, Meu Amor. Segundo Brava Companhia. Uma homenagem ao Teatro Popular União e Olho Vivo (Corinthians, My love. According to Brava Company. A tribute to the group Teatro Popular União e Olho Vivo (TUOV)) which aims to understand the influences of the honored group and the political movements that took place during the military dictatorship in Brazil, especially in the 1970s, on the work of the Brava Company. The research, based on the o riginal dramaturgy written by Cesar Vieira, in 1966, compares the original text to the staging proposed by Brava in 2011. Our intention was to weave considerations and hypotheses about the transformations in the militant theatrical scene produced close to the \"popular classes\" and the worker class, over the last years. Based on the comparative analysis of the two dramaturgical documents, the research sought to interpret such stylistic changes in the practices of an epic theater based in Brecht\'s work, due to its great importance in the theatrical scene in São Paulo.
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