Made available in DSpace on 2016-08-03T12:30:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Isabel Amphilo Rodrigues de Souza.pdf: 840615 bytes, checksum: d8d53fc4286e16f3ce24a166e8bc884e (MD5) Previous issue date: 2003-02-18 / El presente trabajo consiste en una analisis sistemática de la obra de Ariano Suassuna Auto da Compadecida , escrita en 1955, y sus transcodificacioes para la televisión y cine. En esta pesquisa procuramos presentar la apropriación de la cultura popular por la cultura de masas en un processo folkmediático, donde Guel Arraes realizo la adaptación mas elogiada por la crítica, siendo esta la tercera versión cinematografica de la obra de Suassuna. Buscamos presentar, primeramente, la importancia de la Folk media para lo rescate de la cultua nacional, tornando una obra clásica de lo punto de vista de la cultura popular, de la cultura erudita y de la cultura de masa, accessible al público masivo brasileño en televisión abierta. Decifrador de brasilidades , Ariano Suassuna rescata lo folklore, las danzas, los cuentos míticos y herencia ibéricas, donde percibimos la semblanza entre Auto da Compadecida y la semblanza entre Auto da Compadecida y los autos de Gil Vicente, por ejemplo. Suyos personajes sufren lo processo de descarnavalización, delante de lo trono de Emanuel, donde caem las máscaras. Son defendidos por una madre Compadecida desesperada para salvar sus hijos de lo sofrimento y de la dolor. Auto de la moralidad y misericordia, lo Auto da Compadecida , revela, no solamente la alma de lo sertanejo severino , pero su creencia, su cultura y su sufrimiento. / O presente trabalho consiste em uma análise sistemática da obra de Ariano Suassuna Auto da Compadecida , escrita em 1955, e suas transcodificações para TV e cinema. Nesta pesquisa procuramos apresentar a apropriação da cultura popular pela cultura de massas num processo folkmidiático, onde Guel Arraes realizou a adaptação mais elogiada pela crítica, sendo esta a terceira versão cinematográfica da obra de Suassuna. Buscamos apresentar, primeiramente, a importância da Folkmídia para o resgate da cultura nacional, tornando uma obra clássica do ponto de vista da cultura popular, da cultura erudita e da cultura de massa, acessível ao público massivo brasileiro em TV aberta. Decifrador de brasilidades , Ariano Suassuna resgata o folclore, as danças, os contos míticos e heranças ibéricas, onde percebemos a semelhança entre Auto da Compadecida e os autos de Gil Vicente, por exemplo. Seus personagens sofrem o processo de descarnavalização, perante o trono de Emanuel, onde as máscaras despencam. São defendidos por uma mãe Compadecida desesperada para salvar seus filhos do sofrimento e da dor. Auto de moralidade e misericórdia, o Auto da Compadecida revela, não somente a alma do sertanejo severino , mas suas crenças, sua cultura e seu sofrimento.

Submitted by Glauber de Assunção Moreira (glauber.moreira@ufba.br) on 2018-09-25T19:29:17Z No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 2014510 bytes, checksum: 8a35643e6260003175554ad34017b843 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-26T17:00:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 2014510 bytes, checksum: 8a35643e6260003175554ad34017b843 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-26T17:00:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 2014510 bytes, checksum: 8a35643e6260003175554ad34017b843 (MD5) / Pesquisa teórica a partir da experiência de escrita do roteiro cinematográfico de Nochebuena, com o objetivo de pôr em relação as linguagens do teatro e do cinema, em função dos seu modos de construção do tempo e do espaço. O trabalho parte de uma descrição do filme e do seu processo de escrita. Continua com uma tentativa de análise sociológica, evidenciando os desdobramentos do contexto colombiano visíveis no filme. Logo em seguida, em função de comparar esta com outras obras que serviram como referência, traz à discussão o conceito de cronotopo de origem bakhtiniano, associandoo com o motivo espaço-temporal da “mansão nobre em decadência”. Por último, a partir da pergunta sobre se Nochebuena pode ser entendido como um “filme teatral”, a reflexão foca-se na seguinte questão: a concentração do tempo e do espaço, presente no filme como uma herança da dramaturgia teatral, favorece ou perturba a construção do discurso cinematográfico? Trata-se, no fundo, de situar o cinema no caminho que vai da narrativa ao drama, através da perspectiva do tempo e do espaço. / Investigación teórica a partir de la experiencia de escritura del guión cinematográfico de Nochebuena, con el objetivo de poner en relación los lenguajes del teatro y del cine en función de sus modos de construcción del tiempo y del espacio. El trabajo parte de una descripción de la película y su proceso de escritura. Continúa con una tentativa de análisis sociológico, poniendo en evidencia los desdoblamientos del contexto colombiano visibles en la película. Luego, en función de comparar ésta con otras obras que le sirvieron como referencia, trae a discusión el concepto de cronotopo de origen bajtiniano, asociándolo al motivo espacio-temporal de la “mansión noble en decadencia”. Por último, a partir de la pregunta sobre si Nochebuena puede ser entendida como una “película teatral”, la reflexión se enfoca en la siguiente cuestión: la concentración del tiempo y del espacio, presente en la película como herencia de la dramaturgia teatral, ¿favorece o perturba la construcción del discurso cinematográfico? Se trata, en el fondo, de situar el cine en el camino que va de la narrativa al drama, desde la perspectiva del tiempo y el espacio.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-11-12Bitstream added on 2014-06-13T21:04:16Z : No. of bitstreams: 1 sanches_el_dr_fran.pdf: 2965019 bytes, checksum: c5a8a94f3a531688f5974767207d5a82 (MD5) / Este trabalho procura identificar o pensamento humanitário de Charles Chaplin usando a seqüência que encerra o seu filme “O grande ditador” (The great dictator, 1940 – EUA) como principal fonte de estudo. Propõe-se ainda confrontar o pensamento do ator e cineasta com o “Humanismo Integral” de Jacques Maritain, bem como com a Declaração Universal dos Direitos Humanos, estabelecendo relações entre as partes / This work try to identify the Charles Chaplin’s humanitarian thought using the final sequence of the film “The great dictator” (ditto, 1940 – USA) like principal fountain of study. It propose yet to confront the actor’s thought with the “Integral Humanism” of Jacques Maritian, just as with the Human Rights Universe Declaration, make acquaintance between the parts

Made available in DSpace on 2016-06-02T20:11:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 6788.pdf: 1001851 bytes, checksum: dd0c963bae8de8d98348f6f051ea3467 (MD5) Previous issue date: 2015-03-05 / Financiadora de Estudos e Projetos / Esta investigación de maestría tiene como su objetivo principal comprender la construcción de los personajes femeninos en la obra del escritor uruguayo Horacio Quiroga. El hecho del autor tener escrito para diversas revistas de variedades, e, incluso, el de tener escrito distintos géneros, influenciaron directamente en su escrita, tanto en el estilo de su producción cuanto en su variedad. En su obra destacamos dos grandes temáticas narrativas: los cuentos urbanos y los cuentos de selva. Pretendemos entender las mujeres que habitan estos distintos universos narrativos criados por Quiroga; así, analizamos cada temática sus riesgos y sus especificidades y como reflejan en los personajes que los habitan, en especial los femeninos. Basados en estas informaciones, nos proponemos a analizar tres de sus textos, que en géneros y temáticas distintos tratan de una misma figura femenina: la prostituta. Son ellos el relato Tangos redentores (19126), y los cuentos Los mensú (1914) y Una estación de amor (1912). Para tratar de las revistas de variedades buscamos referencias en El imperio de los sentimientos (2004), de Beatriz Sarlo; sobre Quiroga y su obra encontramos informaciones en Horacio Quiroga El escritor y el mito (2007), de Pablo Rocca y El desterrado Vida y obra de Horacio Quiroga (1968), de Emir Rodríguez Monegal. Para el análisis del narrador, Las voces de la novela (1985), de Oscar Tacca. / Esta dissertação de mestrado tem como objetivo principal compreender a construção das personagens femininas na obra do escritor uruguaio Horacio Quiroga. O fato de o autor ter escrito para diversas revistas de variedades, e, inclusive, o de ter escrito distintos gêneros, influenciaram diretamente sua escrita, tanto no estilo de sua produção quanto em sua variedade. Em sua obra destacamos duas grandes temáticas narrativas: os contos urbanos e os contos de selva. Buscamos entender as mulheres que habitam estes distintos universos narrativos criados por Quiroga; para isso, analisamos cada temática, suas características e especificidades e como se refletem nas personagens que os povoam, em especial nas femininas. Com base nestas informações, nos propomos a analisar três de seus textos, que em gêneros e temáticas diferentes tratam de uma mesma figura feminina: a prostituta. São eles a crônica Tangos redentores (1926) e os contos Los mensú (1914) e Una estación de amor (1912). Para tratar das revistas de variedades buscamos referências em El imperio de los sentimientos (2004), de Beatriz Sarlo; sobre Quiroga e sua obra encontramos informações em Horacio Quiroga El escritor y el mito (2007), de Pablo Rocca e El desterrado Vida y obra de Horacio Quiroga (1968), de Emir Rodríguez Monegal. Para análise do narrador, Las voces de la novela (1985), de Oscar Tacca.

Esta dissertação investiga um grupo de fotógrafos amadores chamado Leica 1. A convivência no grupo faz com que seus encontros sejam motivados não só pela fotografia, mas também pela amizade que os envolve. Diante disso, desenvolve-se uma sociabilidade na qual se compartilha dos mais diversos assuntos cotidianos. A fotografia é, muitas vezes, um suporte e mesmo motivadora da memória. O grupo Leica 1 fotografa, registra, lembra, conta e faz a história, sendo arte ou sendo documento ou sendo uma arte-documento. Por isso, este é um trabalho construído pela convivência, pelas lembranças, pelas fotografias e pelas múltiplas vozes que são testemunhas e agentes da história da cidade de Porto Alegre, da história da fotografia e de muitas outras histórias. / The present essay investigates a group of amateur photographers called Leica 1. The living in the group makes their meetings be motivated not only for photography, but also for friendship which involves them. Therefore, it is developed sociability in which various daily matters are shared among the group. Photography is, for several times, supportive and even motivating for remembrance. Group Leica 1 photographs, records, reminds, tells, and makes history; being either art or a document, being an art-document. For this reason, the present work was built based on living, memoirs, photographs, and by the multiple voices which are witnesses and agents to the history of Porto Alegre, to the history of photography, and many other histories.

O estudo busca conhecer o modo pelo qual o corpo do doente com câncer é apresentado por um conjunto de 15 filmes produzidos em Hollywood, entre 1970 e 2007, cujo tema central gira em torno do personagem adulto com câncer em estágio avançado. Com base nos Estudos Culturais, em sua vertente pós-estruturalista, penso que aprendemos a ver o corpo doente de diferentes formas, nas mais diversas instâncias educativas, sendo o cinema uma delas. A partir da análise cultural, sustentada pelas noções de “discurso” e “subjetividade”, propostas pelo filósofo Michel Foucault, articulo uma das possíveis leituras do corpus fílmico. Tal leitura possibilitou a construção de três lições de Hollywood sobre adoecer e morrer de câncer: “Primeira lição de Hollywood: aprendendo a ser doente”, “Segunda lição de Hollywood: aprendendo a cuidar do corpo doente” e “Terceira lição de Hollywood: aprendendo a morrer de câncer”. Nelas, avalio como o discurso cinematográfico atua como uma pedagogia cultural que produz sujeitos que vêem o corpo doente de determinado modo, que ensina a cuidar desse corpo e a morrer de câncer, nos dando pistas sobre como aprendemos a nos relacionar com a doença a partir dos artefatos midiáticos. Com isso, minha proposta é suscitar reflexões que possam contribuir, de alguma forma, para a assistência e para a docência em Enfermagem. / The study aims at learning how the body of the cancer patient is portrayed by a set of 15 movies produced in Hollywood between 1970 and 2007 whose central theme is about an adult character with cancer at advanced stage. Based on the Cultural Studies and their post-structuralism version, I think that we learn seeing the sick body in different ways, under the most varied educative instances, among which the movie picture stands out. Starting from the cultural analysis, supported by the notions of “discourse” and “subjectivity”, as proposed by philosopher Michel Foucault, I articulate one of the possible readings of the movie picture corpus. Such reading allowed the construction of three Hollywood lessons about getting sick and dying of cancer: “First Hollywood lesson: learning how being sick”, “Second Hollywood lesson: learning how taking care of the sick body” and “Third Hollywood lesson: learning how dying of cancer”. In such lessons, I make an assessment of how the movie picture discourse acts as a cultural pedagogy that produces subjects who see the sick body in a certain way and teaches how taking care of such body and how dying of cancer and therefore gives us hints about how we learn to get along with the disease from media artifacts. Thus, my proposal is raising reflections that may somehow contribute to care and education in Nursing. / El estudio busca conocer el modo como el cuerpo del enfermo con cáncer es presentado por un conjunto de 15 películas producidas en Hollywood, entre 1970 y 2007, cuyo tema central es acerca del personaje adulto con cáncer en estado avanzado. Con base en los Estudios Culturales y su versión posestructuralista, pienso que aprendemos a ver el cuerpo enfermo de distintas formas, en las más diversas instancias educativas, siendo el cine una de ellas. A partir del análisis cultural, sostenido por las nociones de “discurso” y “subjetividad”, propuestas por el filósofo Michel Foucault, articulo una de las posibles lecturas del corpus cinematográfico. Tal lectura posibilitó la construcción de tres lecciones de Hollywood acerca de quedarse enfermo y morir de cáncer: “Primera lección de Hollywood: aprendiendo a ser enfermo”, “Segunda lección de Hollywood: aprendiendo a cuidar del cuerpo enfermo” y “Tercera lección de Hollywood: aprendiendo a morir de cáncer”. En ellas, evalúo de qué forma el discurso cinematográfico actúa como una pedagogía cultural que produce sujetos que ven el cuerpo enfermo de determinado modo, que enseña a cuidar de ese cuerpo y a morir de cáncer, dándonos señales acerca de cómo aprendemos a relacionarnos con la enfermedad a partir de los artefactos de los medios. Así, mi propuesta es suscitar reflexiones que puedan contribuir, de alguna manera, para la asistencia y la enseñanza en Enfermería. Palabras-

Dans la production de longs métrages des années 2000 il y a un numéro spécial de films où la figure de l'enfant semble être le chemin à parcourir, restaurer et critiquer le passé traumatique issue des dictatures du Cône Sud et les guerres révolutionnaires des années 60, 70 et 80 du XXe siècle. La présence d'enfants dans ces récits mémoriels a des implications importantes pour la définition des formes narratives à travers lequel le passé est mis à jour. Ce travail établit d'abord un genre poétique qui naît de la présence des enfants au cinéma en trois constellations (l'enfant et de la misère, la sexualité et de l'enfant, et les enfants et le passé) pour, dans une seconde moment, approfondir l'analyse des formes narratives de la troisième constellation. Sa complexité et son intérêt naissent de la multiplicité des opérations narratives qui se trouvent dans ces films dans lesquels l'enfance surgit dans le récit des adultes porte sur un passé nostalgique qui au même temps implique la dénonciation des conditions d'une enfance impossible et de la perte de celle-ci. Mais ces films non seulement doivent convoquer un passé traumatique lié à la fin de l'enfance, ils sont contraints aussi de prendre en compte les règles du cinéma de fiction ce qui donne lieu, dans la négociation, à une poétique (comme émergence dans l'histoire) dont son analyse sera l'objet final de ce travail. Cette poétique, comprise comme un horizon narratif, politique et idéologique, est le résultat de l'analyse fait sur les sept films du corpus qui parlent du passé des dictatures chilienne et argentine et les guerres révolutionnaires de l’Équateur, de la Colombie, du Venezuela, du Nicaragua et du Salvador. / During the 2000s there is a special production of Latin-American fiction films in which the figure of the child appears as the path to visit, restore and criticize the southern cone’s dictatorships traumatic past and the revolutionary wars of the 60s, 70’s and 80’s of the twentieth century. The presence of childhood in these memorial stories has important implications for the definition of the narrative forms through which that past is updated. This work aims to establish a poetics of the genre in three constellations (the child and the misery, sexuality and the child, and the childhood and the past). In a second moment it will go deepen in the analysis of the narrative forms of the third constellation. Its complexity and interest result from the multiplicity of narrative operations that take place in these films where childhood manifests itself through the nostalgia of the adult story about a past that at the same time is object of denunciation of the conditions of an impossible childhood and of the loss of it. But these films not only call a traumatic past linked to the end of childhood, they must also assume the rules of storytelling, producing in the negotiation a poetics (such as the emergence of history) that will be the final object of this work. This poetics, understood as a narrative, political and ideological horizon, will be the result of the analysis made of the seven films of the corpus that relate the past of the dictatorships of Chile and Argentina, and the revolutionary wars of Ecuador, Colombia, Venezuela, Nicaragua, Costa Rica and El Salvador. / En la producción de largometrajes argumentales en América Latina en los años 2000 hay una cantidad especial de películas en las que la figura del niño aparece como el camino para recorrer, restablecer y criticar el pasado traumático de las dictaduras del cono sur y las guerras revolucionarias de los años 60, 70 y 80 del siglo XX. La presencia de la infancia en estos relatos memoriales tiene implicaciones importantes para la definición de las formas narrativas a través de las cuales se actualiza ese pasado. Este trabajo establece en un primer momento una poética del género que surge de la presencia de los niños en el cine en tres constelaciones (el niño y la miseria, la sexualidad y el niño, y la infancia y el pasado), para en un segundo momento profundizar en el análisis de las formas narrativas de la tercera constelación. Su complejidad e interés surge de la multiplicidad de operaciones narrativas que tienen lugar en estas películas donde la infancia se manifiesta a través de la nostalgia del relato adulto sobre un pasado que al tiempo es objeto de denuncia de las condiciones de una infancia imposible y de la pérdida de la misma. Pero estas películas no sólo convocan un pasado traumático vinculado con el fin de la infancia, también deben asumir las reglas propias delcine argumental, produciendo en la negociación una poética (como el surgimiento a la historia) cuya dinámica será el objeto final de este trabajo. Esta poética, entendida como un horizonte narrativo, político e ideológico, será el resultado del análisis hecho de las siete películas del corpus que relatan el pasado de las dictaduras de Chile y Argentina, y las guerras revolucionarias de Ecuador, Colombia, Venezuela, Nicaragua, Costa Rica y El Salvador.

Submitted by Maike Costa (maiksebas@gmail.com) on 2016-06-14T12:08:10Z No. of bitstreams: 1 arquivo total.pdf: 3671987 bytes, checksum: 5ea1bc149b47c2fc011e1cd390abc337 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-14T12:08:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivo total.pdf: 3671987 bytes, checksum: 5ea1bc149b47c2fc011e1cd390abc337 (MD5) Previous issue date: 2015-04-23 / The films A teta assustada (2009), directed by Claudia Llosa, Whisky (2003), directed by Juan Pablo Rebella and Pablo Stoll and O segredo de seus olhos (2009), by Juan José Campanella, as any artistic text, exist ―only in the spirit which endows them with reality‖ (AUMONT, 1995, p. 225). The strategies adopted by each filmmaker have impregnated the narratives with poetical quality and opened a space for a politics of fiction. These narratives have functioned as windows which allowed us to think about the common human being; these were deliberate partial choices pregnant of an affective and a political perspective, whose aim was to under-stand the vicissitudes of our everyday life, through the stories of singular subjects/characters. Aiming to amplify the understanding of this issue, we carried out analyses of various fictional texts, through which we discussed the theoretical principles of poeticalness and metafiction, based on Jacques Rancière, Roman Jakobson, Linda Hutcheon, Patricia Waugh and texts by the Russian formalists. The objective of this research was therefore to investigate how Latin-American cinema, represented in three early films of the twenty-first century has proposed new ways of thinking about politics and subjectivity through a poetical action and vision. / Las películas La teta asustada (2009), Claudia Llosa, Whisky (2003), de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll, y El secreto de sus ojos (2009), de Juan José Campanella, como todo texto artísti-co, existen ―solo en el espíritu que le(s) da su realidad‖ (AUMONT, 1995, p. 225). Las estra-tegias de cada cineasta proporcionaron poeticidad a las narrativas y abrieron espacio para una política de la ficción. Estas narrativas nos sirven como ventanas para pensar el cotidiano del hombre común, opciones declaradamente parciales y que están imbuidas de una perspectiva afectiva y política que busca comprender nuestras dificultades de todos los días a partir de la historia de ―seres‖ (personajes) singulares. Con el objetivo de ampliar la comprensión de este tema, hicimos análisis de varias obras de ficción a partir de las cuales discutimos los princi-pios teóricos de la poética y de la metaficción a luz de Jacques Rancière, Roman Jakobson, Linda Hutcheon, Patricia Waugh y de textos de formalistas rusos. El objetivo de este estudio fue, por tanto, investigar como el cine latinoamericano, representado en tres películas de este inicio de siglo, propone nuevas formas de pensar lo político y la subjetividad política desde un hacer y mirar poéticos. / Os filmes A teta assustada (2009), de Claudia Llosa, Whisky (2003), de Juan Pablo Rebella e Pablo Stoll, e O segredo de seus olhos (2009), de Juan José Campanella, como todo texto ar-tístico, existem ―somente no espírito que lhe[s] proporciona[m] sua realidade‖ (AUMONT, 1995, p. 225). As estratégias de cada cineasta dotaram as narrativas de poeticidade e abriram espaço para uma política da ficção. Tais narrativas serviram-nos como janelas para pensar o cotidiano do homem comum, tendo sido escolhas declaradamente parciais, impregnadas de um olhar afetivo e político que buscou compreender as agruras nossas de cada dia a partir da história de ―seres‖ (personagens) singulares. Visando ampliar a compreensão dessa questão, realizamos análises de textos de ficção diversos a partir dos quais discutimos os princípios teóricos de poeticidade e metaficção, à luz de Jacques Rancière, Roman Jakobson, Linda Hut-cheon, Patricia Waugh e de textos dos formalistas russos. O objetivo dessa pesquisa foi, por-tanto, investigar como o cinema latino-americano, representado em três filmes deste início de século, vem propondo novas formas de pensar o político e a subjetividade a partir de um fazer e olhar poéticos.

Ces travaux ont pour objectif, à partir de l’analyse en ciné-IRM du processus de déglutition salivaire chez un sujet sain, d’optimiser le rendement clinique de cette technique pour les dysphagies. Un protocole d’imagerie rapide et une grille d’évaluation (D-GRID) ont été conçus. Leur application a été étudiée chez des patients présentant une tumeur des voies aéro-digestives supérieures, et chez des patients porteurs de Prothèses Intra-Laryngées (PIL). LaD-GRID permet de mesurer et d’évaluer le mécanisme de protection des voies aériennes, de concevoir des programmes de réhabilitation et de suivre l’évolution des dysphagies. L’analyse de la déglutition en ciné-IRM est limitée par l’absence de bolus et la position de decubitus dorsal, mais nos résultats montrent sa fiabilité. La ciné-IRM définit des modèles du déplacement normal ou anormal des structures anatomiques au cours de la déglutition.Les données de l’imagerie dynamique contribuent au développement des PIL. / The aim of this study was to develop the use of fast imaging to assess the swallowing mechanism in healthy volunteers, and to optimize its clinical use in case of oro-pharyngeal dysphagia. A fast imaging protocol during dry swallowing and an evaluation grid (D-GRID) were designed. Healthy subjects, patients with head and neck canceror patients implanted with intra-laryngeal prostheses under went kinetic MRI. True-FISP sequences provide accurate information about morphological aspects of the oro-pharyngo-larynx and displacements of anatomical structures involved in the normal or impaired swallowing mechanism. The analysis of the swallowing process with cine-MRIis restricted because of the lack of bolus and the supine position, but our outcomes are reliable. Patterns of normal orabnormal anatomical structures movements during swallowing are determined by cine-MRI. The development ofIntra-Laryngeal Prostheses represents a therapeutic solution partly based on dynamic MRI data.

nÃo hà / Este texto apresenta caminhos e resultados alcanÃados em uma investigaÃÃo sobre processos e redes criativas do Cinema ao Vivo no Brasil. Tomando como ponto de partida uma apresentaÃÃo de sinais da emergÃncia de um campo cultural constituÃdo por artistas, curadores, crÃticos e festivais de Imagens em Movimento ao Vivo, o autor discute o conceito de dispositivo e afirma que desde suas origens o dispositivo cinema foi multiforme e continua a ser na contemporaneidade. Assim, o termo Cinema ao Vivo à discutido dentro de uma abordagem investigativa dessas novas prÃticas de criaÃÃo e exibiÃÃo do ponto de vista da histÃria do cinema. Relacionando, entremeando dados sobre insatisfaÃÃes e soluÃÃes dos artistas, Estado da arte do desenvolvimento digital, cenÃrio de convergÃncia nas artes e na tecnologia, contextos culturais e sociais procura-se analisar a emergÃncia dos ambientes e condiÃÃes que permitem o desenvolvimento do Cinema ao Vivo. Analisando um tÃpico software de ediÃÃo de imagens ao vivo e apresentando-o como um sistema de criaÃÃo individual permeado por disposiÃÃes sociais, o texto parte para a descriÃÃo de processos e embiÃncias criativas caracterÃsticas subsidiando e realizando reflexÃes sobre as espeficidades jà perceptÃveis da linguagem do cinema e dos dispositivos do Cinema ao Vivo. / Este texto presenta caminos y resultados alcanzados en una investigaciÃn sobre procesos y redes creativas del Cine en vivo en Brasil. Tomando como punto de partida una presentaciÃn de seÃales de la emergencia de un campo cultural compuesto por artistas, curadores, crÃticos y festivales de ImÃgenes en Movimiento en vivo, el autor discute el concepto de dispositivo y afirma que desde sus orÃgenes el dispositivo cine fue multiforme y continÃa a ser en la contemporaneidad. AsÃ, el tÃrmino Cine en vivo es discutido dentro de un abordaje investigativo de esas nuevas prÃcticas de creaciÃn y exhibiciÃn del punto de vista de la historia del cine. Relacionando, mezclando datos sobre insatisfacciones y soluciones de los artistas, Estado del arte del desarrollo digital, escenario de convergencia en las artes y en la tecnologÃa, contextos culturales y sociales, se busca analizar la emergencia de los ambientes y condiciones que permiten el desarrollo del Cine en vivo. Analizando un tÃpico software de ediciÃn de imÃgenes en vivo y presentÃndolo como un sistema de creaciÃn individual permeado por disposiciones sociales, el texto parte para la descripciÃn de procesos y ambientes creativos caracterÃsticos apoyando y realizando reflexiones sobre las especificidades ya perceptivas del lenguaje del cine y de los dispositivos del Cine en vivo.