Thèse réalisée en cotutelle, sous la direction de M. Philippe Despoix (Université de Montréal) et de M. Michel Marie (Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3) / Apparu au lendemain de la Seconde Guerre mondiale avec la publication en 1957 d’On the Road de Jack Kerouac et la sortie, 12 ans plus tard, d’Easy Rider de Dennis Hopper, le road novel et le road movie constituent à nos yeux les deux versants de ce que nous avons choisi de nommer le récit de la route. Devant l’absence de réelle étude conjointe entre les deux formes et la persistance d’amalgames, nous souhaitons mettre en évidence ce qui permettrait de distinguer le road novel et le road movie d’autres récits d’errance. Un tel travail nécessite la mise au jour d’un outil d’analyse intermédial permettant d’embrasser de concert des œuvres relevant d’expressions médiatiques différentes. Nous proposons donc de recourir au concept de chronotope développé par Bakhtine en littérature, et dont il a été démontré il y a peu qu’il est aussi susceptible de s’appliquer à un objet cinématographique. Nous posons que road novel et road movie reposent sur la combinaison d’un ensemble de chronotopes fondamentaux : celui de la route, dans le contexte de la motorisation et des non-lieux de la postmodernité, et celui du seuil, compris comme l’expression du tournant d’une vie. La présence d’une dimension parodique nous amène en outre à mobiliser un autre concept bakhtinien : celui de carnavalesque, qui s’articulerait justement autour des chronotopes de la route et du seuil définis précédemment. Afin de procéder à cette analyse chronotopique, nous nous appuyons sur un corpus d’œuvres empruntées au répertoire américain, québécois et allemand, en raison notamment des multiples passerelles susceptibles d’être érigées entre ces différentes cultures. / Appearing in the wake of World War II, with the publication in 1957 of On the Road by Jack Kerouac, followed 12 years later with the screening of Denis Hopper’s Easy Rider, the road novel and road movie constitute, we argue, two sides of what we call the road narrative. Faced with a lack of comprehensive studies embracing both sides concurrently, and with recurrent amalgams, we reflect on the components differentiating the road novel and road movie from other types of wandering stories. Such a project calls for the construction of an intermedial apparatus, enabling us to jointly encompass artworks belonging to different media formats. Consequently, we build on the concept of the chronotope, as developed by Bakhtin as a tool for literary criticism, and recently extended by scholars to cinematographic objects. We show how road novels and road movies emerge from the combination of two fundamental chronotopes: that of the road, exemplified by a postmodern universe dominated by motor vehicles and non-places, and that of the threshold, understood as the expression of a critical turn in one’s life. The noted presence of a parodic dimension in road narratives calls for the introduction of an additional bakhtinian concept: the carnivalesque, which, as we show, can be articulated in relation to the previously defined road and threshold chronotopes. For this chronotopical analysis, we selected artworks from the American, Quebecois and German repertoires, a choice justified by the numerous potential connections to be established between those three different cultures.

This thesis will study the Italian literary phenomenon Gomorra, viaggi nell'impero economico e nel sogno di dominio della Camorra. First, the focus will be on the text's hybrid nature and implications and also on its literary and intellectual inspirations (such as Truman Capote, Pier Paolo Pasolini and Leonardo Sciascia). Secondly, we will take a closer look at the structure of the novel's narrative and its literary details, in order to reveal the different processes used by Roberto Saviano to convince the reader. Interwoven in this book's central plot, we will find a main obsession: the need to understand. Lastly, we will discuss the question of the great power treated in this novel, the one of a criminal organisation transformed by the revelations made throughout the story. These revelations will allow us to draw interesting comparisons between organized crime and merchant capitalism. For this part, we will refer to Guy Debord's La société du spectacle, and to Hannah Arendt's work on the question of totalitarianism. All of these elements will allow us to discuss the different perspectives within the narrative's framework, and more precisely, the figure of the narrator/author/character that gives Saviano's novel anthropological qualities, in the form of an ethnofiction (Augé). / Ce Mémoire cherchera a étudier le phénomène littéraire italien Gomorra, viaggio nell’impero economico e nel sogno di dominio della Camorra. Au fil de l’analyse il sera évoqué autant son caractère hybride et les implications que cela représente que les influences littéraires et intellectuelles, auquel un tel texte fait écho ( Truman Capote, Pier Paolo Pasolini, Leonardo Sciascia…). Par la suite nous nous attacherons aux structures narratives et aux particularités littéraires du roman, afin de faire ressortir les différents procédés utilisés par Roberto Saviano dans son intention de convaincre. Une obsession qui s’inscrit dans la dynamique centrale du livre, celle de comprendre. Enfin, il sera question de la grande force qui entoure ce roman, celle d’un crime organisé rendu différent de par les révélations faites au sein du roman. De cela nous tirerons une étude comparative entre le crime organisé et le capitalisme marchand, faisant appel autant à Guy Debord et son œuvre La société du spectacle, qu’à Hannah Arendt pour ses nombreux travaux entourant la problématique du totalitarisme. Tous ces éléments nous permettront de conclure sur la particularité des points de vue, notamment avec la figure du narrateur/auteur/personnage qui nous permettra de rapprocher le roman de Roberto Saviano au travail anthropologique, dans la dynamique d’une forme d’ethno- fiction (Augé)

Ce mémoire propose de s’attarder sur la symbolique de la flânerie pour associer le déplacement physique de la marche à l’opération mentale qui l’accompagne, mais aussi pour y tracer un rapprochement avec l’évolution des pratiques de lecture au cours des deux derniers siècles. Si l’on exigeait auparavant du lecteur qu’il se fasse en quelque sorte pèlerin traversant religieusement une œuvre selon la volonté de l’auteur, c’est un tout nouveau lecteur qui revendique le droit d’errer textuellement du Nouveau Roman jusqu’à l’hypertexte. Le concept de parcours narratif se dessine alors ici comme une alternative aux études narratologiques traditionnelles, un nouvel axe herméneutique où le lecteur dynamise ses pratiques de lectures en traçant dans une œuvre ses propres sentiers narratifs. Prenant en exemple l’éclosion hypertextuelle aussi bien que les tortueuses littératures de Kafka et de Camus, il s’agira de voir comment cette lecture-errance a renégocié, dans l’imprimé comme dans le numérique, la relation entre auteur et lecteur pour offrir une littérarité qui soit mise en marche, enfin libre d’être agie, parcourue. / This mémoire proposes to dwell on the symbolism of the flânerie by associating the physical act of walking to the mental operation that accompanies it, while also seeking to draw a comparison with the evolution of reading practices over the last two centuries. If in the past the reader was expected to follow the path set by the author religiously, what followed, from the Nouveau Roman to the hypertext, was a whole new reader claiming the right to wander textually. The concept of narrative path emerges here as an alternative to traditional narratological studies; it constitutes a new hermeneutic approach where the reader makes his reading practices more dynamic by charting his own narrative paths inside the work itself. Using as examples the irruption of hypertext as well as the tortuous literatures of Kafka and Camus, this mémoire will examine how the wander-reading concept helps to renegotiate, both in print and digital forms, the relationship between the author and the reader in order to offer a literature that’s in movement, finally free to be acted upon, to be crisscrossed.

Ce mémoire s’intéresse aux transformations littéraires et poétiques mises en œuvre par le mouvement de la Beat Generation au milieu du vingtième siècle en Amérique du Nord. En me penchant sur le recueil de poésie « Howl and Other Poems » du poète Allen Ginsberg, le texte emblématique de cette révolution littéraire, je montre comment le mouvement des Beats représente une transformation dans la tradition littéraire et poétique américaine, occidentale, en ce qui concerne à la fois la forme, les sujets abordés et la pratique d’écriture. Dans un premier temps, j’étudie l’histoire de ces changements en examinant la réception de « Howl », qui a bouleversé les attentes du milieu littéraire de l’époque à cause de son approche inclusive qui accueille tout dans la représentation. Mon deuxième chapitre se penche sur la vision du poète, la vision poétique. Je montre comment la perspective du poète face au monde change chez Ginsberg et les Beats. Au lieu de concevoir la transcendance, l’universel, comme quelque chose d’éloigné du particulier, comme le véhicule la tradition poétique occidentale, les Beats voient l’universel partout, dans tout. Enfin, je m’intéresse à la place du langage dans l’expression de cette nouvelle vision. J’observe comment Ginsberg et les Beats, en s’inspirant de la poésie de Walt Whitman, développent un langage spontané ne relevant plus de la maîtrise de soi. / This study investigates the literary and poetic transformations set in motion by the Beat Generation literary movement in mid-twentieth-century North America. In focusing on "Howl and Other Poems" by the poet Allen Ginsberg, the iconic text of this literary revolution, I show how the Beats represent a transformation in the American and Western literary and poetic tradition, with regard to form, theme and writing practice. In the first place, I study the history of these changes by examining the reception of "Howl," which upset the expectations of the literary establishment of the time because of its approach that includes everything, without distinction, in the representation. My second chapter focuses on the poet’s point of view, the poetic vision. I show how the poet’s perspective vis-à-vis the world changes with Ginsberg and the Beats. Instead of conceiving transcendence, the universal, as something far-removed from the particular, as presupposed by the Western poetic tradition, the Beats see transcendence everywhere, in everything. Ultimately, I turn to the place of language in expressing this new vision. I observe how Ginsberg and the Beats, inspired by the poetry of Walt Whitman, develop a spontaneous language no longer emanating from self-mastery.

Aucune figure, au XXe siècle et aujourd'hui, n'est comparable au zombie. Sa prolifération et sa réitération en font un cas d'étude exceptionnel. Or, une figure est inséparable des discours qui la voient naître. Il existe un subtil et profond arrimage entre la production d'une figure, son interprétation et l'économie de sens qui la voit naître. Ma modeste ambition, dans ce mémoire, s'insère dans une réflexion à caractère épistémologique où les enjeux narratifs et les notions critiques encadrant le phénomène zombie seront interrogés. De même, afin de faire émerger cette économie de sens, les modalités de sens de la métaphore doivent être cernées. Ce mémoire est donc une série de prolégomènes nécessaires à l'intelligence d'un important problème contemporain : l'interprétation d'une figure telle que le zombie. Le premier chapitre est une synthèse des manifestations de la figure et de sa compréhension. Les années 60 opèrent une importante transformation dans le corpus filmique zombie (et d'horreur) qui s'incarne dans Night of the Living Dead, de George Romero. Le second chapitre s'intéresse aux enjeux narratifs et aux notions critiques qui encadrent le phénomène zombie. La distinction entre thématique et esthétisme s'incarne alors dans la séparation stricte entre forme et contenu et se fait sentir dans les interprétations offertes du phénomène de l'horreur et dont les études sur le zombie sont tributaires. Cela fait, je rappellerai la vision de Todorov et d'Ingarden sur la représentation afin de cerner les enjeux véritables d'une interprétation. En définitive, la question sera de savoir si le zombie peut être pris à la lettre. Le troisième chapitre sera le moment d'interroger la métaphore afin qu'émergent les modalités de sens qui lui sont inhérentes. Ce chapitre se divisera en deux parties qui reprennent les moments essentiels de la métaphore : sa production et sa lecture. Pour ce faire, je parcourrai la tradition théorique sur la métaphore afin de saisir la portée de l'affirmation poétique qui établit un rapport métaphorique entre les zombies et les humains. Quelle est la signification de cette affirmation qui assume et guide la mise en récit d'une figure (le zombie), et qui assume et guide une lecture métaphorique de l'être humain? En guise de conclusion, je réfléchirai sur les modalités de la lecture en vue d'une interprétation de la figure du zombie. En ce sens, j'explorerai cette inséparabilité entre la manière, c'est-à-dire la métaphore, et son contenu, c'est-à-dire ses interprétations. / No figure, in the Twentieth Century, and today, is comparable to the zombie. Its proliferation and reiteration make it an exceptional case study. Yet a figure is inseparable from the discourses that give birth to it. There is a profound and subtle correlation between the figure’s productions and interpretation, as well as the economy of meaning generating it. My modest ambition, in this thesis, is anchored in an epistemological reflection in which the narrative stakes and the critical notions framing the zombie phenomenon will be examined. For that economy of sense to emerge, the metaphor’s modalities of meaning must be grasped. Thus, this thesis takes the form of a series of prolegomena necessary for understanding an important contemporary problem: the interpretation of a figure such as that of the zombie. The first chapter presents a synthesis of the figure’s manifestations. The 60s bring an important transformation in the zombie (and horror) corpus that is conveyed in George Romero’s Night of the Living Dead. The second chapter focuses on narrative issues and critical notions framing the zombie phenomenon. The strict separation between form and content shapes the horror discourse and many of its interpretations from which Zombie Studies emerge. Subsequently, I revisit Todorov’s and Ingarden’s thought about representation in order to grasp the fundamental issues of interpretation. Ultimately, the question concerns knowing whether the zombie can be taken à la lettre. The third chapter examines metaphor’s inherent modalities of meaning. This chapter is divided into two sections that represent the essential aspects of metaphor: production and reading. In this connection, I refer to the theoretical tradition on metaphor so as to discern the nature of the poetic affirmation that, through metaphor, links zombies and humans. What does this affirmation signify, as it takes up and guides both the zombie figure’s narrative and the metaphorical reading of the human being? In conclusion, I reflect on the modalities of reading underlying interpretations of the zombie figure. In this sense, I will explore the inextricable link between the mode - that is, the metaphor - and its content or, rather, interpretations.

Dans cette thèse, qui interroge la mise en écriture de l’enfance dans le roman contemporain de Maurice et de la Réunion, il s’agit d’analyser les dimensions suivantes : les modalités narratives, la construction, l’évolution et les fonctions du personnage enfant dans l’économie des textes, les rapports qu’il entretient avec les membres de sa famille et de son entourage immédiat, ainsi que la relation entre ces œuvres et leur contexte social et discursif. Notre corpus inclut quatorze récits d’enfance fictionnels de dix écrivains et écrivaines des Mascareignes, publiés de 1987 à 2012 : du côté mauricien, Nathacha Appanah, Ananda Devi, Marie-Thérèse Humbert, Shenaz Patel, Amal Sewtohul et Carl de Souza; du côté réunionnais, Danielle Dambreville, François Dijoux, Axel Gauvin et Jean-François Samlong. Dans ces romans, si la diversité et l’hybridité narratives, discursives et symboliques témoignent de l’imaginaire pluriel de ces sociétés hétérogènes, l’on retrouve néanmoins certaines grandes tendances, comme une écriture axée sur la mémoire du narrateur adulte ou sur l’expérience immédiate de l’enfant; des personnages enfants principalement souffrants, mal-aimés, subalternes et révoltés; ainsi que des familles et des sociétés dont le fonctionnement, les discours et les idéologies paraissent inappropriés, voire tout à fait néfastes. Si certains de ces choix esthétiques reconduisent certaines conventions, d’autres incarnent une perspective tout à fait nouvelle, voire transgressive. Par exemple, les emprunts à d’autres formes génériques comme le conte ou le théâtre, certaines écritures tout à fait singulières, ainsi que le fréquent mélange des voix et des langages se distinguent clairement des normes établies. La maltraitance extrême des petites et jeunes filles et l’apparition de la figure de l’enfant violent semblent également inédites. Le point de vue et l’expérience de l’enfant jettent enfin un regard global, approfondi et foncièrement critique sur les sociétés mauricienne et réunionnaise du présent (surtout dans le cas mauricien) comme du passé (années 1930 à 1970), procédant ainsi à un contre-discours s’opposant aux images exotiques et bucoliques de l’île paradisiaque. Du statut de témoin à celui d’acteur, l’enfant permet à l’auteur d’aborder une série de motifs et de problématiques distinctifs de l’imaginaire et des littératures de l’océan Indien, tels que l’altérité, l’identité, l’histoire, la mémoire, etc. / In this doctoral dissertation, which deals with childhood narratives in contemporary novels of Mauritius and Reunion Islands, we will examine the following dimensions: the narrative modalities, the construction, evolution and functions of the child protagonist within the texts, his relationship with different members of his family and the people around him, and the connection between these works and their social and discursive context. Our corpus includes fourteen works of fiction from ten different Mascareignes writers, published from 1987 to 2012 : from Mauritius, Nathacha Appanah, Ananda Devi, Marie-Thérèse Humbert, Shenaz Patel, Amal Sewtohul et Carl de Souza; and from Reunion, Danielle Dambreville, François Dijoux, Axel Gauvin et Jean-François Samlong. In these novels, if the narrative, discursive and symbolic diversity corresponds to the plural imaginative world of these heterogeneous societies, we can still find some significant trends, including narratives based on the adult’s memory or the child’s immediate experience; suffering, ill-treated, subaltern and rebellious child protagonists; families and societies whose general functioning, discourses and ideologies seem inappropriate, even harmful. If some of these aesthetic choices partake of certain conventions, others embody a new and even transgressive approach. For example, borrowings from other generic forms like tales, theatre, etc., particular styles of writing and the frequent mixing of different voices and languages distinguish those texts from established norms. The extreme abuse of little girls and the appearance of violent children also seem original. The child’s experience and perspective provides a global, profound and inherently critical view of present-day and past societies of Mauritius and Reunion Islands, therefore providing a counter-discourse to the exotic and bucolic images of a paradise island. From being a witness to an actor, the child allows the author to explore a series of motives and issues distinct to the imaginative world and literatures of the Indian Ocean, like otherness, identity, history, memory, etc.

Ce mémoire porte sur le rapport entre la maison et la littérature dans l’œuvre de Carolina Maria de Jesus, notamment dans son livre Quarto de despejo. Étant une écrivaine pauvre issue d’une favela de São Paulo, son œuvre déborde de réflexions, témoignages et vécus qui nous révèlent la relation intrinsèque entre écrire et bâtir, la littérature et la maison et entre l’habitation et l’écriture. Il s’agit dans ce mémoire d’accompagner de près les pas de Carolina bâtissant cette œuvre tout à fait inattendue, vu ses conditions matérielles et intellectuelles (elle vivait misérablement dans un barracão, et n’avait que deux ans d’instruction); il est question ici, également, de suivre la construction de ses demeures, d’abord le barracão où elle habitait qui a été édifié avec ses propres mains, ensuite la maison en brique qu’elle a pu acheter grâce au succès de son livre et, principalement, la vraie maison à soi qui s’avère être son écriture, ses mots, le mouvement double et inséparable de bâtir et écrire qui a dicté sa vie et son œuvre. Pour trouver le vocabulaire juste pour cette approche difficile, les mots du poète Edmond Jabès nous accompagneront tout au long de notre parcours, ainsi que la pensée perçante du philosophe Gaston Bachelard. / This thesis focuses on the relationship between notions of home and literature in the work of Carolina Maria de Jesus, especially in her book Quarto de despejo. Being a writer in great poverty from a favela of São Paulo, her work overflows with reflections, first-person accounts and lived experiences which reveal to us the intrinsic relationship between the act of writing and building, between literature and the place of habitation, between dwelling and writing. The goal of this thesis is to closely follow in the steps of Carolina as she builds this totally unexpected work, given the material and intellectual conditions in which she works (she lived miserably in a barracão, and she had only received two years of instruction); in the same vein, it is a question of tracing out the construction of her dwellings, beginning with the barracão in which she lived and which she built with her own hands, then the brick house that she was able to purchase as a result of her book’s success and, most importantly, her real home that turns out to be her writing, her words, the intertwined movement of building and writing that shaped her life and her work. In order to find the right vocabulary for this difficult approach, the words of the poet Edmond Jabès will accompany us in our journey along with the perceptive thoughts of the philosopher Gaston Bachelard.

Thèse réalisée en cotutelle avec l'Institut d'Études théâtrales de l'Université Sorbonne nouvelle - Paris 3 / Désireuse de s’affranchir d’une approche essentialiste et figée de la poésie au théâtre ainsi que d’une lecture générique, cette recherche envisage selon une méthodologie intermédiale les relations entre théâtre et poésie. En analysant un corpus témoin composé de créations textuelles et scéniques, elle montre comment la présence active de la poésie travaille le théâtre, et partant, elle les précise tous deux par leurs interactions. La première partie établit une généalogie de l’intermédialité du théâtre et de la poésie, et des liens dynamiques entre théâtre et poésie. Tout au long du XXe siècle, poésie et théâtre se sont en effet affirmés comme des « hypermédias » (Kattenbelt), mettant respectivement en jeu divers médias, tandis que plusieurs dramaturges ont développé des poésies théâtrales explorant des processus intermédiaux. Sont dégagées et analysées quatre configurations spécifiques à travers les œuvres et réflexions de Mallarmé et Maeterlinck, de Stein et Artaud, de Gauvreau et Novarina et à travers la poésie transmédiale que Cocteau développe entre théâtre et cinématographe. Consacrée au tournant des XXe et XXIe siècles, la deuxième partie élabore une approche théorique du poème théâtral, qui actualise les relations entre théâtre et poésie. Le poème théâtral constitue un dispositif intermédial qui, selon un modèle élaboré par Ortel et Rykner, articule inextricablement trois niveaux : technique, pragmatique et symbolique. Plusieurs traits précisent ce dispositif : sa radicalité dynamique, sa performativité, sa valorisation de l’écriture comme processus, et sa façon de considérer l’impossible comme moteur théâtral. Des analyses d’œuvres textuelles et scéniques de Kane, Malone, Danis, Régy et Lemoine montrent ensuite comment ce dispositif intermédial est activé et ce que le poème théâtral propose au lecteur et au spectateur comme expérience esthétique. Saisir le devenir intermédial de la poésie au théâtre permet de penser un modèle interartial placé sous le signe de l’hospitalité, où les arts, égaux, dialoguent entre eux et échangent, en faisant travailler ensemble leurs hétérogénéités et leurs altérités. / In an effort to do away with an essentialist, rigid, and generic approach to poetry in dramatic works, this research looks at the relationship between poetry and drama using an intermedial methodology. By studying a sample corpus made up of textual and theatrical works, this thesis shows how the active presence of poetry is at work in theatre, thereby redefining each of the two concepts through the ways in which they interact. The first chapter traces the genealogy of intermediality within poetry and drama, and that of the dynamic connections between drama and poetry. Throughout the twentieth century, poetry and theatre have come to be seen as « hypermedia » (Kattenbelt), each of them bringing into play various types of media. Meanwhile a number of playwrights started developing dramatic poems exploring intermedial processes. This research identifies and analyses four distinct forms in the thought and works of Mallarmé and Maeterlinck, Stein and Artaud, Gauvreau and Novarina, through the transmedial poetry developed by Cocteau at the confines of drama and cinematography. With a focus on works from the turn of the twentieth to twenty-first century, the second chapter offers a theoretical approach to the dramatic poem, that seeks to bring an updated approach to interactions between drama and poetry. The dramatic poem is an intermedial apparatus that, in Ortel and Rykner's view, inextricably combines the technical, the pragmatic and the symbolic. This apparatus is characterised by its dynamic radicalism, its performativity, its focus on the value of writing as a process and the way in which it conceives of impossibility as a dramatic driving force. Analyses of textual and dramatic works by Kane, Malone, Danis, Régy and Lemoine suggest how intermedial apparatuses are triggered and the kind of aesthetic experience the dramatic poem offers to readers and viewers. Contemplating intermedial processes of poetry in theatre allows for the reframing of an interartial model in an inclusive, hospitable fashion, where all art forms are considered equal, engage in dialogue and exchange, and combine their differences towards a common object.

Depuis les débuts de la deuxième vague féministe, la participation quasi-universelle des femmes au marché du travail a causé la perte, pour les pères de famille, du rôle de pourvoyeur exclusif que ces derniers avaient tenu depuis si longtemps. Les femmes hétérosexuelles de la société contemporaine sont dorénavant plus scolarisées et atteignent des carrières plus avancées que leurs contreparties masculines. Alors que les femmes soutiennent davantage la famille par leurs emplois, les hommes doivent proportionnellement assumer des rôles plus actifs et participatifs à la maison. En cette période de transition, de transformation et de redéfinition rapides des rôles genrés à l’intérieur de l’économie familiale hétérosexuelle, les pères participent de manière plus équitable à l’éducation des enfants et à l’entretien du domicile, ces rôles ayant longtemps été attribués presque exclusivement aux femmes. Ces nouvelles responsabilités détonnent avec les représentations stéréotypées des hommes dans la culture populaire, ainsi qu’avec les modèles d’identification de la masculinité normative que les hommes ont requis et requièrent toujours sous l’égide de l’hétérosexualité imposée. De ce fait, les hommes occidentaux de moins de cinquante ans se trouvent souvent à cheval entre deux mondes d’exigences concurrentes. La place que peuvent et doivent prendre les pères au sein de leurs familles requiert un questionnement critique. L’ironie de la place du père peut être comprise comme la tension entre les normes du genre rétrogrades ou conservatrices et les exigences – à la fois politiques et pragmatiques – de la masculinité de la classe moyenne contemporaine. Cette tension fondamentale et structurante de la masculinité contemporaine est vécue par l’anxiété d’association au genre, ainsi qu’à travers des difficultés filiales, paternelles et intergénérationnelles. Ce mémoire de maîtrise adopte une approche déconstructiviste envers l’analyse de constructions contemporaines de la masculinité reproductive. À travers les gender studies, la théorie queer ainsi que la psychanalyse, le mémoire offre des lectures analytiques du discours de croissance personnelle de John Stoltenberg, de la fiction autobiographique de Karl Ove Knausgaard, ainsi que de la série télévisée américaine Dexter. / Since the onset of second-wave feminism, the nearly universal participation of women in the labour market has loosened fathers’ grip on the role of exclusive household provider that they had held for so long. Increasingly, heterosexual women in contemporary society have higher levels of education and more advanced careers than their male partners; in direct proportion as women are breadwinners, men are required to assume more active, participatory domestic roles. In this time of rapid transition, transformation, and redefinition of gender roles within the heterosexual domestic economy, fathers participate more equitably in raising children and homemaking, roles that historically and culturally had long been assigned exclusively to women. These new responsibilities sit uneasily with popular culture’s stereotypical representation of men, and with identificatory models of normative masculinity that men have required under the auspices of compulsory heterosexuality. Consequently, western men younger than fifty often find themselves straddling two worlds of competing imperatives. The place that fathers can and must take in their families requires a critical inquiry. The irony of the father’s place can be understood as the tension between retrograde or conservative gender norms and the demands – both political and pragmatic – of contemporary middle-class masculinity. This underlying, structuring tension of contemporary masculinity is experienced in gender alignment anxiety, along with filial, paternal, and inter-generational difficulties. This thesis adopts a deconstructionist approach to the analysis of contemporary constructions of reproductive masculinity. Working among gender studies, queer theory, and psychoanalysis, it offers analytical readings of the ‘self-help’ discourses of John Stoltenberg, the fictional autobiography of Karl Ove Knausgaard, and the American television series, Dexter.

La littérature française des voyages présente un univers complexe, bien souvent ancré à l'identité culturelle du pays. Cependant la clôture de ce système littéraire n'interdit pas la présence d'une large intertextualité et la possibilité de comparaisons avec l'histoire de l'art et la production artistique italienne analysée par les auteurs. À l'intérieur du voyage français en Italie, Gênes reste une étape encore inconnue dont l'approche des auteurs envers son patrimoine artistique n'a jamais était suffisamment étudiée. La présente thèse de doctorat a donc pour objet celui de comprendre la perception du patrimoine artistique génois dans les journaux français de voyage entre le XVIIe et le XVIIIe siècle. La recherche, à travers une étude critique et détaillée, a donc comme but non seulement celui de déterminer les divers processus culturels qui ont contaminé le goût et les préférences artistiques des voyageurs durant leur permanence à Gênes, mais aussi celui de comprendre l'approche de ces derniers à l'égard de la production artistique locale. / This project aims to be a critical study on how the artistic heritage of the city of Genoa is perceived in French travel literature from the 17th and 18th centuries.To this date no study has examined in depth what was the French travelers view on the artistic work they encountered and how their view and taste was heavily influenced by the art literature conventions of the Royal Academy of Paris.This research is a comparison study between travel literature, art literature and local guides of the of the time. The purpose of the work is therefore to determine which were the wider cultural processes that influenced the taste and preferences of the travelers and, more specifically, to understand what was their view on the Genoese artistic production.