Le présent travail a pour objet les traductions italiennes de récits chevaleresques français et les traductions françaises de récits chevaleresques italiens accomplies de la fin du XVe siècle jusqu’en 1560. Il se situe à l’intersection de deux domaines, celui des textes composés au Moyen Age et encore lus à la Renaissance (parfois au-delà), et celui des échanges entre France et Italie en dehors de la culture humaniste. A cette fin, nous nous proposons d’étudier des textes italien et français peu connus, en les comparant avec leurs sources respectives. Pour la France, nous avons retenu les traductions de Guerrin Meschino, Morgante ilGigante, Orlando Innamorato et Orlando Furioso. Pour l’Italie, nous étudions une traduction du Guiron le Courtois de la première moitié du XVIe siècle, conservée à Florence dans un manuscrit. Le même roman de Guiron a été l’objet une adaptation en octaves commandée par François Ier à Luigi Alamanni, poète de cour et figure de l’«italianisme royal». Enfin, nous étudions les traductions françaises de la «collection» chevaleresque publiée à Venise au milieu du siècle (Lancelot, Perceforest et Meliadus).Au-delà du seul domaine des traductions, dans une première partie («Perceptions et usages des romans de chevalerie»), nous questionnons certaines facettes de l’histoire et de là l’appréhension du roman de chevalerie à l’époque étudiée : à savoir la création d’un roman de chevalerie moderne à partir des années quarante, la réception des romans par le public, les frontières du genre dans le système des lettres, ainsi que l’imaginaire lié à la lecture de ces livres. / The purpose of this dissertation is to study Italian translations of French chivalric narrative and French translations of Italian chivalric narrative from the late 15th century to 1560. The work lays at the intersection of two fields of study: medieval texts still read during the Renaissance and literary vernacular exchanges between France and Italy. For this purpose, I have studied some almost unknown French and Italian texts and compared each of them to the original in the other language. Regarding France, I have examined the translations of Guerrin Meschino, Morgante il Gigante, Orlando Innamorato and Orlando Furioso. As far as Italy is concerned, I have analyzed the translation of Guiron le Courtois preserved in a manuscript from Florence (first quart of 16th century.) The same chivalric romance of Guiron was later adapted in Italian verses by the court poet Luigi Alamanni, at the request of the French monarch (1547). Finally, I have studied some Italian translations from French (Meliadus, Lancelot and Perceforest) as part of a chivalric editorial collection published in Venice in the mid-16th century.In addition to the analysis of the translations, I have broadly investigated the chivalric romance with special regard to its late editorial evolution and its reception, especially, the public reception, the invention of a “modern” romance in the forties, the blurred boundaries of the chivalric romance genre and the perception of these texts in the 16th century imaginary.

Nous exposerons dans notre thèse, les éléments déterminants liés à la tradition imagée du Petit chaperon rouge, et aux supports qui lui sont associés, afin de mieux les mettre en perspective avec l'objet de notre étude : voir dans quelle mesure les livres illustrés, albums et autres supports espagnols hébergeant le conte, s’inscrivent à l’intérieur d’une tradition iconographique que nous pourrions qualifier d’européenne,ou en quoi, au contraire, ils rompent avec cette tradition. / We will expose in our thesis, the determining elements related to the pictorial tradition of Little Red Riding Hood, and the media associated with it, to better place them in perspective with the object of our study: to what extent books, illustrated albums and other Spanish media hosting storytelling, enroll in within an iconographic tradition that we might call European, or how, on the contrary, they break with this tradition.

Pourquoi une thèse sur Rabelais, en 2012 ? Certes : en apparence on ne présente plus l’écrivain, qui s’inscrit ànotre Panthéon, sans conteste, comme l’un des « pères » de la littérature française. Pourtant, le constat quifonde notre propos, c’est qu’il y a, justement, une nécessité urgente à réintroduire Rabelais. Auprès du grandpublic – parce que les lecteurs la délaissent, souvent induits à penser qu’elle est illisible ou inactuelle. Leréintroduire, aussi, dans le discours de la critique généraliste, dont les recherches les plus stimulantes tendent àrejeter Rabelais, et son époque dans la sphère du non-littéraire. C’est aussi ce que les rares études sur laréception de l’écrivain indiquent : en suggérant qu’au-delà d’une série de reprises ponctuelles ou d’imitationsde second rang, l’auteur n’aurait pas eu de réelle postérité chez les écrivains modernes – et qu’il se serait heurtéà un « malentendu », sinon à une déconcertante « défiguration ». En somme, à l’époque moderne, l’oeuvre deRabelais s’identifie insidieusement à un objet du patrimoine : plus qu’à un objet littéraire – de rechercheslittéraires. Et en 2012, malgré soi, l’on en viendrait à reprendre les conclusions amères de Céline : que Rabelaisa « raté son coup ». Alors que faire ? Notre thèse sur les « fils de Rabelais », envisageant successivement les casde Nerval et d’Apollinaire, entend récuser ce constat accablant. En réhabilitant la notion de « fils » enlittérature, nous montrerons que Rabelais possède bel et bien une postérité dans la littérature moderne : qu’auXXIe siècle, son oeuvre réussit encore à faire parler d’elle – et à inspirer de nouveaux regards critiques. / Why present a thesis on Rabelais in 2012? Clearly, at first sight, we no longer need to showcase a writer who has undoubtedly earned his place in our Pantheon as one of the "fathers" of French literature. Yet, our whole thesis is based on the premise that there is a pressing need to revitalise Rabelais in our literary consciousness. Readers neglect his work – often led to believe that it is unintelligible or outdated – and the trend in the most stimulating of critical studies is to reject Rabelais and his era into the non-literary sphere. This is what the rare studies of how the writer was received show : they suggest that, aside from a series of one-off replications or substandard imitations, the author is not really a source of inspiration to modern writers – his legacy has come up against "misunderstanding" and has even bafflingly been "distorted". In short, in our modern age, Rabelais' work is insidiously identified as part of our heritage, rather than literary matter or a subject for literary study capable of inspiring critics and writers. If, in 2012, against our better judgment, we are tempted to concur with Céline's bitter conclusions: that Rabelais "failed in his design ". What should we do about it? The aim of our thesis on the "sons of Rabelais" is to challenge this damming conclusion, by considering successively Nerval’ and Apollinaire’ cases. Through a rehabilitation of the notion of a literary descendant or “son”, we will show that there is a clear thread between Rabelais and modern literature, and that in the 21st century, his work can still, and always still, succeed in attracting debate and discussion – inspiring fresh critical thought. Keywords : Rabelais – Nerval – Apollinaire – filiation – reception – posterity – analogy – manner.

De son vivant Huysmans a fait l’objet de critiques contradictoires et de vives polémiques. En proposant un ensemble de plus de 300 articles, qui illustrent les premières réactions de la critique devant son œuvre, du Drageoir à épices (1874) à À vau-l’eau (1882), cette thèse tente de dégager les principaux thèmes auxquels s’attachent les commentateurs et les sujets qui les opposent.La première notoriété de Huysmans est le fruit de son engagement dans la bataille naturaliste. Son étude sur L’Assommoir, publiée dans L’Actualité de Bruxelles en 1877, et sa contribution aux Soirées de Médan, en 1880, montrent son adhésion à la nouvelle école. Et la critique ne manque pas de situer ses premiers écrits dans le sillage de Goncourt et de Zola.Si quelques critiques reconnaissent le talent de Huysmans, d’autres le discréditent. Son style, qui séduit les uns, choque les autres. De nombreux chroniqueurs condamnent l’immoralité de Marthe, déplorent la présence de motifs scatologiques dans Les Sœurs Vatard, En ménage et Sac au dos, déprécient En ménage et À vau-l’eau pour l’absence d’intrigue et la vision pessimiste qui s’en dégage.Rares sont les commentaires sensibles aux aspects novateurs de son œuvre, à la promesse d’un affranchissement par rapport à l’esthétique naturaliste, et au fait que Huysmans réussit à se distinguer en réalisant sa double ambition : se faire connaître et conserver son autonomie. / During his lifetime, Huysmans was the object of varied and sometimes controversial criticism. By proposing more than 300 articles that illustrate the critics’ first reactions to Huysmans’s work, from Drageoir à épices (1874) to À vau-l’eau (1882), this thesis aims to identify the main themes presented by critics and those who oppose them.Huysmans first came to prominence thanks to his commitment to the naturalist cause. His study of L’Assommoir, published in L’Actualité of Brussels in 1877, and his contribution to the Soirées de Médan, in 1880, are evidence of his belonging to the new school, and critics would soon enough place Huysmans’s first texts in the footsteps of Goncourt and Zola.If a number of critics appreciate Huysmans’s talent, many others discredit him. His style, seductive for some, can be shocking for others. Many chroniclers condemn the immorality of Marthe, deplore the presence of scatological motifs in Les Sœurs Vatard, En ménage and Sac au dos, and even depreciate En ménage and À vau-l’eau for their lack of intrigue and their pessimistic points of view.Few are the comments which recognize the innovative aspects of his work, the promise of emancipation from the naturalist aesthetic and the fact that Huysmans distinguishes himself by reaching his double ambition: being both well-known and keeping his autonomy.

Consacrée à la réception en France de deux grands textes canoniques de la littérature persane, l’Avesta et le Shâh-Nâmeh (Livre des rois) de Ferdowsi, la thèse examine les circonstances de la publication de la traduction de l’Avesta par Anquetil-Duperron et les travaux critiques de William Jones sur cette entreprise, et analyse le débat entre ces deux chercheurs, et notamment l’implication de Voltaire dans cette vaste controverse et la contribution de Louis Langlès, qui a le premier révélé aux Français l’œuvre de Ferdowsi en 1788. Ensuite, notre recherche repose principalement sur l’étude des échanges de vues et correspondances des hommes de lettres de la période révolutionnaire, napoléonienne et romantique par rapport aux deux œuvres. Elle examine la place que tient le Shâh-Nâmeh dans le champ des études comparatistes, alors tout nouvellement défini en France par Jean-Jacques Ampère, et les discussions portant sur la valeur historique et poétique de l’œuvre dans le cadre de réflexions sur l’ancienneté et l’origine du monde. L’épopée persane intervient à plusieurs reprises dans les débats de la période concernant l’Antiquité, la chevalerie, et le genre même de l’épopée. Outre Ampère, Volney, Silvestre de Sacy et Sainte-Beuve sont les figures marquantes de cette étude ainsi que le rôle important joué par Mary Clarke et Helmina von Chézy. / Devoted to the reception in France of two great canonical texts of Persian literature, the Avesta and the Shâh-Nâmeh (Book of Kings) of Ferdowsi, the thesis examines the circumstances of the publication of the translation of the Avesta by Anquetil- Duperron and the critical works of William Jones on this company, and analyzes the debate between these two researchers, including the involvement of Voltaire in this vast controversy and the contribution of Louis Langles, who first revealed to the French the work of Ferdowsi in 1788. Next, our research is mainly based on the study of exchanges of views and correspondences of the men of letters of the revolutionary period, Napoleonic and romantic compared to the two works. It examines the place of Shâh-Nâmeh in the field of comparative studies, then newly defined in France by Jean-Jacques Ampère, and the discussions on the historical and poetic value of the work as part of reflections on antiquity and the origin of the world. The Persian epic is a part of the debates of antiquity, chivalry, and the genre of the epic. Besides Ampère, Volney, Silvestre de Sacy and Sainte-Beuve are the key figures of this study as well as the important role played by Mary Clarke and Helmina von Chézy.

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Dans les années 2000, les séries télévisées rencontrent un engouement sans précédent. Ce qui ne constituait qu’une « sous-culture » pour quelques passionnés, devient un genre de plus en plus légitime. Ce succès, attribué par les journalistes au renouveau créatif des séries américaines, est largement alimenté par la programmation des chaînes françaises. La télévision n’est cependant plus leur seul diffuseur : DVD, streaming et échange de fichiers sur Internet ont largement pris le relais. Ces médias participent désormais à la configuration des séries, incitent à de nouvelles stratégies et invitent les spectateurs à des usages diversifiés.Les chercheurs montrent eux aussi un intérêt croissant pour les séries, les considèrent comme un terrain propice à l’étude des représentations sociales (sociologie), des « objets narratifs » (narratologique) ou encore des « programmes télévisés » (sémio-pragmatique).Alors, qu’est-ce qu’une série ? Dans le but de répondre à cette question, nous avons adopté une conception élargie des séries comme objets culturels médiatiques, configurés par l’ensemble complexe des médiations socio-techniques qui leur donnent forme. C’est alors par l’étude compréhensive du point de vue et des pratiques des acteurs de leur communication (professionnels, médias, spectateurs) que nous entendons appréhender les séries et la manière dont se construit leur culture. A la croisée de différentes méthodes (analyse de discours, entretiens compréhensifs, portraits), se dessinent les contours des séries au regard de leurs médiations, se laisse découvrir la complexité de l’objet et entrevoir la nécessité d’une réflexion sur les méthodes à engager dans leur analyse. / During the 2000s, television series met with an unprecedented public infatuation. What had previously constituted but a small "subculture" was rising to become a legitimate genre in its own right. This success, that journalists attribute to a creative renewal in American series, is largely fed by French television network programming. Television, however, is no longer the sole broadcaster : DVD and streaming and sharing online are now heavily present. Henceforth, these media will now participate in the configuration of series, incite new strategies and invite audiences to diversify their usages.Researchers themselves show an increasing interest in series, considering them a rich field for the study of social representations (sociology), "narrative objects" (narratology) or also "televised programs" (semio-pragmatics).So, what is a series ? In order to answer this question we have adopted a broad conception, regarding them as being objects of media culture configured by a complex ensemble of socio-technical mediations which give them form. To understand series how they construct their culture, we implement a comprehensive study of the practices and points of view of their communication actors (professionals, media and audiences). Through the use of different methods (discourse analysis, comprehensive interviews, portraits and transversal analysis) we outline series, with regard to their mediations, allowing us to discover the complexity of the object and the necessity of reflection upon the methods to employ in their analysis.

S’inscrivant dans le cadre d’une littérature qui proclame le renouveau, l’écriture de Chevillard procède à l’expérimentation et aux jeux entre la norme et la distorsion, entre le retour et le détour, avec et contre le roman. Le discontinu s’avère un pont primordial sur lequel se tracent ces enjeux littéraires. À travers le décryptage de la mise en scène esthétique de la discontinuité, le présent travail vise la sollicitation et l’interprétation des différentes manifestations de la rupture et de la dislocation, génératrices de l’éclatement de la narration, de l’écriture digressive et métaleptique, et de la complexité de la lecture. Renforcés par la portée ludique et comique, ainsi que par l’abolition des frontières entre le fictif et le réel, avec ses clichés et ses stéréotypes, de tels procédés se révèlent au service de la vision ironique et critique qui contre-attaque ce que Chevillard appelle le « bon vieux roman ». De ce fait, la lecture du roman chevillardien ne devrait plus se stagner au niveau de la déconstruction et du discontinu, mais elle présuppose le déchiffrage d’une unité profonde que camouflent l’incohérence et la rupture, signes de provocation et de dérangement d’un lecteur complice de l’acte diégétique et esthétique de l’œuvre. Ce lecteur ne serait pas une instance naïve manipulée, mais une instance critique « compétente » qui, emportée par l’émotionnel, entre en communication avec le texte. De ce fait, les idées et la réflexion de ce lecteur dynamique seraient confrontées à celles de l’écrivain, et son raisonnement aboutirait à une reconstruction de la déconstruction, par la production du sens et la participation performative à la fictionnalisation du récit. La « jouissance du texte » naît d’une telle créativité coopérative et intelligente, qui admet le dérangement, déjoue la complexité et dégage l’essence poétique du roman. / Being part of a literary movement that proclaims renewal, Chevillard's writings proceed in experimentation and games between norm and distortion, the return and the detour, with and against the novel. Discontinuity proves to be a primordial bridge which such literary matters draw on. Through the decoding of the aesthetic staging of discontinuity, the present work aims at the solicitation and interpretation of the different manifestations of rupture and dislocation, generated by the bursting of narration, digressive and metaleptic writing as well as reading complexity. Reinforced by the playful and comical range in addition to the abolition of the borders between the fictitious and the real, its clichés and stereotypes, such processes turn out to be in the service of the ironic and critical vision that counter-attacks what Chevillard calls the "Good old novel." As a result, the reading of the Chevillardian novel should no longer stagnate at the level of deconstruction and discontinuity, but on the contrary it presupposes the deciphering of a deep unity that camouflages incoherence and rupture, the signs of provocation and disturbance of an accomplice reader of the diegetic and aesthetic act of the work. This reader would not be naïve and manipulated, but a critical and "competent" entity, which, carried away by the emotional, enters into communication with the text so that its ideas and reflection are confronted with those of the writer, and his reasoning results in a reconstruction of deconstruction through the production of meaning and the performative participation in the fictionalization of the narrative. The enjoyment of the text is born of such a cooperative and intelligent creativity that plays with the disturbance, thwarts the complexity and releases the poetic essence of the novel.

Cette thèse se propose d’étudier les enjeux et les stratégies à l’œuvre dans l’apparition de la peur dans les œuvres littéraires et vidéoludiques. Il s’agit de théoriser, dans une démarche comparatiste, le rapprochement des deux médiums ainsi que les paradigmes structurant les fictions horrifiques. La capacité du jeu vidéo et de la littérature à produire de l’incertitude et de l’étrangeté à partir d’un code rigoureux (textuel, informatique, ludique) durant son actualisation en œuvre par l’interaction du lecteur/joueur et l’interdépendance conflictuelle entre mimesis (mise en forme du réel) et phantasia (résurgence d’un réel défiant la rationalité) forment les fondations de ce travail.En tant que catalyseur de la peur, le monstre constitue le point central de l’analyse formelle des œuvres étudiées. La synthèse d’un large corpus permet d’identifier quatre archétypes à partir desquels se déploient les multiples actualisations de la monstruosité : le Barbare, la Gorgone, le Revenant et la Chimère. Ces figures incarnent les zones d’ombre de la culture occidentale. Le Barbare exprime la confrontation à une étrangeté envahissant l’environnement familier mais aussi le soubassement violent et chaotique de la civilisation. La Gorgone représente l’Autre radical, fascinant et terrifiant. S’en approcher suppose de s’aventurer hors du monde et de courir le risque d’être contaminé par la monstruosité, incapable de regagner la demeure. Le Revenant figure les enjeux de la hantise, d’un passé qui, constitutif du présent, reste vivant. Fruit d’une rupture de la continuité temporelle, il ne peut qu’y être réintégré par la résolution de l’énigme qu’il pose. La Chimère est, quant à elle, celle qui transgresse les catégories. Monstre aux multiples visages, elle défie l’organisation rationnelle du réel.Enfin, une étude de la figure de l’auteur, des processus d’adaptation et d’extension des univers fictifs permet d’aborder la mobilité des figures monstrueuses et leur capacité à franchir les frontières, qu’il s’agisse des intentions de création, des cadres médiatiques ou des mondes fictionnels. Ces conclusions s’appuient sur une mise en dialogue d’œuvres littéraires et vidéoludiques sélectionnées dans un corpus varié visant à concilier rigueur de l’analyse et vision englobante. / The aim of this thesis is to study the stakes and strategies behind the apparition of fear in novels and video games. Through a comparative approach, I intend to theorize the bridging of these mediums and the paradigms structuring scary fictions. At the core of this work lie the ability of video games and literature to create uncertainty and strangeness from a rigorous code (be it textual, digital or game rules) during the interaction with the reader/gamer and the conflicting interdependence between mimesis (as a shaping of reality) and phantasia (as a resurgence of a reality that defies reason).As fear’s catalyst, the monster is at the heart of my formal analysis. The synthesis of a large corpus allows for an identification of four archetypes from which the various manifestations of monstrosity spread: the barbarian, the gorgon, the phantom and the chimera. These figures personify the dark corners of western culture. The barbarian embodies the confrontation with an alien whom invades a familiar environment as well as the violent and chaotic base upon which rests civilization. The gorgon represents the radical otherness, fascinating and terrifying. To go near it is to venture out of the world and to run the risk of being contaminated by the monster, becoming unable to go back home. The phantom conveys the stakes of the haunting, of an undead past that is still part of the present. As the baring of a tearing in time continuity, it is to be reintegrated through the solving of the enigma it poses. Ultimately, the chimera is the one who transgresses categories. With its numerous faces, it defies the rational organisation of reality. Finally, a study of the author’s figure, of the adaptation process and of the fictional worlds extensions offers an outlook on the mobility of monsters and their capacity to cross borders, whether they are creative intents, mediatic frames of worlds of fiction.These conclusions are based on a dialogue between literary works and video games selected in a diverse corpus that aims to merge analytical thoroughness and an encompassing vision.

Cette thèse doctorale a pour objet l’étude de la réception de l’Histoire Ecclésiastique de Socrate de Constantinople dans trois œuvres tardo-antiques : l’Histoire Tripartite (HT) de Théodore le Lecteur, composée en grec en 518, l’Histoire Tripartite (HT) de Cassiodore composée en latin (1re moitié du VIe s.), et la première version arménienne de Socrate (« Grand Socrate ») (VIe-VIIe s.). Les œuvres de Théodore et de Cassiodore sont traditionnellement considérées comme de simples compilations alors que le Grand Socrate n’est perçu que comme une traduction. Une double question a guidé notre recherche : comment et pourquoi les auteurs tardo-antiques ont-ils exploité l’Histoire Ecclésiastique de Socrate de Constantinople ? Pour répondre à ces questions, nous avons examiné quel rôle jouait l’œuvre de Socrate dans chacun des trois témoins ciblés, en déterminant préalablement la fonction de ces œuvres « réceptrices » à leur propre époque. Dans les trois témoins analysés, malgré les différences apparentes entre « compilation » et « traduction », l’auteur a procédé à une déconstruction de l’Histoire ecclésiastique de Socrate – son matériel historiographique est disséqué en notices ou en morceaux – et a ensuite arrangé ce matériel, l’a reconstruit selon des critères méthodologiques et historiographiques propres. L’œuvre de Socrate est avant tout une source d’informations sur l’histoire de l’Eglise dont se servent les trois « récepteurs » en vue de créer leur propre récit, original, des mêmes événements. L’entérinement de leur récit ne repose pas sur le respect de la signification historiographique de l’œuvre de Socrate mais sur l’autorité qui émane de l’invocation du nom de son auteur. / This Ph.D. thesis examines the reception of the Church History of Socrates of Constantinople in three late-antique historiographical texts: the Tripartite History (TH) of Theodorus Lector, composed in Greek in 518, the Tripartite History (TH) of Cassiodorus, written in Latin in the first half of the sixth century, and the first Armenian version of Socrates (the so-called « Great Socrates », 6th-7th c.). The works of Theodorus and Cassiodorus are traditionally considered to be mere compilations whereas the Great Socrates was considered a mere translation. The core research question of this thesis is a double one: how and why did these late-antique authors use the Church History of Socrates of Constantinople? In order to answer these questions, I examine the role of Socrates’ work in each of the three historiographical texts under examination in view of the function that each of these new texts fulfilled in their own context. Notwithstanding the differences between a “compilation” and a “translation”, or the clear differences between the HT of Cassiodorus and Theodore, each of our three witnesses has deconstructed the Ecclesiastical History of Socrates, divided it up in separate notices and pieces, then re-arranged the material to reconstruct it according to his own methodological and historiographical criteria. Socrates is above all a source of information for church history, used by all three witnesses with the aim of creating their own, original narrative of the same events. The validity of their narrative does not derive from a respect for the historiographical significance of the work of Socrates but on the authority evoked by his very name.