Cette thèse considère l'importance de la mémoire et de l'autofiction dans l'œuvre littéraire et cinématographique des enfants de militants politiques en Argentine pendant les années soixante-dix. L'analyse se concentre sur le documentaire Los rubios (2003) d'Albertina Carri, et sur les romans Los topos (2014) de Féliz Bruzzone et La casa de los conejos (2008) de Laura Alcoba. Ces auteurs, mais aussi d’autres auteurs de la même génération et des enfants de militants, abordent le passé de la dernière dictature (1976-1983) en se concentrant sur le personnage du « disparu ». En même temps, ils deviennent protagonistes de leurs propres histoires. La mémoire de membres de leurs familles et de survivants est nécessaire pour que les auteurs de ces œuvres sachent ce qui est arrivé à leurs parents disparus. L'autofiction devient une nécessité pour pouvoir élaborer leurs narrations, dans lesquelles se confondent la fiction, les faits réels et les données biographiques. L'autofiction des auteurs étudiés ici se distingue de l'autofiction canonique par un pacte de lecture différent. L'analyse tourne autour des concepts de mémoire et d'histoire, ce qui permet de voir la spécificité et la singularité avec laquelle les auteurs abordent le passé. L'œuvre culturelle, littéraire ou cinématographique, se constitue dans ces travaux comme un espace dans lequel le trauma est réélaboré. La remise en question de la mémoire du militantisme, les décisions des parents, la recherche de la propre identité, l'apparition de voix antérieurement ignorées ou peu écoutées sont des aspects qui apparaissent dans ces narrations. À travers leurs œuvres, les enfants de militants et/ou de disparus ont ouvert d'autres voies d'interprétation de la période la plus tragique de l'histoire argentine, en représentant d'autres mémoires et en évoquant un passé sur lequel tout n’a pas encore été dit. / This thesis considers the importance of memory and autofiction in the literary and audiovisual work produced by the children of the 1970´s Argentinian political activists. Our analysis comprises the documentary Los rubios (2003) by Albertina Carri, the novels Los topos (2014) by Félix Bruzzone, and La casa de los conejos (2008) by Laura Alcoba. These authors, along with others from their generation who also had activist parents, reflect on the events that took place during the last Argentinian dictatorship (1976-1983) by focusing on the figure of the desaparecido (the missing person). At the same time, these authors present themselves as the protagonists of their own stories. The memories of family members and of political survivors become an instrumental tool for the authors to understand the fate of their missing parents. For these authors, autofiction becomes necessary if they are to elaborate their narratives, which merge fiction, biographical experiences and historical events. The autofictional work of the authors we study here proposes a different reading contract from the one usually established by canonical autofiction. Our analysis delves into issues related to memory and history, which reveal the specific and original way in which these works consider the past. Cultural, literary or audiovisual works become a space for the working through of historical trauma. These narratives problematize the past, questioning the memory of 1970s political activism, doubting their parents´ decisions, searching for their own identities, and include voices that had been previously ignored. Through their work, the children of political activists and/or missing persons have opened new ways of considering one of the most tragic periods of Argentinian history, representing other memories and recalling a past about which not all has been told. / Esta tesis considera la importancia de la memoria y de la autoficción en la obra literaria y cinematográfica de hijos de militantes políticos de la Argentina de los años setenta. El análisis se centra en el documental Los rubios (2003) de Albertina Carri, y en las novelas Los topos (2014) y La casa de los conejos (2008) de Féliz Bruzzone y Laura Alcoba, respectivamente. Estos autores, junto a otros de la misma generación y también hijos de militantes, abordan el pasado de la última dictadura (1976-1983) centrándose en la figura del desaparecido. Lo hacen, además, como protagonistas de sus propias historias. La memoria de familiares y sobrevivientes resulta necesaria para que los autores de las obras sepan qué ocurrió con sus padres desaparecidos. La autoficción se torna una necesidad para poder elaborar sus narraciones, en las que convergen ficción, hechos reales y datos biográficos. Las autoficciones de los autores estudiados aquí se distinguen de las autoficciones canónicas por el diferente pacto de lectura que en ellas subyace. El análisis gira en torno a los conceptos de memoria e historia, lo cual permite ver la especifidad y singularidad con la que abordan el pasado. La obra cultural, literaria o cinematográfica, se constituye en estos trabajos como un espacio en que se reelabora el trauma. El cuestionamiento a la memoria de la militancia, a las decisiones de los padres, la búsqueda de la propia identidad, la aparición de voces antes ignoradas o poco escuchadas son aspectos que, en mayor o menos medida, son evidentes en estas narraciones. A través de sus obras, los hijos de militantes y/o desaparecidos han abierto otras vías de interpretación del periodo más trágico de la historia argentina, representando otras memorias y evocando un pasado sobre el que todavía no está todo dicho.

Ce travail explore les représentations du corps mort dans des cuentos hispano-américains contemporains pour essayer d’établir par ce biais une typologie des rapports que l’être humain entretient de façon générale avec la mort. L’idée centrale que nous avançons est que la littérature reproduit un nombre limité de réactions universellement valables, se montrant ainsi capable de mettre à la disposition de ses lecteurs un inventaire étrangement fiable des attitudes qu’eux-mêmes, à l’instar des personnages, sont susceptibles d’aborder face à cet événement ultime. Le choix du cadavre comme protagoniste des récits étudiés s’explique par le fait qu’il soit la seule image concrète et tangible de la mort et que, par son apparence repoussante, il représente une terrible source de hantise qui conditionne et altère toute tentative paisible de se rapprocher de celle-ci. Le cadre théorique des mondes possibles littéraires qui posent la fiction comme expérience envisageable et la particularité formelle du genre littéraire du cuento avec sa petite étendue et son caractère auto-suffisant permettent la vision du texte comme espace tombal où gisent ces nombreux cadavres fictionnels. Le lecteur a ainsi accès de près au corps mourant/mort, froid, putride, puant, dépecé ou bien embaumé, et les expériences littéraires acquises de cette manière s’ajoutent à son effort d’apprivoisement de la réalité effrayante de la mort. / This work explores the dead body as it is represented in a number of contemporary Latin American cuentos in order to establish a typology of the different reactions of human beings in general when faced with death. I suggest that literature reproduces a limited number of universal behaviours in this situation and thus it gives readers a fairly reliable inventory of the attitudes that they, like the characters, are likely to adopt.The corpse as a protagonist of the short stories discussed here has been selected because it is the only concrete and palpable image of death and that, by its repulsive appearance, it represents a terrible source of fear which conditions and alters any intention of peacefully trying to come to terms with it. The theoretical framework of the literary possible worlds whereby fiction is seen as a potential experience, and the formal characteristics of the cuento, such as its reduced, self-contained nature, allow the text to be read as a funerary space where all these fictional dead bodies lie. The reader is thus brought into close contact to the dying/dead, cold, putrid, stinking, dismembered or embalmed body and the literary experiences he/she goes through help him/her to come to grips with the frightening reality of death.

This dissertation adopts a fresh interdisciplinary perspective on reading the postwar urban poems of New York School poet Frank O’Hara. Through French Situationist philosophy, and particularly the writings of Guy Debord, the study explores the spatial and textual relations of O’Hara’s urban and cultural representations in postwar poetry. With the help of psychogeography and its “anti-techniques” of détournement and dérive, the research focuses on O’Hara’s uses of appropriation in constructing his urban assemblages. The dissertation considers postwar poems from The Collected Poems of Frank O’Hara and offers Situationist readings and understandings of O’Hara’s modernist (urban and cultural) space. The choice of specific poems highlights O’Hara’s unequivocal inspiration by French poetry and focuses on their urbane, experimental and erotic aspects. The first two chapters propose ways in decoding psychogeographical approaches in poetic (de)composition for reading O’Hara’s poems, while the third delves into O’Hara’s uses of camp in dialogue with Situationist politics that highlight not only the capitalist and the cultural, but also the erotic and the queer. / Cette thèse expose une nouvelle perspective interdisciplinaire quant à la lecture des poèmes d’après-guerre de le poète de New York School Frank O’Hara. Au travers de la philosophie de Situationiste Internationale, plus précisément des écrits de Guy Debord, cette étude explore les connections entre la poésie de Frank O’Hara et des propres représentation urbains et culturelles. Grace au notions de psychogeographie et ses « anti-technique » de détournement et dérive, cette recherche se concentre sur l’art d’appropriation qu’utilise O’Hara dans ses assemblages poétiques. L’emphase mise sur les poèmes d’après-guerre tirés de The Collected Poems of Frank O’Hara illustre la vision de l’environnement moderniste de O’Hara. Les aspects urbains, expérimentaux, et érotiques inspirés de la poésie française sout mis en valeur par les poèmes choisir d’O’Hara. Les deux premier chapitres proposent une approche psychogeographique pour décomposer les images des poèmes de O’Hara tandis que le troisième chapitre examine l’utilization du « camp » en rapport avec la politique Situationiste qui souligne non seulement la capitalisme et la culture, mais aussi l’érotique et l’homosexualité.

Cette thèse examine les décisions financières à travers la théorie des options Américaines et Exotiques. Dans un premier temps, nous avons présenté une revue de la littérature sur les options de type Américain. La tarification de l’option Américaine standard d’achat est revisitée en vue de fournir les pré-requis. Dans l’étape suivante, un nouveau type de contrat d’option, appelé Strangle Euro-American ou Strangle Hybride, a été introduit. Des formules analytiques ont été fournies pour leurs prix ainsi que leurs paramètres de gestion. Une nouvelle méthode est proposée pour calculer les intégrales qui définissent les bornes d’exercice anticipé. Il a été démontré que cette méthode est efficiente, précise et rapide pour la tarification de tous les types de Strangle voir au delà. Puis, nous avons examiné les options Step de type Américain. Nous avons démontré que les propriétés des options d’achat "vanille" ne s’appliquent pas aux Step dans certaines situations. Les formules d’évaluation et des paramètres de gestion ont été déterminés. Et enfin, nous avons considéré l’évaluation d’une firme détenant simultanément une option d’abandon et une option d’expansion de ses activités selon des conditions du marché (favorables ou défavorables). Les seuils critiques de décision ont été obtenus. Des formules analytiques pour la valeur de la firme ont été obtenues. Des simulations illustrent le comportement de ces seuils critiques de décisions anticipées. / This thesis investigates the financial decisions through the theory of American and Exotic options. First, the literature on American-style derivatives is surveyed. The pricing of standard American call option in the early exercise premium representation is addressed in order to provide prerequisites for what follows. Second, a new variant of Strangle contracts, called Euro-American or Hybrid Strangles, is introduced and priced. Analytical formulas are provided for the prices of all these option contracts as well as their hedging parameters. A new quadrature is proposed to account for the systems of coupled integral equations that locate the early exercise boundaries. It is shown to be efficient, accurate, and fast for pricing all types of early exercisable strangles and more. Third, we examines the valuation of American Step options contract. The structures of the immediate exercise regions of the various contracts are identified. Typical properties of American vanilla calls are shown to fail in some cases. Formulas for prices and hedging parameters, for the American Step options, are derived. Finally, we consider the valuation of a firm holding simultaneously an option to expand and to abandon productions depending on the state of the market (good or bad) in a real option framework. Optimal decision levels are obtained. Analytical formulas for the firm’s value are provided. Numerical results document the behavior of the firm’s value and optimal exercise boundaries levels.

L’été au Parc Belmont est un recueil de fragments qui allie prose narrative, photographies d’archives familiales, écriture manuscrite et dessins. Le récit relate l’enquête d’une narratrice sur l’identité de son père et la difficile mise au tombeau de celui-ci. Dans ce projet d’exhumation du passé paternel, la parole phagocytante de la narratrice rassemble toutes les informations qu’elle peut trouver et demeure l’unique énonciatrice du récit. C’est dans une temporalité ressassante, mélancolique et non linéaire que se déroule l’intrigue; entre l’enfance du père le long de la rivière des Prairies, son adolescence à Cartierville et sa vie adulte dans une ville de banlieue, le présent de l’enquête vient faire irruption. Le recours à des archives familiales sous forme de photographies et de vidéos pour l’élaboration de ce recueil problématise le rapport entre le texte et l’image. Ainsi, les photographies sont utilisées de diverses manières : photos qui apparaissent dans le texte sans qu’on les convoque directement, photos dont est donnée une ekphrasis elliptique ou falsifiée, photos accompagnées de légendes détournées, etc. Cartographies du père propose une réflexion sur les liens qu’entretiennent le topographique et le biographique dans les textes littéraires contemporains. Dans le cadre de cet essai, je m’intéresse à un corpus doublement mixte : québécois et américain, mais également narratif et graphique. L’étude porte plus exactement sur trois autrices et auteurs, soit Alison Bechdel (Fun Home : A Family Tragicomic, 2006), Hervé Bouchard (Harvey ou Comment je suis devenu invisible, 2009) et Catherine Mavrikakis (La ballade d’Ali Baba, 2014). Au-delà des rapports entre transmission et lieu, les textes de mon corpus sont liés par la mort du père, perte indépassable, événement toujours à investiguer pour les narratrices et narrateurs. Il s’agit non seulement d’analyser la manière dont ces textes thématisent l’absence paternelle ainsi que les difficultés et les apories de la transmission qui en découlent, mais aussi de quelles façons ils représentent le lieu, jouent avec l’espace de la page, mobilisent les outils de la cartographie et décrivent les trajets. Pour ces héritières et héritiers, la reconstruction d’un événement ou d’un passé familial passe nécessairement par une reconstitution du lieu, qu’il soit la campagne de la Pennsylvanie, la maison familiale des Bouillon ou le chemin entre Montréal et Key West. L’analyse de cette reconstitution du lieu informe le lecteur du rapport que l’héritier entretient avec la figure paternelle. Cartographies du père offre également une réflexion sur l’acte de raconter l’autre et sur les recours fictionnels inévitables que cette entreprise oblige. / L’été au Parc Belmont is a collection of fragments that combines narrative prose, family archive photographs, handwriting and drawings. In this story, the narrator is investigating her father’s identity. The narrator gathers all the information she can find and remains the sole enunciator of the story in her attempt to exhume the paternal past. The plot unfolds in an overwhelming, melancholy and non-linear temporality; between the father’s childhood along the Rivière des Prairies, his adolescence in Cartierville and his adulthood in a suburban town, the narrator’s investigation periodically bursts in. The use of family archives in the form of photographs and videos problematizes the relationship between text and image. Thus, photographs are used in various ways : photos which appear in the text without being directly referred to, photos which are given an elliptical or falsified ekphrasis, photos accompanied by diverted legends, etc. Cartographies du père offers a reflection on the links between topography and biography in contemporary literary texts. In this essay, I am studying a corpus that is both Québécois and American, as well as narrative and graphic. The study focuses on three authors : Alison Bechdel (Fun Home : A Family Tragicomic, 2006), Hervé Bouchard (Harvey ou Comment je suis devenu invisible, 2009) and Catherine Mavrikakis (La ballade d’Ali Baba, 2014). Beyond the relationships between transmission and locales, the texts of my corpus are linked by the father’s death, an unsurpassable loss, an event that is yet to be investigated by the narrators. While this essay focuses on the way in which these texts thematize paternal absence –namely through the difficulties and shortcomings of the transmission resulting from this loss – it is also questioning the ways in which the authors represent various locales, play with the space of the page, mobilize mapping tools and describe routes. For these heirs, the reconstruction of a family event or history necessarily involves a reconstruction of the setting, whether it be the Pennsylvania countryside, the Bouillon family home or the road between Montreal and Key West. The analysis of the reconstruction of the locale informs the reader of the relationship that the heir maintains with the father figure. Cartographies du père also offers a reflection on the act of remembering and talking about another person and on the inevitable fictional shifts that this action provoke.

Thèse en recherche-création / Que notre joie demeure s’inspire de la prose vaste et compassionnelle de Marie-Claire Blais. Le roman explore, tout comme le cycle Soifs, la forme polyphonique et la « représentation de la vie psychique » (Dorrit Cohn). Le travail de préparation m’a amené à m’intéresser au roman moderne du premier XXe siècle. Henry James, Virginia Woolf et Marcel Proust forment, avec des textes thématiques sur l’architecture, l’économie et la ville, mon corpus de création. Je me questionne, avec Blais, sur l’héritage possible de cette conception du roman aujourd’hui. J’imprime à ma réflexion sur la création littéraire (dans l’essai qui suit) un léger déplacement : comment un empêchement imposé de l’extérieur est-il vécu par une créatrice qui souhaite produire une œuvre ? Mon roman politise cette question en mettant en scène une architecte québécoise qui décroche enfin, après une brillante carrière internationale, un grand projet à Montréal. Ce projet soulèvera cependant une forte protestation populaire. C’est à travers le prisme des classes sociales et du privilège économique que je relis les œuvres mentionnées plus haut en m’intéressant aux affects que suscite la contestation des inégalités chez celles et ceux qu’elles favorisent. Que notre joie demeure comporte une forte dimension sociale. Le texte me permet de décrire les processus d’embourgeoisement – largement documentés – qui touchent actuellement Montréal et l’évolution des disparités économiques au Québec depuis les années 1970. L’essai Rater mieux porte sur le processus créateur dans sa relation avec le fantasme, d’une part, et la matérialité du support livresque, d’autre part. Pourquoi les écrivain·es ont-il·les, en reprenant des composantes du fameux Livre mallarméen (Notes en vue du « Livre »), placé une partie de leur œuvre sous le magistère d’un « Fantasme de Roman » (Barthes, La préparation du roman) ? Que nous apprennent du processus créateur ces « livres-que-je-n’écris-pas » (Cixous), devenus objets de fiction ? Ces fantasmes traduisent fréquemment une volonté de défaire l’objet-livre, de congédier ou de transcender la matérialité du support, comme si la littérature devait parfois se déployer hors du livre. Croisant la discussion théorique, l’analyse textuelle et l’essai personnel, ma thèse développe une conception de la création intimement liée au ratage et à la notion d’échec (Beckett). Au carrefour de la psychanalyse, des théories queer et de l’histoire du livre, j’analyse les différentes modalités de ces ratages dans les œuvres littéraires et dans la théorie (Agamben, Butler, Deleuze, Foucault, Grossman). Je fais dialoguer les textes de Roland Barthes, de Victor-Lévy Beaulieu, de Marie-Claire Blais et d’Hélène Cixous avec des œuvres savantes et populaires, tant européennes, québécoises qu’américaines (Hubert Aquin, les Beatles, Joan Didion, Céline Dion, Lautréamont, Courtney Love, Stéphane Mallarmé, Marcel Proust, Ginette Reno, André Roy, Chloé Savoie-Bernard, Zadie Smith). L’échec est vécu de façon mélancolique chez un écrivain comme Beaulieu, comme jouissance libératoire chez Cixous, il est passage obligé chez Barthes, tandis qu’il acquiert une dimension éthique chez Marie-Claire Blais. La notion de fantasme me permet d’aborder différentes économies psychiques et libidinales de l’écriture, dont je propose une interprétation queer. Il s’agit de renouveler par ces analyses et ces propositions théoriques le cadre de lecture découlant de la mise en abyme des livres fictifs ainsi que les approches du processus créateur. / May Our Joy Remain is a novel inspired by the vast and compassionate prose of Marie-Claire Blais. The novel explores, like the These Festive Nights novels cycle, the polyphonic form and the “representation of psychic life” (Dorrit Cohn). The preparatory work led me to the modernist novel of the first half of the twentieth century. Henry James, Virginia Woolf, and Marcel Proust form, alongside thematic texts on architecture, economy, and the city, a sum of works that inspired me. I wonder, with Blais, about the possible legacy of the modernist novel today. How is an impediment imposed from the outside experienced by an artist who wishes to produce a work of art? My novel politicizes this question by featuring a Québec architect who finally obtains, after a shining international career, a major project in Montréal. However, this project will provoke a fierce popular protest. It is through the prism of social classes and economic privilege that I read the above-mentioned works and take an interest in the affects that contestation of inequalities arouse in those who promote them. May Our Joy Remain has a strong social dimension. The text allows me to describe the gentrification processes (widely documented) currently impacting Montréal and the evolution of economic disparities in Québec since the 1970s. The essay Fail Better focuses on the creative process in its relation to fantasy (phantasm) on the one hand, and the materiality of the book, on the other hand. Why do writers, by using components of the famous Mallarmean Book, place part of their work under the magisterium of a “Fantasmatic Novel” (Barthes, La preparation du roman)? What do these “books-I-do-not-write” (Cixous), which have become objects of fiction, teach us about the creative process? These phantasms frequently bear a desire to undo the object-book, to dismiss or transcend the materiality of the medium, as if literature sometimes had to unfold outside the book. Crossing theoretical discussion, textual analysis, and personal essay, my thesis develops a conception of writing intimately linked to failure (Beckett). At the crossroads of psychoanalysis, Queer theories, and book history, I analyze the different modalities of these failures in literary works and in theory (Agamben, Butler, Deleuze, Foucault, Grossman). I make the texts of Roland Barthes, Victor-Lévy Beaulieu, Marie-Claire Blais, and Hélène Cixous interact with scholar and popular works, both from Europe, Québec and the United States (Hubert Aquin, The Beatles, Joan Didion, Céline Dion, Lautréamont, Courtney Love, Stéphane Mallarmé, Marcel Proust, Ginette Reno, André Roy, Chloé Savoie-Bernard, Zadie Smith). Failure is experienced as a melancholy for a writer like Beaulieu, as a liberating jouissance for Cixous, it is a necessary step for Barthes, while it acquires an ethical dimension in the works of Marie-Claire Blais. The notion of fantasy allows me to approach different psychic and libidinal economies of writing, of which I propose a Queer interpretation. I hope through these analyzes and these theoretical proposals to contribute renewing the reading framework of fictitious books and of discourses on the process of literary creation.

Au cours des premières décennies du XXIe siècle, les écrivaines latino-américaines dépeignent des personnages féminins qui remettent en question la figure traditionnelle de la mère, remettant en cause simultanément le schéma traditionnel du lien entre mère et fille. Les approches de Judith Butler sur la performativité et le corps, ainsi que la méthode déconstructive de Jacques Derrida, sont à l’origine de cette analyse comparative des romans : Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) et La hija única (Guadalupe Nettel). Butler soutient que la performativité du genre découle d’une construction soumise à une série de pratiques significatives qui ont perpétué un discours. Ce discours, instauré dans un contexte patriarcal, a été rendu opérationnel grâce à la reconnaissance de certaines normes qui ont historiquement placé les femmes dans une position subalterne. Dans ces romans, nous découvrons des mères qui remettent en question les normes établies par le discours dominant, offrant ainsi de nouvelles perspectives aux futures maternités de leurs filles. De même, les écrivains abordent la maternité au-delà du binôme de la bonne ou mauvaise mère, élargissant la chaîne des significations de la maternité et recensant des maternités alternatives. En dernier lieu, l’étude s’intéresse à la critique sociale que les écrivaines expriment dans leurs romans concernant l’application de la normativité imposée au corps maternel pour assurer une reproduction réussie, ainsi qu’à la violence associée à la défaillance de ces normativités. / In the early years of the 21st century, Latin American female writers engendered female characters that deconstruct the traditional model of the mother while questioning the traditional structure of the bond between mothers and daughters. Judith Butler’s approach to performativity and the body, together with Jacques Derrida’s method of deconstruction are the theoretical background to the comparative analysis of the novels Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) y La hija única (Guadalupe Nettel). Butler argues that gender performativity stems from a construction anchored in a series of meaningful practices that have been perpetuated in the sociocultural discourse. This discourse, established under a patriarchal system, achieved its effect by naturalizing certain norms that have historically placed women in a subordinate position. In these novels, we find mothers who subvert the norms established by the dominant discourse, opening new perspectives to the future maternity of their daughters. Furthermore, the writers address motherhood beyond the binomial of good or bad mothers to expand the chain meaning of motherhood and take into account the present imprint of maternity. Finally, this study considers the social claim that the novels raise regarding the regulations that are imposed on the maternal body to ensure successful reproduction and the violence associated with the breach of those regulations. / Durante las primeras décadas del siglo XXI las escritoras latinoamericanas presentan en sus textos literarios personajes femeninos que deconstruyen la figura tradicional de la madre, cuestionando simultáneamente el esquema tradicional del vínculo entre madre e hija. Los planteamientos de Judith Butler sobre la performatividad y el cuerpo, así como el enfoque deconstructivo propuesto por Jacques Derrida sirven en este trabajo como marco para el análisis comparativo de las novelas Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) y La hija única (Guadalupe Nettel). Butler argumenta que la performatividad de género resulta de una construcción sujeta a una serie de prácticas significativas que se han perpetuado en el discurso sociocultural. Este discurso, establecido bajo un sistema patriarcal, ha naturalizado ciertas normas que históricamente han situado a las mujeres en una posición subalterna. En las novelas del corpus encontramos madres que subvierten las normas establecidas por el discurso dominante, abriendo con ello nuevas perspectivas a las futuras maternidades de sus hijas. Asimismo, las escritoras abordan la maternidad más allá del binomio de la buena o mala madre, ampliando la cadena de significaciones de la maternidad y registrando maternidades alternativas. Por último, el trabajo considera la denuncia social que las novelas plantean con respecto al cumplimiento de la normativa impuesta sobre el cuerpo materno para garantizar una reproducción exitosa, así como con respecto a la violencia asociada al incumplimiento de dichas regulaciones.

Ce mémoire se propose d'analyser la concordance entre l'illustration du désir humain et sa transformation en violence sociale dans les théories du désir mimétique et du mécanisme du Bouc émissaire, développées par René Girard dans ses oeuvres Mensonges Romantiques et Vérités Romanesques et Le Bouc Émissaire, et dans l'oeuvre de William Faulkner The Sound and the Fury. Ce mémoire soutient que la description du désir humain et son acheminement en crise sociale est très similaire chez les des deux auteurs. The Sound and the Fury, tout comme les oeuvres de René Girard, décrivent le désir humain comme un mécanisme triangulaire basé sur l'imitation du sujet à un model ou médiateur. Ils démontrent aussi que ces désirs peuvent créer des rivalités féroces qui peuvent induire à une violence irrépressible. Quand cette violence se multiplie par le nombre de rivaux acharnés, elle évolue en phénomène sociale : une crise que René Girard appelle Crise Mimétique et que William Faulkner reproduit dans la majorité de ces nouvelles et précisément dans The Sound and the Fury. Le mécanisme humain décrit pour l'évacuation spontanée de la violence est aussi remarquablement conforme dans l'effigie des deux auteurs. Les écrits des deux démontrent que pour évacuer leur agressivité, les sociétés la redirigent envers un ou des individus qu'ils considèrent comme inférieurs. Finalement, les deux auteurs analysent d'une manière très rapprochée les trois méthodes utilisées par l'homme pour contenir la violence. Ils présentent tout les deux les rituels comme une méthode qui a été longtemps efficace pour canaliser les tensions mais qui n'a plus sa place dans la société moderne et ce à cause du déclin religieux. Ils décrivent aussi tout les deux les méthodes compensatoires tels que les duels et les jugent inefficace et, en dernier lieu, ils considèrent tout les deux le système légal comme une méthode efficace pour l'interruption des cycles de vengeances mais pas pour l'évacuation de la violence.

Au cœur de la Seconde Guerre mondiale, lorsque l'Allemagne brise la défense de la ligne Maginot et que la France abandonne le combat et déclare l'armistice en juin 1940, les États-Unis ne comprennent pas ce qui a pu arriver à l'une des forces armées les plus fortes au monde et qui a permis l'instauration du régime de Vichy. Si le gouvernement de Washington cherche à fuir le combat actif tout en maintenant un contact avec le gouvernement de Vichy, le New York Times laisse libre cours à ses impressions sur le conflit européen, particulièrement sur le régime vichyste et ses politiques. Le présent mémoire cherche à comprendre l'attitude adoptée par le New York Times face à la défaite française, à la collaboration franco-allemande et aux relations franco-américaines de 1940 à 1942. La consultation d'éditoriaux du quotidien, pendant les deux premières années du régime, nous a permis de constater que le journal est dévasté par la défaite et anxieux face à la collaboration, puis démontre une compréhension vis-à-vis des actions de Washington envers Vichy qui se transforme en une désapprobation face au maintien de leurs relations diplomatiques.

Par l'analyse des tableaux et de sa propre théorie de 1938 à 1948 nous proposons une nouvelle exégèse de l'oeuvre de Roberto Matta Echaurren. Cette période se déroule principalement à New York devenue la nouvelle capitale de l'art. Un contexte particulier d'inquietude par rapport au destin de l'humanité et à la fois d'une grande prospérité économique précisaient les bases de la grande période de l'École de NewYork. Les écrits des notables critiques d'art de l'époque et le passage brusque à une nouvelle iconographie, de la part de Matta, nous montrent deux manifestations opposées de l'art. D'une part, une esthétique d'autosatisfaction et de l'autre, l'art engagé. / Montréal Trigonix inc. 2018