Le présent travail a pour but d’analyser et de montrer comment une chanson, dans toute sa richesse langagière, musicale et socioculturelle peut devenir un réel outil d’apprentissage. Tout d’abord, une étude de la situation actuelle de l’enseignement du FLE en Inde, révèle l’emploi limité à la grammaire et au vocabulaire des chansons et démontre l’insuffisance de l’exploitation des chansons françaises dans leur intégralité : les aspects esthétiques et artistiques sont très peu abordés. Ensuite, une réflexion théorique porte sur les domaines de la didactique de l’oral, de la musique et plus particulièrement, des chansons. Elle met en relation les concepts interdisciplinaires tels que la musique, l’émotion, le plaisir, la réception et l’expérience esthétique, la motivation, la culture, les chansons, l’oral, etc. du point de vue de l’enseignement/apprentissage d’une langue. Cette recherche vise l’identification des manques et des besoins, à travers une pré-enquête et des entretiens réalisés dans des établissements différents de New Delhi. Enfin, une remédiation sous forme d’un projet artistique appliquée à des apprenants indiens hindiphones de 3ème année de FLE, montre les effets bénéfiques de l’étude transversale en évoquant le rôle pertinent des chansons sur le développement cognitif, affectif et socioculturel. Le côte ludique de l’apprentissage à travers les chansons suscite le plaisir esthétique et un nouveau désir de s’exprimer dans une langue. Cette thèse concerne non seulement plus de 300,000 apprenants indiens du FLE mais également, tous les domaines de la didactique, des neurosciences, de la psychologie, de l’interculturalité, de la linguistique et de la musicologie. Les propositions développées ici sont également applicables à d’autres langues. / The present work aims at analysing and showing how a song, in all its linguistic, musical and sociocultural richness, can become a real tool of learning. First of all, the current situation of the teaching of French as a foreign language (FLE) has been studied, that reveals the use of the songs being limited to their grammar and vocabulary. Its analysis brings to the forefront the insufficient use of French songs in their entirety:aesthetic and artistic aspects being the less addressed aspects. In order to address this situation, the focus has been put on studying the theoretical notions in the domain of teaching of oral, music and particularly, songs. These notions are furthermore analyzed in the light of teaching/learning of a language to study the interdisciplinary concepts such as music, emotion, pleasure, aesthetic reception and experience, motivation, culture, songs, oral, etc. This research aims at identifying what is lacking and needed, with the help of pre-survey and interviews conducted in different institutes of New Delhi. Last but not the least, an art based project has been suggested to the native Hindi speakers studying in the 3rd year of FLE. This project highlights the advantages of the cross-sectional study referring to the important role of songs on the cognitive, emotional and sociocultural development. The playful side of learning through songs arouses aesthetic pleasure and new desire to express oneself in a language. This thesis not only concerns more than 300,000 Indians students of FLE but also relates to the fields of didactics, neurosciences, psychology, interculturality, linguistics and musicology. The suggestions developed here in this project apply equally to other languages as well.

La chanson d'Yde et Olive, an early fourteenth-century epic poem from the Picard region, exemplifies the medieval custom of text renewal that seeks to adapt pagan materials to fit Christian doctrine. Largely based on the plot of the Ovidian fable Iphis and Ianthe from The Metamorphoses, its main character Yde undergoes a metaphorical transformation from a woman into a man. Moreover, much like the Ovide moralisé, a Christianized adaptation of the Latin original, Yde et Olive's message can be understood as a Christian parable for the purging of the sinful soul. To set up the poem's didactic message, the poet carefully infuses the story with contemporary social concerns, such as the theme of incest and gender disruption, both potentially offensive forces to the medieval social structure. In the backdrop of these threats to society, the heroine's overcoming of her struggles becomes all the more meaningful, leading to a clear moral message to the reader. While being a hybrid in genre and structure, the poem shows many borrowings from Christian hagiography, especially from the later, more romance-influenced versions of the Vitae of female transvestite saints. In these narratives, the heroine's spiritual development is typically portrayed in terms of "becoming male," which can also be understood as an erasure of sexual difference to approach God in a Neoplatonic sense. Moreover, the development of Yde's own hybrid state leading to the climax of revealing her new sex exemplifies medieval literary criticism, elaborating on the central theme of uncovering truth by exposing the hidden gem beneath the rough surface.

Durant la guerre de Sept Ans, de nombreux versificateurs anonymes s'inspirèrent des événements qui eurent lieu en Amérique du Nord pour célébrer la force et la grandeur des troupes franco-canadiennes. Il s'agissait pour eux d'attiser la haine de la population envers l'ennemi tout en favorisant la cohésion sociale de leur collectivité. Ces textes poétiques et chansons constituèrent un terrain propice à l'émergence d'un nouveau discours identitaire, et ce, en permettant, d'une part, la migration de l'ethnonyme « Canadien » dans le champ discursif local et, d'autre part, en contribuant à la création d'un premier récit commun mettant en scène les exploits guerriers de héros natifs de la colonie. Il va sans dire que le contexte de guerre qui sévit alors en Amérique du Nord influence inévitablement la manière dont les habitants de la colonie se perçoivent et envisagent l'Autre. L'apparition de la figure du Canadien coïncide avec la mise en place d'une culture de guerre. Puisque cette dernière favorise l'idéalisation de la collectivité, la déshumanisation de l'ennemi et l'idée de sacrifice, les versificateurs développent une image du Canadien en parfaite opposition avec la figure de l'Anglais. Le registre épique qu'empruntent les différentes représentations littéraires du Canadien témoigne, hors de tout doute, de l'influence directe qu'exerce alors la culture de guerre sur la formation du discours identitaire. Quoi qu'il en soit, l'identité canadienne ne semble pas encore pouvoir être envisagée hors de la francité. Bien que plusieurs indices indiquent que les versificateurs de l'époque travaillent à forger un discours identitaire - mouvance du discours patriotique, spécificité du discours religieux, attachement au territoire, apparition de la figure du Canadien, scission entre les versificateurs pro-Vaudreuil et pro-Montcalm - rien ne laisse présager la rupture définitive que la Conquête établira entre les Canadiens et leur mère patrie au plan politique. Aux lendemains de la Conquête, le nouveau contexte sociopolitique obligera les versificateurs à procéder à un réaménagement de l'espace discursif. Pour ce faire, ils devront adapter les codes de valeurs, les croyances et les comportements instaurés par la culture de guerre. C'est pourquoi ils procèderont à une reconfiguration de l'imaginaire collectif et délaisseront le récit commun développé sous le Régime français. Il s'agira pour eux d'élaborer un récit commun en prenant en compte le nouveau statut de peuple conquis que doit désormais assumer leur collectivité. Par conséquent, le discours identitaire prendra forme autour d'un double mouvement de résistance et de soumission. Les versificateurs de la province tenteront par l'entremise de différents procédés narratifs de prouver leur loyauté envers l'administration, et ce, tout en critiquant le comportement des émigrants britanniques venus dans la province pour s'enrichir aux dépens de la population canadienne. La fragmentation des représentations de l'élément britannique, l'évolution de l'utilisation de l'ethnonyme « Canadien », la disparition des héros d'antan au profit des représentations de la collectivité canadienne, l'essor de la figure du loyaliste, de même que les représentations positives du gouverneur Carleton, sont autant de preuves qui témoignent qu'une remobilisation culturelle s'opère dans la colonie. Par conséquent, ce réaménagement de l'espace discursif contribue à transformer la façon dont les Canadiens se perçoivent et envisagent l'Autre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Québec, Canada, XVIIe siècle, XVIIIe siècle, identité, imaginaire collectif, « canadianité », mythe, figuration, figure de l'Autre, culture de guerre, démobilisation culturelle, re-mobilisation culturelle, récit commun, discours social, discours identitaire, poésie, chanson.

This project begins by examining current trends in the study of medieval literature, particularly in the area of medieval literature dealing with religious conflict. Literary review demonstrates that since the late 20th century, critical examination of medieval literature has been dominated by postcolonial analyses. A dedication to postcolonial analyses, in effect, has stagnated the field of medieval literary analysis, particularly in regard to those texts representing religious differences. By focusing examination on two seminal medieval texts, "The Prioress's Tale" from Geoffrey Chaucer's The Canterbury Tales and the anonymous Song of Roland, this dissertation argues that traditional, postcolonially-inspired analyses are ineffective and inconsequential for modern, post-9/11 audiences, particularly high school students. More substantial and authentic readings are revealed through an application of Jeffrey Jerome Cohen's monster theory, a hypothesis articulated in his essay "Monster Culture (Seven Theses)" (1996) which, when coupled with conventionally psychoanalytic concepts of psychical reality and jouissance, reveals that the cultural creation of monsters is unchanging across time and culture. By illustrating this phenomenon through the Christian creation of Jewish and Muslim monsters, through literary examinations of "The Prioress's Tale" and Song of Roland respectively, this project hints that the same cultural forces feeding monster creation in the Middle Ages are alive in our modern age in the creation of terrorist monsters. The project culminates by arguing that the most effective way to teach literature of the Middle Ages to post-9/11 students is to focus on literature ripe with religious conflict in order to tap into affective connections to be found between modern students and the people of the Middle Ages. This is a bond best forged through a discussion-driven approach to literary instruction. / A future for medieval studies -- Monster Jews in the creation of the Christian psychical reality -- The necessity of Saracen monsters in the formation of the Christian self -- The future of medieval studies : teaching The prioress's tale and Song of Roland in contemporary high school classrooms. / Department of English

La thèse entend proposer un commentaire de la Chanson de Roland, fondé sur l'analyse minutieuse de toutes les variantes qui nous soient parvenues. Cette prise en considération de l'ensemble des versions françaises, rompant avec le dogme de la précellence du manuscrit d'Oxford, s'explique logiquement par la nature mouvante des œuvres médiévales, mais s'enracine aussi dans la conviction d'une texture mythique du poème de Roncevaux. Aussi le recours à la mythologie comparée constitue-t-il une ligne de force majeure du présent travail : s'inscrivant dans la tradition des études indo-européennes telles que Georges Dumézil a contribué à les fonder, la thèse propose une comparaison morphologique entre les mythes de Baldr et de Roland. Cet essai de mythologie comparée forme un premier temps dans l'analyse de la texture mythique du poème et peut être considéré comme autonome. Il s'articule cependant avec le travail de comparaison typologique qui lui succède. La thèse se propose en effet d'étudier la Chanson de Roland à la lumière de l'hypothèse victimaire élaborée par René Girard, qui permet de penser sous un jour nouveau l'esthétique et l'idéologie de la chanson de geste. De fait, la poétique de la répétition et l'art de la symétrie sont justiciables de la théorie du désir mimétique, tout comme la crise épique entretient des analogies étroites avec le modèle de la crise sacrificielle. C'est autour de la question anthropologique de la violence et de l'ambiguïté de la figure du guerrier mythique que ce travail réconcilie deux méthodes réputées incompatibles et pourtant complémentaires dans l'analyse qu'elles proposent de l'ambivalence des héros épiques. / This doctoral thesis intends to propose a commentary of the Chanson de Roland, based on a meticulous analysis of all the variants which have reached posterity. By paying close attention to the whole of French versions and by refusing to comment the sole manuscript of Oxford, as most of scholars do, we comply with the unsettled nature of medieval poetry and furthermore support the idea that the Chanson de Roland should be considered as a myth. The comparative mythology thus constitutes a main thrust of this work : in the tradition on Indo-european studies as founded by Georges Dumézil, we compare the myth of Roland to the myth of Balder, on a morphological level. The essay of comparative mythology is the first part of our commentary and could be regarded as self-reliant. However, it forms a single entity with the essay of typological comparison which follows. The thesis actually intends to interpret the poem in the light of the theory developed by René Girard, which allows to analyze the aesthetics and the ideology of the chanson de geste in a new light. The poetic of repetition and the art of symmetry are closely linked to the hypothesis of mimetic desire, just like the epic crisis is closely linked to the model of the sacrificial crisis. By studying the anthropological question of violence and the ambiguous figure of mythical warrior, this work combines two approaches, deemed to be irreconcilable and nevertheless complementary, in the sense that they interpret in the same way the ambivalence of epic heroes.

Ce travail est une étude des rapports entre les éléments de la poétique de Itamar Assumpção e de Zeca Baleiro d une part, et leur insertion sociale et de marchandise, d autre part. Le chemin choisi pour cette étude c est l observation et l analyse de trois procédés créatifs des deux compositeurs. Dans le premier, les chansons incorporent des vers d autre(s) poème(s), dans un processus intertextuel. Dans le second, les vers sont conçus pour être chantés, faits pour la mélodie. Dans le troisième type, la mélodie vient s ajouter à un poème déjà écrit. Ces procédés, compris dans le contexte de l industrie culturelle, font penser aux possibilités de résistance au modèle de consommation du marché. Dans l oeuvre de Itamar Assumpção e de Zeca Baleiro, le rapport achat-vente rend la monnaie en poèmes, qui indiquent des alternatives et des chemins (―rues viaducs avenues‖) de circulation artistique. Le produit-art en marge de la marge, malgré son insertion dans le marché, ne se soumet pas aux normes des patrons esthétiques et s affirme comme invention et résistance active. / Este trabalho é um estudo das relações entre elementos da poética de Itamar Assumpção e de Zeca Baleiro e sua inserção social e mercadológica. O caminho escolhido para este estudo é a observação e análise de três procedimentos criativos dos dois compositores. No primeiro, as canções incorporam versos de outro(s) poema(s), em processo intertextual. No segundo, os versos são compostos para serem cantados, feitos para a melodia. Já o terceiro tipo acontece quando a melodia surge para o poema escrito. Tais procedimentos, compreendidos no contexto da indústria cultural, ajudam-nos a pensar as possibilidades de resistência ao modelo consumista do mercado. Nas obras de Itamar Assumpção e Zeca Baleiro, a relação de compra e venda traz o troco em poemas, que apontam alternativas e caminhos de circulação artística. O produto-arte à margem da margem, ainda que inserido no mercado, não se submete às suas ordens de padronização estética e se afirma como invenção e resistência ativa.

Cette thèse, référée à une approche psychodynamique, se propose d’explorer etd’interroger les processus psychiques impliqués dans la création de chanson(s), parl’association de deux volets différents et complémentaires : d’une part, par le biais de rencontres avec des auteur(e)s-compositeur(rice)s-interprètes s’exprimant à propos de leur travail de création artistique de chanson(s) (étude théorico-clinique) ; et, d’autre part, à travers l’initiation d’un atelier thérapeutique hebdomadaire de création de chanson(s), l’atelier « créachan(t)son(s) », avec des personnes âgées valides vivant en institution (recherche-action). Elle s’inscrit ainsi dans une démarche oeuvrant pour une application pratique des recherches dansles domaines de la psychologie clinique et des psychothérapies à médiation(s) artistique(s). En référence aux écrits de Grimbert (1996, 2002) et à l’aune du modèle théorico-clinique du Moi-Peau développé par Anzieu (1985), cette recherche met en lumière la mobilisation des différentes fonctions du Moi-Peau à travers la création artistique comme la création artthérapeutique de chanson(s). Tout en soulignant la multidimensionnalité intrinsèque et singulière du médiateur qu’est la chanson. Il en résulte de multiples perspectives d’avenir : autant dans le domaine de la recherche, par les nécessaires enrichissements d’un corpus théorique afférent à la création artistique de chanson(s) qui reste à découvrir et à construire ; que dans le champ de la pratique clinique, par l’initiation de propositions alternatives originales et pertinentes quant à l’accompagnement psychothérapeutique des sujets âgés résidant en EHPAD, la création artthérapeutique de chanson(s) en constituant résolument une.Des considérations donc d’importance, pour le présent comme pour l’avenir. / This thesis, based on a psychodynamic approach, will explore and ask the psychicprocesses involved in songwriting, through two different but complementary sections. On the one hand, through the exploration of the very act of creating by means of meeting singerssongwriters while trying to explain the creative process (theoretical-clinical research) ; on the other hand through the practice of weekly songwriting music therapy sessions with elderly people living in nursing home (practice research). This thesis is part of a global approach which works for a practical application of the researches in clinical psychology and art-psychotherapy domains. In reference to Grimbert (1996, 2002) and to the Skin-Ego theoretical-clinical model developed by Anzieu (1985), this research highlights the different uses of the Skin-Ego functions through artistic creation and art-therapeutic creation, and emphases the singular and intrinsic multidimensionality aspects of the song media. It brings also future prospects. In the research domain, it shows the needs to complement the dedicated songwriting theoretical corpus and in the clinical practical domain, it opens original and alternative possibilities of therapeutic way to care for the elderly people living in nursing home ; therapeutic songwriting being definitively one of them.

Made available in DSpace on 2014-12-17T15:06:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AntonioPNV_DISSERT.pdf: 2399110 bytes, checksum: d295ed8b7f605b82f08ad6ca2c812b8d (MD5) Previous issue date: 2012-04-04 / Quand on se plonge sur l‟oeuvre de Caio Fernando Abreu, on est forcement men? ? faire une profonde analyse social qui r?sulte dans une grande bataille entre l‟amour, la soci?t? et la politique. Cette Memoire de Master, Politique, chanson et th??tre : Le conte ? Ces deux-l? ? de Caio Fernando Abreu r?percute au quotidien br?silien, montre que la plong? faite ici cherche ? analyser, ? partir d‟une perspective comparative, les angles observ?s par l‟auteur dans son oeuvre ?crite pendant les ann?es de la Dictature Militaire br?silienne, l‟influence des Beatles et du musicien/po?te Caetano Veloso avec le mouvement du Tropicalismo. Dans ce travail, on observe le r?le du narrateur au sein du d?veloppement du conte comme repr?sentation de la soci?t? irr?m?diable et comme cette narrative s‟ajuste en mode th??tral. La lecture de cette memoire est bas?e sur l‟analyse du conte ? Ces deux-l? ?, du livre Fraises Moisies, et l‟influence de la musique Strawberry Fields Forever, des Beatles chez l‟?criture de l‟auteur, ainsi que les discussions sur les images pr?sentent dans la narrative comme la structure essentielle pour le processus du montage du spectacle homonyme par la Cia. Luna Lunera, Minas Gerais, ? partir du m?canisme de la traduction, du litt?raire au sc?nique, appuy?e sur les id?es de Patrice Pavis / Os mergulhos na obra de Caio Fernando Abreu est?o predestinados a ter uma profunda an?lise social e resultar numa luta ag?nica entre amor, sociedade e pol?tica. Esta disserta??o, Pol?tica, Can??o e Teatro: o conto Aqueles Dois de Caio Fernando Abreu reverberando no cotidiano brasileiro, mostra que o mergulho dado aqui busca analisar, a partir de uma perspectiva comparativista, os ?ngulos observados pelo autor ao escrever durante os anos de chumbo no Brasil, a ?poca da Ditadura Militar, a influ?ncia dos Beatles e a do m?sico/poeta Caetano Veloso com o movimento Tropicalismo. Neste trabalho, analisa-se o papel do narrador no desenvolvimento do conto como uma representa??o de uma sociedade irremedi?vel e de como essa narrativa se acomoda em um fazer teatral. A leitura deste trabalho dissertativo se ap?ia na an?lise do conto Aqueles Dois , do livro Morangos Mofados, e a influ?ncia da m?sica Strawberry Fields Forever, dos Beatles, e as discuss?es acerca das imagens que se fazem presentes na narrativa como estrutura essencial para o processo da montagem do espet?culo hom?nimo pela Cia. Luna Lunera, MG, atrav?s do mecanismo de tradu??o, do liter?rio ao c?nico, apoiado nas ideias de Patrice Pavis

L’objectif du travail est d’aborder la chanson du XIXe siècle à partir de la notion de populaire : au cours de la première moitié du siècle, les deux objets (chanson et populaire) semblent devenir interdépendants, et contribuent chacun à la représentation de l’autre. Le populaire résistant à une définition stable, on a opté pour une contextualisation de sa compréhension, et son association avec le genre chanson, devenue presque évidente de nos jours, a donc été questionnée à partir d’un corpus numérisé de plus de 600 textes réunis en fonction de considérations d’ordre historique, bibliographique, et discursif. Après avoir explicité l’importance du texte dans l’analyse de la chanson et les critères de sélection du corpus, on s’est attaché à questionner le populaire comme notion, dans la synchronie avec les chansons étudiées, pour mieux comprendre les enjeux de cette dénomination, avant d’observer la représentation construite, par la chanson elle-Même, de son interdépendance avec le peuple. L’approche stylistique qui est proposée ensuite amène, avec la question de la singularité, celle de l’auctorialité, de sa validité pour l’analyse des chansons imprimées entre 1848 et 1851, ainsi que de ses représentations et des enjeux qu’elles suppose dans la situation et l’historicité de ces productions. En lien avec ces questions, le traitement des textes par auteur permet d’observer également les divers types de circulations, de reprises, et d’éléments communs dans le corpus constitué, ce qui soulève le problème d’une écriture à l’intérieur de laquelle certains éléments sont disponibles pour tous les acteurs et marquent l’appartenance à un champ discursif conscient et revendiqué (en l’occurrence celui des chansonniers populaires). C’est pour approcher plus précisément cette question des formes qui apparaissent comme collectives ainsi que celle de la complexité sémiologique de l’écriture chansonnière que l’analyse métrique est décisive, parce qu’elle apporte un outil méthodologique propre à dégager des récurrences massives à l’intérieur d’un corpus, récurrences qui peuvent renseigner sur la pratique et la perception de l’écriture versifiée en synchronie, et en regard desquelles d’autres configurations minoritaires sont envisageables dans leur hétérogénéité. / The main goal of this research is to study 19th Century song through the prism of the popular. During the first half of the 19th Century, both objects (song and the popular) seem to become interdependent, with each contributing to the representation of the other. Since no fixed definition can be provided for the popular, a contextualized understanding of this notion is preferred. Its association with the genre of song, which has become almost obvious nowadays, was analysed based on a digitalized corpus of more than 600 texts selected according to historical, bibliographical and discursive criteria. After positing the importance of the text in the study of song and justifying the selection criteria for the corpus, we discuss the notion of the popular at the time period under scrutiny, we assess this denomination in relation with the corpus and we observe how songs construct a representation of their interdependence with the people. Our stylistic approach accounts for the texts’ singularities but it also assesses how valid the notion of auctoriality is for songs printed between 1848 and 1851 and discusses the situated and dynamic representation of authorship. Analyzing texts according to their authors casts light on the issues of circulations, common elements and recurrences in the corpus. In a writing context where some elements are available for all the actors, common elements can be used to mark how a textual production belongs in a specific discursive domain (that of popular song writers in our case). Metrical analysis is a decisive methodology to analyse what appears as the collective character of these forms and the semiological complexity of song writing. It allows us to identify massive recurrences in the corpus, to clarify the practice and perception of verse writing in synchrony and to account for the heterogeneity of less frequent configurations as well.

Orientador: Mário Luiz Frungillo / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem / Made available in DSpace on 2018-08-19T23:30:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_MarcusViniciusda_M.pdf: 1147261 bytes, checksum: a579e68f331bf36d0559797a5544fe7c (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Este trabalho propõe uma reflexão sobre os elementos temáticos e estéticos presentes nas canções de Adoniran Barbosa, essencialmente em suas letras, que despertaram interesse de seus mediadores no resgate do samba "autêntico", durante o processo de redefinição da MPB, que se deu entre os anos 60 e 70. Para isso, pretende-se observar as letras de suas canções presentes nos três primeiros elepês: Adoniran Barbosa 1974, Adoniran Barbosa 1975, e Adoniran e Convidados, de 1980. Esse recorte visa levantar quais foram os possíveis critérios de escolha das canções por seus produtores culturais, e analisar, a partir dos contextos político, econômico e sócio-cultural, que fatores possivelmente influenciaram na concepção de algumas dessas obras, bem como de que forma diversas dessas canções foram lidas e entendidas mais de vinte anos após serem compostas. A dissertação está dividida em duas partes. A primeira parte é composta por dois capítulos. O primeiro abrange a trajetória de análise da obra de Adoniran. Nesse capítulo, procura-se contextualizar o artista como parte do processo de racionalização da indústria cultural no Brasil - a partir dos conceitos frankfurtianos - e como esse processo, que acontece em concomitância com um momento de grandes tensões políticas e ideológicas, durante o regime militar, permite a consolidação de um cenário único e propício para a formação da MPB renovada. O resgate da figura de Adoniran nesse momento, na minha perspectiva, tem um significado político, ideológico e cultural bastante importante e singular no processo de construção e consolidação da música e da cultura brasileira. No segundo capítulo, pretende-se fazer um levantamento das principais críticas feitas sobre os álbuns que fazem parte do corpus da análise, essencialmente presentes em periódicos e nos encartes de seus elepês, com o objetivo de revelar de que maneira jornalistas, intelectuais e críticos de música influenciaram na constituição da presença de Adoniran na tradição do samba. Já a segunda parte da dissertação dedica-se à análise das canções presentes no corpus, procurando desenvolver, em dois capítulos diferentes, o caráter ambíguo das canções de Adoniran Barbosa inseridas em três debates recorrentes no contexto da MPB renovada: trabalho x malandragem; tradição x progresso; som local x som universal. No primeiro capítulo, o objetivo é realizar uma leitura das canções de Adoniran que refletem, do ponto de vista da recepção, um caráter de resistência à ordem vigente e à ética do trabalho, mas ao mesmo tempo caminham em rumo contrário ao discurso da malandragem tradicional dos sambas cariocas. É outra forma de resistência, que assume caráter de denúncia ao universo suburbano do trabalho. O segundo capítulo diz respeito essencialmente ao entendimento de uma postura crítica e contrária ao ideal de progresso assumido pela elite paulistana, que entendia São Paulo como a locomotiva do país desde o início do século. Ainda nesse capítulo, pretende-se desenvolver um debate estético e ideológico existente no cenário da música brasileira desse período, anos 60 e 70, tendo por um lado o som local, "autêntico" e "de raiz", representado pela MPB renovada, e o som universal, "inovador" e "moderno", representado pela Jovem Guarda e pela Tropicália / Abstract: This dissertation proposes an extended treatment on the aesthetic and thematic features of songs by Adoniran Barbosa, mainly in his lyrics, which led to interest of cultural agents in the rescue of the "authentic" samba, throughout the process of redefinition of MPB (Brazilian Popular Music), from the 60?s to the late 70?s. In order to do so, the song lyrics presented in his first three LPs were studied: Adoniran Barbosa 1974, Adoniran Barbosa 1975, and Adoniran and Guests 1980. In the period chosen we have questioned what the criteria for choosing the songs were, from the perspective of cultural producers, and analyzed possible influences in the composition of some of these works, according to political, economic and socio-cultural contexts, as well as how several of these songs have been read and understood over twenty years later. The thesis is divided into two parts. The first part consists of two chapters. The first covers the line of development of Adoniran?s work. In this chapter, the artist is contextualized as part of the rationalization process of the cultural industry in Brazil - according to Frankfurt School concepts - and this process, which happens to coincide with a time of great political and ideological tension, during the military regime, is comprehended as the consolidation of a unique and conducive scenario that allows the formation of the renewed MPB. The rescue of the figure of Adoniran at that point, in my view, has a political, ideological and cultural meaning which is very important and unique in the construction and consolidation of Brazilian music and culture. In the second chapter, the main criticisms on the analyzed albums were studied, mostly from newspapers and LP inserts, with the objective to expose how journalists, intellectuals and music critics have influenced the constitution of Adoniran?s presence in the tradition of samba. The second part of the dissertation, also in two different chapters, is the analysis of the lyrics presented in the corpus, aiming to develop the ambiguous character of Adoniran Barbosa?s songs in relation to three recurring debates in the context of renewed MPB: work x truancy; tradition x progress; local sound x universal sound. In the first chapter, the goal is to read Adoniran songs, from a perspective of reception, as resistance to the existing order and work ethics, as they take an opposite direction from the traditional discourse of truancy presented in sambas from Rio. It's a way of resistance, which denounces the universe of suburban work. The second chapter is dedicated to the understanding of the São Paulo elite?s posture of criticism and opposition to an ideal of progress, as they believe the state to be "the locomotive of the country" since the beginning of the century. Also in this chapter, we have presented the aesthetical and ideological debate in the Brazilian music from that period, the 60's and the 70's: on one hand the local, "authentic" and "native/root" sound, represented by the renewed MPB; on the other, the universal, "innovative" and "modern" sound, represented by Jovem Guarda and Tropicália / Mestrado / Literatura e Outras Produções Culturais / Mestre em Teoria e História Literária