Cette thèse porte sur Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour, ballet héroïque de Jean-Philippe Rameau sur un livret de Louis de Cahusac, créé le 15 mars 1747 à Versailles à l’occasion du second mariage du Dauphin. L’étude se consacre à l’histoire de l’œuvre, explorant ainsi ses diverses représentations, ses remaniements successifs en passant par le rayonnement de l’opéra sur le spectacle lyrique de l’époque. Elle s’intéresse également à la figure de Louis de Cahusac, à ses théories sur l’opéra et le ballet, aux sources d’inspirations de son livret puisant dans l’égyptologie et la franc-maçonnerie. Elle aborde par ailleurs le traitement musical du compositeur. Pour finir, cette étude propose une édition du livret et de la partition accompagnée d’un apparat critique et du catalogue des sources de l’opéra. / This thesis focuses on Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour, an heroic ballet written by Jean-Philippe Rameau with a libretto by Louis de Cahusac, created on March 15th, 1747 in Versailles for the Dauphin’s second wedding. The study is about the history of the piece, exploring its various representations, its successive changes and the influence of this opera on the lyric show of the xviiith century. It is also interested in the figure of Louis de Cahusac, his theories on opera and ballet, the inspirations of his libretto drawing Egyptology and Freemasonry. It also addresses the composer’s musical treatment. Lastly, this study offers an edition of the libretto and the score accompanied by a critical apparatus and a catalog’s sources of the opera.

La ciné-danse est une forme artistique hybride qui entrelace étroitement les propriétés techniques et esthétiques de la danse et du cinéma. Ce n’est pas un genre nouveau: d’une certaine manière, la ciné-danse existe depuis les tout débuts du cinéma. Mais elle est théorisée pour la première fois au milieu des années 1940 par Maya Deren qui propose aussi avec A Study in Choreography for Camera (1945) un film-manifeste qui s’est avéré déterminant pour la reconnaissance et le développement decette catégorie la plus transdisciplinaire du film de danse.Néanmoins, c’est seulement à partir des années 2000 etsurtout depuis le début des années 2010 que les festivals spécialisés se sont multipliés et que le genre a commencé à recevoir un éclairage théorique. Cette thèse contribue ainsi à ce tout jeune domaine de recherche que sont les screendance studies en proposant un premier panorama historique de la ciné-danse et en examinant certaines de ses spécificités formelles et dramaturgiques dont beaucoup n’avaient pas encore été analysées.Cette étude prend notamment le parti d’explorer la ciné-danse sous l’angle inaperçu de son hyper-sensorialité et des corporéités originales qu’elle façonne.J’y commence par retracer l’histoire plus large dans laquelle la ciné-danse s’inscrit, celle de la danse au cinéma en général et du film de danse en particulier. Puis,je propose d’esquisser plus spécifiquement l’histoire du genre. Je souligne ensuite la fécondité de l’hybridation artistiquequi définit la ciné-danse en analysant certaines de ses singularités formelles et dramaturgiques. J’examine notamment l’usage sui generis du gros plan dans ces films, la (re)matérialisation des corps à laquelle ils procèdent par un traitement hyper-sensoriel et synesthésique des images et des sons ainsi que les corporéitésétranges qu’ils créent et les implications critiques que celles-ci renferment. Enfin, je me concentre sur un aspect capital de la ciné-danse : les lieux qu’elle investit et les rapports complexes entre corps et espaces qu’elle interroge. Cette thèse brosse ainsi le portrait historique et esthétique d’un art hybride, d’un genre éminemment corporel et sensoriel et d’une pratique in situ. J’y mets au jour des oeuvres expérimentales qui explorent la capacité de ce croisement artistique à mettre en exergue la matérialité des corps ainsi que la sensorialité des films et de l’art chorégraphique. / Screendance is a hybrid artistic form which inextricably interweaves the technical and aesthetic properties of both dance and cinema. It is not a new genre: in a certain sense, screendance has existed since the very beginnings of cinema. It was first theorised, however, in the mid-1940s by Maya Deren, whose film-manifestoA Study in Choreography for Camera (1945) proved central to the recognition and development of this most transdisciplinary category of dance films. Nevertheless, it is only from the 2000s and even more-so from the 2010s onwards that specialisedfestivals have proliferated and that the genre has begun to receive theoretical attention. This dissertation is thus a contribution to the emerging field of screendance studies: it proposes a historical panorama of the genre and examines its formal and dramaturgical specificities, many of which have not yet been the object of in-depth analysis. This examination aims in particular to explore screendance from the previously unconsidered perspective of its hyper-sensoriality and the originalcorporealities it constructs.I begin by retracing the larger history within which screendance has grown that of dance in film and especially that of dance films. I then propose a more specific history of screendace proper. Next, I emphasise the fecundity of the artistic hybridisation which defines screendance by analysing certain of its formal and dramaturgical singularities. More specifically, I examine its sui generis usage of closeups, its (re)materialisation of bodies through a hyper-sensorial and synaesthetic treatment of images and sounds, as well as its strange corporealities and the critical implications they suggest. Finally, I focus on a crucial dimension of screendance: the places it investigates and its complex interrogations of the relationships between body and space. This dissertation paints a historical and aesthetic portrait of a hybrid art, an eminently corporeal and sensorial genre, a site-specific practice; it celebrates experimental works which explore the richness of an artistic cross-over and highlight the materiality of bodies as well as the sensoriality of dance and film.

[pt] Esta tese pesquisa os arquivos que subjazem às criações da coreógrafa Lia Rodrigues em 31 anos de trabalho, a partir de um conjunto de cenas de Fúria (2018), peça que abraça os principais estratos da obra da artista. A análise parte de arquivos seminais das cenas anteriores e constituintes do que virá ao palco, atravessadas pelas artes plásticas, pela literatura e pela própria territorialidade do projeto coreopolítico da coreógrafa na favela da Maré, sede da companhia desde 2004. O trabalho se dá sobre materiais plásticos, textuais e corpóreos que explicitam e desdobram os contornos da dramaturgia de Lia Rodrigues dentro e fora dos palcos, tanto como artista quanto como ativista. A seleção dos arquivos investigados não esconde nem se furta ao que é oriundo do meu corpo-testemunha, ele mesmo baseado na convivência de 25 anos com a artista. Este corpo privilegiado se desvela na estrutura da tese a partir de memórias e reflexões que vão tecendo e percorrendo os capítulos. Do mesmo modo, o corpus do estudo dá destaque à voz da própria artista, através de entrevistas, conversas e palestras. / [fr] Cette thèse recherche les archives sous-jacentes aux créations de la chorégraphe Lia Rodrigues dans ses 31 ans de travail, à partir d un ensemble de scènes de Fúria (2018), pièce qui contient les principales strates de l oeuvre de l artiste. L analyse démarre par les archives séminales des scènes qui précèdent et constituent ce qui ira sur scène, traversées par les arts plastiques, par la littérature et par la territorialité même du projet choréopolitique de la chorégraphe à la favela de Maré, siège de la compagnie depuis 2004. Le travail se fait sur des matériaux plastiques, textuels et corporels qui explicitent et démultiplient les contours de la dramaturgie de Lia Rodrigues, sur scène autant qu en dehors, comme artiste ainsi que comme activiste. La sélection des archives étudiées ne cherche ni à cacher ni à éviter ce qui ressort de mon propre corps-témoin, au fil de 25 ans de relation personnelle et professionnelle avec l artiste. Ce corps privilégié se dévoile dans la structure de cette thèse, à partir des mémoires et réflexions qui tissent et parcourent les chapitres.

Malgré les efforts des différents travaux philosophiques sur la musique, il manque toujours une philosophie de l’opéra. Le travail que nous proposons tente de combler cette lacune, en concentrant ses recherches sur une période précise, le dix-neuvième siècle allemand. Ce choix se justifie par l’imprégnation philosophique des différents discours tenus sur la musique à cette époque, ainsi que par l’importance acquise par le répertoire austro-allemand dans la musique effectivement jouée aujourd’hui. Le manque de philosophie traitant de l’opéra de manière directe et sérieuse nous a conduit, dans un geste qui donne l’orientation générale de notre travail, à étudier des auteurs ne faisant pas à proprement parler partie du monde philosophique académique. Les trois guides que nous avons retenus pour ce travail sont successivement E.T.A. Hoffmann, Hanslick et Wagner. Les réflexions développées par ces auteurs permettent en effet à une pensée attentive de remédier à l’impression d’une absence de philosophie de l’opéra. Hors du monde universitaire mais non contre lui, les réflexions des trois penseurs que nous avons étudiés dessinent un cadre que nous avons choisi comme berceau de notre travail sur l’opéra. Nous mobilisons à cette fin les concepts d’impureté et de compromission, et nous nous efforçons de leur donner un sens positif et une valeur effective. La tâche d’élucider ce que fut historiquement l’opéra allemand exige l’aide de la philosophie. Mais la philosophie est également indispensable lorsqu’il s’agit de mettre au jour les forces conceptuelles qui le sous-tendent. Celles-ci permettent de construire une pensée de l’opéra en général, à travers leurs enseignements et leurs apories. C’est alors tout l’enjeu de ce moment où l’opéra est enfin compris comme « problème » qui se met au jour.Le lecteur trouvera également, en annexe de ce texte, la traduction inédite de douze articles de critique musicale d’Eduard Hanslick. / In spite of numerous philosophical works upon music, there is no philosophy of opera. My work aims to fill the gap by concentrating on one specific period, nineteenth century Germany. This was chosen because of the patently philosophical implications of several different views of music at the time, as well as the importance of the Austro-German repertoire in music played today. The lack of philosophy dealing directly and seriously with opera has led me to authors who stood apart from the strictly academic world of philosophy, and this has guided my work’s orientation. The three guides I have chosen are, successively, E.T.A. Hoffmann, Hanslick and Wagner. Carefully considered, their reflections allow us to correct the impression of a lack of philosophy of opera. Although outside the realm of academic philosophy (but not against it), their thinking provides a framework and a basis for my own work on opera. To this end, I take the concepts of impurity and compromise and try to give them a positive meaning and practical value. What German opera was historically needs philosophy to elucidate it, but philosophy also proves indispensable to revealing the conceptual forces that sustain it. The lessons and aporias of the latter allow one to construct a general philosophy of opera. The moment becomes clear when opera is finally understood to be a “problem”, with all the implications of this.The reader will also find, as appendix, the translation of twelve articles of musical criticism by Eduard Hanslick unpublished in French up to now.

La recherche explore, dès le départ, une pratique qui croise le dessin avec des pratiques de danse contemporaine, investissant la tension dynamique avec le sol, l’espace gravitaire. Ces pratiques sont questionnées et réinvesties par l’expérience et l’apprentissage en Inde du sud, de rituels de dessins de poudre tracés au sol : les kolam, apparaissant sur les seuils des maisons tamoules à l’aube et les kalam, réalisés lors de cérémonies rituelles au Kérala. Des dessins éphémères où alternent tracés et effacements, dans un geste sacré qui fait puis défait. Le dialogue entre pratiques rituelles et pratiques artistiques est envisagé partant de cette expérience et de cette immersion ouvrant une proximité avec l’approche anthropologique. Au-delà du religieux, qu’apporte cette mise bord à bord avec les rites, avec ces rites indiens en particulier ? Dans ces entre-deux, la pratique se déploie et engage la collaboration fertile avec différents danseurs, devenus passeurs, dans l’espace ouvert de la performance qui rend visible ce processus de mue du dessin. La poudre constitue un matériau essentiel à ces traversées fragiles. Le dessin est analysé dans ses transports successifs du sol aux corps des danseurs, à l’espace de l’installation, jouant dans l’instant des seuils du visible, disparaissant dans le geste de l’effacement, devenu le geste essentiel dans cet accès au rite. Un dessin qui propulse l’action des corps. Qu’est-ce qui peut se transporter ou non de ces pratiques rituelles et ébranler ainsi la pratique du dessin, devenant à la fois trajectoire et processus ? En quoi finalement ces rites nous regardent-ils, nous plasticiens, malgré leur profonde opacité ? / This research explores a practice which mingles drawing with practices of contemporary dance, engaging a relationship of dynamic tension to the ground, to gravitational space. These practices are reinvested by the experience and apprenticeship, undergone in Southern India, of rituals drawings traced with powder on the ground: the kolam, which appear on the doorstep of Tamil houses at dawn, and the kalam, carried out during Kerala ritual ceremonies. They are ephemeral drawings, in which tracings and erasings alternate within a sacred movement which makes and unmakes. The dialogue between ritual and artistic practices is envisaged on the basis of this experience, opening up to a proximity with the anthropological approach. Above and beyond the religious, what parallels can be drawn between artistic practices and rituals, Indian rituals in particular? In this interval the practice reveals itself and engages the fertile collaboration with different dancers, who become mediums in the open space of the performance, which renders visible the drawing’s process of mutation. The drawing is analysed in its successive transpositions from the ground to the dancers’ bodies, to the space of the installation, playing instantaneously on the threshold of the visible, disappearing in the gesture of effacement which becomes the essential gesture in this access to the ritual. The drawing propulses the bodies’ actions. In these ritual practices, what can – or cannot – be conveyed, and thus destabilize the practice of drawing which, by this means, becomes both trajectory and process? Finally what do these rituals have to do with us, visual artists, despite their profound opaqueness?

Lors de la grande célébration de Jesús del Gran Poder qui mobilise chaque année en Bolivie toute la ville de La Paz, la morenada, danse centrale du rituel, met en scène des personnages aux visages noirs portant de lourds costumes, démesurés et opulents. Ces corps-objets ostentatoires sont mis en mouvement par les danseurs, créant une esthétique complexe de la richesse et de l’abondance. La morenada est exécutée par une population urbaine d’artisans et commerçants issus des flux de la migration indigène aymara, qui construisent laborieusement une réussite socio-économique leur permettant de s’imposer en ville. A travers une ethnographie des pratiques corporelles des danseurs de morenada pendant la préparation et la réalisation de la performance, ce travail montre comment la danse peut être un outil de compréhension des processus de reconfiguration des positions individuelles et des identités collectives. En effet, dans l’espace de la morenada, les représentations et pratiques économiques, corporelles et dévotionnelles interagissent pour se transformer mutuellement. Plus largement, ce travail interroge la manière dont dynamiques corporelles et sociales concourent à inventer un rapport singulier à la prospérité : la danse n’est pas seulement le registre expressif de la réussite urbaine, elle en est sa mesure et sa condition. / In Bolivia, the great celebration of Jesús del Gran Poder, mobilizes every year the entire city of La Paz. The morenada, main dance of this ritual, stages characters with black faces, wearing heavy, opulent and disproportionate costumes. These ostentatious body-objects are moved by the dancers, creating an intricate aesthetic of wealth and abundance. The morenada is performed by an urban population of artisans and traders of rural Aymara background. They painstakingly build the socio-economic success that allows them to establish themselves in town. Based upon an ethnography of the morenada dancers’ bodily practices, during the preparation and realization of their performance, this work intends to show that dance can be a powerfull tool for understanding how individual positions and collective identities are constantly reshaping. Indeed, in the space of morenada, economic, bodily and devotional beliefs and practices, interact to transform each other. At a broader scale, this work questions the way bodily and social dynamics contribute to invent a specific relationship to prosperity: dance is not only the expression of urban success, but its measure and condition.

Conception et validation d’un nouvel outil d’évaluation de la stabilité posturale en position érigée(SAP3D : Système d’Analyse Postural 3D)La stabilité posturale en position debout est la capacité d'un sujet à maintenir un état d'équilibre ou à le retrouver en cas de perturbation. De nombreux organes sont mis à contribution par le système nerveux central afin d'aider l'organisme à maintenir sa stabilité. L'atteinte d'une ou plusieurs de ces structures (suite à un traumatisme, une pathologie, ou tout simplement du fait du vieillissement) modifie le comportement du sujet et altèrent sa capacité à maintenir sa stabilité. Les outils d’évaluation posturale actuels reposent essentiellement sur des mesures du centre des pressions et/ou du centre de masse, négligeant le comportement postural inter-segmentaire : les outils capables de les prendre en compte sont souvent inaccessibles, car complexes et coûteux. Le SAP3D a été développé comme un nouvel outil d’évaluation de la stabilité posturale, il permet une reconstruction tridimensionnelle multi-segmentaire et du centre de masse à partir d’une seule caméra bon marché. La validation du SAP3D comparativement à un système de référence optoélectronique met en évidence une excellente corrélation et un faible résidu moyen entre les deux systèmes. En situation clinique, le SAP3D confirme que les mécanismes de stabilisation posturale sont i) moins efficaces en condition yeux fermés ; ii) influencés négativement par le vieillissement ; iii) influencés positivement par la pratique régulière d’une activité telle que de la danse, au moins chez les jeunes femmes ; iv) altérés par plusieurs antécédents traumatiques et/ou pathologiques. Bien que des améliorations techniques soient envisagées, le SAP3D constitue une alternative clinique fiable, rapide, accessible et peu coûteuse aux systèmes d'analyse posturographique existants.Mots-clés : équilibre ; contrôle moteur ; analyse cinématique ; centre de masse ; personnes âgées ; vieillissement ; danse ; faible coût / Design and validation of a new tool for assessing postural stability in quiet standing(SAP3D: 3D Postural Analysis System)Postural stability in quiet standing is a subject’s ability to maintain its balance or to regain it after a perturbation. Multiple organs contribute to ensure postural stability, under a regulation ensured by the central nervous system. The alteration of one or several of these organs (following a trauma, a pathology or simply due to ageing) modifies the subject’s behavior and its ability to maintain stability. Current systems for postural evaluation rely mostly on center of pressure and/or center of mass assessment, disregarding the intersegmental postural behavior: such measurements are possible, but most tools are complex and expensive. The SAP3D system was developed as a new tool for postural stability assessment, allowing for center of mass and multi-segmental three dimensional modeling based on a single inexpensive camera. Validation of the SAP3D system compared to a standard optoelectronic system shows excellent agreement and a satisfyingly low average residue between the two systems. In a clinical setup, the SAP3D system confirms that postural steadiness mechanisms are i) less efficient with eyes closed than eyes opened; ii) negatively affected by ageing; iii) positively affected by regular practice of an activity such as dancing, at least for young women; iv) altered in pathological or injured patients. Although many technical improvements are being considered, the SAP3D system is a reliable, quick, accessible and low-cost clinical alternative to the existing systems for postural evaluation.Keywords: balance; steadiness; motor control; kinematics; center of mass; elderly; ageing; dance; low-cost

Basé sur une démarche empirique, l’objet d’étude de la thèse est centré sur la notion de pauvreté dans ses dimensions corporelle et politique. Réalisé entre 2006 et 2007 dans une ONG brésilienne où sont enseignées les danses classique et contemporaine à des jeunes des favelas de Fortaleza (métropole du Nordeste du Brésil), le travail ethnographique constitue un fondement empirique pour questionner de manière théorique l’articulation entre les processus de socialisation et d’incorporation dans les logiques de prise en charge des populations dites pauvres, exclues ou marginalisées. Dans le cadre d’une idéologie de l’intégration sociale, nous démontrons comment l’art chorégraphique est réapproprié et utilisé comme mécanisme éducatif de lutte contre l’exclusion sociale. L’enjeu du travail d’observation et d’analyse sociologique est de montrer, dans une démarche compréhensive, en quoi la danse peut être – ou ne pas être – support d’une insertion sociale et d’une affiliation aux institutions éducatives. En d’autres termes, comment l’apprendre par corps peut participer d’un projet de socialisation des populations des favelas. Est-ce qu’apprendre la danse permet – ou ne permet pas – de se constituer un rapport « différent » au monde social et à l’insertion dans ce monde social ? L’observation ethnographique révèle des processus de socialisation qui mettent eu jeu le corps, mais aussi le langage et l’affect. Entre la favela et l’école de danse, l’analyse fait ainsi apparaître une socialisation plurielle qui débouche sur des logiques de socialisation différenciées à la fois complémentaires et conflictuelles. En dépassant la réalité locale observée, cette étude permet finalement une réflexion générale sur les notions d’intégration et d’exclusion, sur la pauvreté dans les favelas, les politiques sociales et les actions des ONG sur ce que l’on nomme les « marges » de la société Brésilienne. / Based on an empirical approach, the object of study of this thesis focuses on the notion of poverty taking into consideration its body and political dimensions. Realised from 2006 to 2007 in a Brazilan dance school and NGO where Contemporary and Classical dance are taught to young people coming from the favelas of Fortaleza (large city of the Northeast of Brazil), ethnographic work constitutes a grounded basis that leads to theoretical questions concerning socialization and embodiment in the context of social work with populations said to be poor, excluded and marginalized. As part of an ideology of social integration, the art of choreography is transformed into an educational means to fight against social exclusion. Adopting a comprehensive approach, the ethnographic observation and the sociological analysis aim at demonstrating how dance can – or cannot – be the support of social integration and affiliation to educational institutions. In other words, how learning through the body experience can take part in the project of socialization of people from the favelas. Does learning dance allow – or not – an individual to create a “different” relation to the social world and to assist the individual being integrated into this social world? The ethnograhic observation highlights socialization processes mobilizing the body but also language and affect. Between the favela and the dance school, the analysis shows a plural socialization that leads to differentiated processes both complementary and conflicting. Surpassing the local reality observed, this study finally brings a larger reflection on the notions of integration and exclusion, poverty in the favelas, social policies and the actions of the NGOs on what is called the “margins” of Brazilian society.

La place du silence est fondamentale dans le théâtre de Samuel Beckett. Touché par les horreurs d’Auschwitz, le dramaturge ne cesse de présenter des personnages au seuil de la mort et qui ont le sentiment que la communication est difficile, parfois vaine, et que pourtant il leur faut continuer à parler. Malgré son invisibilité, son caractère fluctuant et fuyant, le silence reste signifiant, ouvrant un espace vierge qui se remplit alors de sens. Protéiforme, le silence est ambivalent. La faillite du langage verbal entraîne le recours à d’autres langages. La présence des objets scéniques, le spectacle des gestes et de la danse, le jeu de l’ombre et de la lumière ont le rôle de pallier l’absence d’action et la désarticulation de la parole. Se taire chez Beckett devient un jeu scénique purement visuel. Le dramaturge dépasse toutes les limites pour mettre en scène un silence qui est à la fois le matériau et l’objet du jeu théâtral. / The place of silence is fundamental in the theater of Samuel Beckett. Touched by the horrors of Auschwitz, the playwright continues to present characters on the threshold of death and they have the feeling that communication is difficult, sometimes vain, and yet they must keep talking. Despite its invisibility, its fluctuating and fleeing character, the silence remains meaningful, opening a virgin space which then fills with meaning. Protean, the silence is ambivalent. The use of verbal language bankruptcy to other languages. The presence of scenic objects, the show of gestures and dance, the play of shadow and light have the role to compensate for the lack of action and the disarticulation of the word. Shut up at Beckett becomes a purely visual stage play. The playwright exceeds all limits for staging a silence as both the material and the object of the theatrical game.

Cette recherche a pour but premier de mieux comprendre la participation des danseurs à la mise en oeuvre chorégraphique comme un facteur de construction des corps dansants. Pour rendre compte de cela, j’ai proposé une étude de l’oeuvre de deux chorégraphes contemporaines brésiliennes, Lia Rodrigues et Sheila Ribeiro. Cette recherche a également pour but d’identifier des manifestations de brésilités présentes dans les deux oeuvres chorégraphiques analysées, Aquilo de que somos feitos, de Lia Rodrigues et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers, de Sheila Ribeiro et ce, tout en se demandant si ces manifestations de brésilités imprègnent aussi les corps dansants. Cette étude s’inscrit dans un paradigme postpositiviste et adopte une approche ethnographique comme méthodologie de recherche utilisant l’observation et l’entrevue comme instruments de cueillette de données. Le travail sur le terrain a pris la forme de deux études indépendantes, afin de favoriser l’immersion dans le travail de chaque compagnie. L’analyse et l’interprétation des données ont été réalisées à travers l’identification d’unités d’analyse et leur rassemblement dans des catégories d’analyse, en gardant un contact permanent avec les données brutes et le cadre théorique développé lors de la revue de littérature. La participation active des danseurs aux processus de mise en oeuvre chorégraphique est l’un des principaux aspects de la construction de corps dansants dans le contexte de Aquilo de que somos feitos et de Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. Celle-ci demande aux danseurs de se détacher de leurs habitudes techniques, interprétatives et créatives pour pouvoir répondre aux sollicitations des chorégraphes, de même que pour proposer du matériau et des procédés pour la création et la recréation chorégraphique. Ainsi, la collaboration à la mise en oeuvre chorégraphique permet-elle aux danseurs de réinventer leurs corps en vue d’un projet chorégraphique, mais aussi en vue d’un projet de vie. Au-delà de certains éléments de la culture brésilienne qui peuvent être plus clairement discernés dans la mise en oeuvre de chaque pièce, je considère que ces deux chorégraphies présentent des aspects faisant référence à des représentations de brésilités liées à l’anthropophagie. L’anthropophagie, mouvement artistique développé au Brésil à partir des années 1920, se réactualise ponctuellement dans la démarche de certains artistes contemporains brésiliens. Ainsi, la métaphore anthropophagique condense-t-elle des manifestations de brésilités présentes dans Aquilo de que somos feitos et Marché aux puces : nous sommes usagés et pas chers. De même, le corps anthropophage devient une figure féconde pour comprendre la construction de corps dansants dans les démarches de Lia Rodrigues et de Sheila Ribeiro, tout en considérant que dans leurs créations se manifestent certains traits des brésilités.