Este trabalho tem como objetivo, a partir das reflexões teóricas sobre arte e antropologia, realizar uma análise interpretativa sobre a construção e representação do sagrado afro-brasileiro em um dos núcleos expositivos do Museu Afro Brasil. A análise do ato expositivo e a pesquisa iconográfica em um dos núcleos do acervo permanente da instituição será utilizada como ponto de partida para pensarmos na presença do sagrado nesse ambiente, tendo como aspecto central de estudo a forma como se constrói e se manifesta o trabalho expográfico que fica a cargo, principalmente, do atual diretor e artista plástico Emanoel Araujo. Refletir sobre os artistas, objetos e símbolos presentes no núcleo Religiosidades Afro-brasileiras a partir de sua expografia nos ajudará a pontuar questões relevantes quanto aos fenômenos estético e religioso presentes em uma das categorias da arte afro-brasileira, assim como sobre as interpretações que se fazem desse encontro no espaço museológico pelos públicos que o frequentam, um campo ainda de abordagens latentes. / This work aims, from the theoretical reflections on art and anthropology, to create an interpretative analysis on the construction and representation of the Afro-Brazilian sacredness in one of the exhibition sectors of the Afro Brazil Museum. The analysis of the exhibition act and the iconographic research in one of the permanent collections of the institution, will be used as a starting point to think about the presence of the sacred in this environment, having as a central aspect of the study the way in which the exhibition display is constructed and manifests itself as an outcome, mainly, of the current director and visual artist Emanoel Araujo. To think the artists, objects and symbols present in the Afro-Brazilian Religiosities sector from their exhibition display will help us to point out relevant questions about the aesthetic and religious phenomena present in one of the categories of Afro-Brazilian Art, as well as on the interpretations that are being made with the encounters in the museum space by the attending audience, a field of latent and possible approaches.

A relação das pessoas com a fotografia vem sendo alterada pela conjunção de dois fatores: a evolução das câmeras digitais e o compartilhamento de fotografias na Internet. A popularização tanto das câmeras como da Internet criou condições para que as pessoas pudessem massivamente publicar imagens na rede mundial de computadores, tornando-se componente de uma modificação na cultura, definida por Henry Jenkins como cultura da convergência, em que as pessoas assumem um papel mais participativo na produção e consumo de bens simbólicos. O consumo e fruição da fotografia passam por transformações que envolvem o novo suporte: a tela digital regida por uma interface, e este suporte reduz a relação de tempo que as pessoas gastam observando a fotografia. O acesso rápido e fácil promovido pela rede também confere à fotografia a possibilidade de ter maior alcance, maior tráfego, o que pode conferir-lhe maior valor de exposição, no sentido atribuído a este termo por Walter Benjamin. Surgem comunidades de grande porte, como o Flickr, com bilhões de imagens publicadas. Na rede, elas também passam a estar indexadas por sistemas buscadores que permitem às pessoas encontrar fotografias com os temas que têm interesse e permitindo o contato direto com o autor das mesmas, o que possibilita o surgimento de um comércio direto de imagens. Todos esses fatores acabam por influenciar a forma que a fotografia é produzida e o espaço no mercado para a atuação dos fotógrafos profissionais. Para descrever esses fatores, foram realizadas uma pesquisa bibliográfica, uma entrevista aberta e algumas entrevistas semiabertas como abordagem metodológica. / The relation of people with photography has been changed by the conjunction of two factors: the evolution of digital cameras and the sharing of photography via the Internet. The popularization of both digital cameras and the Internet has created conditions so that people can prolifically publish images on the Word Wide Web. It has become a component of a cultural shift, defined by Henry Jerkins as a convergence culture, in which people take a more participative role in the production and consumption of symbolic goods. Consumption and enjoyment of photography has been transformed by a new medium: the digital screen controlled by an interface, and this medium changes the relationship with time that people have while observing photography. The quick and easy access promoted by the net also gives photography the possibility of greater reach and greater traffic, which can give them greater exhibition value, in the sense attributed to this term by Walter Benjamin. Large communities have flourished, such as Flickr, with billions of images published. On the net, they also become indexed by search engines which allow people to find photographs with the the themes that they are interested in and permitting for direct contact with the photographer, allowing for a direct market of images. All of these factors influence the form by which photography is produced and the marketplace for professional photographers. To describe these factors bibliographic research as well as both open and semi-open interviews using a methodological approach were conducted.

O presente estudo propõe-se a analisar pavilhões expositivos nacionais na Exposição Mundial ocorrida em 2015, na cidade de Milão (Itália). Faz uma leitura geral dos pavilhões da Expo 2015 e se atém a quatro pavilhões nacionais representativos da diversidade arquitetônica presente no evento: Áustria, Holanda, Emirados Árabes e Brasil. Pretende responder a questão central da pesquisa: existe ainda espaço, atualmente, para a investigação arquitetônica nesses eventos? Sua metodologia baseia-se em pesquisa de campo, pesquisa em fontes primárias diversas e pesquisa bibliográfica referente a cada um dos casos analisados e ao contexto histórico do evento. / This current research aims to analise national pavilions, focused on the World Exhibition that took place in Milan (Italy), in 2015. It gives a general reading of the Expo 2015 pavilions and keeps to four national pavilions that represent the diversity found in the event: Austria, the Netherlands, United Arab Emirates and Brazil. The intention is to answer to the main question of the research: Is there still space for experimental architecture at this kind of event? It\'s methodology is based on field research, primary sources, and bibliographic research related to each of the four pavilions and to the historical context of the event.

Esta tese de doutorado consiste na remontagem virtual da exposição A casa tomada (de Julio Cortázar) por desenhos que não deram certo. Desenhos de 1978/80. Apogeu do Claro-escuro Pós-Caravaggio, do artista joinvilense Luiz Henrique Schwanke, realizada no Museu Nacional de Belas Artes, do Rio de Janeiro (RJ), em 1980. Tal remontagem é ancorada na curadoria educativa, entendida no contexto desta pesquisa como uma forma de desenhar exposições pensadas para todos os tipos de público, por meio da qual a arte se coloca em articulação com o indivíduo e com a sociedade, de maneira a ser ativada como um instrumento de ação cultural. Essa exposição acontece no Museu de Arte Contemporânea Luiz Henrique Schwanke Virtual (MAC Schwanke Virtual), localizado no website do museu, que ainda não possui sede física, mas que já atua enquanto tal mediante seus programas e suas ações. Defende-se a existência do museu no ambiente virtual em rede, assim como a utilização desse espaço pela exploração de suas especificidades, ou seja, como um meio de ampliar as ações do museu e de pôr o seu acervo constantemente em ativação, para deleite, pesquisa e estudo, sem reproduzir os recursos utilizados na realidade física. Portanto, a versão virtual da exposição promovida está alicerçada na exploração da natureza não linear e hipermidiática no ciberespaço, e não na tentativa de reprodução do espaço e da lógica de exposições existentes na realidade física, o que aqui, conforme já dito, ocorreu por intermédio da curadoria educativa. / This PhD thesis consists on the virtual reinstallation of A Casa Tomada exhibition (by Julio Cortázar) with drawings that did not work. Drawings from 1978/1980. The prime of post-Caravaggio chiaroscuro, by Joinville-born artist Luiz Henrique Schwanke, at the National Fine Arts Museum, of Rio de Janeiro, in 1980. Such reinstallation is anchored on educational curating, understood in the context of this research as a way to plan exhibitions for all kinds of public, through the means of which art is articulated with the individual and with society, so that it is activated as an instrument of cultural action. This exhibition is at Schwanke Virtual Museum of Contemporary Art, located in the website of the museum, which does not have a physical headquarters yet, but is already active through its programs and actions. We defend the existence of the museum in the virtual network environment, just as utilizing this space from the exploration of its specificities, that is, as a means to enlarge the actions of the museum and activate its collection, for delight, research and studies, without reproducing the resources of the physical reality. Thus, the virtual version of the exhibition is based on the exploration of non-linear and hypermediatic nature of cyberspace, and not in the attempt to reproduce the space and the logic of exhibitions that exist in physical reality, which, as said, was achieved by the means of educational curating.

As discussões sobre identidades e representações em museus estão em voga desde a década de 1960, quando se objetivava sanar a ausência de comprometimento social das instituições. Na década de 1970, chegava à Ilha de Marajó o padre jesuíta italiano Giovanni Gallo que, com o intuito de desenvolver a região, viu na criação de um museu que representasse a identidade cultural do caboclo marajoara um meio possível de alcançar esse objetivo. Mesmo com as dificuldades de construir um museu em uma região carente de diversas estruturas, O Museu do Marajó foi fundado em parceria com a comunidade e apresentou, já naquela época, o diferencial de uma exposição interativa analógica. Neste contexto é que esta pesquisa busca contribuir para a análise da representação das identidades nos museus concentradas em ferramentas interativas, tendo como estudo de caso O Museu do Marajó. Para isso, foi realizada uma análise da exposição de longa duração do Museu e de como ela foi construída ao longo da história da instituição. / Discussions of identities and representations in museums are in vogue since the 1960s, when it aimed to remedy the lack of social commitment of institutions. In the 1970s, he came to the Marajo Island Italian Jesuit priest Giovanni Gallo that, in order to develop the region, saw the creation of a museum that represented the cultural identity of the Caboclo marajoara a possible means of achieving this goal. Even with the difficulties of building a museum in a poor region of several structures, O Museu do Marajó was founded in partnership with the community and presented, even then, the differential analogical interactive exhibition. In this context, this research aims to contribute to the analysis of the representation of identities in museums focused on interactive tools, with the case study The Marajó Museum. For this, we performed an analysis of exhibition and how it was built along the history of the institution.

[pt] Os projetos de arquitetura expositiva concebidos por Lina Bo Bardi se configuram como parte importante de sua trajetória profissional. Tomando como ponto de partida a exposição Bahia no Ibirapuera (1959), o presente trabalho investiga o percurso expositivo traçado pela arquiteta até Entreato para crianças (1985). Pautada na análise de textos, desenhos, fotografias, reportagens, bem como do contexto histórico-social, esta dissertação investiga a maneira com que os temas, as abordagens e, consequentemente, as concepções espaciais foram se transformando durante esta trajetória. Observou-se que três eixos acompanharam este percurso. O primeiro centrado na inserção do regional no espaço expositivo e na indistinção entre o popular e o erudito; o segundo baseado no vínculo entre arte e trabalho; o terceiro expresso através da experimentação do jogo no espaço expositivo. O papel desempenhado por Lina Bo Bardi transcendia o projeto expográfico, pois além de se envolver globalmente na maioria destas exposições, ela utilizava o espaço expositivo como terreno para debates culturais, sociais e políticos. / [en] The art exhibitions projects conceived by Lina Bo Bardi are an important part of her professional trajectory. Taking Bahia no Ibirapuera (1959) as a start point, this present work analyzes the art exhibition path traced by her until Entreato para crianças (1985). Based on the analysis of texts, drawings, photographs, reports and the historical-social context, this dissertation investigates how the subjects, approaches and the spatial conceptions were transformed during this trajectory. Three axes were found. The first one is focused on the insertion of the regional art in the exhibition space, and on the indistinction between popular and erudite; the second one is based on the bond between art and work; the third one is expressed by the ludic experimentation in the exhibition space. The role practiced by Lina Bo Bardi transcended the expographic project, because besides being completely involved in most of these exhibitions, she also used the exhibition space as a place for cultural, social and political discussions.

A pesquisa tem como preocupação refletir sobre a experiência de Arte-Educação em exposições a partir do estudo da exposição Labirinto da Moda: Uma Aventura Infantil, realizada pelo SESC - São Paulo de 1996 a 1998, com a curadoria de Gláucia Amaral. A partir do estudo de aspectos do processo expositivo (concepção, musealização e realização) e da reflexão sobre a especifidade do trabalho de monitoria (apreciação em exposições), propõe uma abordagem para a concepção de projetos educativos de exposições. Os procedimentos metodológicos baseiam-se em pesquisa ação participante e estudo de caso. / The research concerns a reflection over the experience of Art- Education in exhibitions, based on a study about the exhibition \"Labirinto da Moda: Uma Aventura Infantil\", carried out by SESC (Commerce\'s Social Service) in Sao Paulo, from 1996 to 1998, with the curatorship of Glaucia Amaral. Starting from studying aspects of the exhibition making process (conception, musealization and execution), and from the reflection about the specificities of the Educational Team\'s work (appreciation in exhibitions), this research proposes an approach for the process of conceiving educational projects for exhibitions. The methodological procedures are based on \"Participant Action-Research\" and \"Case Study\".

Este trabalho procura refletir sobre como o projeto expográfico pode ser desenvolvido de modo a construir o campo da interatividade. Dada à exacerbação em torno da ideia de interatividade e da quase incondicional exigência da mesma nos novos projetos de exposições, o que se pode observar muitas vezes é conseqüente banalização de seu conceito em função da superficialidade com que acaba sendo tratado - seja pelo desconhecimento do conceito em sua completude, seja em virtude da redução ou da simplificação do mesmo. Uma das tendências atualmente é a associação direta e automática da interatividade com meios e dispositivos digitais - como se estes necessariamente promovessem a interatividade. O que resulta na adoção cada vez mais freqüente de dispositivos deste tipo pelos museus, com o argumento de que os mesmos têm o potencial de quebrar a relação mediativa e a comunicação \"unidirecional\". Entretanto, uma das hipóteses assumidas aqui é a de que esta associação é equivocada e que a simples adoção de dispositivos digitais não garante a promoção da interatividade no ambiente expográfico. Desta primeira hipótese, deriva a segunda, segundo a qual seria necessário desvincular a ideia da interatividade da relação direta e automática com os meios digitais, para, então, considerá-la em sua essência: como relação dialógica. O museu não pode deixar de ter em mente que o seu potencial está não apenas em fornecer informações, mas em estruturar oportunidades para que os visitantes possam compreendê-las e (re-)significá-las, possibilitando e estimulando, assim, que construam suas próprias identidades, e encontrem seu lugar no mundo. O projeto expográfico seria, então, um dos maiores recursos de que dispõe o museu para construir o campo desta interatividade. / This research aims to reflect on how the exhibition design can be developed in order to build the field of interactivity. Given the exacerbation around the idea of interactivity and its unconditional requirement in many recent exhibition projects, what one can often see is the consequent trivialization of his concept due to the superficiality with which it ends up being treated. One of the trends is currently the direct and automatic association of interactivity with media and digital devices - as if they necessarily promoted interactivity. This results in an increasing adoption of such devices by museums, on the grounds that they have the potential to break the meditative relationship and the \"one-way\" communication. However, one of the assumptions here is that this association is mistaken and that simply adopting digital devices does not guarantee the promotion of interactivity in the exhibition environment. This first hypothesis leads to a second assumption, according to which it is necessary to detach the idea of interactivity of the direct and automatic relationship with digital media, and consider it in its essence: as a dialogical relationship. The museum can not fail to keep in mind that its potential is not only to provide information, but in structuring opportunities for visitors to understand and (re-) signify them, enabling and encouraging the construction of their own identities and the definition of their place in the world. The exhibition project is one of the major resources available to the museum to build the field of this interactivity.

The confinement of animals is today a widespread, widely accepted practice, regardless of the intention behind it. The confinement of animals for entertainment purposes, however, poses ethical questions that transgress the body of the animal itself and onto the boundaries of the human. What happens when a captured animal behaves differently from what we expect of it? Different from what we’ve trained it to? SeaWorld and Kolmården are two parks that both display animals in different ways. Both advertise themselves as offering unique experiences; close up encounters with animals that would most likely not happen in the wild. Both parks have also been subject to predatory animals behaving in unexpected ways. Furthermore, the artificial relationships established between humans and nonhumans in captivity have in the cases of SeaWorld and Kolmården proven to create a dangerous environment for both humans and animals. The ethical dilemmas that arises in correlations with the deadly-outcome incidents that have occurred in the parks, takes the form of questions regarding if confining animals such as wolves and orcas are ethically defensible in the first place

Este trabalho investiga a cobertura realizada por jornais de referência brasileiros sobre as megaexposições de artes visuais no país de 2010 a 2016. Parte da perspectiva construcionista, pressupondo que os acontecimentos são a matéria-prima básica da atividade jornalística e que o jornalismo cultural é um lugar especializado de construção de sentidos sobre arte, além de mediador entre esta e os públicos. Lançando mão dos estudos do acontecimento, verificamos quais indícios o jornalismo acionou para cobrir as megaexposições de artes visuais no período de estudo. Foi escolhida a metodologia de Análise de Conteúdo, que, em uma etapa quantitativa, examinou 152 textos sobre seis exposições, e, na fase qualitativa, aprofundou o olhar sobre 20 dessas reportagens. Encontramos uma cobertura que se revela proeminente e mobilizadora de públicos para visitar as exposições. Verificamos que o jornalismo media o ciclo de existência do acontecimento, elaborando sobre ele um mapa de consensos e construindo-o de forma paulatina, em um reiterado roteiro desde a apresentação até o balanço posterior. Concluímos também que as coberturas promovem uma espetacularização das exposições, a partir de uma pré-mediação, oriunda das marcas envolvidas com sua produção, e praticamente apenas reproduzida pelos veículos jornalísticos. As matérias valorizam aspectos como biografias, mobilização de multidões e números e lançam mão de um discurso marcadamente superlativo, buscando recuperar a aura da arte das megaexposições, com forte acionamento de fontes ligadas à produção do evento e pouco espaço de fala aos visitantes. / This master thesis digs into the news coverage promoted by important Brazilian newspapers about blockbuster visual arts exhibitions that happened in Brazil between 2010 and 2016. It takes off from a constructionist approach, assuming that the events are the basic raw material of journalistic activity and that cultural journalism is a specialized environment for building senses about art, as well as a mediator between the craft and its publics. With that in mind, putting the event studies into use, we analyzed which evidences journalism triggers to cover the blockbuster art exhibitions in the referred period. For this research, it was chosen the Content Analysis methodology, that, in a quantitative phase, examined 152 texts about six exhibitions and, in the qualitative stage, took a deeper look on 20 of these stories. We found a prominent coverage and able to call on the public to visit the exhibitions. We verified that journalism mediates the cycle of existence of these happenings, gradually drawing over them a map of perceptions, in a repeated script since their initial presentation up to the final reviews. We also concluded that the news coverage promote a spectacularization of the exhibitions, from a pre-mediation role, originated in the brands involved with their production, and basically just reproduced by the journalistic media. The stories highlight aspects such as biographies, ability of driving crowds and event numbers through a clearly superlative speech, reaching to recover the art aura of the blockbuster exhibitions, with strong use of sources connected to the events’ execution and very little space dedicated to reflect the visitors views.