Esta tesis parte de la localización y la recopilación de las noticias aparecidas en la prensa sobre la actividad expositiva llevada a cabo en la ciudad de Alicante durante el período comprendido entre 1950 y 1975. La ordenación y análisis de este tipo de información ha permitido afrontar con garantías el estudio de las características y la evolución de dicha actividad expositiva, pudiéndose constatar la existencia de dos períodos fundamentales. En primer lugar, un período en el que la actividad expositiva fue mantenida, de manera casi exclusiva, por las instituciones públicas y la Caja de Ahorros del Sureste de España. Y en segundo lugar, un período marcado por la actividad expositiva desarrollada por la Caja de Ahorros del Sureste y la Caja de Ahorros Provincial. El acontecimiento que determinó el inicio de este segundo período en el panorama artístico alicantino fue la celebración del I Salón Nacional de Pintura, que acabó con el vacio provocado por la desaparición del Concurso de Pintura de la Diputación Provincial, y que en 1965 generó un debate artístico sin precedentes en la ciudad, influyendo de manera decisiva en el posterior desarrollo de la acividad artística en Alicante. Por último, la tesis aborda también la gestación del mercado galerístico y el crecimiento espectacular del número de salas de exposiciones y galerías de arte en la ciudad, como reflejo del desarrollo económico experimentado en toda la provincia entre 1971 y 1975. La presente tesis doctoral pretende aportar nuevos datos que contribuyan a profundizar en el conocimiento del contexto pictórico alicantino, a través de un proceso enmarcado en la línea de investigación sobre el arte valenciano a partir de las fuentes hemerográficas, desarrollada por el Departamento de Comunicación Audiovisual, Documentación e Historia del Arte de la Universidad Politécnica de Valencia. / Rodríguez Ruiz, MM. (2001). Las exposiciones de pintura en Alicante ( 1950-1975). Reconstrucción de la actividad expositiva en la ciudad de Alicante a través de su repercusión en la prensa local [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7732

This research aims to inquire of the study of genre of portraiture and the possibilities that has in order to explain general features of the History of Art. In that sense we have analyzed a group of portraits that belong to the official collection of Art of Region of Murcia, most of the works are shown for the first time in a scientific study while others were hidden for years as they are used as decoration for offices and public buildings. Our study has divided the portraits into different typologies, which we think is the most useful way to make an approach to portraiture, as the typology is the basic element that defines the features of compositions in the portraits. The eleven typologies that have arisen after our research are: state portraiture, bourgeois portraiture, civic portraiture, feminine portraiture, children portraiture, self-portrait, group portraiture, funerary portraiture, photographic portraiture and the iconotheques. The typology could be considered as a opened concept, as we can observe different typologies depending on the author, so it’s important to say that this eleven typologies are the reflection of the artistic, social and cultural context during the last centuries in the Region of Murcia. We’d like to note as well, that some of this categories and subcategories coincide to other national and international typologies, but some others, like civic portraiture or iconotheques, reflect an historic, social, and cultural context specific from the Region of Murcia. We have also proposed a didactic method to teach History of Art through the genre of portraiture. Our suggestion actually contains three different approaches to study History of Art using the portraits previously analyzed. The first way we suggest is the biographic approach, that tries to show general characteristics of History of Art from the study of a single author, being the portraiture the basis of the explanation. The second itinerary is based on a formal comparison of art-works, seeing the different styles of general History of Art that we could appreciate on portraiture. The third, and last, approach through portraiture consist of a historic tour using works of art to compare different social contexts, as art is always a reflection of the society in which is created.

Esta tesis doctoral, tras un exhaustivo repaso de la arquitectura religiosa medieval en la comarca de Liébana (Cantabria-España), ha aportado un completo catálogo de las artes plásticas y la arquitectura religiosa desarrolladas a lo largo de la Edad Moderna en esta comarca aportando el conocimiento de los diferentes talleres de cantería y tipologías desarrolladas así como más de un centenar de artífices desconocidos hasta el momento que desarrollaron su labor en Liébana durante los siglos XVI, XVII y XVIII. Asimismo ha profundizado en el conocimiento de la fundación, a principios del siglo XVII, del convento dominico de San Raimundo en Potes. Este trabajo ha fijado la fecha de inicio de la construcción del mayor exponente de la arquitectura barroca en la comarca, la capilla del Lignum Crucis. Por último ha realizado aportaciones a propósito de la religiosidad en la comarca durante este periodo rescatando del olvido diversas prácticas religiosas actualmente en desuso.

Determina las tendencias poéticas del modernismo en los textos teatrales de los escritores peruanos considerados modernistas, a saber: Leonidas Yerovi, José Santos Chocano, José Carlos Mariátegui, Enrique López Albújar, Abraham Valdelomar y Ventura García Calderón; precisar las categorías del estilo en el discurso teatral influenciado por el modernismo frente a la postura tradicional; esclarecer mediante un análisis rítmico del verso y la prosa la formalidad estructural y la laboriosidad estilística de las composiciones teatrales; y, por último, fijar el nivel valorativo del modernismo en la renovación dramática del Perú, lo cual permitió la apertura de nuevos rumbos teatrales. La presente tesis ambiciona con contribuir un aspecto literario inexplorado: evidenciar la presencia del modernismo en el teatro peruano a partir de textos dramáticos realizados por reconocidos escritores modernistas. / Tesis

El arte Latinoamericano durante el siglo XX ha sido conocido a través de reiterados paradigmas desde la oficialidad de una visión hegemónica. Sin embargo, este nuevo siglo se inicia en coherencia con la multiplicidad surgida en diversas disciplinas y en los diferentes continentes, manifestada en una reflexión y una visualidad de carácter plural, además de una dinámica valorativa de la producción artística guiada por el concepto de lo translocal. A través de este concepto se busca reflejar la nueva identidad global de los sujetos, la interacción y el intercambio entre el individuo y la sociedad en la que éste reside, se proporciona de este modo una visibilidad en el campo artístico a producciones no sólo hasta ahora marginadas, sino también recién emergentes. Se hace necesario, por lo tanto, organizar las premisas y directrices que secundan estas nuevas visualidades en interrelación con sus intrínsecos contextos, pero a la vez, sin olvidar su articulación con los mecanismos globalizadores en los que se desarrolla la industria cultural actual. Esta tesis expone los resultados de un trabajo de campo realizado en Ecuador, con la pretensión de dar a conocer y reflexionar sobre las propuestas de un grupo de artistas contemporáneos que tienen, en su mayoría, como vía común la exploración de prácticas neoconceptuales de actual vigencia en la escena internacional. Puesto que el arte conceptual es, en el centro y sur de América, además de un estilo, una herramienta y una estrategia de crítica social y cultural, se observa en la producción de estos artistas una heterogénea obra que sin embargo, es transversal a un planteamiento, que más allá de las especificidades formales de expresión y contenido de cada una, cuestiona tanto la propia naturaleza del arte como los condicionamientos derivados de las diferentes instancias del poder, a la vez que mantienen una estrecha interrelación con el propio contexto. / Abarca Piña, P. (2009). Naturaleza, memoria y cuerpo. Aproximación estética al arte ecuatoriano de inicios del siglo XXI [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/7444

Aquest tesi doctoral es presenta com una aportació dins de l'activitat d'investigadora corresponent a la història de l'art valencià. Gràcies a l'anal'tica i l'estudi en profunditat de la documentació es pretén recuperar un buit historiogràfic, especialment dels pintors, però també d'altres artífexs i les seues obres, dintre del marc històric de la València dels segles XIII al XV. Per la qual cosa, i en primer lloc, hem recollit les fonts d'informació publicades, fent una exhaustiva revisió de les mateixes per a extraure aquells documents publicats, a més d'exhumar nombrosos documents inèdits per desenvolupar aquesta investigació sobre els pintors valencians i altres artífex, gràcies a lo qual hem pogut realitzar un discurs sobre l'activitat artística, social i particular de tots ells, resultant poder dispondre d'una nombrosa quantitat de fitxes d'artífexs, amb la sua documentació, per a futures investigacions. / Mocholi Roselló, A. (2010). Estudi dels documents dels pintors i altres artífexs valencians. Segles XIII, XIV i XV (1238-1450) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/8606

[EN] SILENCE AS UNDERSTANDING, COGNITIVE AND STRUCTURAL LIMIT: AN AESTHETIC READING ON CONTEMPORARY ART. In short, this thesis studies the concept of silence as limit of agreement after the impact caused by the two World Wars of the 20th century with the main objective of verifying the relevance of the role of this view of silence for the contemporary artistic production of the last decades of the 20th century and beginning of the 21st. In order to reach that objective, we have divided the exposition into four parts: study and taking a stance as concerns silence, silence as understanding limit, silence as cognitive limit and silence as structural limit. This research is the result of an attempt of systematically studying the notion of silence where we worked dialectically, being the most important aspect of our methodology, the reduction of what is particular to what is general, so as to operate deductively later, checking that such globality goes back again to specificity. According to that, in the first part we have studied why it is more advisable to approach silence from a general, open point of view, accepting and trying to integrate the excess which it is part of, understanding that the limits which are associated to it are as unpredictable as the limits which inform it. Moreover, it is observed that, taking the impact of World War I as a first space of definition for the treatment of silence as limit, not only allows us to keep, but also to lay the foundations of those three fields which we consider linked to silence: as understanding limit, as cognitive limit and as structural limit. In the three following parts of our study we place ourselves inside the historical and cultural frame of the second post-war period, and we show how then the second space of definition of silence as a limit is consolidated, and as a result, the clarification of its core ideas in such a way that, in the second, third and fourth parts, we solve what the so called spaces consist of: silence as understanding limit, silence as cognitive limit and silence as structural limit. Throughout this process we will show some of the artistic manifestations which contribute to their configuration and which later become evident in the context of contemporary art. As a practical application of this doctoral thesis we are also presenting our own artistic production developed around it in its last sections. With the results obtained, both in the process of investigation and in that of our own associated artistic production, we find that the importance of the concept of silence is undeniable for contemporary artistic productions, and we have located its roots in the display experimented by the concept of silence during the two first thirds of the 20th century. The implication of the concept of silence is evident in a great variety of languages of the arts and all the stages of the configuration of a plastic work of art: as a creative attitude, as a working topic and as a receptive principle. Something which, on the other hand, we also have the chance to experience by means of our own practice, in the production and exhibition of our artistic work. / [ES] EL SILENCIO COMO LÍMITE COMPRENSIVO, COGNITIVO Y ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÉTICA EN TORNO AL ARTE CONTEMPORÁNEO. En síntesis, la presente tesis estudia la noción de silencio como límite de acuerdo con el impacto producido por las dos guerras mundiales del siglo XX con el objetivo principal, de comprobar, la relevancia del papel que esta visión de silencio tiene para la producción artística contemporánea de las últimas décadas del siglo XX y principios del XXI. Para ello dividimos su exposición en cuatro partes: estudio y toma de posición respecto al silencio, silencio como límite comprensivo, silencio como límite cognitivo y silencio como límite estructural. Esta investigación es el resultado de un intento de estudio sistemático de la noción de silencio en el que trabajamos dialécticamente destacando, de nuestra metodología, la reducción de lo particular a lo general para después operar deductivamente, comprobando que tal globalidad revierte de nuevo en la especificidad. De acuerdo con ello, en la primera parte estudiamos por qué es más aconsejable tratar de acercarnos a la noción de silencio desde un punto de vista general y abierto; aceptando y tratando de integrar el exceso del que es partícipe, comprendiendo que los límites que se le asocian son tan volubles como volubles puedan ser los contenidos que lo informan. Observamos, además, que tomar el impacto de la Gran Guerra como primer espacio de definición para el tratamiento del silencio como límite, no solo nos permite mantener, sino también fundamentar esos tres terrenos que postulamos afectos al silencio: el silencio como límite comprensivo, el silencio como límite cognitivo y el silencio como límite estructural. En las tres siguientes partes de nuestro estudio nos situamos en el marco histórico y cultural de la segunda posguerra y mostramos como en aquel momento se consolida el segundo espacio de definición del silencio como límite y, por ende, el esclarecimiento de sus ejes de tal manera que, en la segunda, tercera y cuarta partes, resolvemos en qué consisten los espacios denominados: como límite comprensivo, como límite cognitivo y como límite estructural mostrando, durante tal proceso, algunas de las manifestaciones artísticas que contribuyen a su configuración y que luego se hacen evidentes en el contexto del arte contemporáneo. Como aplicación práctica de esta tesis doctoral también presentamos la producción artística propia desarrollada al respecto en sus últimos apartados. Con los resultados obtenidos, tanto en el proceso de investigación como en el de nuestra práctica artística ¿que hemos aportado como enfoque teórico-práctico en el que se engloba la noción de silencio en las tres vertientes que presentamos, hallamos que la importancia de la noción de silencio es innegable para la producción artística contemporánea; localizando sus raíces en el despliegue que esta experimenta durante los dos primeros tercios del siglo XX. La implicación de la noción de silencio es notoria en los más variados lenguajes de las artes y en todos los estadios que atraviesa la configuración de la obra plástica: como actitud creativa, como tema de trabajo y como principio receptivo. Algo que, por otra parte, también tenemos la oportunidad de experimentar, mediante la práctica propia, en la producción y exhibición de nuestro trabajo artístico. / [CA] EL SILENCI COM A LÍMIT COMPRENSIU, COGNITIU I ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÈTICA AL VOLTANT DE L' ART CONTEMPORANI. En síntesi, la present tesi estudia la noció de silenci com a límit d'acord amb l'impacte provocat per les dues guerres mundials del segle XX amb l'objectiu principal, de comprovar, la rellevància del paper que aquesta visió de silenci té per a la producció artística contemporània de les últimes dècades del segle XX i principis del XXI. Amb aquesta finalitat dividim la seua exposició en quatre parts: estudi i presa de posició respecte al silenci, silenci com a límit comprensiu, silenci com a límit cognitiu i silenci com a límit estructural. Aquesta investigació és el resultat d'un intent d'estudi sistemàtic de la noció de silenci en el qual treballem dialècticament fent palesa de la nostra metodologia la reducció d'allò particular a allò general per després operar deductivament, i comprovar que aquesta globalitat reverteix de bell nou en l'especificitat. D'acord amb això, en la primera part estudiem per què és més aconsellable tractar d'acostar-nos a la noció de silenci des d'un punt de vista general i obert, acceptant i tractant d'integrar l'excés de què és partícip, comprenent que els límits que se li associen són tan volubles com volubles puguen ser els continguts que l'informen. S'observa, a més, que prendre l'impacte de la Gran Guerra com a primer espai de definició per al tractament del silenci com a límit, no tan sols ens permet mantenir, sinó també fonamentar eixos tres terrenys que postulem afectes al silenci: el silenci com a límit comprensiu, el silenci com a límit cognitiu i el silenci com a límit estructural. En les tres següents parts del nostre estudi ens situem en el marc històric i cultural de la segona postguerra i mostrem com en aquell moment es consolida el segon espai de definició del silenci com a límit i, consegüentment, l'esclariment dels seus eixos de tal manera que, en la segona, tercera i quarta parts, resolem en què consisteixen els espais denominats: com a límit comprensiu, com a límit cognitiu i com a límit estructural. Tot mostrant durant aquest procés algunes de les manifestacions artístiques que contribueixen a la seua configuració i que després es fan evidents en el context de l'art contemporani. Com a aplicació pràctica de la present tesi doctoral també presentem la producció artística pròpia desenvolupada en els seus últims apartats. Amb els resultats obtinguts, tant en el procés d'investigació com en el de la nostra pràctica artística associada, trobem que la importància de la noció de silenci és innegable per a la producció artística contemporània tot localitzant els seus arrels en el desplegament que la noció de silenci experimenta durant els dos primers terços del segle XX. La implicació de la noció de silenci és notòria en els més variats llenguatges de les arts i en tots els estadis que travessa la configuració de l'obra plàstica: com a actitud creativa, com a tema de treball i com a principi receptiu. Quelcom que, per altra banda, també tenim l'oportunitat d'experimentar mitjançant la pràctica pròpia, en la producció i exhibició del nostre treball artístic. / Garriga Inarejos, R. (2015). EL SILENCIO COMO LÍMITE COMPRENSIVO, COGNITIVO Y ESTRUCTURAL: UNA LECTURA ESTÉTICA EN TORNO AL ARTE CONTEMPORÁNEO [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/55047 / Premios Extraordinarios de tesis doctorales

No description available.

Este presente estudio se basa fundamentalmente en el análisis, revisión y catalogación de la obra escultórica situada en los espacios públicos de la comarca del Vallès (Barcelona), desde sus orígenes hasta la más reciente actualidad; y con gran interés en lo que se refiere a la escultura contemporánea en el espacio público. Es por tanto, una apuesta interesante por ser un tema candente, poco estudiado en el contexto de la escultura pública en el espacio urbano. / As a whole, this cotent´s research refers to that wide and diversified artistic and cultural patrimony of the Vallès regions, Barcelona-Spain; a great unknown. This present study is based on the analysis, review and cataloguing of the sculptural work located on Vallès public spaces, from its origins to the present time; and it has been developed with a growing interest in the field of contemporary sculpture in public spaces. It is because of this that the present project is considered a intriguing bet for being a burning issue, there has been very little study done on the subject of public sculpture in urban spaces.

Esta tesis doctoral analiza la evolución urbanística de Santander, Laredo, Castro Urdiales y San Vicente de la Barquera, relacionándola con el desarrollo de la arquitectura civil y religiosa de la Edad Moderna. Este trabajo, que abarca los siglos XVI, XVII y primera mitad del XVIII, completa la visión indiviudalizada que hasta ahota existía del desarrollo urbanístico y de la arquitectura de la cada una de las Cuatro Villas de la Costa de la Mar, principales centros urbanos de la Cantabria de la Edad Moderna. Nuestro estudio pretende mostrar una visión global y comparativa de las Cuatro Villas y no una sucesión de la realidad urbanística de cada una de ellas, exponiendo los aspectos comunes y diferenciadores que caracterizaron la evolución de sus infraestructuras y de su arquitectura. El análisis de la arquitectura y de la esctructura urbana trata de ir más allá de cuestiones meramente estilísticas y morfológicas, deteniéndose en aspectos sociales, políticos y económicos, poniendo así de manifiesto los motivos o decisiones que se encontraban detrás de cada construcción o intervención urbnística. / This doctoral thesis shows the evolution of Santander, Laredo, Castro Urdiales and San Vicente de la Barquera urban structure, bearing in mind the development in civil and religious architecture during Modern Age. The study, which includes XVI, XVII and first half of XVIII Century, completes a singled knowledge that until now existed about town planning and architecture of each of Cuatro Villas de la Costa, main urban centres in Cantabria during the Early Modern Age.It shows a global and comparative sight of Cuatro Villas, showing common and different elements which typified the evolution of their infrastructure and architecture, moving away from a stylistic and morphological analysis, and showing social-economical, political and cultural questions that could be found behind of each building or urban control.