O presente trabalho procura acompanhar a proposta modelar de Theodor W. Adorno, formulada de modo ensaístico e paratáxico na Teoria estética. Visa compreender esse modelo de pensamento, sua atualidade como manifesto crítico e como possibilidade de construção cognitiva não mais voltada a uma racionalidade que se sobrepõe às particularidades do objeto do conhecimento, reprimindo-as em favor da soberania do sujeito. Busca esclarecer como o estético, em Adorno, tornou-se um experimento teórico para apresentar objetos sociais e históricos – as obras de arte – que resistem ao jogo do valor de troca e que, por meio de uma linguagem enigmática e de uma perspectiva utópica, propõem mudanças para o atual estado de coisas. Pretende, ainda, mostrar que a Teoria estética superou os traços desesperançosos e pessimistas que marcavam o discurso de Adorno: a razão humana não está destinada a reprimir-se e a reprimir a natureza e os homens. A obra de arte resiste e, ao resistir, nega. Ao negar, propõe algo que não existe, um não-idêntico, algo que não se sabe o que é. O desejo de algo novo, liberto do peso totalizador da Aufklärung, atravessa a Teoria estética. / This paper is an attempt to study Theodor W. Adorno‟s model proposition formulated in an essay-like and parataxic-like model in his Ästhetische Theorie. The paper pursues a better understanding of Adorno´s thought model, its today‟s actuality both as a criticism manifest and as a possibility of cognitive construction no longer dependent on a rationality that supersedes the particularities of the object under study, inhibiting them in favour of the subject‟s sovereignty. The paper also tries to make it clearer how the concept of esthetics, in Adorno, has become a theoretical experiment to present social and historical objects – works of art – that do not yield vis-a-vis the exchange value game and which, by means of an enigmatic language and of a utopic perspective, propose changes in favour of the present-day status quo. Besides, this paper also tries to show that Adorno‟s Ästhetische Theorie has overcome the hopeless and pessimistic traits that marked Adorno‟s discourse: human nature is not bound to repress itself and to repress nature and men. A work of art resists and, upon resisting, it denies. Upon denying, it proposes something that does not exist, something non-identical, something one does not know what it really is. A desire for something new, free from the totalizing weight of the Aufklärung permeates the Ästhetische Theorie.

Este trabalho tem como objetivo estudar a presença da figura do leitor e a teorização do ato da leitura como elementos fundamentais das obras Museo de la Novela de la Eterna, de Macedonio Fernández, e Rayuela, de Julio Cortázar. Com base na teoria da estética do efeito, de Wolfgang Iser, e nas argumentações desenvolvidas por Umberto Eco em Lector in Fabula, tentaremos descrever a forma em que se dá a interação do leitor com os romances mencionados. No percurso do trabalho, estabelecem-se comparações entre as estratégias das obras e entre alguns pontos teóricos discutidos. A conclusão aponta as particularidades das ficções que, ao romper com a tradição literária e, consequentemente, com os hábitos de leitura, devem incorporar as orientações necessárias para que a tentativa do leitor de concretização da obra não se veja frustrada. / This thesis aims to study the presence of the figure of the reader and the theorization of the act of reading as central elements in the novels Museo de la Novela de la Eterna, by Macedonio Fernández, and Rayuela, by Julio Cortázar. Based on Wolfgang Iser's theory of the aesthetics of effect and on Umberto Eco's arguments in Lector in Fabula we describe how the reader interacts with these novels. Throughout the thesis we establish comparisons between the novels' strategies and some of the theoretical points discussed. The conclusion points towards the particularities of fictions that, because they break away from the literary tradition and, thus, from reading habits, must incorporate the necessary guidelines so that the reader's attempt of concretization of the work is not frustrated. / Este trabajo tiene como objetivo estudiar la presencia de la figura del lector y la teorización del acto de la lectura como elementos fundamentales da las obras Museo de la Novela de la Eterna, de Macedonio Fernández, y Rayuela, de Julio Cortázar. De acuerdo a la teoría de la estética del efecto, de Wolfgang Iser, y a las argumentaciones presentadas por Umberto Eco en Lector in Fabula, intentaremos describir la forma en que sucede la interacción del lector con los romances mencionados. En el desarrollo del trabajo, se establecen comparaciones entre las estrategias de las obras y entre algunos puntos teóricos discutidos. La conclusión apunta a revelar particularidades de las ficciones que, al romper con la tradición literaria y, consecuentemente, con los hábitos de lectura, deben incorporar las orientaciones necesarias para que el intento del lector de concretización de la obra no resulte frustrado.

Este trabalho tem o objetivo de analisar duas peças de Nelson Rodrigues, Álbum de família e Os sete gatinhos, à luz das teorias sobre o drama expostas por Peter Szondi em Teoria do drama burguês e Teoria do drama moderno. Verifica-se a relação dessas obras de Nelson Rodrigues com o gênero literário “drama”. As alterações que tal gênero sofreu ao longo dos séculos XVIII, XIX e XX nos mostram que os acontecimentos histórico-sociais influenciam determinantemente a maneira como a literatura explora determinados temas. Nesse sentido, a decadência do patriarcalismo no Brasil bem como a sua manutenção nas relações sociais está representada mediante uma estética que mistura vanguarda, comédia, chanchada e drama no teatro rodriguiano. Desse modo, a estrutura formal das peças de Nelson Rodrigues revela não só um autor consciente dos recursos estéticos de que dispunha como também a trajetória peculiar do drama no Brasil. / This work aims to analyze two plays by Nelson Rodrigues, Álbum de família and Os sete gatinhos, in the light of the drama theories exposed by Peter Szondi in Teoria do drama burguês and Teoria do drama moderno. Here we check the relationship between these two plays with the literary genre historically called drama. The changes this gender has experienced over the 18th, 19th and 20th centuries show us that historical events have strongly influenced the way Literature explores certain issues. In this sense, the decline of patriarchy in Brazil, as well as its conservation inside the social relations, is represented in an aesthetics that mixes avant-garde, comedy of manners, chanchada and drama in Nelson Rodrigues’ works. Therefore, the formal structure of Nelson’s plays unveils not only an author aware of his aesthetic resources, but also the peculiar path of drama in Brazil.

A obra de Machado de Assis é alvo de interesse de muitos pesquisadores ao longo dos anos e, por isso, torna-se muito difícil encontrar um prisma que ainda não tenha sido investigado exaustivamente – e isso pode ser constatado por meio do levantamento da fortuna crítica, anexado ao final da dissertação. No entanto, novos olhares podem surgir de aspectos já examinados, contribuindo para a leitura do complexo machadiano – como o tema do adultério. Este tema é abordado explicitamente em Memórias póstumas de Brás Cubas, ensaiado em Quincas Borba e suposto em Dom Casmurro. Dentro deste contexto, procura-se analisar a questão sobre as punições sofridas pelas personagens femininas nos dois textos narrados em primeira pessoa, Memórias póstumas de Brás Cubas e Dom Casmurro. Contudo, a pesquisa não se restringe às violações das normas do casamento; abrange, da mesma maneira, as frustrações geradas nos narradores, por estas personagens, no contexto dos relacionamentos amorosos, que independem da instituição do matrimônio. O exame de Virgília, Marcela, Eugênia, Eulália (Nhá-loló) e Capitu tem o intuito de responder a questão: por que Virgília não é punida por suas transgressões, diferentemente de Capitu e das demais figuras do trapézio amoroso do defunto autor? O problema pauta-se também na hipótese de que Memórias póstumas de Brás Cubas antecipa Dom Casmurro em alguns aspectos. Como resultado, constatou-se que tais mulheres apenas não são punidas quando se encontram em posições sociais privilegiadas e tomam decisões no sentido de não evidenciar a transgressão, como faz Virgília. / The work of Machado de Assis is target of interest of many researchers over the years and it becomes very difficult to find a prism that has not yet been investigated thoroughly – and this can be verified through critical fortune has been attached to the end of the dissertation. However, new looks can arise from aspects already examined, contributing to the reading of the “machadiano” complex – as the theme of adultery. This theme is addressed explicitly in Memórias póstumas de Brás Cubas, tested in Quincas Borba and supposed in Dom Casmurro. Within this context, seeks to examine the issue about punishments suffered by female characters in two texts narrated in first person, Memórias póstumas de Brás Cubas and Dom Casmurro. However, the search is not restricted to the breaches of rules of marriage; embraces, similarly, the frustration generated by these characters to the narrators, in the context of loving relationship, which are independent of the institution of marriage. The examination of Virgília, Marcela, Eugênia, Eulália (Nhá-loló) and Capitu is intended to answer the question: Why is not Virgília punished for his transgressions, unlike Capitu and other characters from the dead author's loving trapeze? The problem is guided in the hypothesis that the Memórias póstumas de Brás Cubas anticipates Dom Casmurro in some aspects. As a result, it was found that these women are not punished only when they are in privileged social positions and takes the right decisions not to emphasise the transgression, as does Virgília.

Este trabalho tem como objetivo principal o estudo do narrador no romance Memorial de Aires, de Machado de Assis. Em uma primeira etapa buscou-se levantar a fortuna crítica do romance, conforme algumas interpretações para se chegar a uma análise do narrador machadiano. No segundo momento foram revisitados desse autor os romances Iaiá Garcia, Esaú e Jacó e o conto Galeria Póstuma, procurando compreender a importância dos personagens Luís Garcia, conselheiro Aires e Joaquim Fidélis, base para a constituição do narrador do Memorial de Aires. Para isso, verificou-se pela comparação que Machado de Assis configurava tipos semelhantes ao conselheiro Aires, dos romances Esaú e Jacó (1904) e Memorial de Aires (1908), através dos personagens Luís Garcia, do romance Iaiá Garcia (1879) e Joaquim Fidélis, do conto Galeria Póstuma (1883-1884). Quem é o conselheiro Aires que figura como personagem e narrador? Ele é um narrador dissimulado? A dissertação mergulha nos quatro textos para responder as questões pelo estudo do narrador do Memorial de Aires. / The main subject of the present work is studying the narrator of Memorial de Aires, written by Machado de Assis. On a first stage it was aimed to bring up the critical wealth of the novel, according to some interpretations, in order to reach after an analysis of this Machado’s narrator. At a second moment the novels of the same author, Iaiá Garcia, Esaú & Jacó and the tale Galeria Póstuma, have been looked up again, trying to understand the magnitude of the named personages Luis Garcia, counselor Aires and Joaquim Fidélis, on whom the constitution of the narrator of Memorial de Aires was based. Therefore, it has been verified that Machado de Assis set similar types to Counselor Aires, of the novels Esaú & Jacó (1904) and Memorial de Aires (1908), since the first phase through de personage Luís Garcia, of the romance Iaiá Garcia (1879) and Joaquim Fidélis, of the tale Galeria Póstuma (1883-1884). Who finally is counselor Aires, appearing as personage and as narrator? Is he an underhanded narrator? This essay dives into the four texts aiming to answer the question by studying the narrator of Memorial de Aires.

Este trabalho revisita a teoria do escopo formulada por Katharina Reiß e Hans Vermeer em Grundlegung einer allgemeinen Translationstheorie (1984) a fim de investigar como os conceitos de “tradução comunicativa” e “tradução equivalente” podem ser aplicados a uma nova tradução do criptograma presente em “The Gold-Bug” (1843), de Edgar Allan Poe. Embora o conto tenha mais de vinte traduções diferentes para o português brasileiro, a necessidade de uma nova tradução justifica-se pela insuficiência de todas aquelas existentes no que diz respeito ao tratamento literário dos problemas especiais suscitados pelo criptograma e pela decifração deste no interior da narrativa. A importância da criptologia na gênese, na recepção e na posterior influência de “The Gold- Bug” é demonstrada através de exemplos e argumentos, e a seguir uma nova tradução do criptograma é proposta com o objetivo de produzir em português brasileiro um texto dotado das mesmas qualidades literárias e raciocinativas que resultaram na imensa popularidade do conto e na elevação de Poe ao status de gênio ainda no século XIX. / This paper presents a brief summary of the Skopostheorie proposed by Katharina Reiß and Hans Vermeer in Grundlegung einer allgemeinen Translationstheorie (1984) in order to assess the way in which the concepts of “communicative translation” and “equivalent translation” could be applied to a new translation of the cryptogram found in Edgar Allan Poe’s short-story, “The Gold-Bug” (1843). There are over twenty translations of the story into Brazilian Portuguese, but a new effort is nonetheless in order in view of the insufficiency of all existing translations with regard to the literary treatment of the special problems posed by the cipher and Legrand’s decipherment. The important role played by cryptology in the genesis, reception and later influence of “The Gold-Bug” is demonstrated by means of examples and arguments, and finally a new translation of the cryptogram is proposed with the aim of producing, in Brazilian Portuguese, a text with the same literary and ratiocinative qualities which eventually led to the tale’s immense popularity and Poe’s rise to the status of “genius” still in the 19th century.

O Quereres, de Caetano Veloso, é a sétima faixa do disco Velô, de 1984. O objetivo desta dissertação é analisar esta obra utilizando instrumentais teóricos provenientes das áreas de música e de letras, considerando-se “Canção” como um gênero próprio que possui interfaces com a literatura e com a música, ao mesmo tempo em que se revela autônomo e de difícil categorização. Este trabalho está organizado a partir do estabelecimento de dois principais pontos de vista analíticos, denominados aqui de Intramelódico-textualidades (análise intracancional) e Extramelódico-textualidades (análise extracancional). O primeiro trata da relação interna dos elementos presentes na canção tais como texto, melodia, ritmo, harmonia, arranjo e interpretação: a conexão, propriamente dita, entre letra e música na produção de um discurso cancional. O segundo, pondera a presença implícita e explícita de elementos externos a O Quereres: sua relação com outras canções, sua relação com outros autores, com a tradição poética luso-brasileira, a presença de elementos intertextuais e a possibilidade de diálogo com elementos da arte, da cultura e do conhecimento suscitados a partir de um atento processo de leitura-escuta.Busca-se, assim, um procedimento analítico que contemple a integridade da obra que conhecemos como “canção”, evitando a separação entre letra e música. Realiza-se, “de viés” uma abordagem que utiliza O Quereres como um ponto chave de recorte na obra de Caetano Veloso, uma lente que nos auxilia a compreender a poética deste compositor que considera a canção como uma forma bastante peculiar de se pensar à moda brasileira. / The song O Quereres, by Caetano Veloso, is the seventh track of the Velô record, of 1984. The objective of this work is to analyze this piece using theoretical instruments that partake from the areas of music and letters. It considers “song” as a proper genre with interrelations between literature and music, while at the same time demonstrating autonomous and difficult aspects. This work is organized on the establishment of two main analytical points of view, called here intermelodic textualities (intersong analysis) and extramelodic textualities (extrasong analysis). The former argues for the internal relation of the elements included in the song such as text, melody, rhythm, harmony, arrangement and interpretation, and the connection between text and music in the production of a “song” speech. The latter ponders on the implicit and explicit presence of external elements in O Quereres, its relation to other songs, other authors, and to the luso-Brazilian poetical tradition, as well as the presence of intertextual elements and the possibility of dialogue within elements of art, culture and knowledge in a reading-listening process. The aim of this project was to formulate an analytical procedure that will respect the integrity of the work of art known as “song”, preventing the separation of its elements between text and music. In this work, the song O Quereres is used as a means of understanding the poetics of Caetano Veloso, who considers the song as a peculiar form of the Brazilian way thinking.

O presente estudo examinou a trajetória literária do autor inglês John Gay sob o viés da sua correspondência, com o objetivo de encontrar exemplos de seu processo de criação nas suas cartas. Selecionou-se um corpus composto de cartas escritas por e para John Gay, famoso pela criação da ballad opera The Beggar's Opera, escrita em 1728. Dentre os seus mais importantes correspondentes, destacam-se os escritores Alexander Pope e Jonathan Swift. A análise das cartas mostrou que seu objetivo ia muito além da simples comunicação. Foi possível examinar algumas etapas do processo de criação do escritor através de trechos de poemas, alusões literárias e informações de fontes contidas nas cartas. Tais descobertas servem para afirmar o caráter literário da correspondência, que pode servir como espaço de expressão artística e território da criação. O questionamento decorrente dessa afirmação é acerca dos limites que separam os dois gêneros, literário e epistolográfico. / This study examined the literary career of the eighteenth century writer John Gay from the point of view of his letters, with the aim of finding examples of his creation process in his correspondence. A corpus consisting of letters written by and to John Gay, who is famous for his ballad opera The Beggar's Opera written in 1728, was selected. Among his most important correspondents were the famous writers Alexander Pope and Jonathan Swift. The analysis of the letters showed that their aim reached beyond communication. It was possible to examine some stages of the author's creation process through lines of his poems, literary allusions and sources expressed in his letters. These findings affirm the literary character of the correspondence, as a way of artistic expression and territory of creation. This statement raises a question about the border between literary genre and correspondence.

Diese Arbeit beschäftigt sich mit den wechselseitigen Beziehungen zwischen Literatur, Malerei und Fotografie in den literaturgeschichtlichen Epochen des Realismus und der Avant- Garde. Schwerpunkt bildet dabei die Kunst und Literatur im europäischen Rahmen. Ausgangspunkt ist die Annahme, dass die medialen Veränderungen und Neuerungen sich in der Gesellschaft und der Kunst wiederspiegeln. Es wird dargestellt, wie sich sowohl der Realismus wie auch die Avant-Garde aus den Auseinandersetzungen über das Bild erklären lassen. Dabei ist der Aufstieg und die Entwicklung der Fotografie und ihr Zusammenprall mit der Malerei besonders wichtig. Berücksichtigt werden in diesem Zusammenhang die künstlerische Produktion und ihre theoretische Aufarbeitung. Die Arbeit stellt im ersten Teil zunächst eine kurze Geschichte der Fotografie vor und diskutiert im Zusammenhang dieses neuen Mediums den realistischen Roman. Der zweite Teil beschäftigt sich dann mit den avantgardistischen Bewegungen Kubismus, Futurismus, Dadaismus und Surrealismus. Die Betonung liegt dabei auf den künstlerischen Manifestationen wie auch auf den poetologischen Reflektionen, die sich auf die Wechselbeziehungen zwischen visuellen und literarischen Darstellungsformen beziehen. Mit diesem Ansatz werden den visuellen Medien, insbesondere der Fotografie und Malerei, eine wichtige Rolle bei der Herausbildung und Konsolidierung des Realismus und der Avant-Garde zugesprochen. / Este trabalho propõe-se a analisar as relações de influência entre os media literatura, pintura e fotografia durante o surgimento e instituição dos movimentos artísticos realismo e vanguarda, com ênfase no âmbito europeu. Parte-se do pressuposto de que mudanças e inovações midiais refletem-se na sociedade e na arte. Busca-se discutir os movimentos realismo e vanguarda, atualmente consolidados nas diferentes abordagens da história da literatura, como emergentes das discussões sobre a imagem, em que pese o surgimento da fotografia e seu embate com a pintura. Considerando-se a produção artística e teórica da época são avaliadas as relações entre imagens e letras a partir de um breve histórico do medium fotográfico e da contextualização dos primeiros romances realistas até o surgimento e desenvolvimento dos movimentos vanguardistas cubismo, futurismo, dadaísmo e surrealismo. São enfatizadas as manifestações artísticas bem como as reflexões conceituais e poetológicas que de alguma forma utilizaram referências entre o visual e o literário, ou elementos tanto textuais quanto visuais. Esta abordagem interdisciplinar mostra-se válida ao discutir a função dos media visuais, sobretudo a pintura e a fotografia, na instauração dos movimentos literários realismo e vanguarda.

Filho da Andaluzia como o "cante jondo" e seu "duende", Federico García Lorca, um apaixonado por tal arte, foi um dos poetas espanhóis mais representativos do século XX. A relação entre o poeta de Granada e o "cante jondo" é profunda e importantíssima para a valorização da arte andaluza e inclusive para a compreensão da obra de Lorca. O "cante jondo", segundo o poeta, é o canto mais profundo, um canto escuro e misterioso onde a magia do "duende" se manifesta em um momento imóvel e único. Para Lorca, a arte espanhola é movida pelo "duende", espécie de espírito mágico, passional e original. Lorca também é considerado por muitos como um autor passional e muito apegado a sua terra. Poema del cante jondo é então uma viagem pelas entranhas de sua terra e uma busca constante pelo "duende" espanhol. Porém, como será que o duende de Lorca se manifesta em tal obra se é que isso acontece? O duende é amigo da improvisação, mas a constituição de um poema depende também da engenhosidade do poeta. Assim, através da análise dos poemas de Poema del cante jondo e do estudo de conferências do autor, bem como da história da Espanha e do cante jondo, tentaremos diagnosticar a poética de García Lorca para a construção deste seu livro de poemas, ou seja, estudaremos os procedimentos utilizados pelo poeta para que haja na obra o encontro mágico com o duende da arte andaluza. Passaremos da teoria do duende, conceituada por Lorca em uma de suas conferências, à análise da prática do autor para conseguir o efeito "duende" em sua obra. / Hijo de Andalucía como el cante jondo y su duende, Federico García Lorca, un enamorado de tal arte, ha sido uno de los poetas españoles más representativos del siglo XX. La relación entre el poeta granadino y el cante jondo es profunda e importantísima para la valoración del arte andaluz y aun para la comprensión de la obra de García Lorca. El cante jondo, según el poeta, es el cante más profundo, un cante oscuro y misterioso en el que la magia del "duende" se manifiesta en un momento inmóvil e irrepetible. Para Federico, el arte español se mueve al compás del "duende", especie de espíritu mágico, pasional y original. Muchos también consideran a García Lorca como un autor pasional muy aferrado a su tierra. Poema del cante jondo es, entonces, un viaje por las entrañas de su tierra y una búsqueda constante por el "duende" español. Sin embargo, ¿cómo será que el duende de Federico se manifiesta en dicha obra? ¿Eso realmente ocurre? El duende es amigo de la improvisación, pero la constitución de un poema depende de la ingeniosidad del poeta. Así, a través del análisis de los poemas de Poema del cante jondo y del estudio de conferencias del autor, bien como de la historia de España y del cante jondo, intentaremos diagnosticar la poética de García Lorca para la construcción de su libro de poemas, es decir, estudiaremos los procedimientos utilizados por el poeta para que haya en la obra el encuentro mágico con el duende del arte andaluz. Pasaremos de la teoría del duende, conceptuada por García Lorca en una de sus conferencias, al análisis de la práctica del autor para lograr, en su libro, el efecto "duende".