Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elaine L F Prado.pdf: 697903 bytes, checksum: ca45c298fccf4b8e49c3eb31874e4c43 (MD5) Previous issue date: 2007-05-16 / This dissertation aims at studying Chico Buarque s novel Budapest. We seek to reflect on the process of building the narrative, focusing on discourse. To meet this goal, we have raised the following question: Does Chico Buarque s Budapest translate modern values in a way as to consolidate, in the present, one of the many possible forms of the novel? In an attempt to try to answer this question, we have worked with the following hypothesis: Discursivity offers a power field in which the epic provides a poetic answer to the modern values in Budapest. The theoretical basis of this study is, mainly, Bakhtin s theory of the novel since it offers elements that enable us not only to discuss the novel as a genre, revealing man in transformation, but also to support the multiple voices responsible for bringing out the richness in the discourse that builds Budapest. This study also takes into consideration, as a support for the analysis, the historical and cultural contexts of the novel while addressing the concepts of modern, modernity, and post-modernity, in order to think the logic behind Buarque s writing and the values it embodies. This study is divided in three chapters in which we attempt to explore the discursive variety of the novel highlighting certain aspects of modern poetics, among which are concision, completeness and visuality. Among other things, we conclude that Budapest reflects its own production; and it indirectly criticizes, in its making, the so-called post-modernity and, because of amplitude and originality, it has a modern character which bestows atemporality to the narrative / A presente dissertação tem como objetivo estudar o romance Budapeste, de Chico Buarque. Busca refletir sobre o processo de construção da narrativa, enfocando o discurso. Para tentar alcançar essa meta, levanta a seguinte indagação: O romance Budapeste de Chico Buarque traduz, em sua composição, valores modernos, de modo a consolidar, na contemporaneidade, uma das variantes possíveis da forma romanesca. Na tentativa de responder a essa problemática, seleciona a hipótese: A discursividade oferece um campo de forças, no qual o épico dá uma resposta poética aos valores modernos de Budapeste. A fundamentação teórica que norteia este trabalho é, primordialmente, a teoria do romance de Mikhail Bakhtin, uma vez que oferece reflexões não só para discutir o romance enquanto gênero, revelando o homem em devir, mas também para sustentar a multiplicidade de vozes, mostrando a fecundidade do discurso que constrói Budapeste. Leva também em consideração, como suporte para análise, o contexto histórico-cultural do romance, ao abordar conceitos como moderno, modernidade e pós-moderno, visando meditar a respeito da lógica escritural buarqueana, a respeito dos valores que enraíza. O trabalho procura explorar, ao longo dos três capítulos, a riqueza discursiva do romance, ressaltando, ainda, aspectos relacionados com a poética moderna, dentre eles, a concisão, a completude, a visualidade. Entre outras conclusões, apreende-se que o romance Budapeste reflete sobre a própria produção; indiretamente, critica, em seu fazer-se, a contemporaneidade nomeada pós-moderna e, por sua amplitude e originalidade, revela um caráter moderno, imprimindo à narrativa uma atemporalidade

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria S Ferreira.pdf: 402938 bytes, checksum: b5656d959ba3df70bf82d7bf6472ac39 (MD5) Previous issue date: 2007-05-08 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This work is set in the area of the Literature and Literary Criticism. It interprets the work Vidas 5ecas (Barren Lives) by Gaciliano Ramos under the perspective of the revealing of the silence, whose discourse reaffirms the poetry in the rhythm and images (re)created by words in an hostile environment. Despite the silence of the characters, it verifies the survival of the poetic through the language. It bases the verbal manifestation of the silence, the construction of the romance and the poetic of the silence. It discusses the structural aspects of the narrative speech, the use of formal elements like the reconstitution of the mental state of the characters in the monologs, the scenery in the dialogs, the Rhetoric of the constant repetitions, the narrative focus and the temporary chronologic emphasis as a role based on the arising of impressions of the silence. It ensures the importance of the work in the Brazilian Literature field as an artistic expressing way. It assures the construction process of this work as a literary phenomenon by focusing on the creation act under the structural and stylistic aspects of the verbal communication. It speaks of the causality of the silence forms showed through the new narrative techniques and the linguistic code selection. Lastly, it exposes the drama of the characters searching for the word as a way of survival. 50 the language is revealed in two plans: externally, words are unfinished attempts of dialogs, and internally, the dialogs grow without linguistic mistakes, with coherence and extreme capacity of image-language visualization / Este trabalho situa-se na área da Literatura e Crítica Literária. Interpreta a obra Vidas secas, de Graciliano Ramos, sob a perspectiva do desvelar do silêncio, cujo discurso ressalta a poesia no ritmo e nas imagens que as palavras (re)criam em um meio hostil. Verifica a sobrevivência do poético, por meio da linguagem, apesar do silêncio das personagens. Fundamenta a manifestação verbal do silêncio; a construção do romance e a poética do silêncio. Discute os aspectos estruturais do discurso narrativo, o emprego de elementos formais como: a reconstituição do estado mental das personagens nos monólogos, a cena nos diálogos, a retórica das constantes repetições, o foco narrativo e o enfoque temporal cronológico como papel preponderante do surgimento das impressões do silêncio. Confere importância à obra no âmbito da Literatura Brasileira, como uma forma de expressão artística. Legitima o processo de construção desta obra como um fenômeno literário, ao enfocar o ato criador sob os aspectos estruturais e estilísticos da comunicação verbal. Trata da causalidade das formas do silêncio manifestadas pelo emprego de novas técnicas narrativas e pela seleção do código lingüístico. Por último, expõe o drama das personagens na busca da palavra como meio de sobrevivência. Para tanto, a linguagem é revelada em dois planos: no externo, as palavras não passam de tentativas inacabadas de diálogo; no interno, os diálogos evoluem sem erros lingüísticos, com coerência e com extrema capacidade de visualização da imagem-linguagem

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Rogerio Beserra.pdf: 298707 bytes, checksum: 2efaeeb78069c69779849d86256b71e7 (MD5) Previous issue date: 2008-04-29 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / The objective of this essay is to analyze how the traditional narrative is surpassed by the paradigms from the novel ÁGUA VIVA, by Clarice Lispector, which provides the relationship between prose and proetry languages derived from heterogeneous genders. This way we have to emphasize some features (aspects) like the lack of narrative element functioning, which shows unsteadiness, in the current literature; the lyricism as the rhythm builder principle; the poetical image where the word is taken to zero degree . The essay is composed by three chapters, in which the character´s dialogical-discursive processing in the modern novel has been approached as well as the rhythm builder processing and the plurality of the image, considering that the words have no meaning (their meanings were ignored). We are have shown that these thematic subjects are aggregated by their metaphorical images tied with the multi-meaning words. For the analytical-interpretative passage, we based on Bakhtin, Barthes, Segolin, Santaella, Pearce, Sá (and others) besides some works on Clarice Lispector / Esta pesquisa tem por objetivo analisar a superação dos paradigmas da narrativa tradicional a partir do romance ÁGUA VIVA, de Clarice Lispector, que articula as relações entre as linguagens da prosa e da poesia, num hibridismo de gêneros. Para isso, fizemos um recorte em torno de alguns aspectos, como a desfuncionalização dos elementos da narrativa em uma literatura atual, feita de instabilidade; o lirismo como princípio construtor do ritmo; e a imagem poética, ou seja, a palavra levada ao grau zero . As questões foram discutidas nos três capítulos que compõem a dissertação, em que abordamos o processo dialógico-discursivo da personagem no romance moderno, o processo de construção do ritmo e a pluralidade da imagem, analisada pelo viés da palavra esvaziada de significados. Mostramos que essas temáticas integram-se pelo emprego das imagens metafóricas vinculadas à palavra polissêmica. Nesse percurso analítico-interpretativo, recorremos, entre outros, a Bakhtin, Barthes, Segolin, Santaella, Paz, Sá, além de trabalhos sobre a obra de Clarice Lispector

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriana Ines Martos Stefens.pdf: 246419 bytes, checksum: c8785ddffefc848f7bf27107aabd20c5 (MD5) Previous issue date: 2008-05-15 / The current thesis aims to analyze the novel A Paixão segundo G.H. (1964) by Clarice Lispector. From the hypothesis that the narrator-character, identified only by GH, in reporting her via crucis of existence also reports, through a plurissignificative speech, her experience as a writer-sculptor. In her kind of writing, she uses metaphors that can be read and compared with the investigative act of writing and effects produced by ephiphanic writing. The G.H. character, after becoming conscious of her existence, is able to report it and give it the form of ephiphanic experience. She needs the writing form to understand, arrest and formalize the reality. Writing, for her, is an attempt to give shape to what she had experienced (the cockroach) and by writing (form), to revive and give it the illusion of poetic sense. G.H. talks about the passion in her own point of view, the reason for why we analyzed the narrator s speech as a loving writing of I(s), loaded from a pathos of an I who writes. The alterity experience can be seen in contrast of G.H. to the other, represented in the figure of Janair, the cockroach, the imaginary interlocutor, whom she calls to work together in her sculpture-writing. The exotopic experience and the contact with the other s view provided the ephiphanic moment lived by the authorheroin, therefore, the alterity and epiphany are functionally interlinked and interdependent. But only the experience of writing can promote ethical and aesthetic completion to the experience. The subject approached in A Paixão segundo G.H. was borned in the tension between the saying and the how to write, materializing the drama of language into act sculpture, the writing experienced by GH into an act of waiting for a final form. The first chapter approaches the narrative as a writing in its formal specificity. The second chapter deals with the experience by Clarice Lispector s alteritys writing in discordance with the content, transformed by the sculptural form, in which the whole heroin-author-reader narrative process is coparticipated by her. This chapter still approaches the issue of aesthetics epiphany of form-content, generated by ephiphanic time that wins the form-content desired by heroin-author and by the author-sculpture of the alterity reported artistic form. The narrator-character emerge on the meaning and limits of the poetic word, therefore, the G.H s report is a pure concrete manifestation of form of an aesthetic consciousness. We stress that, for analyzing the effects produced by the loving speech, we passed over the works of Roland Barthes and ideas raised by the critical word and translator of Leyla Perrone-Moises / A presente dissertação tem por objetivo analisar o romance A Paixão segundo G.H. (1964) de Clarice Lispector. Partimos da hipótese de que a narradora personagem, identificada apenas pelas iniciais G.H., ao relatar sua via crucis existencial relata também, através de um discurso plurissignificativo, sua experiência como escritora-escultora. Nesse modo de escrever, trabalha metáforas que podem ser lidas e comparadas, ao ato de escrever indagativo e aos efeitos produzidos pela escritura epifânica. A personagem G.H., após tomar consciência de sua existência, está apta a narrá-la e dar-lhe a forma de experiência epifânica. Ela precisa da forma escritural, para compreender, prender e formalizar a realidade. Escrever, para ela, é uma tentativa de dar forma àquilo que experimentou (a barata) e pela escritura (forma), reviver e dar-lhe a ilusão do sentido poético. G.H. fala sobre a paixão segundo ela mesma, razão pela qual analisamos o discurso da narradora como uma escritura amorosa de Eus, carregada de pathos de um Eu que escreve. A experiência da alteridade pode ser percebida na contraposição de G.H. em relação ao outro, representados na figura de Janair, da barata, do interlocutor imaginário, a quem ela pede a mão para trabalhar, juntos, sua escultura-escritura. A experiência exotópica e o contato com o olhar do outro é que proporcionam o momento epifânico vivido à autora-heroína, portanto, as experiências da alteridade e epifania estão interligadas e interdependentes funcionalmente. Mas, somente a experiência da escritura consegue promover acabamento ético e estético à experiência vivida. O tema tratado em PSGH nasce da tensão entre o dizer e o como escrever, materializando o drama da linguagem em ato escultórico, escritura vivenciada por G.H, em ato de espera de uma forma final. O primeiro capítulo sob o título Um modo de escrever: jogo de alteridades, aborda a narrativa como uma escritura em sua especificidade formal. O capítulo II trata A experiência da escritura de alteridades clariceana, em desencontro com o conteúdo, transformado pela forma escultórica, na qual todo o processo narrativo autor-heroína-leitor dela co-participa. Ainda neste capítulo é abordada a questão da A epifania estética da forma-conteúdo, gerada pelo tempo epifânico que ganha a forma-conteúdo desejada pela heroína-autora e pela autora-escultora da forma artística do relato da alteridade. A narradorapersonagem perscruta sobre o sentido e o limite da palavra poética, portanto, o relato da narradora G.H. é a pura manifestação concreta da forma de uma consciência estética. Ressaltamos que, para analisarmos os efeitos produzidos pelo discurso amoroso recorremos, em particular, às obras de Roland Barthes e concepções levantadas pela palavra crítica e tradutora de Leyla Perrone- Moisés

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Simone Aparecida Lino da Silva.pdf: 591717 bytes, checksum: 84f94ac694e513dc088f7dc7b56af427 (MD5) Previous issue date: 2008-10-10 / This dissertation interprets the novel Vidas secas according to the perspective of the dialogism, derived from the consciousness sketched by rudimentary characters and the Graciliano Ramos interest of revealing the perception of these characters not only by themselves, but also by the surrounding reality. For this reason, the studies of Mikhail Bakhtin constitute the theoretical basis of this research because Vidas secas presents the principles of the polyphonic novel: reality s information, lack of conclusion, dialogism, and polyphony. Our object of study Fabiano character has an interior conflict, asking himself about his identities and his action in the world. It is an aspect of the dialogic character because, to Bakhtin, the consciousness begins where the dialogue begins. Moreover, Fabiano is not the interpreter of the author, he has independence and freedom to expose the opinions and to take decisions. Vidas secas is constituted basically by interior monologue and the dialogic character is formed by a process of interactive communication. How is going to happen the Fabiano s consciousness of himself? We understand that the narrator uses the free indirect discourse to stage the thoughts of the character in an authentic way because by this double-voiced word it was possible to offer the voice to the one without it but indicating the tonal a difference between the point of view of the narrator, owner of the word, and the character, that has not that word. In the novel, we face this ambivalent and dialogical discourse in which we listen to two voices the Fabiano s one and narrator s one that build dialogic relations, sometimes in consonance, sometimes in dissonance, and it turns Vidas secas a plurilingual spectacle / Esta dissertação interpreta o romance Vidas Secas sob a perspectiva do dialogismo, em decorrência da consciência esboçada por personagens tão rudimentares e do interesse de Graciliano Ramos em revelar a percepção dessas personagens não apenas sobre si mesmas, mas também sobre a realidade circundante. Por isso, os estudos de Mikhail Bakhtin constituem fundamentação teórica de base desta pesquisa, pois Vidas Secas apresenta os mesmos princípios do romance polifônico: realidade em formação, inconclusibilidade, dialogismo e polifonia. Nosso objeto de estudo - a personagem Fabiano - trava um conflito interior, questionando-se sobre sua identidade e sua atuação no mundo. Um aspecto da personagem dialógica, porque, para Bakhtin, onde começa a consciência inicia-se o diálogo. Além disso, Fabiano não é um intérprete do autor, tem independência e liberdade para expor suas opiniões e para tomar decisões. Vidas Secas é constituído basicamente por monólogo interior e a personagem dialógica é construída por um processo de comunicação interativa. Como ocorrerá a construção da autoconsciência de Fabiano? Entendemos que o narrador se pauta pelo discurso indireto livre para encenar os pensamentos da personagem de forma autêntica, já que por meio dessa palavra bivocal foi possível dar voz a quem não tinha, porém, marcando a diferença tonal entre o ponto de vista do narrador, detentor da palavra, e o da personagem, que não a possui. Durante todo o romance, nos defrontamos com esse discurso ambivalente e dialogal no qual ouvimos o ressoar de duas vozes - a de Fabiano e a do narrador que tecem relações dialógicas entre si ora por consonância, ora por dissonância, fazendo de Vidas Secas um verdadeiro espetáculo plurilíngüe

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aline Rezende de Almeida Lima.pdf: 645572 bytes, checksum: 74c7e88553f8fc152a3c511052e6ce62 (MD5) Previous issue date: 2009-04-30 / The chronicle of Rubem Braga presents itself as one of the most striking of modern Brazil. Significant part of that authority is the lyricism that foist his prose. Poet of the streets, had a sharp sensitivity to capture the fleeting beauty, in women or in quotidian facts. The informal language of the text, with acres of chat, disguises a high degree of complexity. The critic David Jr. Arrigucci identified the style of the chronicler similarities with the poetry of Manuel Bandeira, which named the "humble". The central objective of this work is testing the limits and close the relationship between Braga's chronicles and Bandeira's poems. This research will be carried out in three aspects, in which similarities re: lexical (which involves the direct syntax and informal elocution), literary (epiphany and procedure of construction of the text), theme (the prominent position of women). The study is based on two types of analysis: style - that is, the arrangement of language and sound elements, syntactic and semantic - and discourse analysis. The stylistic analysis provides the elements necessary to examine the use of own resources of poetry in the chronicles of Braga. The analysis of discourse, by contemplating the vision of the world that exists behind the poetic construction, allows the exploration of possible meanings suggested by the text. Combining these two forms of research, we offer a more comprehensive reading of the poetic narrative of Rubem Braga. Throughout the analises, we recognized that the two writers' text is marked by an appearent simplicity, that disguises a meticulous process of compisitional style. There are poetic marks hiden in the prose. Given the level of elaboration through the spontaneity of which it is obtained we may refer to the style as poetry of the naturality of trivialities. For conceptual reasons, we call on both the Russian formalist school - Roman Jakobson, Yuri Tynianov and Victor Chklovski - and the studies developed by Mikhail Bakhtin, for we believe it is complementary lines - beyond the providential readings of the work of Braga and Bandeira made by Brazilians critics / A crônica de Rubem Braga se apresenta como uma das mais marcantes da literatura brasileira moderna. Parte significativa dessa autoridade advém do lirismo que Braga impingiu à sua prosa. Poeta das ruas, ele tinha a sensibilidade aguçada para captar a beleza fugaz, estivesse ela nas mulheres ou nos fatos corriqueiros. A linguagem informal do texto, com ares de batepapo, disfarça um alto grau de complexidade. O crítico Davi Arrigucci Jr. identificou no estilo do cronista semelhanças com a poética de Manuel Bandeira, a qual batizou de humilde . O objetivo central deste trabalho é testar as proximidades e limites da relação entre as crônicas de Braga e os poemas de Bandeira. A investigação será realizada em torno de três aspectos, nos quais enxergamos similaridades lexical (sintaxe direta e elocução informal), literária (epifania como procedimento de construção do texto) e temática (destaque ao cotidiano e à figura da mulher). Ao longo da análise, verificamos que o discurso dos dois escritores se reveste de uma simplicidade aparente, que escamoteia um meticuloso processo de elaboração da linguagem. São marcas poéticas disfarçadas de prosaísmo. Dado o nível de elaboração por meio do qual esse traço de espontaneidade é obtido, passamos a nos referir ao estilo como poética da naturalidade. O estudo estará fundamentado em dois tipos de análise: estilística isto é, nos arranjos de linguagem e seus elementos sonoros, sintáticos e semânticos; e do discurso. A análise estilística fornece os elementos necessários para examinarmos o uso de recursos próprios da poesia nas crônicas de Braga. A análise do discurso permite contemplar a visão de mundo que existe por detrás da construção poética e explorar as possíveis significações sugeridas pelo texto. Ao combinar essas duas formas de investigação, pretendemos oferecer uma leitura mais abrangente da narrativa poética de Rubem Braga. Para a fundamentação conceitual, recorremos tanto à chamada escola formalista russa Roman Jakobson, Yuri Tynianov e Victor Chklóvski quanto aos estudos desenvolvidos por Mikhail Bakhtin, por acreditarmos tratarem-se de linhas complementares além das providenciais leituras das obras de Braga e Bandeira feitas por críticos brasileiros

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lilian Silva Salles.pdf: 493708 bytes, checksum: 2b749fcdf6f14148af1f472b90764d53 (MD5) Previous issue date: 2009-04-30 / This study aims to elucidate the parody rewriting of the Parable of the Prodigal Son and its mythic allusions in Raduan Nassar s novel Lavoura Arcaica. Our aim is to point out, in Nassar s narrative discourse, the peculiarity of its structure in which we have identified poetic procedures as lyricism, silence, the sacred and the profane. These strategies recur in the novel, alternating the organic and the visceral with the problematization of the natural and the mythic. Therefore, we raised the following question: how does Lavoura Arcaica engage itself in a dialogue parody with the Parable of the Prodigal Son , and reconstruct, in a poetical prose, the mythical family ties, generating the rite of cosmic renewal? For us Lavoura Arcaica reconstructs these mythical ties through a tense lyricism between the dialogism and the silence. The mythical family ties in Lavoura Arcaica promote a circular narrative in which the rite of comic renewal is organizing with the fusion of the mystic and of parodying the presence of the sacred and the profane that bring the subject back to the organic, visceral and natural. Reflecting upon this issue, we studied the theory of myth dealing with the concept according to some scholars as Mircea Eliade, Gilbert Durand and Joseph Campbell. For the discussion of parody and dialogism, we have focused on Mikhail Bakhtin studies. We also discussed, the sacred and the profane as a pecualiarity of Nassar s novel, focusing on Mircea Eliade s studies, and the question of silence, presented in the novel, basing on Eni Orland´s studies. On the relation between poetry and lyricism, we have chosen the critical essays of T.S. Eliot. This study on Nassar s novel showed us that the mythical family ties are the bases for the discursive tensions and the parody rewriting of myth. Along this project, we observed that in the narrative discourse the myth of the eternal return has constructed Lavoura Arcaica as a great allegory of the ruins of a family unit / O presente estudo tem por objetivo elucidar a reescritura mítico-paródica da Parábola do filho pródigo presente no romance Lavoura arcaica, de Raduan Nassar. Nosso intuito é flagrar, nesse discurso narrativo de Nassar, a peculiaridade de sua escritura, na qual identificamos procedimentos poéticos como: o lirismo, o silêncio, o sagrado e o profano que apresentam no discurso dialógico do romance recorrência e alternância do orgânico, do visceral e do natural que otimizam a questão do mito no romance. Para tanto, levantamos a seguinte questão: De que maneira o romance Lavoura arcaica, de Raduan Nassar, ao dialogar de forma paródica com a Parábola do filho pródigo, reconstrói, em prosa lírica, os laços míticos de família, gerando um rito de renovação cósmica? As principais hipóteses que nos orientaram foram: ao dialogar com a Parábola do filho pródigo, o romance Lavoura arcaica reconstrói os laços míticos de família por meio de um lirismo tenso entre o dialogismo e o silêncio. Ainda cogitamos que os laços míticos de família, presentes em Lavoura arcaica, promovem uma narrativa circular, na qual o rito de renovação cósmica assume a fusão do místico e do paródico pela presença do sagrado e do profano, trazendo o homem de volta ao orgânico, ao visceral e ao natural. Para refletir sobre essa problemática, traçamos um percurso de estudo do mito tratando o conceito segundo os teóricos Mircea Eliade, Gilbert Durand e Joseph Campbell. Da mesma forma, a respeito da paródia e do dialogismo, temos como base teórica os estudos de Mikhail Bakhtin. Por uma peculiaridade desse romance nassariano, o sagrado e o profano foram estudados a partir dos estudos também de Mircea Eliade, já a questão do silêncio presente no romance está embasado nos estudos de Eni Orlandi. Revelamos as relações de poesia e lirismo, tendo como embasamento os ensaios críticos de T.S. Eliot. Enfim, a pesquisa evidenciou-nos que os laços míticos de família foram os construtores das tensões discursivas e da reescritura paródico-mitica presentes no romance. Ao longo deste trabalho, observamos que o mito do eterno retorno no discurso da narrativa constrói Lavoura arcaica como metáfora da busca de uma unidade familiar perdida

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:59:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elizandra Pereira.pdf: 5332852 bytes, checksum: ae54f607db4f3feb966110cfff70e0c2 (MD5) Previous issue date: 2009-09-30 / Secretaria da Educação do Estado de São Paulo / This paper has as its aim analyzing the novel A CARNE, by Júlio Ribeiro (1888), according to the Impressionist painting view, in order to revalue it while an esthetic object, under the Naturalism and Impressionism conceptions. The first chapter deals with the analysis perspective which is able to verify the inter-relations between image and word in tension areas of the narrative between narration and description. This favors, at the same time, the perception and the observation of the word that is being read through the application of the artistic and impressionist proceedings on the literary discursive material. The second chapter enlights new possibilities for the plastic-visual articulation, materialized in the literary word by considering the impressions and sensations of the real world as an object. By means of the reflection on the real, the Impressionist artist Claude Monet used to project his painting diagrams on the screen. This way, Júlio Ribeiro s literary word is delegated to the narrator under two proceeding aspects: the scene told as word and the scene shown as image. The third chapter shows that the tension zones are crossed sometimes by the narrator s view and others by the character s one, resulting in the dissociation subject-object in the literary discourse. This is what bases the synthesis word-object beneath the Impressionist perspective between the artist and/or writer s reflections and depuration. In the conclusion, it is finally detached that in A CARNE , by Júlio Ribeiro, the image, together with the word in experimentation, receives an artistic function of presenting the body of the word-object, to the reader, to the literature understood as word-body in an acting of representing the real / A presente dissertação tem por objetivo analisar o romance A CARNE, de Júlio Ribeiro (1888), sob o olhar impressionista da pintura para reavaliá-lo enquanto objeto estético, sob as concepções do Naturalismo e Impressionismo. O Capítulo I trata da perspectiva de análise em adoção que pretende verificar as inter-relações imagem e palavra em áreas de tensão da narrativa entre narração e descrição. O que favorece, a um só tempo, a percepção e a observação da palavra em leitura por meio de procedimentos artísticos impressionistas aplicados ao material discursivo literário. O Capítulo II aclara essas novas possibilidades de articulação do plásticovisual, materializadas na palavra literária pela via das impressões e sensações do mundo real enquanto objeto. Mediante a reflexão do real, é que o artista impressionista Claude Monet projetava os diagramas de suas pinturas em telas. Para tanto, a palavra literária de Júlio Ribeiro é delegada ao narrador sob dois aspectos de procedimento: a cena contada como palavra e a cena mostrada como imagem. O capítulo III mostra que as zonas de tensão são cruzadas ora pelo olhar do narrador, ora pelo olhar da personagem, resultando na dissociação sujeito-objeto no discurso literário. É o que fundamenta a síntese palavra-objeto sob a perspectiva impressionista entre a reflexão e a depuração do artista e/ou do escritor. Na conclusão, destaca-se, afinal, que, em A CARNE , de Júlio Ribeiro, a imagem, junto à palavra em experimentação, recebe a função artística de apresentar o corpo da palavra-objeto, ao leitor, para a literatura entendida como palavra-corpo em ato de representação do real

A presente dissertação tem como objetivo estabelecer um diálogo entre três obras da literatura britânica do século XIX: o romance Frankenstein (1818), da autora Mary W. Shelley; a novela O Médico e o Monstro (1886), de autoria de Robert Louis Stevenson; e o romance A Ilha do Dr. Moreau (1896), de H. G. Wells. Tal comparação será feita com base nas convenções advindas dos gêneros Gótico e Ficção científica, presentes nas obras. Como principal alicerce teórico para a definição de gêneros entendem-se as considerações de Tzvetan Todorov, que defende que os gêneros são inevitáveis como horizonte de interpretação, além de serem entidades em constante mudança numa cadeia de influências através da qual novos gêneros são criados a partir de outros pré-existentes. O presente trabalho parte desse pressuposto para determinar de que maneira os gêneros Gótico e Ficção científica estão presentes nas obras, observando como os traços do Gótico, ao se adaptarem através do tempo, deram lugar a convenções ainda semelhantes, mas que já apontavam para o que posteriormente seria considerado um novo gênero literário. Primeiramente, são feitas considerações sobre conceitos de gênero textual/literário através do tempo, as quais mostram o quanto seu estudo permaneceu constante. A seguir são definidas certas convenções dos dois gêneros, assim como o modo como dialogam entre si. A segunda parte do trabalho analisa as duas primeiras obras em ordem cronológica, Frankenstein e O Médico e o Monstro, de maneira a perceber a predominância de convenções do Gótico – especialmente relacionadas ao conflito interior dos personagens, como o "duplo" – ao mesmo tempo que a emergência de temas da ciência, como os de criador/criatura e ambição científica. O último capítulo verifica como a primeira fase da Ficção científica de H. G. Wells em geral e A Ilha do Dr. Moreau em particular resgatam convenções dos dois gêneros supracitados, ao mesmo tempo servindo como consolidador das convenções do último. Conclui-se, portanto, que houve uma evolução que possibilitou a emergência de um novo gênero ligado ao contexto histórico das obras, o que legitima a consideração dos gêneros como entidades mais livres e não restritivas, que podem estar presentes em diversas obras ao mesmo tempo e ampliar seu horizonte de interpretação. / This thesis establishes a dialogue among three books from 19th century British literature: the novel Frankenstein (1818), by M. W. Shelley; the novella Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1886), by Robert Louis Stevenson; and the novel The Island of Dr. Moreau (1896), by H. G. Wells. This comparison is made based on the specific Gothic and Science fiction conventions present in the books. The main theoretical support for the definition of genres employed here comes from Tzvetan Todorov. The author argues that genres are inevitable as horizons of interpretation, entities in constant change which tend to create new genres from pre-existent ones, in a chain of influences. This thesis considers this supposition to determine how Gothic and Science fiction make themselves present in the works analyzed, in a way that Gothic traits, being adapted through time, give way to similar but yet innovative conventions, which subsequently would be considered a new literary genre. Primarily, considerations concerning the concept of genres through history are made, all of which show how this study was kept constant. Hereafter, certain conventions regarding both genres are defined, as well as the manner they dialogue amongst themselves. The second part of the thesis is dedicated to the analysis of Frankenstein and Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde, and establishes the predominance of Gothic conventions – especially the ones related to the inner conflict of the characters, such as the "double" –, while considering the emergence of scientific themes, such as the creator/creature relationship and scientific ambition. The last section verifies how the first cycle of H. G. Wells' Science fiction in a broad sense, and The Island of Dr. Moreau in a strict sense, reemploy conventions of both genres, serving to consolidate the latter. Therefore, it is concluded that there was an evolution which enabled the emergence of a new genre, considering the historical contexts and the books analyzed. This consideration justifies genres as wide-ranging, non-restrictive entities, which may be present in various works simultaneously and broaden their horizon of interpretation.

La presente tesis aborda el tema de la identidad femenina y las relaciones de poder que la determinan en los relatos de Luisa Valenzuela. Se analizan dos grupos de relatos de la autora que subvierten los modelos dominantes y opresivos de la feminidad. El primer grupo abarca las reescrituras de los cuentos de hadas, mientras el segundo trata la construcción de la feminidad en el ambiente de la última dictadura militar argentina. Los dos grupos de relatos presentan una suerte de crítica respecto a la formación discursiva de la mujer como sujeto. La tesis presenta en los capítulos introductorios varios problemas teóricos que se reflejan en la obra ensayística y narrativa de Valenzuela. Se analizan las relaciones entre el posmodernismo, el posestructuralismo y el feminismo, especialmente en lo que concierne al problema del sujeto femenino. También se presentan las teorías de Luce Irigaray y Hélène Cixous sobre la escritura femenina que guardan muchas similitudes con las de Valenzuela. Estas autoras realizan ante todo el análisis deconstructivo del discurso psicoanalítico sobre la sexualidad femenina y la señalan como el lugar de la represión discursiva falocéntrica, pero también como el instrumento de la conquista de la libertad. Las dos teorizan sobre un lenguaje femenino, a veces fundándose en ciertas ideas esencialistas sobre la identidad femenina. El concepto clave en la poética de Valenzuela es el de “escribir con el cuerpo”. Valenzuela se reafirma en la existencia de una escritura específicamente femenina, que tiene su origen en una sexualidad y experiencia históricas únicas de la mujer. Escribir con el cuerpo significa oponerse a la unión del logos con la cultura falocéntrica, hablar desde una posición de marginalización de las mujeres en la cultura y la sociedad patriarcales. Los cuentos de hadas de Perrault y de los hermanos Grimm representan un tipo de discurso marcadamente falocéntrico y las reescrituras de la autora sirven para deconstruir la arbitrariedad sociocultural que está en base de los textos que pretenden presentarse como transcendentales y cercanos a la mitología, el folklore y los contenidos universales de la psique humana. Se trata de la crítica de los modos más sutiles de la normativización del sujeto femenino a través de las ideas de la belleza, la virtud, la humildad y la pasividad de las heroínas, en contraste con las brujas y las madrastras. Las rescrituras de Valenzuela devuelven la voz narrativa a las heroínas y subvierten las dicotomías entre las construcciones normativas y estigmatizadas de la feminidad. Los relatos que tratan la vida de las mujeres bajo la dictadura militar argentina comparten algunas características importantes con las reescrituras de los cuentos de hadas, pero también presentan diferencias importantes que exigen otro tipo de análisis y una contextualización sociohistórica adicional. El libro de Diane Taylor, Disappearing Acts: Spectacles of Gender and Nationalism in Argentina’s “Dirty War”, analiza las estrategias discursivas y performativas de la propaganda oficial del régimen dictatorial a partir de las ideas posestructuralistas y proporciona instrumentos críticos muy importantes para acercarse a este grupo de relatos. Taylor demuestra de qué manera los discursos y las prácticas autoritarias militares participaron en la construcción simbólica de la feminidad. El “relato maestro” de la dictadura argentina exhibe características más siniestras que los cuentos de hadas, puesto que presenta a las mujeres no sumisas como un Otro deshumanizado, lo que justifica los castigos más brutales. Los dos grupos de relatos analizados en la tesis expanden la idea de la identidad femenina más allá de su construcción dominante. La liberación femenina se persigue principalmente a través de la reapropiación del lenguaje; las heroínas toman la voz narrativa para oponerse a las narraciones canónicas que crean y oprimen a los sujetos femeninos. Valenzuela no propone ningún modelo hegemónico de la feminidad, más bien quiere ampliar el horizonte de las posibilidades para la mujer a través de la subversión de los discursos y las estructuras sociales dominantes. / This thesis attempts to analyze from a feminist perspective the concept of female identity and the depiction of power relations in selected stories of the Argentinian writer Luisa Valenzuela. The study aims to show in which ways the author subverts oppressive models of femininity created in canonical fairy tales which she is rewriting, as well as the manner in which some of her stories denounce the construction of femininity during the last Argentinian dictatorship. In her essays, Luisa Valenzuela has developed a theory about the specificity of women’s writing and the role of a woman in subversion of existing social, cultural and political orders. I tried to establish a theoretical framework about female identity with regard to poststructuralist theories of the subject and their relations to feminism. I also presented the ideas of French feminists, Luce Irigaray and Helene Cixous, about women’s writing and female desire which bear a strong resemblance to the ideas developed by Valenzuela. Moving between poststructuralism and essentialism, Valenzuela’s poetics and politics propose the idea of a woman as a privileged subject of social change, deriving the strength from her historical oppression. She is thus able to reinvent her identity in a freer manner than a man, and even able to access the obscure knowledge, suppressed by the dominant, falogocentric culture. In her rewritings of fairy tales, Valenzuela tries to subvert the traditional discourse about femininity. The tales of Perrault and Grimm created the normative model of femininity, in accordance with the social conception of appropriate women’s behavior of their time. As such, this literary tradition is reflecting and further establishing the patriarchal oppression of women. The traditional heroines of fairy tales have no voice of their own, are submissive, passive and obedient, their primary ambition being to get married. The narrative voice is omniscient, and the very specific, falocentric view is presented as a universal, objective truth. Valenzuela’s rewritings give voice back to women, subvert the dichotomies between normative and stigmatized constructions of femininity, and give agency and autonomy to the heroines who take charge of their destinies. Valenzuela also subverts dominant discourses of femininity in her stories about the ultimate Argentinian dictatorship. The grand narrative of the dictatorial regime constructs femininity as fragile and submissive. These stories describe physical abuse in conjunction with symbolic acts of gendered oppression and as such exhibit more obvious modes of control of women and their bodies and identities, but also denounce the more subtle, discursive and performative ways by which the regime enforces femininity to their political enemies as a means of degrading them. The question of female sexuality and of writing with the body obtains special meaning in this sociohistorical context. The bodies that write are to be interpreted as tortured, abused and stigmatized bodies and are conceptualized as parts of discursive and performative reality rather than natural bodies who try to subvert the system by their connection with mythical or ahistorical essence. The two groups of stories analyzed in the thesis subvert the dominant, falogocentric discourses of femininity and expand the idea of a female identity beyond its canonical production. The main proposition of Valenzuela’s stories is reappropriation of female language, primarily by giving the narrative voice to the heroines who challenge the traditional and dominant narratives by which the female subjects are constructed and subjugated. She does not aim to create any hegemonic model of femininity but rather to question the existing social structures and discourses which stand on a woman’s way to liberation.