Ce travail interroge les points de convergence existant entre l’œuvre du Marquis de Sade et celle d’un corpus d’écrivains contemporains : Tony Duvert, Catherine Millet, Aldo Busi, Elfriede Jelinek, James Graham Ballard, Bret Easton Ellis, Don DeLillo et Nelly Arcan. En effet, l’hypothèse surgie de la scène sadienne alliant sexualité et économie trouve un écho dans la littérature contemporaine. Mais la structure sociale, libérale et individualiste, qui s’y trouve décrite, engage des protocoles de lecture différents. De la posture élitaire de libertins sadiens mettant en danger les fondements de la société, au nivellement démocratique impliquant un nouveau conformisme, se joue une mutation des rapports intersubjectifs. En nous livrant des personnages soumis à la tyrannie du consumérisme, les auteurs de ce corpus redéfinissent l’économie des passions et de la jouissance. De la numération des partenaires à une production sexuelle devenue production économique, notre corpus fait valoir le désir comme un analyseur social des nouveaux rapports de violence. Si les stratégies narratives de nos auteurs varient, les gestes d’écriture concourent tous à déjouer ce nouvel Éros mortifère. / This work studies the ground shared by the work of the Marquis de Sade and a corpus of works by contemporary writers : Tony Duvert, Catherine Millet, Aldo Busi, Elfriede Jelinek, James Graham Ballard, Bret Easton Ellis, Don DeLillo and Nelly Arcan. Sade’s hypothesis of a combination of sexuality and economy finds echoes in contemporary literature. But the social, liberal and individualistic structure which such literature describes entails different reading protocols. From the elitist posture of Sadian libertines, which endangers the society’s foundations, to democratic leveling, which involves a new conformism, we can see a mutation of the intersubjective relations in progress. The authors of this corpus redefine the economy of passion and the economy of enjoyment by presenting us with characters subjected to the tyranny of consumerism. From the enumeration of sexual partners to a sexual production turned into economic production, our corpus highlights desire as a mode of analysis of new violence within society. The authors in our corpus may not use the same narrative strategies, but their respective ways of writing all contribute to defeating this deadly new Eros.

Dans la première moitié du Xe siècle, Abū al-Faraǧ al-Iṣfahānī (m. 967) écrit son Kitāb al-Aġānī, le Livre des Chants. Des divers sujets que traite l’ouvrage, nous avons étudié la représentation d’une classe située en bas de l’échelle sociale : celle des chanteurs. Al-Iṣfahānī présente des hommes situés sur les marges de la société autant sur le plan physique que moral. Et leur origine de mawlā ne fait qu’aggraver leur situation. Quant à leurs consoeurs les qiyān, elles usent de leur statut d’esclaves - chanteuse pour transgresser les normes sociales et religieuses et, par leur beauté et leur formation d’excellence, parviennent à soumettre les hommes les fréquentant. De la marge, les chanteurs d’al-Aġānī purent ainsi occuper le centre de la vie de plaisir dans les grandes métropoles musulmans. Toutes ces représentations qu’elles soient vraies ou fausses, réelles ou fantasmatiques, sont transmises sous forme de ḫabar avec de longue chaînes de transmission qu’al-Iṣfahānī tient particulièrement à évoquer suivant l’unique méthode d’authentification des récits reconnue à son époque. / Alī Ibn Al-Ḥusayn, Abū Al-Faraǧ Al-Iṣfahānī (c.967) wrote his masterpieces, Kitāb al-Aġānī : The Book of Songs, in the first half of the tenth century. The various subjects about which the book concerns represent a social class at the bottom of the social ladder : the singers. Al-Iṣfahānī pictures these men physically, socially and morally marginalized. Moreover, their mawlā origin aggravates their situation. On the contrary, Qiyan, their female counterparts, who took advantage of their slave - singer status, their beauty and their excellent training to transgress the social and religious norms, were able to bring the visiting men to their knees. The marginalized singers of Al-Aġānī ironically occupy the center of the life of pleasure in big cities of the Muslim empire. All these representations ; either true or false, real or fantastic, were recorded in the form of Habar through long chains of transmission that al-Iṣfahānī is particularly keen to evoke and repeat one after the other using the unique method of authentication of the celebrated tales of his time.

Résumé Ce mémoire consiste en une étude de la transgression en ce qui a trait au lieu, au personnage et aux sacrifices dans La Comtesse sanglante (1962) de Valentine Penrose, une auteure et artiste qui a fait partie du mouvement surréaliste dès 1926. À partir de l’idée directrice du sacrifice et du sacré, nous exposons, dans un premier temps, l’état transgressif de la criminelle historique Erzsébet Báthory, présentée dans le récit comme une beauté fixe masquant une âme monstrueuse. Dans un deuxième temps, nous examinons la cruauté et la théâtralité des sacrifices pulsionnels qui servent la propre déification de la protagoniste. Partant de la théorie de la transgression de Foucault de laquelle nous dégageons l’idée du seuil, le premier chapitre présente la marginalité de l’univers de la meurtrière présenté comme une extension de son corps, du château en tant que structure froide et vide à l’intérieur. Dans le deuxième chapitre, nous mettons en corrélation la violence et le sacré en rapport, d’une part, aux mises en scène sacrificielles et au rôle de chaque femme participant aux sacrifices, et d’autre part, à la progression de la cruauté dans le récit. Dans le troisième chapitre sont explorés le phénomène de la rumeur et la filiation mythique du personnage par la réécriture de deux figures monstrueuses : la Méduse et Lilith. Par ces analyses, ce mémoire a pour but de faire connaître davantage l’auteure et de dégager la singularité de la comtesse Báthory dépeinte par Penrose comme l’archétype de la transgression au féminin. / Abstract The present thesis is an analysis of transgression in relation to the location, character and sacrifices in La Comtesse sanglante (1962) by Valentine Penrose, an artist and author who became part of the surrealist movement from 1926 onwards. In the first place, beginning with the salient aspects of the sacrifice and the sacred, the thesis will present the transgressive side of the historically notorious Erzsébet Báthory, who is portrayed in the story as a beauty that conceals a monstrous soul. In second place, then, the thesis will discuss the cruelty and theatricality of the compulsive sacrifices that serve to deify the protagonist. Starting from Foucault’s theory of transgression, from which we derive the idea of threshold, the first chapter will present the marginality of the murderess’s universe, which is described as if it were extension of her body, and the castle, as a cold and empty structure within. In the second chapter, the thesis will correlate the violence and the sacred in relation to, firstly, the staging of the sacrifice scenes and the role of each woman who took part in them, and secondly, to the escalation of cruelty in the story. In the third chapter, the thesis will explore the phenomenon of rumor and the main character mythical parentage by the rewriting of two monstrous figures: the medusa and Lilith. Through these analyses, the main goal of this thesis is to promote awareness of this author and to identify the uniqueness of the Countess Báthory, portrayed as the archetype of female transgression.

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L’objet de ces recherches est d’étudier un moyen d’expression, de communication, de résistance, de mobilisation, de contestation, de revendication et d’affirmation identitaire, qui, dans une Algérie aux multiples facettes et aux diverses attaches où le substrat culturel est massivement investit par l’oralité, a constitué pour une grande partie de la population algérienne, durant les années 1990, un exutoire indispensable au maintient d’un équilibre individuel et collectif fortement compromis par un déferlement de violence sans précédent dans l’histoire de l’Algérie indépendante, une possibilité non négligeable d’affirmation de soi mais aussi et surtout une tribune d’où s’est élevé un discours populaire de substitution au discours dominant du pouvoir et celui dominateur des extrémistes religieux : la chanson. En effet, charriant les sentiments et les ressentiments d’une population prise en étau entre terrorisme et répression et dont la parole est exclue des circuits officiels, transgressant les interdits, réfutant l’uniformisation culturelle officiellement imposée en revendiquant une culture et une identité plurielles, les chansons algériennes des années 1990 se présentent comme un vecteur majeur de contestation et de diversité, un moyen de communication à part entière qu’il s’agit d’appréhender en le reliant à l’ensemble du système dont il participe. / The object of those researches is to study in a country where the cultural substratum is massively invested by the oral character, a way of expression, of communication, of resistance, of mobilization, of contestation, of claiming and affirmation of their identity, that was constituted by a great part of the Algerian population, an indispensable outlet to the maintenance of an individual and collective equilibrium strongly compromised, but also and mostly a non negligible possibility of self affirmation : the song. In deed, carrying feelings and resentments of a population taken between terrorism and repression and whose speech is excluded of the official circuits, denouncing the violence of the religious extremism like the abuses and the deficiencies of the power in place, transgressing the interdicts and the taboos, claiming a plural culture and identity, the Algerian songs of the 1990 are a vector of contestation and diversity, a real way of communication that we have to apprehend by linking it to the whole system of which it participates.

Construit sur un réseau de contrastes, le monde romanesque de Fred Vargas arbore le masque de la fiction policière. Les meurtres au présent cachent les meurtrissures de l’amour au passé. Médiateur entre ces pôles diégétiques, la passion du personnage vargassien fait faillir les règles du jeu que lui impose le monde. Car derrière les apparences civilisées perdure l’ordre originel de Nature : la prédation. Face à son échec, le personnage doit relever un défi qui transforme son enquête sur le crime en une quête identitaire. Choisir la transgression ou le sacrifice de soi décide de sa chute ou du resurgissement de sa dignité. Superposant l’intrigue et l’Histoire, le hic et nunc diégétique confère au personnage le rôle de trait d’union entre les Ici et les Ailleurs identitaires adverses. L’enquête approche la psyché du meurtrier et de l’enquêteur, reconstituant l’interaction de l’individu et du monde précisé en tant que son chronotope synchronique et diachronique. La relation entre l’homme et ses Autres révèle la personne derrière le personnage. La confrontation de l’animal humain aux animaux réels et mythifiés, remet en question les frontières entre l’identité et l’altérité. Le réel meurtrier s’avère incarner un des masques de l’imaginaire, tandis que l’imaginaire, érigé en idéal de l’humanité, devient une réalité à conquérir au prix du sacrifice de soi, et dévoile la polyvalence des réalités de l’échec et l’accomplissement. L’analyse du jeu de miroirs entre l’opposition et la complémentarité conclut à l’union des contraires qui fait coexister l’horreur et le sublime, l’amour et la mort dans le couple d’opposés que forment l’homme et le monde. / Built on a network of contrasts, the romantic world of Fred Vargas bears the mask of detective fiction.The murders of the present hide the bruises of love in the past.Mediator between these diegetic poles,the passion of Vargas’s character breaches the rules of the game that is imposed on him by the world.For behind these civilized appearances ,the original order continues:predation. Confronted by his failure,the character must take up a challenge that will transform his investigation in a quest for identity. Selecting either transgression or self-sacrifice will determine whether he collapses or reappears with his dignity.Converging the plot and the Story, the diegetic here and now bestows upon the character the role of linking the Here and Elsewhere, and adverse identities. The enquiry approaches, the psyche of the murderer and the investigator, reconstituting the interaction between the individual and the world, defined as its synchronic and diachronic chronotope. The relationship between humans and their Others reveals the person behind the character.The confrontation between the human animal and real and mythologized animals challenges the borders between identity and otherness.The real murderer turns out to embody one of the masks of the imagination, while the imagination, established as an ideal of humanity, becomes a reality to conquer at the price of self-sacrifice, and reveals how flexible the realities of failure and fulfillment can be. Analysing the mirror effect between opposition and complementarity accentuates the union of opposites that create the coexistence of horror and the sublime, and love and death in the dichotomy that make up mankind and the world.

Depuis sa naissance au cœur des célébrations païennes ou religieuses du Moyen Âge anglais, le théâtre britannique a toujours entretenu des liens privilégiés avec la fête. Cette affinité élective entre le dramatique et le festif fait ici l’objet d’une réflexion esthétique reposant sur un corpus de pièces contemporaines où sont représentées toutes sortes de célébrations. En effet, qu’il s’agisse d’anniversaires, de Noëls, ou de retrouvailles entre amis, le topos festif perdure sur les scènes britanniques de la seconde moitié du XXe siècle (The Birthday Party fut joué à Londres en 1958) jusqu’au début du XXIe siècle, avec des pièces comme Jerusalem de Jez Butterworth (2009) ou In the Republic of Happiness de Martin Crimp (2012). Or, après l’expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et les crises protéiformes qui ont affecté le monde au cours des dernières décennies, la rémanence de la fête sur scène a de quoi étonner. Il convient cependant d’observer que lorsque le phénomène festif se change en objet de représentation, il donne l’occasion aux dramaturges de déployer une poétique carnavalesque où l’excès cohabite avec le manque, la légèreté avec la gravité, pour finalement mettre le monde et les formes traditionnelles sens dessus dessous. Éminemment transgressive et volontiers caractérisée par la pénurie, le manque, voire la violence ou la mort, la fête paradoxale devient le lieu privilégié d’une exploration éthique et esthétique des limites du figurable. Elle offre dès lors un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement des formes dramatiques contemporaines. / British theatre and festivities have always been closely linked. From the moment the first plays were performed during medieval festivals to present-day representations of parties in which people binge drink or use drugs, it might even be argued that the celebratory mood has never left the stage. This intimate connection between the dramatic and the festive is investigated here from an aesthetic point of view, through a corpus of contemporary plays representing celebrations. Be they birthdays, anniversaries, Christmases or reunions, the festive motif is a recurring one in the second half of the twentieth century, with plays like The Birthday Party (1958), and on into the twenty-first century, with Jez Butterworth’s Jerusalem (2009) or Martin Crimp’s In the Republic of Happiness (2012). Considering the traumatic experience of the Second World War or the protean crises that have subsequently affected the world, we might expect parties to disappear from the stage altogether; yet, this is not the case. In fact, we find that when the festive phenomenon is turned into an object of representation, it allows dramatists to put forward a poetics of excess characterised by exuberance and transgression. Not only does this carnivalesque energy turn the world upside down, it also subverts traditional dramatic forms. Oscillating between lack and excess or lightheartedness and gravity, sometimes verging on scarcity, violence or even death, the paradoxical party becomes the epitome of an aesthetic and ethical exploration of the limits of the representable. It thus offers a fruitful paradigm to account for the renewal of dramatic forms on the contemporary stage.

Il existe une grande controverse autour du metteur en scène polono-mexicain Ludwik Margules (1933-2006), auteur d’une quarantaine de spectacles au Mexique depuis les années cinquante. Célèbre pour sa rigueur et son exigence pendant les processus de préparation, Ludwik Margules se distinguait par ses provocations et ses intimidations envers les comédiens. Sa méthode basée sur la transgression des limites de ces derniers a été mise en doute à de multiples reprises. Cette recherche a pour but de comprendre comment Margules a réussi à créer un théâtre épuré et sans concessions qui l’a poussé à la rencontre de l’essentiel et à la création d’un langage caractérisé par son minimalisme. Nous croyons que c’est grâce à la recherche de l’essence de l’être à travers une méthode de travail basée sur la transgression. En plus d’être metteur en scène de théâtre, Margules a été professeur et directeur dans différentes institutions à Mexico où il a renouvelé et enrichi la pédagogie théâtrale. Son école de petit format, le Foro Teatro Contemporáneo (Forum Théâtre Contemporain) était reconnue pour sa qualité en dépit de sa précarité. Sa vaste connaissance du langage théâtral et son énorme travail pédagogique ont enrichi le théâtre mexicain. Son art de la mise en scène visant un public intellectuel, s’est caractérisé par un langage poétique. Margules a combattu, à travers un syncrétisme entre sa culture polonaise et la mexicaine, le vieux théâtre espagnol pétrifié, qui envahissait les scènes mexicaines. Tout au long de son travail comme directeur du Centre Universitaire de Théâtre de l’Université Autonome du Mexique, il a créé des formations en Direction Scénique et en Scénographie qui ont servi à former plusieurs artistes même si elles n’ont duré que cinq ans. / There is a huge controversy around polish-mexican director Ludwik Margules (1933-2006) responsible for more than forty shows in Mexico since the 1950´s. Famous for his exigency and rigor during the rehearsals, Ludwik Margules was distinguished by its provocations towards the performers. His method based on transgreding the limits has been called into question multiple times. The objective of this research is to understand how did Margules managed to create a purified and unyielding theater that incited him to find the essential and took him to elaborate a language caracterized by its minimalism. Our hypothesis is becuase it´s method is based on transgression which is achieved by looking for the essence of being. Besides being a stage director, Margules was a professor and Dean on different institutions where he renewed and enriched theater pedagogy in Mexico. His independent school the Foro Teatro Contemporáneo (Contemporary Theater Forum) was recognized for its quality in spite of its precariousness. His vast knowledge of theater language and his enormous pedagogical work enriched mexican theater. His art while staging a play for an intelectual audience was characterized for his poetic language. Margules fought, through the syncretism of his polish/mexican culture, the old petrified spanish theater that invaded the Mexican theater scene. Throughout his work as Dean of the Centro Universitario de Teatro at Mexican Autonomous University, he created the stage directing and stage designing school who formed several artists, sadly this schools lasted for only five years.

Ce travail propose une lecture de la transgression au musée : elle se présente comme un prisme au travers duquel observer l’architecture des normes qui y régissent la conception et l’appréhension des savoirs. Le cas du musée de musique, étudié au travers d’une enquête menée dans deux musées différents (le musée de la Musique à Paris et le Grassi Museum für Musikinstrumente à Leipzig, Allemagne), éclaire la complexité des processus qui sous-tendent la construction de ces normes, et les problèmes qu’ils soulèvent. Les entretiens réalisés auprès de visiteurs ont en effet attiré l’attention sur le paradoxe de la muséalisation d’objets dont la fonction première est de produire de la musique. La première partie de ma thèse s’attache à démêler les diverses épistèmês sur lesquelles le musée d’instruments de musique repose. J’y montre les conceptions des savoirs musicaux autour desquelles les musées d’instruments se sont structurés et qu’ils ont façonnées en retour. Les réactions des visiteurs (parfois transgressives) face à la présentation des savoirs musicaux au musée attirent également l’attention sur les normes qui définissent la place de leurs savoirs dans la conception du musée comme institution. La deuxième partie s’articule ainsi autour d’une analyse de la subsomption de la singularité des visiteurs sous la catégorie de « public de musée » au tournant du 20e siècle. La troisième partie s’intéresse aux normes sensorielles imposées par le dispositif muséal. J’y analyse la conception du sensorium sur laquelle le musée se fonde pour transmettre des savoirs à son public, et y expose la façon dont les transgressions des visiteurs éclairent les limites de cette conception. / This research proposes an interpretation of transgression in the museum: it is understood as a prism through which to look at the architecture of the norms that govern the conceptual structure and apprehension of knowledge. The case of the music museum, observed through fieldwork in two different museums (the musée de la Musique in Paris and the Grassi Museum für Musikinstrumente in Leipzig, Germany), highlights the complexity of the steps undertaken to achieve this architecture and the problems they raise. The interviews held with visitors have indeed drawn attention to the paradox of musealizing objects which are primarily meant to produce music. The first part of my thesis intends to disentangle the multiple epistemes on which the museum of musical instruments is built. I point to the conceptions of musical knowledge around which instrument museums are organized and which they in turn, have helped to shape. The reactions of the visitors (some of them transgressive) when faced with the display of musical knowledge in the museum, also draws attention to the norms which delimit their status, and that of their own knowledge in the organization of the museum as an institution. The second part of the thesis is therefore structured around an analysis of the subsomption of the diversity of the museum visitors under the heading "museum audience" at the turn of the 20th Century. The third part focuses on the sensorial norms imposed by the museum apparatus. I analyze the conception of the sensorium on which the museum relies in order to transmit knowledge to its public and I show how the transgressions of visitors to the music museum shed light on the limits of this conception.

Autour de 1968, le théâtre, confronté à l’exigence de contemporanéité posée par les mouvements de contestation et au développement sans précédent des médias de la culture de masse, connaît une période intense de problématisation de sa puissance politique. Du fait même de sa marginalisation dans l’espace social, le théâtre devient une hétérotopie, c’est-à-dire un genre d’utopie effectivement réalisée : il oppose sa disposition communautaire à la masse indistincte des consommateurs, un discours de vérité aux mensonges des sociétés capitalistes et autoritaires, l’exposition d’une expérience authentique aux simulacres spectaculaires. Les pratiques théâtrales de Pasolini et de Fassbinder semblent participer de ce mouvement hétérotopique : les deux auteurs présentent le théâtre comme un art irréductible aux jeux du pouvoir, de la consommation et du spectacle. Pourtant ces pratiques apparaissent en déphasage avec les œuvres phares de ce moment théâtral. Cette thèse se propose d’envisager les trois types d’inactualité qui les caractérisent : inactualité thématique (leur rapport conflictuel aux mouvements contestataires étudiants ou gauchistes), inactualité esthétique (le choix de la parole au moment du règne scénique des corps, le primat accordé à la vie affective au détriment de sujets ouvertement politiques), inactualité « ontologique » (la minoration des effets de présence des corps scéniques). Pour cela, elle cherche à mettre en évidence les reprises de motifs centraux de la pratique théâtrale hétérotopique, mais aussi les déplacements qu’ils subissent dans les œuvres dramatiques et scéniques des deux auteurs. / Around 1968, the theatre, confronted with the requirements of contemporaneousness laid down by the protest movements and with the unprecedented development of the medias of mass culture, experiences an intense period of problematisation of its political power. Owing to its marginalization in the social space, the theatre becomes a heterotopia that is a kind of utopia actually achieved: it opposes its community tendency to the indistinct mass of consumers, a speech of truth to the lies of capitalistic and authoritarian societies, the display of a genuine experiment to spectacular simulacra. Pasolini’s and Fassbinder’s theatrical practices seem to be part of this heterotopical movement: both authors present the theatre as an art that withstands the games of power, of consumption and spectacle. Yet there seems to be a gap between these practices and the landmark works of the theatrical time. This thesis intends to consider the three types of unactuality that define them: thematic unactuality (their antagonistic relationships with the protest movements), aesthetic unactuality (the choice of the words whereas the bodies are preponderant on stage; the primacy given to the affective life rather than more evident political subjects), ontological unactuality (by reducing the effects of presence of the scenic bodies). Therefore, it tries to expound the repetition but also the redefinition of the important motifs of the theatrical heterotopical practice in the dramatic works and the performances of the two artists.