[pt] A dissertação: O audiovisual na contemporaneidade - uma linguagem mundializada. discute as relações entre as várias mídias que compõem o audiovisual e suas influências entre si para tentar entender qual sua estética particular ou se existe uma estética comum a todas, uma estética mundializada. O ponto de partida é a tão criticada estética publicitária no cinema brasileiro atual, que é analisada tendo como base alguns autores como Edgar Morin, Andreas Huyssen e Renato Ortiz. Alguns cineastas brasileiros, como Guel Arraes, Cláudio Torres e Fernando Meirelles, bem como comerciais de televisão também serão analisados. / [en] The dissertation The contemporary audiovisual - a worldy language discusses the relations between the several medias that compose the audiovisual and their influences amongst one another, in order to understand wether there is one specific aesthethic for each one of them or if there is a general one that englobes all these medias, a wordly aesthethic. Our starting point is the over-criticized advertisement aesthethic in contemporary Brazilian film, wich we analize based on the works of Edgar Morin, Andreas Huyssen and Renato Ortiz. Some of the Brazilian filmakers that fit into our discussion, such as, Guel Arraes, Cláudio Torres and Fernando Meirelles, as well as television comercials, will also be analized.

[pt] Tendo como marco a crise dos paradigmas estéticos da modernidade e a queda das utopias e dos ideais emancipatórios, este trabalho analisa a atual imprecisão das fronteiras entre a alta cultura e a cultura midiática de mercado em meio à globalização da economia e à interseção dos campos artísticos na atualidade. Nesse contexto, discute-se, a partir da obra de François Ozon, e mais especificamente do filme Dentro da Casa (2012), o caráter fronteiriço de obras que, sem deixar de entreter, apresentam uma dimensão intertextual metalinguística, configurando-se, portanto, como filmes que apontam para a possibilidade de novas concepções para relações entre estética e política. / [en] Having as framework the modernity crisis of the aesthetics paradigms and the downfall of the utopia and the emancipatory ideals, this study analyzes the current imprecision on the borders between the high culture and the market s media culture in face of the economics globalization and the intersection of the artistic fields nowadays. In this regard this work discusses, looking at François Ozon s work and in particular to his film In the House (2012), the frontier nature of artworks that, not renouncing its entertainment aspect, bring a metalinguistic and intertextual dimension, therefore being movies that reveal possibilities of new conceptions towards the relation between aesthetics and politics.

[pt] A tese aborda a relação entre os artistas Hélio Oiticica e Jack Smith em meio à efervescente atmosfera de Nova York nos 1970. Embora pouco conhecido no Brasil, Smith foi um importante personagem da cultura underground, sendo apontado como um dos precursores da arte de performance e do cinema expandido. Oiticica, durante os primeiros meses em que viveu em Nova York (1970-1978), relatou a amigos sua perplexidade ao entrar em contato com esse artista estadunidense, aproximando-se também de personagens e manifestações que faziam parte da sua esfera, como o ator Mario Montez e o Teatro do Ridículo. A partir de cartas do artista brasileiro e dos arquivos de Jack Smith, a pesquisa investiga de que maneira essa relação desenvolveu-se em termos pessoais e profissionais. No lugar de buscar pontos de semelhança e diferença, a tese procura friccionar a obra desses artistas a partir de seus buracos, faltas, gargalos e intervalos. Nesse sentido, o encontro entre eles será o ponto de partida para a discussão de questões dentro de suas próprias obras, como a relação que cada um estabeleceu com práticas arquivísticas, a ampliação do exercício de possibilidades de gênero e sexualidade, assim como de reflexões e projetos derivados de suas reivindicações contra cinemas convencionais. Além de trabalhos mais conhecidos de Oiticica, como Cosmococa - program in progress (1973-1974) e o artigo Mario Montez, tropicamp (1971), serão analisadas obras e documentos de Jack Smith, a exemplo de um roteiro inédito que o artista escreveu no Rio de Janeiro, em 1966, chamado Carnaval in Lobsterland. / [en] This dissertation concerns the relationship between artists Hélio Oiticica and Jack Smith in the bustling atmosphere of 1970 s New York. Even though Smith is little know in Brazil, he was an important artist in New York s underground culture, often pointed as one of the forerunners of performance art and expanded cinema. During his first months in New York (1970-1978), Oiticica wrote to his friends about how perplexed he was at Smith and his work, comparing him to characters and manifestations that were part of his sphere, such as actor Mario Montez and the Teatro do Ridículo. Departing from the Brazilian artist s letters and Jack Smith s files, this research investigates how their relationship has developed in personal and professional terms. Rather than looking for points of similarity or difference, this dissertation aims to put the work of these artists in friction - from their holes, absences, apertures and gaps. In this sense, their meeting will be the starting point for the discussion both of questions in their own work and of the relationship each of them has established with archival practices, the expansion of exercises on the possibilities of gender and sexuality, as well as reflections and projects derived from their claims against conventional cinema. In addition to Oiticica s best known works, such as Cosmococa - program in progress (19730-1974) and the article Mario Montez, tropicamp (1971), this thesis will analyze some of Jack Smith`s works and documents, such as an unpublished script he wrote in Rio de Janeiro in 1966, called Carnaval in Lobsterland.

[pt] O propósito deste trabalho é demonstrar como opera o mercado de animação nacional, dentro disso que se denomina o Boom da animação brasileira, incluído aos ditames do capitalismo flexível e da indústria criativa. Para tal, nos distanciamos da noção de gênio criador, em proveito de uma visão da animação como um universo onde os saberes e procedimentos são coletivos. Inicialmente nos aprofundamos na definição disso que é animação, relacionado-a à hibridação dos meios de produção e as consequências da evolução das técnicas digitais em relação ao conhecimento e prática dos animadores. Em seguida, utilizamos farto material empírico, através de entrevistas com animadores das mais diversas posições dentro do Campo da Animação brasileira. Priorizando a voz do animador mediano, que luta anonimamente no mercado de trabalho. Acreditamos que assim, conseguimos retratar como opera a animação nacional, além do que é mostrado ou dito pelos agentes privilegiados do Campo da Animação. Revelando: i) a precarização do trabalho como prática comum entre os estúdios de animação no Brasil; ii) uma produção nacional voltada a atender às necessidades dos canais exibidores, seguindo suas convenções estilísticas, o que denominamos estilo internacional; iii) a fragilidade das empresas brasileiras produtoras de animação, dependentes de incentivos governamentais e com graves problemas financeiros e administrativos. Assim, passamos à limpo os mitos que regem a profissão de animador, mostrando como e com quais ferramentas trabalham os animadores brasileiros, como são recrutados, treinados e como são remunerados. Também discutimos os resultados práticos realizados por este arranjo produtivo (Boom). / [en] The purpose of this work is to demonstrate how the market of the national animation operates, in which one denominates the Boom of Brazilian animation, including the precepts of flexible capitalism and of the creative industry. To do so, we distance ourselves from the notion of the genius creator, to give preference to a view of animation as a universe where the skills and procedures are collective. Firstly, we will examine the definition of that which is animation, relating it to the hybridization of the means of production and the consequences of the evolution of digital techniques in relation to the knowledge and experience of the animators. Subsequently we utilize a vast amount of empirical material, through the interviews with animators of the more diverse positions within the Field of Brazilian Animation. Prioritizing the voice of the average animator, who struggles anonymously on the work market. We believe that in this way we ll manage to describe how the national animation operates, beyond what is shown and said by the privileged agents of the Field of Animation. Revealing: i) the job instability/insecurity as a common practice between the animation studios in Brazil; ii) a national production aimed at attending the needs of the exhibiting channels, following their stylistic conventions, which we call the international style; iii) the fragility of the Brazilian companies, producers of animation, which depend on governmental incentives and that has serious financial and administrative problems. In this way we put an end to the myths that dominate the profession of animation, showing which tools the Brazilian animators work with, how they are recruited, trained and how they are remunerated. We also discuss the practical results that a realized by this productive arrangement (Boom).

[pt] Partindo da indagação o que filmam os diretores africanos contemporâneos quando, hoje, apontam suas câmeras para as cidades, esta tese empreende uma viagem investigativa por Johannesburgo, Maputo e Harare através dos filmes de diretores africanos em atividade na África Austral. Os cinemas africanos contemporâneos realizados em países como África do Sul, Moçambique e Zimbabwe lidam, ainda hoje, em maior ou menor grau, com os reflexos de modos de produção que tiveram origem no período de dominação colonial. Se, na contemporaneidade, a África do Sul logrou organizar uma estável indústria de cinema no sul do continente africano, países como Moçambique e Zimbabwe ainda sofrem com os reflexos de uma descolonização tardia dos modos de produção cinematográfica. Com a queda do apartheid na África do Sul (1994) e as independências de Moçambique (1975) e Zimbabwe (1980), as cidades, territórios severamente marcados pela segregação perpetrada pelo colonizador, passam a atrair a atenção de cineastas locais, ao se transformarem no palco de acirrados debates acerca da segregação racial e espacial, do direito à terra e à moradia, da mobilidade, da relação campo-cidade, do embate entre tradição e modernidade. As cidades africanas, até certo momento tidas como projetos interrompidos e inacabados do pesadelo colonial, passaram a ser consideradas, em toda a sua complexidade, como a epítome da própria modernidade africana. As imagens dessas cidades modernas, complexas e desiguais, que emergem do cinema contemporâneo local, rasuram ou perturbam o regime dominante de representação do continente africano propagado pelo cinema e pela mídia ocidentais, problematizam visões que prevaleceram nos contextos de luta anticolonial e conquista da independência e contribuem para a renovação do repertório de imagens da África arquivadas pelo Ocidente. Os filmes analisados nesta tese ajudam a criar cartografias outras das cidades africanas levadas às telas. Tais cidades cinemáticas – ao editar, seccionar, justapor, aproximar e eliminar espaços – produzem percepções múltiplas e, às vezes, inesperadas. / [en] Starting from the question what do contemporary African directors film, today, when they point their cameras towards the cities, this thesis undertakes an investigative journey through Johannesburg, Maputo and Harare in the films of African directors currently active in Southern Africa. Contemporary African cinemas produced in countries such as South Africa, Mozambique and Zimbabwe are still dealing, to a greater or lesser extent, with modes of production that originated in the period of colonial domination. If, in contemporary times, South Africa has managed to create a stable film industry in the south of the African continent, countries such as Mozambique and Zimbabwe still suffer from the reflexes of the late decolonization of their modes of film production. With the fall of apartheid in South Africa (1994) and the independence of Mozambique (1975) and Zimbabwe (1980), these cities, territories which are severely marked by the segregation perpetrated by the colonizer, start to attract the attention of local filmmakers, as they become the stage of heated debates regarding racial and spatial segregation, the right to land and to housing, mobility, the relation between countryside and urban life, the clash between tradition and modernity. African cities, for a long time regarded as unfinished and interrupted projects of the colonial nightmare, started to be perceived in all of their complexity, as the epitome of African modern itself. The images of these modern, complex and unequal cities, which emerge from local contemporary cinema, disturb the dominant system of representation of the African continent, propagated by Western cinema and media. They also problematize visions that prevailed in the contexts of anti-colonial struggle and conquest of independence and they contribute to the renewal of the repertoire of African images archived by the West. The films analyzed in this thesis help to create alternate cartographies for the African cities brought to the screen. Such cinematic cities – by means of editing, sectioning, juxtaposing, approximating and eliminating spaces – create perceptions that are multiple and, at times, unexpected.

[pt] O estudo das obras do cineasta e artista visual brasileiro Karim Ainouz enfoca uma tendência cinematográfica atual que substitui a mise-en-scène clássica por um fluxo das ações cotidianas e efêmeras que se apresenta diante da câmera. Tal tendência estética funde ficção e documentário, explorando a imagem e o som através de suas qualidades intrínsecas, próxima da abordagem das artes visuais. Karim Ainouz traz às telas um cinema que flerta com as artes visuais e entender esses trânsito é fundamental para a compreensão de sua obra. Seus filmes abordam questões como sentir-se estrangeiro, a relação entre o indivíduo e o lugar onde ele habita e a memória. Sua obra é, acima de tudo, sobre cruzar fronteiras, sejam elas geográficas (seus personagens são, com frequência, viajantes), de circuito de exibição (imagens cinematográficas que poderiam se encaixar em uma exposição numa galeria de arte), narrativas (ficção que se une com documentário em uma mesma obra) ou estéticas (imagens contemporâneas feitas com materiais obsoletos). Entre seus longa-metragens, curta-metragens e uma video instalação, é possível analisar não somente os temas matrizes do seu trabalho, como também o lugar da imagem em movimento hoje em dia e a situação do cinema contemporâneo. / [en] The study of the filmmaker and visual artist Karim Ainouz s works focusses on a recent cinematographic tendency that replaces classic mise-en-scène by daily actions presented in a flux in front of the camera. This trend brings together fiction and documentary, exploring image and sound by their inner qualities, similar to a visual arts treatment of these features. Karim Ainouz brings to the screen a type of cinema very close to visual arts. Understanding the transit between these two types of art is essential to fully comprehend Ainouz s work. His films approach key points such as the feeling of being a foreigner, the relationship between a person and its habitat and memory. The director s work is, above all, about crossing borders, whether they are geographic borders (his characters are usually travelers), narrative borders (fiction bonded with documentary) or aesthetic borders (contemporary images made with obsolete materials). Through his feature films, short films and a videoinstalation, it is possible to analyze not only the main subjects and themes of his work, but also matters like the place of the image in movement nowadays and the contemporary cinema situation.

[pt] Este trabalho discute a ascensão do cinema digital e o papel da curadoria na programação e seleção de curtas-metragens brasileiros contemporâneos em três festivais de cinema: Cine PE - Festival do Audiovisual, Festival de Brasília do Cinema Brasileiro e na Mostra de Cinema de Tiradentes. O recorte temporal se dá entre os anos de 2017 e 2021 por conta do encontro entre uma progressiva popularização ao acesso dos sensores digitais e a imersão do Brasil em uma severa e polarizante crise político-social. O trabalho retoma e analisa a noção de aura, tal como proposta por Walter Benjamin em seu ensaio A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica; retoma igualmente a ideia de programação e curadoria como formas de pós-produção, tal como proposta por Thomas Elsaesser. Um dos objetivos é analisar a mudança de cenário - favorecida pela entrada da tecnologia do digital - onde o curta-metragem brasileiro passa a ter um valor simbólico e cultural gradativamente mais significativo. Os três festivais de cinema, já citados, foram escolhidos porque suas curadorias ou condições de acontecimento sofreram grandes reviravoltas em função dos diferentes contextos político-sociais do país. Por fim, interessa discutir o papel da curadoria e dos festivais dentro do processo de legitimação histórica e artística de filmes assim como a relação entre os realizadores e a construção de um imaginário sobre o cinema nacional / [en] This study discusses the rise of digital cinema and the role of curatorship in the programming and selection of contemporary Brazilian short films in three film festivals: Cine PE - Festival do Audiovisual, Festival de Brasília do Cinema Brasileiro and Mostra de Cinema de Tiradentes. The time frame takes place between the years 2017 and 2021 due to the encounter between a progressive popularization of access to digital sensors with the immersion of Brazil in a severe and polarizing political-social crisis. The study resumes and analyzes the notion of aura, as proposed by Walter Benjamin in his essay The Work of Art in the Age of Mechanical Reproduction; and it also takes up the idea of programming and curation as forms of post-production, as proposed by Thomas Elsaesser. One of the objectives is to analyze the change in scenario - favored by the entry of digital technology - where the Brazilian short film starts to have a gradually more significant symbolic and cultural value. The three aforementioned film festivals were chosen because their curatorship or event conditions underwent major upheavals due to the different political and social contexts in the country. Lastly, it is relevant for the study to discuss the role of curatorship and festivals within the process of historical and artistic legitimation of films as well as the relationship between filmmakers and the construction of an imaginary about national cinema.

[pt] O objetivo desta pesquisa é uma análise das estratégias cinematográficas que são marcas específicas da obra do diretor espanhol Pedro Almodóvar, especialmente no que se refere às zonas de cruzamento cultural que evidenciam novas formas do posicionamento do sujeito no mundo. Para isto, realiza-se um desdobramento de certos elementos presentes na fonte primária selecionada, o recorte principal de trabalho: o último longa-metragem lançado no mercado internacional, Volver (2006). O estudo é baseado em três discussões que serão também o foco de cada capítulo: as diferenças no tratamento do tempo e na experimentação das esferas temporais; a remodelação da divisão alta arte / cultura de massa e da matriz genérica do melodrama; e finalmente, a construção do espaço fílmico e de representação das cidades. / [en] The main objective of this research is to analyze the cinematographic strategies that are features of filmmaker Pedro Almodóvar s work. Specifically, our aim will be the relations of the cultural intersection zones that reveal new ways in which one lives in the contemporary world. For that matter, this study creates a discussion of various elements present in the primary source: the last film by Almodóvar released in the international market, Volver (2006). This dissertation is based on three points that are also the main focus of each chapter: the first being the different forms of dealing and experimenting with the notion of time; the second, the reconfiguration of the melodrama and the high art / mass culture division; and finally the third, the spacial construction of the film and the representation of the city.

[pt] Nesta dissertação, analisamos os aforismos reunidos no livro Notes sur le cinématographe (1975), do diretor Robert Bresson, com o objetivo de delimitar seu conceito de verdade. No livro, Bresson opõe seu ideal do cinema como arte pura, o cinematógrafo, ao cinema contaminado pela estética teatral de representação. O primeiro alcança a expressão verdadeira por ser consistente com sua essência, seguindo os princípios dados nos aforismos. Como estes não são organizados por qualquer tipo de divisão no livro, agrupamo-os em temas e subtemas que discernimos a partir da recorrência de certas palavras. A dissertação concentrou-se nos seguintes temas e sua relação com a verdade: técnicas elípticas contra a representação; realidade e falsidade; a figura do diretor-artista; os modelos e o automatismo; composição e montagem. Essa análise reforçou as abordagens que aproximam Bresson das concepções fenomenológicas, pela fundamentação da verdade nas percepções imediatas, pré-reflexivas. Tais sensações devem corresponder à essência do objeto real percebido, e deixam de ser verdadeiras quando a cognição as submete ao sistema linguístico. A verdade não está nas proposições, mas na sensação momentânea da presença do objeto em meio ao desconhecido externo e interno ao sujeito. A câmera pode tornar a realidade oculta parcialmente visível, captando os indícios da sua essência. Nos filmes, a composição apresenta essa realidade nas repetidas conjunções entre o desconhecido, em diversas formas de elipses, e a materialidade intensificada das coisas. / [en] In this dissertation, we analyzed the aphorisms collected in the book Notes on cinematography by film director Robert Bresson, to gain a more substantial understanding of his concept of truth. In the book, Bresson opposes his ideal of cinema as a pure art, or cinematography, to cinema contaminated by the representational esthetics of theater. The former attains truthful expression by remaining consistent with its essence, following the principles given in the aphorisms. Since these are not divided into any sections in the book, we grouped them by themes and subthemes discerned mainly through the recurrence of certain words. The dissertation focused on the following themes and their relation to truth: elliptical techniques against representation; reality and falsity; the figure of the director-artist; models and automatism; composition and editing. This analysis supported the views that link Bresson to phenomenological conceptions, given his grounding of truth in immediate, pre-reflexive perceptions. Such sensations must correspond to the essence of the perceived real object, and become untrue when cognition submits them to the linguistic system. Truth is not in propositions, but in the fleeting sensation of the perceived object amidst the unknown, which is both external to and inside the subject. The camera can make the hidden reality partly visible, capturing the glimmer of its essence. In his films, the composition presents this reality in repeated conjunctions between the unknown, in various forms of ellipses, and the intensified materiality of things.

[pt] Dez e Mais Vezes favela: Estética, Política e Representação trata-se de uma análise comparativa entre os dois filmes brasileiros com o título comum cinco vezes favela, o primeiro do ano de 1964 e o segundo, com o adendo agora por nós mesmos, do ano de 2010. Busca-se observar como ambos desenvolvem suas propostas formais e estéticas e como esta realização articula-se com os objetivos de ação política de seus respectivos realizadores, tendo como fio condutor teórico principal as contribuições de Gilles Deleuze e Jacques Rancière. / [en] Ten and more times favela: Aesthetics, politics and Representation is a comparative analysis of two brazilian movies that share the title cinco vezes favela, the first one being released in 1964 and the second one, with the added title agora por nós mesmos (now by ourselves), from the year 2010. The aim is to observe how both movies develop their formal and aesthetic projects and how such production articulates their respective makers’ political action goals, having as the main theoretical thread the works of Gilles Deleuze and Jacques Rancière.