[pt] Esta tese realiza análise crítica da Getty Images a fim de compreender atualizações de procedimentos de vigilância e controle perpetrados no campo da publicidade. Parte-se da arqueologia das mídias em busca por especificidades do banco de dados audiovisual para compreender protocolos próprios do ambiente virtual organizados a partir da lógica da invisibilidade. Através da análise semiótica de cinco filmes publicitários produzidos para marca pela agência publicitária brasileira, AlmapBBDO, é possível identificar de forma mais aprofundada estratégias de comunicação de valores e princípios da Getty Images. Em consonância com técnicas de montagem, diálogo com linguagem fragmentada e a partir da reapropriação de conteúdo audiovisual são produzidos pequenos vídeos-ensaios que visam revisitar e explorar paradigmas da imagem, bem como contribuir na reflexão do potencial latente dos bancos de dados audiovisual. Concomitantemente, é apresentada a perspectiva de construção criativa de monstros como estratégia publicitária cada vez mais recorrente como etapa da produção audiovisual. Além disso, é desenvolvida uma aproximação entre técnicas cinematográficas e publicitárias que busca sublinhar hibridismos e possíveis interconexões entre as duas áreas. Por fim, são apresentados exemplos que apontam possíveis utilizações da publicidade como forma de resistência e promotora de reflexão crítica diante de conjunturas norteadas por preceitos exclusivamente capitalistas. / [en] This thesis conducts a critical analysis of Getty Images to understand updates to surveillance and control procedures carried out in the field of advertising. It starts from the media archeology in search of specificities of the audiovisual database to understand protocols proper to the virtual environment that are often organized based on the logic of invisibility. Through the semiotic analysis of five advertising films produced for the brand by the Brazilian advertising agency, AlmapBBDO, it is possible to identify in more depth strategies for communicating Getty Images values and principles. In line with montage techniques, dialogue with fragmented language and from the re-appropriation of audiovisual content, small video-essays are produced that aim to revisit and explore paradigms of the image, as well as contribute to the reflection of the latent potential of audiovisual databases. Concomitantly, the prospect of creative construction of monsters is presented as an increasingly recurring advertising strategy as a stage of audiovisual production. Also, an approach is developed between cinematographic and advertising techniques that seeks to underline hybridism and possible interconnections between the two areas. Finally, examples are presented that point to potential uses of advertising as a form of resistance and to promote critical reflection in front of circumstances exclusively guided by capitalist precepts.

[pt] Esta dissertação busca construir um diálogo entre a escritora brasileira Clarice Lispector, nascida na Ucrânia e naturalizada brasileira, e Agnès Varda, cineasta belga radicada na França. Enquanto a primeira estabeleceu uma mudança de paradigma na prosa de ficção brasileira, produzindo imagens a partir da escrita, a segunda se tornou uma referência do cinema ensaístico em todo o mundo, usando o texto de suas narrações em off para expandir o significado das cenas que preenchiam a tela. A análise de suas obras revela pontos de intersecção na construção de suas narrativas: ambas cultivam um olhar especulador e formas semelhantes de estranhamento e deslocamento, partindo do fragmento para falar do todo e enfocando os que estão à margem. Esta dissertação tem também como objetivo identificar traços como flexibilidade e apagamento da ideia de roteiro e de linearidade, tanto temporal quanto da trama como um fio que se possa seguir. / [en] This thesis intends to build a dialogue between the Brazilian writer Clarice Lispector, born in Ukraine and naturalized Brazilian, and Agnès Varda, a Belgian filmmaker based in France. While the first established a paradigm shift in Brazilian fiction, producing images from writing, the second became a reference of essayistic cinema worldwide, using her narrative texts in off to expand the meaning of the scenes that filled the screen. The analysis of their work reveals points of intersection in the construction of their narratives: they both cultivate a curious look and similar forms of estrangement and displacement, starting from the fragment to speak of the whole and focusing on those who are on the edge. This thesis also seeks to identify aspects such as flexibility and dissolution of the idea of script and linearity, both temporal or as a plot that can be followed.

[pt] O folhetim se constituiu a partir de outros elementos além do melodrama e possui suas próprias características. Levando em conta tal especificidade, o objetivo da tese é investigar a retomada do folhetim pelo cinema contemporâneo com ênfase no tema da vingança. Isso porque, entre tantas páginas folhetinescas, a página da vingança extrapolou o universo literário e passou a fazer parte de uma memória ficcional mais ampla, na qual O Conde de Monte Cristo, de Alexandre Dumas, ocupa uma posição central. Desde que foi lançada no século XIX, a saga vingativa de Edmond Dantès vem sendo retomada seja por meio da ironia, da crítica, da paródia, da pilhagem narrativa, da reverência ou da adesão em diversos produtos da cultura de massa e em diferentes suportes. Dada essa importância do romance de Dumas, o presente trabalho faz do Monte Cristo um lugar teórico para analisar a vingança como uma máquina de narrar por meio da qual os cineastas discutem questões da contemporaneidade. Como corpus para análise foram selecionados os filmes Kill Bill – Volumes 1 e 2 (2003/2004), de Quentin Tarantino, Old Boy (2003), de Chan Wook Park, e A pele que habito (2011), de Pedro Almodóvar, produções nas quais o tema da vingança traz à tona questões sobre gênero narrativo, serialidade e tecnologia. / [en] The feuilleton has other elements besides the melodrama and has its own characteristics. The aim of the thesis is to investigate the resumption of the feuilleton by contemporary cinema with an emphasis on the theme of revenge. Among so many pages in the feuilleton, the revenge page went beyond the literary universe and became part of a fictional memory. Since it was released in the 19th century, The Count of Monte Cristo has been taken up again through irony, criticism or parody in diverse products of mass culture and in different media. Due to the importance of Dumas novel, the present work makes Monte Cristo a theoretical place to analyze revenge as a narrative machine through which filmmakers discuss contemporary issues. As corpus for analysis, the selected films were Kill Bill – Volume 1 and Volume 2 (2003/2004), by Quentin Tarantino, Old Boy (2003), by Chan Wook Park, and The skin I live in (2011), by Pedro Almodóvar. In these films, the theme of revenge brings up issues of narrative genre, seriality and technology.

[pt] O objetivo desta tese é abrir os olhos à violência contida na imagem enquanto agente semiótico-material da guerra contemporânea. No século XXI, o drone armado militar, uma arma imagem-centrada, tem encabeçado a curadoria geopolítica dos EUA no âmbito da guerra ao terror. Na esteira do emaranhado entre Washington e Hollywood, observa-se que a violência drônica guarda as mesmas características do cinema: imagem e movimento. Contudo, a imagem de um drone não é puramente o reflexo da natureza da guerra; ela é mais que representacional, é performativa. A partir do conceito de imagem-aniquilação, esta tese argumenta que a imagem possui uma agência destrutiva ao transitar da reflexão à difração (Haraway, 1992; Barad, 2007). Ao invés de espelhar a realidade, a imagem-aniquilação cria um brutal padrão de diferença no mundo. Trata-se de uma ontologia destrutiva na qual ver e aniquilar estão em estado de superposição. Logo, tudo aquilo que está enquadrado, está potencialmente morto. É dizer, ao enquadrar corpos e objetos no terreno, cria-se um estado de violência superposicional em que se está vivo, mas virtualmente morto. Tal movimento ocorre a partir de um forte apelo transdisciplinar, no qual a disciplina de Relações Internacionais (RI) é apoiada por conceitos e ideias da Filosofia, da História da Arte, dos Estudos Culturais e dos Estudos Fílmicos do cinema. A criação do conceito de imagem-aniquilação é fruto da combinação entre a filosofia de Gilles Deleuze (Deleuze e Guattari, 1996), entendida como prática que fabrica conceitos, e a abordagem de Michael Shapiro (2020), que busca extrair teoria política das imagens fílmicas. Para a realização desde exercício, aborda-se o filme Eye in the Sky (2015), do diretor Gavin Hood. A escolha desta obra cinematográfica advém da sua crítica amplamente positiva, bem como seu status como filme que revela a realidade da guerra de drones. Desse modo, esta tese contribui tanto para a compreensão dos imaginários sociotécnicos da guerra contemporânea a partir do continuum guerra-imagem-cinema, quanto para a inovação epistêmica e metodológica nas RI. / [en] The purpose of this thesis is to shed light on the violence inherent in the image as a semiotic-material agent in contemporary warfare. In the 21st century, the armed military drone, an image-centered weapon, has spearheaded the geopolitical curatorship of the USA in the context of the war on terror. In the wake of the entanglement between Washington and Hollywood, it is observed that drone violence shares the same characteristics as cinema: image and movement. However, a drone s image is not purely a reflection of the nature of war; it is more than representational, it is performative. Building upon the concept of annihilation-image, this thesis argues that the image wields a destructive agency as it transitions from reflection to diffraction (Haraway, 1992; Barad, 2007). Rather than mirroring reality, annihilation-image creates a brutal pattern of difference in the world. It is a destructive ontology in which seeing and annihilating are in a state of superposition. Therefore, everything that is framed is potentially dead. That is to say, by framing bodies and objects in the terrain, a state of superpositional violence is created in which one is alive, but virtually dead. This movement is driven by a strong transdisciplinary appeal, in which the discipline of International Relations (IR) is informed by concepts and ideas from Philosophy, Art History, Cultural Studies, and Film Studies. The development of the concept of annihilation-image is the result of the combination of Gilles Deleuze s philosophy (Deleuze and Guattari, 1996), understood as a practice that create concepts, and Michael Shapiro s approach (2020), which seeks to extract political theory from cinematic images. For the purpose of this exercise, we examine the film Eye in the Sky (2015), directed by Gavin Hood. The choice of this cinematic work is derived from its widely positive critical acclaim, as well as its status as a film that exposes the reality of drone warfare. Thus, this thesis contributes to both the understanding of the sociotechnical imaginaries of contemporary warfare within the war-image-cinema continuum and to the epistemic and methodological innovation in (IR).

[pt] A pesquisa parte do encontro entre cinema e cidade, utilizando Copacabana como estudo de caso para compreender as contribuições da linguagem cinematográfica para a análise urbana. A leitura da cidade, complexa e contraditória, muitas vezes é simplificada por métodos de análise funcionalista. Assim, esta pesquisa busca atribuir novos significados aos materiais fílmicos, conferindo-lhes o status de arquivo e utilizando-os como fontes de análise para refletir como o cinema influencia as percepções sobre a cidade e revela as dinâmicas do espaço construído. Ao analisar uma filmografia de Copacabana, é possível identificar os apartamentos conjugados como estruturas visuais que se repetem no imaginário dessa localidade, não apenas como cenários, mas como personagens com suas próprias narrativas. Portanto, a partir das obras cinematográficas a partir das obras cinematográficas Tati, a garota (1973) e Amor Bandido (1979) de Bruno Barreto, Vai Trabalhar Vagabundo (1973) de Hugo Carvana, Edifício Master (2002) de Eduardo Coutinho e Galeria Alaska (1979) de José Joffily, todas ambientadas nos apartamentos conjugados de Copacabana, busca-se captar lampejos visuais que conduzam a uma leitura polifônica do bairro. Por meio de um processo de montagem-desmontagem-remontagem, entrelaçam-se narrativas fílmicas e arquivos de diversas origens, explorando questões que surgem do choque das variadas visões de Copacabana. / [en] The research begins with the intersection between cinema and the city, using Copacabana as a case study to understand the contributions of cinematographic language to urban analysis. Functionalist analysis methods often simplify the complex and contradictory perception of the city. Therefore, this research aims to attribute new meanings to film materials, giving them the status of archives: using the film material as a source of analysis to reflect on how cinema influences the city s image, as well as, reveal the built environment dynamics. When analyzing the filmography of Copacabana, it is possible to identify the conjugados apartments as visual structures that repeat in the imagination of this neighborhood, not only as scenarios but as characters with their narratives. Therefore, from the cinematographic works Tati, a garota (1973) and Amor Bandido (1979) by Bruno Barreto, Vai Trabalhar, Vagabundo (1973) by Hugo Carvana, Edifício Master (2002) by Eduardo Coutinho, and Galeria Alaska (1979) by José Joffily, all set in the conjugados apartments of Copacabana, the aim is to capture visual flashes that lead to a polyphonic reading of the neighborhood. Through a process of montage-disassembly-reassembly, film narratives and archives from various sources are interwoven, exploring issues that arise from the clash of diverse visions of Copacabana.

[pt] A dissertação recorta o período inicial da trajetória artística e afetiva da atriz Helena Ignez, desde sua infância e juventude, na primeira metade do século XX em Salvador, até o início dos anos 70, no Rio de Janeiro, com foco na personagem Angela Carne e Osso, protagonista do filme A Mulher de Todos (1969). Adota narrativa estruturada por microplatôs que se entrecruzam e são conduzidos pela voz da atriz em primeira pessoa, mesclada à ambientação histórica e à reflexão teórica, centrada nos conceitos de máquina de guerra e de hipersensibilidade dos corpos. Nessa construção múltipla e multifacetada observam-se marcas identitárias difusas, em que aspectos dos agenciamentos de sua vida e de sua personagem apontam para o nosso desejo de diálogo com a contemporaneidade. Passando por sua formação na Escola de Teatro da Universidade Federal da Bahia, a relação artística e afetiva com o cineasta Glauber Rocha, a sua atividade como atriz profissional, em teatro e cinema, e o seu acoplamento com o diretor Rogério Sganzerla, a partir das filmagens de O Bandido da Luz Vermelha (1968) o trabalho fecha seu enquadramento no filme A Mulher de Todos, experimento cinematográfico considerado até hoje ímpar, pelo ineditismo na representação de um feminino desviante. Como efeito desse filme a dissertação toca nos sete longas-metragens protagonizados pela atriz, logo após, e sob influência de A Mulher de Todos, em agenciamento com os diretores Rogério Sganzerla e Júlio Bressane, na produtora fictícia Belair (1970). / [en] The dissertation portrays the initial period of the artistic and emotional trajectory of actress Helena Ignez, from her childhood and youth, in the first half of the 20th century in Salvador, until the start of the 1970s in Rio de Janeiro, focusing on the character Angela Carne e Osso [Angela Flesh and Bone], the protagonist of the movie the A Mulher de Todos [Everyone s Woman] (1969). It adopts a narrative structured by micro-plateaux which interlace and are driven by the actress s voice in the first person, merged with the historical setting and theoretical reflection, centered on the concepts of war machine and body hypersensitivity. In this multiple and multifaceted construction, diffuse identity marks are seen, where life and character agencying aspects point to our desire for dialogue with contemporaneity. Going through her training at the drama school of the Federal University of Bahia, the artistic and emotional relationship with filmmaker Glauber Rocha, her activity as a professional actress in theater and movies, and her connection with the director Rogério Sganzerla, during the filming of O Bandido da Luz Vermelha [Red Light Bandit] (1968), the work ends with her role in the movie A Mulher de Todos, a cinematic experiment considered unique even today for its innovation in representing a deviant female. As an effect of this film, the dissertation touches on the seven feature films in which the actress played the leading role, shortly after and under the influence of A Mulher de Todos, in collaboration with Rogério Sganzerla and Júlio Bressane, in the fictional production company Belair (1970).

[pt] A pesquisa Cartazes do cinema brasileiro: imagem e imaginário social reflete sobre o universo imagético contido nos cartazes do cinema brasileiro, e tenta identificar imagens de referência ou recorrentes (ícones) que teriam contribuído para a construção do imaginário social sobre o país no cinema nacional, procurando identificar as origens da identidade social brasileira, como seria formado o imaginário nacional e se ele poderia ser representado por imagens dos cartazes de cinema brasileiros. A reflexão se desenvolve, principalmente, a partir das relações entre sociedade e cultura, o campo da arte e seus sistemas de produção. Tais relações colocam em evidência o fato de que as representações são construídas através da história social, a partir de configurações simbólicas que definem a sua forma final e a partir de conceitos pré-estabelecidos – as convenções –, que promovem facilidade de reconhecimento para quem observa, e faz com que os produtores de imagem possam ter certo controle sobre o seu uso. A existência de uma cultura visual evidencia as práticas culturais dentro da sociedade, enquanto a indústria cultural utiliza as convenções para formar um conjunto de imagens que acaba por definir o universo visual moderno, permitindo perceber quando uma imagem tenta fugir de um padrão instituído. A tese desta pesquisa se configura sobre um caminho que tenta delimitar teoricamente o que constituiria a identidade social brasileira, em relação aos tipos de representação do brasileiro e do país; sobre pensamentos acerca da indústria do cinema nacional e seus mecanismos de distribuição e divulgação, que determinam, entre outros fatores, o design dos cartazes e também os tipos de representação da imagem; e finalmente, sobre as representações sociais e imagens dos cartazes de cinema pertencentes aos filmes nacionais. Fazendo parte de um universo onde as representações se baseiam no imaginário estrangeiro dos filmes, o cinema brasileiro se encontra encerrado entre uma prática que procura imitar as produções internacionais e seus padrões de imagem, ou buscar elementos da cultura brasileira para tentar construir um imaginário próprio, reforçando mitos e reafirmando a cultura nacional. O cartaz de cinema brasileiro se encontra no mesmo paradoxo: repetir os padrões gráficos consolidados pela indústria cinematográfica internacional e impostos pelas distribuidoras estrangeiras, ou buscar um padrão gráfico que possa ser considerado nacional. / [en] The study Posters of Brazilian Cinema: Image and the Social Imaginary reflects on the imagistic universe contained in the posters of Brazilian cinema, and attempts to identify recurrent (icons) or reference images that could have contributed to building the social imaginary about the country in national theater, seeking to identify the origins of Brazilian social identity, how the social imaginary was formed and if it could be represented by certain images from posters of brazilian cinema. The reflection is mainly developed from the relations between society and culture, the field of art and its production systems. Such relationships provide evidence of the fact that the representations are constructed through social history, from symbolic configurations that define its final form and from pre-established concepts – conventions – that promote ease of recognition for the observer , and gives the image producers some control over its use. The existence of visual culture highlights the cultural practices within society, while the cultural industry uses conventions to form a set of images that ends up defining the modern visual universe, making it possible to notice when an image tries to escape tthe established patern. The thesis of this research is set on a path that attempts to theoretically define what would constitute the Brazilian social identity in relation to the types of representation of the Brazilian people and the country; it encircles thoughts about the national cinema industry and their mechanisms of distribution and dissemination, which determine, among other factors, the design of posters and also the types of image representation; and finally, the social representations and images of movie posters belonging to brazilian national films. As part of a universe where representations are based on foreing imagery of films, Brazilian cinema is closed between a practice that seeks to mimic the international productions and its image patterns, or find elements of Brazilian culture to try to build an image of it own, reinforcing myths and reaffirming the national culture. Posters of Brazilian cinema finds itself in the same paradox: repeat graphic patterns consolidated by the international film industry and imposed by foreign distributors, or seek a chart pattern that can be considered national.

[pt] Concept art: design e narrativa em animação tem o objetivo de investigar se existe clareza nas funções que compreendem a atividade do concept art, particularmente na relação entre design e narrativa. A motivação e objetivo geral da pesquisa é ampliar o entendimento a respeito do campo e delinear melhor os contornos da atividade. A referência para a construção deste perfil é o cinema de animação comercial norte-americano. Divide-se a pesquisa em três partes. Na primeira, faz-se uma investigação bibliográfica sobre questões etimológicas, históricas e de linguagem pertinentes ao concept art. Na segunda parte, avalia-se a posição do concept art na indústria a partir de três aspectos: como se difunde o conhecimento a respeito do campo; o contexto de produção do concept art no esquema de grandes estúdios; e quais as características de produção do concept art à luz da metodologia projetual do design. A terceira e última parte concentra-se no profissional da área, investigando o que a indústria busca desse profissional e o que ele pensa sobre concept art. Primeiro, analisa-se o relato de um concept artist atuante na indústria cinematográfica norte-americana, para depois ouvir profissionais que trabalham ligados à função no mercado nacional. Concluiu-se ao final deste trabalho que existe certa clareza nas funções que compreendem o concept art, mas ainda há a necessidade de se definir melhor estas funções. Exatamente por isso não se verificou consenso entre os profissionais entrevistados na relação entre concept art e narrativa, que neste trabalho julgamos como sendo a base do campo. / [en] This work aims to investigate whether there is clarity on the roles that constitute the Concept Art, especially with regard to the relation between the design and the narrative. The motivation and main objective of this research is to enlarge the understanding concerning the field and to define the contours of the practice. The construction of this profile is based on North American commercial animation movies. The research is divided into three parts. The first one illustrates a bibliographic investigation about etymological and historical issues and the specific language concerning Concept Art. The second part assesses the position of the Concept Art in the industry from three aspects: how the knowledge concerning the field is disseminated; the context of the Concept Art production according to the major studios scheme; and which are the features of producing Concept Art in the light of design projective methodology. The third and final part focuses on the professional, investigating what the industry seeks and what the professional thinks about Concept Art. Fist of all, it analyses the report of a concept artist active in the North American film industry, and the professionals related to the practice in the national market then. Finally, the conclusion of this work is that there is certain clarity about the roles that constitute the Concept Art, but it is still imperative to better define those functions. For that reason, there was no consensus among the interviewed professionals concerning the relation between Concept Art and narrative, which is, according to this work, the basis of the field.

[pt] Esta dissertação propõe um estudo ensaístico acerca de um conjunto de filmes cujos personagens irrompem em movimento e dançam, partindo de três intuições fundamentais: o corpo não se aguenta trancado e precisa se movimentar, o fato de ver alguém dançando é contagiante, e o cinema é uma forma de expressão artística privilegiada de apresentação do corpo e da vida em movimento. Este inventário de corpos dançantes no cinema não aborda filmes musicais, nem filmes sobre dança, mas filmes em que momentos de dança acontecem, potencializando a narrativa cinematográfica e criando um espaço de ressonância entre o espectador e o filme. Neste sentido, os ensaios que compõem este trabalho versam sobre a explosão do corpo dançante em uma coleção de filmes tais como, Cría Cuervos, Le livre de Marie, Beau Travail, 35 Rhums, Mauvais Sang, construindo formas de olhar e escutar os corpos em movimento, dialogando principalmente com o pensamento de Jean-Luc Nancy sobre o corpo, a dança e o cinema. / [fr] Ce mémoire propose une étude essayiste sur un ensemble de films dans lesquels les personnages éclatent en mouvement et dansent, à partir de trois intuitions fondamentales : que le corps ne se tient pas enfermé en soi et qu il a besoin de se mouvoir, que le fait de voir quelqu un danser est contagieux, et que le cinéma est une expression artistique privilégiée de présentation du corps et de la vie en mouvement. Dans cet inventaire de corps dansants, il ne s agit pas de comédies musicales, ni de films au sujet de la danse, mais de films dans lesquels des moments de danse ont lieu de manière inattendue, où une grande énergie se dégage, créant ainsi un espace puissant de résonance entre le spectateur et le film. Dans ce sens, les essais qui composent ce mémoire touchent l explosion du corps dansant dans des films tels quels, Cria Cuervos, Le livre de Marie, Beau Travail, 35 Rhums, Mauvais Sang, et présentent des formes de regarder et d écouter les corps en mouvement, en dialogue avec la pensée de Jean-Luc Nancy sur le corps, la danse et le cinéma.

[pt] Esta dissertação faz uma leitura do terror na obra do cineasta José Mojica Marins. A condição - instável - e a trajetória - incomum - deste cineasta maldito na história do cinema nacional passa por uma lógica de esfumaçamento compulsório, onde o diretor se viu obrigado a investir em novos campos: o texto, a televisão, o rádio e, mais recentemente, a Internet, para poder continuar insistindo/investindo na árdua tarefa de roteirizar, produzir e lançar seus mais de 30 filmes. A intenção é entender porque sua história se deu desta forma. Que semelhanças e diferenças guarda com os clássicos de terror? Até que ponto pode ser considerado um descendente do teatro francês do Grand Guignol? Muito mais do que desfiar conceitos fechados sobre a literatura do fantástico abordando os ingredientes das ficções, a idéia é fazer uma análise do terror em seus aspectos contemporâneos e culturais, traçando um paralelo com a biografia do diretor. / [en] This dissertation reads the horror in the film maker s José Mojica Marins work. The unstable condition and the uncommon career of this dammed film maker in the history of the Brazilian movie industry passes as a compulsory evanescence logic, where the director was forced to explore new fields: text, television, radio and, more recently, the Internet, in order to keep on insisting/investing in the arduous task of making scripts, producing and releasing his more than 30 films. The intention is to understand why his history happened this way. What similarities and differences does it keep with the classics? To what extent can he be considered as a descendent of the French theatre of the Grand Guignol? Much more than analyse narrow concepts about the fantastic literature approaching fictions ingredients, the idea is to make an analysis of the horror in its contemporary and cultural aspects relating it to the director s biography.