Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-31T17:42:54Z No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-10T21:04:47Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-10T21:04:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação -corrigida.doc: 5920256 bytes, checksum: 604e54be81ceb145ebc722fadf310e4d (MD5) / Esta pesquisa consiste principalmente na análise da dramaturgia na dança do espetáculo O Santo Inquérito, apresentado na Cidade de Belém, na década de 80, e, encenado pelo Grupo Coreográfico da Universidade Federal do Pará, sob a direção geral e coreográfica da bailarina, coreógrafa e professora Eni Corrêa. Para entender de que maneira se inscreve a dramaturgia na dança, que tem como pretexto uma dramaturgia que foi escrita especificamente para a encenação teatral, iniciamos a coleta de dados, através de entrevistas com a diretora do espetáculo, a qual se permitiu voltar a duas décadas em sua memória, para rememorar seu processo de encenação, numa mistura de sentimentos entre: a saudade, felicidade e a excitação de trazer em seu pensamento imagens dos bailarinos, figurantes e equipe técnica do teatro, nos permitindo investigar seu processo de concepção coreográfica, para atingir o nosso objetivo de analisar a dramaturgia na dança. Além das entrevistas, partimos para a análise do espetáculo, através da observação da fita de vídeo, da coleta de dados, como os desenhos do figurino, da cenografia, do cartaz, das fotografias e documento enviado ao dramaturgo Dias Gomes. Nesse sentido, percorremos cena a cena deste espetáculo coreográfico, que nos forneceu uma multiplicidade de material cênico, como a música, o cenário, a coreografia, o texto e a iluminação, que materializados na cena, indicavam a autonomia de suas linguagens artísticas, mas, ao mesmo tempo concorriam para a tessitura da dramaturgia do espetáculo aqui em questão. Para o dramaturgo e ator Eugênio Barba, uma dramaturgia geral, ou seja, a reunião de vários elementos materializados na cena, que concorrem para a construção de uma dramaturgia que se insere no todo da montagem da obra cênica. Neste contexto, esta pesquisa se configura em uma abordagem qualitativa baseada em estudo de caso. / This research consists principally in a dance dramaturgical analysis, of the O Santo Inquérito spectacle, presented at Belém City, in the 80’s, staged and exhibited by the Coreografic Group of the Federal Uni versity of Pará, under the choreographic and general direction of the dancer, choreograph ant teacher, Eni Corrêa. To understanding the way in which inscribes the dramaturgy in the dance, who has as pretext, a dramaturgy writen specifically to the theatrical staging. We began collecting data through interviews with the spectacle director, whom allowed herself returning two decades behind in her memory, to remember her staging processes, in a feelings mixture between: longing, happiness and excitation of bringing in her thinking dancers images, figurants, and technical theatrical team, allowing us to investigate her choreographic conception process, to reach our objectif to analyse the dance dramaturgy. Beyond the interviews, we start to analyse the spectacle, through the videotape observation, the data collection, like the dress models, the scenography, the poster, the photographies and the document sent to the dramaturge Dias Gomes. In this way, we roamed about scene by scene of that choreographic spectacle, which gave us a scenic material multiplicity, like the music, the scenery, the choreography, the text and the ilumination, which materialized in scene, indicated its artistic languages autonomy, but, in the same time, coming together to the spectacle dramaturgy tissue, here being studied. To the dramaturge and actor Eugênio Barba, a general dramaturgy, in other way, the reunion of various elements or ingredients materialized in scene, that concur to the dramaturgy construction, which inserts in the whole of the scenic mounting work. In this context, this investigation configures in a qualitative approach based in the study of a case.

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-17T17:35:12Z No. of bitstreams: 1 tese pronta.pdf: 48428283 bytes, checksum: d238afb4f5c0f3dbdf0f9310331702be (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-17T19:33:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 tese pronta.pdf: 48428283 bytes, checksum: d238afb4f5c0f3dbdf0f9310331702be (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T19:33:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese pronta.pdf: 48428283 bytes, checksum: d238afb4f5c0f3dbdf0f9310331702be (MD5) / Esta pesquisa traz uma proposta de formação e treinamento de ator de teatro e as perspectivas de uma encenação pautada no processo de individuação do ator. A partir do objetivo geral de encontrar procedimentos para auxiliar essa prática teatral, buscou-se intensificar a atividade do ator em cena, desenvolvendo um método de trabalho que teve como foco a ampliação dos processos de subjetivação na relação do ator consigo, com o outro e com o mundo, a investigação das múltiplas possibilidades de agenciamentos do corpo e a ampliação da autonomia do ator na sua criação. O processo de encenação estimulou a composição de personagens considerando uma perspectiva autoral, por meio do diálogo entre o imaginário pessoal do ator e o texto dramático. A pesquisa procurou abordar alguns possíveis princípios norteadores do trabalho em grupo e refletir sobre a criação artística como um compromisso ético com a comunidade. As principais referências são os encenadores-pedagogos Antonio Januzelli, Antunes Filho e Sue Morrison e o coletivo de atores do Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp (Lume). Numa abordagem compreensiva para os processos criativos, configura-se uma pesquisa qualitativa, em procedimentos de campo que articulam as fontes bibliográficas com as práticas em laboratórios de criação cênica. Estes foram realizados em processos de treinamento e processos de montagem, resultando no exercício público Carta ao Pai: experimentos cênicos sobre a subjetividade e no espetáculo O Rei Lear no meu quintal. A reflexão sobre a prática autônoma e criativa do ator constitui-se então como uma proposição metodológica para a cena. / This research brings forward a proposal for the development and training of actors for the theater and the perspectives of a mise-en-scène guided by the process of actor individuation. Starting from the general objective of finding procedures to aid this theatrical practice, the activity of the actor's performance was intensified, developing a working methodology which aimed at widening the process of subject constitution in the relationship between the actor with themselves, with someone else and with the world at large, the investigation of multiple possibilities of body sense of agency and the amplification of actor autonomy in their creation. Through the process of mise-en-scène, there was a stimulus for character composition taking into consideration an authoring perspective, from the dialogue between the actor's personal imaginary and the dramatic text. This research aimed at approaching some possible guiding principles of group work and reflecting upon artistic creation as an ethical commitment with the community. The main references are the metteur en scène-pédagogue (director-pedadogues) Antonio Januzelli, Antunes Filho and Sue Morrison and the group of actors from Núcleo Interdisciplinar de Pesquisas Teatrais da Unicamp (Lume). In a comprehensive approach to the creative processes, it is a qualitative research in field procedures which articulate bibliographic sources with laboratory practices in scenic creation. These were carried out in training processes and stage setting processes, which resulted in the public exercise Carta ao Pai: experimentos cênicos sobre a subjetividade (Letter to the Father: scenic experiments on subjectivity) and the play O Rei Lear no meu quintal (King Lear in my backyard). The reflection on actor autonomy and creative practice was formed, therefore, as a methodological proposition for the scene.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 claudia.pdf: 7253059 bytes, checksum: 2fe2a32b0085b43d12a3104968667d56 (MD5) Previous issue date: 2013-03-04 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study addresses the issue of the imagination in the actor s work encouraged by aspects of the pedagogy of Jacques Lecoq. The research aimed at a better understanding of my experience as an actress, director, body coach and teacher, through a conceptual analysis of some aspects of this pedagogy. It s a practice based on codified exercises inspired on mime and mimism as well as on improvisations that take the nature and its intrinsic dynamics as the main theme. The notion of Fond Poétique Comum is identified as the fundamental view of this pedagogy that serves as inspiration for the imagination of the actors whilst associating its dynamics to their movement. This notion is discussed based on assumptions derived from the natural sciences, philosophy and Eastern thought, mainly from authors like Gaston Bachelard, Marcel Jousse, Henri Bergson and Fritjov Capra. Notably designed for the kind of theater in which the importance of the body practice overlaps the one of the spoken text, which it may even be dispensed, this pedagogy aims to instrument the performing arts artist in their different functions, and the actors are encouraged to develop an attitude of being the author of their work. Relationships are established with some historical aspects of the French theater of the twentieth century and the approaches to the imagination in the actor s work in Stanislavski and Chekhov, as well as questions about acting whether as performer or as an actor, present in the contemporary theater studies. The study was structured based on the organization of the practice itself, keeping the steps of presentation, stretching, warming up, improvisation and creation, taking as as corpus of analyses experiences as a student of the École International de Théâtre Jacques Lecoq, as the director of the shows O Baile dos Anastácio and O Defunto , as the actress of Gueto Bufo , as a teacher in several workshops, as well as testimonials of classmates, students and actors involved in these processes / Este estudo trata da questão da imaginação no trabalho do ator, incitado por aspectos da pedagogia de Jacques Lecoq. A pesquisa teve por objetivo uma melhor compreensão de minha experiência como atriz, diretora, preparadora corporal e professora por meio da análise conceitual de aspectos dessa pedagogia. São trabalhos práticos baseados em exercícios codificados, inspirados pela mímica e pelo mimismo e improvisações que tomam a natureza e sua dinâmica intrínseca como tema principal. A noção de Fundo Poético Comum é apontada como a visão fundamental dessa pedagogia, servindo como inspiração para a imaginação do ator, na medida em que associa sua dinâmica a seus movimentos. Tal noção é abordada com base em pressupostos oriundos das ciências naturais, da filosofia e do pensamento oriental, pautando-se principalmente em autores como Gaston Bachelard, Marcel Jousse, Henri Bergson e Fritjov Capra. Notadamente designada para o tipo de teatro no qual a importância da prática corporal sobrepõe-se à do texto falado, do qual pode até prescindir, essa pedagogia visa instrumentar o artista das artes cênicas em suas diferentes funções, e o ator é incentivado a desenvolver uma atitude de autor do seu trabalho. São estabelecidas relações com aspectos históricos do teatro francês do século XX e com as abordagens sobre a imaginação no trabalho do ator em Stanislavski e Chekhov, assim como o questionamento sobre a atuação enquanto performer ou ator presentes nos estudos teatrais contemporâneos. O estudo foi estruturado pela organização da prática em si, mantendo as etapas de apresentação, alongamento, aquecimento, improvisação e criação, tomando como corpus de análise experiências como aluna na École International de Théâtre Jacques Lecoq, como diretora dos espetáculos "O Baile dos Anastácio" e "O Defunto", como atriz de "Gueto Bufo", como professora em várias oficinas de teatro, assim como depoimentos de colegas, alunos e atores envolvidos nesses processos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 gerson.pdf: 1677874 bytes, checksum: d6a70ed4813d52dc3e72f4be20515667 (MD5) Previous issue date: 2013-03-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis aims to study three Brazilian theatrical stagings that have as a common starting point the work Os Lusíadas The Lusiads, from the Portuguese poet Luís de Camões. These stagings took place in São Paulo, Brazil, in distinct periods, between the second half of the twentieth century and the beginning of the twenty-first century. The first is that of Celso Nunes, with adaptation of Carlos Queiroz Telles, in 1972. Iacov Hillel directed the second staging, adapted by José Rubens Siqueira, in 2001. The third spectacle was directed by Márcio Aurélio and adapted by Valderez Cardoso Gomes, also in 2001. What makes them objects of research relevant to the Brazilian Theater and to literature from the perspective of Theatrical Aesthetics and of History of Entertainment are multiple artistic readings inserted in distinct historical circumstances. In transcreations to the scene from a work not intended for the stage as Os Lusíadas transpire relations between languages and meanings of the theater spectacles and the literary work. This study seeks to examine three different possibilities of staging and of theatrical adaptation, which gave voice and scenic forms to the classical poetry´s ideas and ideals. This work draws on theatrical theories of Patrice Pavis and Anne Ubersfeld, on historians such as Werner Jaeger and Jacques Le Goff, on Camoens scholars like José Maria Rodrigues and Segismundo Spina, and on other names that stand out regarding the topic of the present study. Thus, the analyses punctuate aspects about these theater spectacles, these dramatic adaptations and the original aforementioned text, which served as raw material for new creations. By establishing specific points of each language and navigating the broad spectacular and intertextual dialogism conformed, the horizon that is shown points the theatrical staging as autonomous work of art. / O objetivo desta tese é estudar três encenações teatrais brasileiras que possuem como ponto de partida comum a obra Os Lusíadas, do poeta português Luís de Camões. Essas montagens ocorreram em São Paulo, Brasil, em períodos distintos, compreendidos entre a segunda metade do século XX e o início do século XXI. A primeira é a de Celso Nunes, com adaptação de Carlos Queiroz Telles, em 1972. Iacov Hillel assinou a direção da segunda montagem, adaptada por José Rubens Siqueira, em 2001. O terceiro espetáculo foi dirigido por Márcio Aurélio e adaptado por Valderez Cardoso Gomes, também em 2001. O que as torna objeto de pesquisa relevante para o Teatro Brasileiro e para a literatura sob o ângulo da Estética Teatral e da História do Espetáculo são as múltiplas leituras artísticas inseridas em circunstâncias históricas distintas. Nas transcriações para a cena, a partir de uma obra não destinada ao palco como Os Lusíadas, transparecem as relações entre as linguagens e as significações dos espetáculos e da obra literária. Este estudo busca reconstituir três possibilidades diferenciadas de encenação e de adaptação teatral, as quais deram voz e formas cênicas às ideias e aos ideais da poesia clássica. O trabalho apoia-se em teorias teatrais de Patrice Pavis e de Anne Ubersfeld, em historiadores como Werner Jaeger e Jacques Le Goff, em estudiosos camonianos como José Maria Rodrigues e Segismundo Spina, e em outros nomes que se destacam no que concerne ao tema estudado. Desse modo, as análises pontuam aspectos sobre esses espetáculos, sobre essas adaptações dramatúrgicas e sobre o texto original, o qual serviu de matéria-prima para as novas criações. Ao estabelecer pontos específicos de cada linguagem e navegar pelo amplo dialogismo espetacular e intertextual conformado, o horizonte que se mostra aponta a encenação teatral como obra de arte autônoma

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lara.pdf: 763931 bytes, checksum: ad900beabace23b47c5373832696ac94 (MD5) Previous issue date: 2012-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research proposes a study about the intersection between personal life and professional life in the work of the Odin Teatret actresses, Else Marie Laukvik, Iben Nagel Rasmussen, Julia Varley and Roberta Carreri. Were raised during the trajectory of each of the four actresses, moments where interference of personal life in professional life culminated in the creation of new methods of creation and training. One of the axes of this study was to think that the new methods created by the four actresses would allow to locate the space within each group and to identify different ways to practice understanding of the theater. Through analysis of the space established by every actress in the group, discusses gender relations involving these actresses do theater. Purpose of this study was also to bring to public the research of the actresses in an attempt to analyze his work to bring up discussions on the presence of women in theater history / Esta pesquisa propõe um estudo sobre intersecções entre vida pessoal e vida profissional no trabalho das atrizes do Odin Teatret, Else Marie Laukvik, Iben Nagel Rasmussen, Roberta Carreri e Julia Varley. Foram levantados durante a trajetória de cada uma das quatro atrizes, momentos onde interferências da vida pessoal na vida profissional culminaram na criação de novas metodologias de criação e treinamento. Um dos eixos deste estudo foi pensar que as novas metodologias de criadas pelas quatro atrizes possibilitariam localizar o espaço de cada uma delas dentro do grupo bem como identificar diferentes maneiras de compreensão da prática teatral. Através da análise do espaço estabelecido por cada uma das atrizes no grupo, discute relações de gênero que envolvem o fazer teatral destas atrizes. Também foi propósito deste trabalho trazer à público a pesquisa das atrizes do grupo, numa tentativa de analisando seu trabalho trazer à tona discussões sobre a presença das mulheres na história do teatro

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:52:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PABLO.pdf: 753020 bytes, checksum: c44d2dd10eb4b95a1abd5b26cbbd61fd (MD5) Previous issue date: 2008-08-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The essay presented here investigates the construction of the Physical Actions according to Russian actor, director and educationalist Konstantin Stanislavski, through the perception-imagination-adaptation triad, considering that these three properties of the human being are of fundamental importance for the actor's work. The research aims to create a compilation of Stanislavski's life and work, and how he arrived at his theory of the Physical Actions, always looking for true and organic acting, having as a goal the emotion of the actor. Therefore, part of this study is a profound investigation of the laws of man in action - applied by Stanislavski and, here, correlated to each of the three properties; as well as the last great contribution of the Russian scholar to the theatrical arts: the active analysis, which encompasses the laws, the physical action and the other elements of his System. The Russian master, at the end of his studies, leaves as his legacy, the distinct idea that the physical action is only the path to creation, which gives the actor the possibility of penetrating his or her own subconscious and being moved. To Stanislavski, it is through a series of actions performed by the actor that the public can see emotion run through the scene / O trabalho aqui apresentado procura investigar como se dá a construção das ações físicas, segundo o ator, diretor e pedagogo russo Konstantin Stanislávski, através da tríade percepção-imaginação-adaptação, tendo em vista que essas três faculdades do ser humano são de fundamental importância para o trabalho do ator. A pesquisa visa a fazer um apanhado geral sobre a vida e a obra de Stanislávski, e como ele chegou à questão da ação física, buscando sempre uma atuação verdadeira e orgânica, tendo como fim a emoção do ator. Nesse sentido, fazem parte do trabalho uma investigação aprofundada sobre as leis do homem em ação - postuladas por Stanislávski e, aqui, relacionadas a cada uma das três faculdades - e a última grande contribuição do pesquisador russo à arte teatral: a análise ativa, que engloba as leis, a ação física e os demias elementos do Sistema. O mestre russo, ao fim de seus estudos, lega-nos a primorosa idéia de que a ação física é apenas um meio para a criação, que possibilita ao ator penetrar no seu próprio subconsciente e emocionar-se. Para Stanislávski, é através de uma série de ações realizadas pelo ator que o público pode ver a emoção percorrendo a cena

Esta pesquisa analisou o efeito transgressor de gênero artístico, de identidade de gênero, de sexualidade e de comportamento social apresentados na peça teatral Escravagina, produzida pelo grupo Rainha de Duas Cabeças, de Curitiba-PR, produção teatral estreada em 2014. A peça conta com dramaturgia e direção de Cesar Almeida e com atuação da atriz Maite Schneider. O espetáculo narra a história pessoal da atriz que passou por um processo de transexualização. Na peça são discutidos padrões de beleza corporal, instituições normatizadoras e reguladoras de sexualidade, gênero, orientação sexual, desejo e comportamentos sociais impostos. Buscamos compreender a maneira como os artistas utilizaram-se das tecnologias e das técnicas de cena, ou seja, os elementos e procedimentos constituintes para a produção do espetáculo teatral com o propósito de transgressão (FOUCAULT, 2009) das noções socialmente estabelecidas sobre identidades focadas em polaridades ou identidades fixas. Nossa pesquisa apontou para a utilização de traços do grotesco e da carnavalização (BAKHTIN, 2013), do kitsch (MOLES, 1975), da ironia, da paródia e do intertexto (HUTCHEON, 1991), do hibridismo cultural (CANCLINI, 2013), do Business gay (LIPOVETSKY, 2015), do paradoxo (COMPAGNON, 2010) e da profanação (AGAMBEN, 2007), percebidos por meio de elementos e procedimentos que incluem uma ou múltiplas técnicas/tecnologias da cena para obtenção do efeito desejado. Nossa pesquisa também questionou as aproximações entre corpo e tecnologia e sua relação com a transexualidade. Para tanto, o estudo se utilizou de metodologia da Análise dos Espetáculos (PAVIS, 2015) e da Análise Matricial (BRITO, 1999). Os materiais primários de análise foram o vídeo do espetáculo e o texto teatral. Como material secundário utilizamos as entrevistas realizadas com os artistas (em 2015 e em 2016), o material de divulgação, o paratexto publicitário, os diários de itinerância e a tomada de notas realizada pela pesquisadora durante a observação in loco do espetáculo, assistido no ano de 2016. / This research analyzed the transgressive effect of artistic genre, gender identity, sexuality and social behavior presented in the play Escravagina, produced by the group Rainha de Duas Cabeças, from Curitiba/PR, a theatrical production premiered in 2014. The play counts on the dramaturgy and direction of Cesar Almeida, as well as the performance of the actress Maite Schneider. The show narrates the personal story of the actress who underwent a process of transsexualization. In the play, the standards of body beauty are discussed, as well as the normative institutions and regulators of sexuality, gender, sexual orientation, desire and social behaviors imposed. We seek to understand the way in which the artists used the technologies and techniques of scene, that is, the constituent elements and procedures for the production of the theatrical spectacle, with the purpose of transgression (FOUCAULT, 2009) of socially established notions on identities focused on polarities or fixed identities. Our research pointed to the use of traces of the grotesque and carnivalization (BAKHTIN, 2013), of kitsch (MOLES, 1975), the irony, parody and intertext (HUTCHEON, 1991), the cultural hybridity (CANCLINI, 2013), the Business gay (LIPOVETSKY, 2015), paradox (COMPAGNON, 2010) and the profanation (AGAMBEN, 2007) perceived by means of elements and procedures that include one or multiple scene techniques/technologies to achieve the desired effect. Our research also questioned the approximations between body and technology and their relation with transsexuality. For this, the study was based on the methodology of Analysis of Spectacles (PAVIS, 2015) and Matricial Analysis (BRITO, 1999). The primary materials of analysis were the video of the theatre show and the theatrical text. As secondary material, we used interviews with the artists (in 2015 and 2016), the advertising material, the advertising paratext, the itinerancy journals and the notes taken by the researcher herself during the on-site observation of the theatre show assisted in 2016.

This study seeks to enter the Theatre of the Oppressed and the Permaculture Flower as potentializer methodology of Environmental Education experiences of a new meaning for young people from diverse communities that make up the Collective Youth Movement in Sergipe. The symbolic union of perceptive and sensitive fields aims to broaden the knowledge of the problems in environmental dimensions within that collective. The methodological development of this qualitative research draws on action research through thematic theatrical workshops, covering the methodology described by Augusto Boal in Theatre of the Oppressed, Theatre Games and Improvisation Theatre. Uses the concept of sustainability according to the vision of permaculture perspective of the sensitive environmental education, critique, dialogic, experiential and participatory. Data collection was conducted through questionnaires, interviews, wheels conversation and participant observation. Paintings, sculptures and individual and collective, 4 songs and 1 piece of forum theater on the pesticide issue as the problem - insertion case: many aesthetic materials such as were created. The results include 200 h of fieldwork, 1 workshop in character immersion for 8 days with 32 young people from the Youth Movement Collective in various localities of the state of Sergipe. The piece collectively created by young people was presented 16 times and 1 time in the state at the National Congress of Peasants in Brasilia/DF. People between 1183 and oficinandos audience were mobilized. / O presente estudo busca inserir o Teatro do Oprimido e a Flor da Permacultura como metodologia potencializadora das vivências de uma Educação Ambiental ressignificada para os jovens de diversas comunidades que compõe o Movimento Coletivo da Juventude em Sergipe. A união perceptiva dos campos simbólicos e sensível tem por finalidade ampliar os conhecimentos dos problemas nas dimensões socioambientais dentro desse coletivo. O desenvolvimento metodológico dessa pesquisa de natureza qualitativa inspira-se na Pesquisa-ação por meio de oficinas teatrais temáticas, contemplando a metodologia descrita por Augusto Boal no Teatro do Oprimido, Jogos Teatrais e o Teatro Improvisação. Utiliza o conceito de Sustentabilidade segundo a visão da Permacultura numa perspectiva de Educação Ambiental do sensível, crítica, dialógica, vivencial e participativa. A coleta de dados foi realizada por meio de questionários, entrevistas, rodas de conversa e observação participante. Foram criados diversos materiais estéticos tais como: quadros, pinturas e esculturas individuais e coletivas, 4 músicas e 1 peça de teatro-fórum sobre a temática agrotóxicos como inserção do problema-caso. Os resultados contemplam 200 h de trabalho de campo, 1 oficina em caráter de imersão por 8 dias com 32 jovens do Movimento Coletivo da Juventude de diversas localidades do estado de Sergipe. A peça criada coletivamente pelos jovens foi apresentada 16 vezes no estado e 1 vez no Congresso Nacional de Camponeses em Brasília/DF. Foram mobilizadas 1183 pessoas entre oficinandos e plateia.

FERREIRA, Elaine Cristina Forte. O espetáculo vai começar... estudo da oralidade através de improvisações teatrais. 2009. 106f. Dissertação (Mestrado em Linguística) – Universidade Federal do Ceará, Departamento de Letras Vernáculas, Programa de Pós-Graduação em Linguística, Fortaleza-CE, 2009. / Submitted by nazareno mesquita (nazagon36@yahoo.com.br) on 2012-07-09T15:06:23Z No. of bitstreams: 1 2009_diss_ECFFerreira.pdf: 823679 bytes, checksum: ba6dcfefe8cd5f790abc9733c3d929fa (MD5) / Approved for entry into archive by Maria Josineide Góis(josineide@ufc.br) on 2012-08-02T15:24:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_diss_ECFFerreira.pdf: 823679 bytes, checksum: ba6dcfefe8cd5f790abc9733c3d929fa (MD5) / Made available in DSpace on 2012-08-02T15:24:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_diss_ECFFerreira.pdf: 823679 bytes, checksum: ba6dcfefe8cd5f790abc9733c3d929fa (MD5) Previous issue date: 2009 / Language is one of the main resources for thought construction for playing and for human being immersion in this world Thus it plays an important role in this paper specially the oral language This thesis aims at investigating how children enrolled in the 5th grade of the Ensino Fundamental in a public school in Fortaleza build stratetegies for meaning formulation on the dicoursive topic through the perspective of orality They were asked to perform a fairy tale role playing improvisation The qualitative research had the participation of 24 children with age between 10 and 11 The data collection process which was carried out in September and October 2008 presented the following phases: classroom observation and interaction with children in dynamic activities stoytelling – “witch Salomé” short story discussion and role playing improvisation The data was recorded in audio and video The improvisation of the scenes consists of microplays in which children elaborated dilaogues based on 7 triggering situations two of them following no instructions from the researcher and 5 were driven activities From these role playings improvisations a corpus consisting of 9 microplays was analized concerning discoursive topic introduction, the strategies for recapturing it and the repetitions used for the topic progression in the process of oral text construction in groups The results showed that the participants introduced the discoursive topic used textual strategies with the purpose of reformulating and recapturing the topic assumed sociocultural elements as authorial marks for textual progression These results assure that the language use stimulate its development and school appears to be a fertile environment to the orality development once it offers a huge potential for discoursive linguistic playful and creative ampliation In this regard theatrical activities reinforce the learning progress through art inclusion in the education / A linguagem um dos principais recursos de construção do pensamento da atuação e da imersão do ser humano no mundo é o foco desse trabalho em especial a modalidade oral Essa dissertação objetiva investigar como as crianças do 5° ano do Ensino Fundamental da rede pública de Fortaleza constroem estratégias de formulação de sentidos do tópico discursivo na perspectiva da oralidade quando expostas ao trabalho de encenação improvisada de um conto de fadas A pesquisa de natureza qualitativa contou com a participação de 24 crianças de 10-11 anos de idade O processo de coleta de dados desenvolvido nos meses de setembro e outubro de 2008 apresentou os seguintes momentos: visita à escola observação em sala de aula e interação com as crianças a partir de dinâmicas contação da história A bruxa Salomé discussão do conto e encenações improvisadas Os dados foram registrados em áudio e vídeo As encenações improvisadas são constituídas de micropeças nas quais as crianças elaboraram diálogos a partir de sete situações desencadeadoras sendo duas livres sem instrução da pesquisadora e cinco atividades direcionadas A partir dessas encenações improvisadas levantamos um corpus de nove micropeças cujos principais objetivos foram analisar a introdução do tópico discursivo as estratégias de reformulação para retomá-lo e as repetições utilizadas para a progressão tópica no processo de construção coletiva de um texto oral A leitura de nossos dados evidenciou que os participantes introduziram o tópico discursivo utilizaram estratégias textuais com intuito de reformular e retomar o tópico apropriaram-se de elementos socioculturais como marcas de autoria para progressão textual Esses resultados asseguraram que o uso da linguagem impulsiona o seu desenvolvimento e que a instituição escolar constitui-se um ambiente fértil ao desenvolvimento da oralidade uma vez que dispõe de um potencial para a ampliação discursiva linguística lúdica e criativa Neste aspecto as atividades teatrais corroboram para um progresso na aprendizagem por meio da inclusão da arte na educação

Através deste trabalho de pesquisa, pretende-se apresentar uma análise sobre a representação do desenvolvimento tecnológico na dramaturgia de Bertolt Brecht na peça teatral “A Vida de Galileu Galilei”. Na primeira parte, apresenta-se o panorama histórico do século XX, tema que serve como base ao assunto tratado. Na segunda parte do trabalho, apresentam-se as referências que articulam a tecnologia como tema político, no âmbito do período analisado. Por último, a análise refletirá sobre a relação social da tecnologia com a sociedade no decorrer do século XX, investigando a hipótese de que a tecnologia faz parte da ideologia social hegemônica mas pode ser usada também pela militância cultural e democrática. A peça analisada retrata o início da Ciência moderna, e evidencia como desde o seu início a ciência nunca foi imparcial frente aos conflitos ideológicos e sociais. Portanto, analisar a peça e colocá-la no contexto da história contemporânea permite entender a relação da tecnologia com a linguagem e com a estética no escopo de cada período. / In this research work we intend to present an analysis on the representation of technological development in the dramaturgy of Bertolt Brecht. In the first part of this work the 20th century will be presented as the historic base for this study. The second part will reflect on the social relation between technology and society throughout the 20th century, an era in which technological rationality cursed the paths of History. At last, the analysis will be made taking for model the play “Life of Galileo”. The play takes as a scenario the initial phase of the Modern Age, making it clear that Science has never been neutral to ideological and social conflicts. Therefore, making an analysis of this play and putting it in comparison with the events of Contemporary History allows us to understand the relation between technology, language and aesthetics in the scope of each historic period that is analyzed in this work.