Tendo em vista as formas de interação entre os sujeitos e os audiovisuais ficcionais interativos, esta pesquisa teve como objetivo geral a elaboração de diretrizes para a criação de roteiro cinematográfico ficcional multilinear interativo com base na potencialização da experiência estética do espectador. Com o avanço dos aparatos tecnológicos e as inovadoras possibilidades, o iCinema (cinema interativo) ganha maior força e conquista os espectadores quanto à imersão e à participação no processo de decisão da trajetória da história. A partir disso, foram traçados alguns objetivos específicos teóricos: estudar a experiência estética gerada na recepção da narrativa cinematográfica; compreender o fluxo motivacional e o papel dos dispositivos na construção da mise-én-scène; verificar as etapas da construção de um roteiro cinematográfico clássico e a possibilidade de construção multilinear; e explorar métodos multimetodológicos para a pesquisa. Com relação aos objetivos específicos práticos, buscou-se: co-produzir um roteiro de curta-metragem cinematográfico ficcional interativo; realizar um estudo de recepção com profissionais da área audiovisual a partir do roteiro criado; entender a relação dos espectadores com narrativas multilineares e interativas; entender os dispositivos cinematográficos com vistas a potencializá-los na criação do roteiro; e criar diretrizes para a elaboração de roteiros interativos. O crescimento das possibilidades criadas pelos filmes pode ser percebido na ampliação das narrativas fílmicas e nos diversos movimentos propiciados por esta mídia, gerando múltiplas sensações e a intensificação das emoções. Neste contexto, buscou-se responder à seguinte pergunta de pesquisa: como construir uma narrativa cinematográfica ficcional multilinear a partir de dispositivos cinematográficos contemporâneos, fazendo com que o espectador vivencie uma experiência extraordinária? Para responder aos objetivos da pesquisa traçou-se um plano multimetodológico (BAUER, GASKELL, 2008), compreendendo abordagens qualitativa, quantitativa, pesquisas bibliográficas, documentais e empíricas (MERRIAM, 1998; MERKLE, 2000). A abordagem junto aos espectadores teve a participação de 24 pessoas, homens e mulheres, entre 20 e 39 anos, fluentes em internet e novas mídias. O roteiro de curta-metragem cinematográfico multilinear interativo foi criado por Raul Inácio Busarello e Patricia Bieging. O estudo de recepção (JACKS; ESCOSTEGUY, 2005) teve a participação de sete especialistas em produção audiovisual. Verificou-se que a multilinearidade das estruturas colabora com o iCinema e convida o espectador, que espera ser surpreendido, a assumir papéis importantes para o desenvolvimento da narrativa. Evidenciou-se que o gerenciamento da interatividade é o ponto chave do iCinema e um desafio para os roteiristas e para os produtores. Estas desafiadoras experiências permitem maior interação e, até mesmo, imersão e profunda vivência dos sujeitos frente à narrativa. Possibilita, inclusive, a interferência em seu fluxo narrativo, fazendo com que a obra seja reformulada de acordo com as escolhas do espectador. Em resposta à pergunta de pesquisa foram elaborados quatro grupos de diretrizes, que se subdividem, visando à criação de roteiros cinematográficos multilineares interativos, sendo: 1) foco nas estratégias de potencialização da experiência do espectador, subdividido em: criação da narrativa, captura da atenção, realismo da narrativa, personagens e self-experience; 2) dispositivos estratégicos e gerenciamento interativo; 3) gerenciamento das ramificações, subdividido em: manutenção do fluxo, teasers e inatividade do espectador; 4) condução do fluxo narrativo. / Considering the forms of interaction between subjects and interactive fictional audiovisual means, this study aimed at elaborating guidelines to create an interactive multilinear fictional movie script based on boosting spectators\' aesthetic experience. With the advances in technologies and the innovative possibilities they ensue, iCinema has been gaining momentum and conquering spectators as to its immersion and participation in decision-making processes for the plot. From this scenario, specific theoretical objectives were also outlined: to study the aesthetic experience generated from the reception of a movie narrative; to understand motivational flow and the role of devices in building the mise-én-scène; to verify the stages in a classic movie script writing and possibilities for multilinear writing; and to explore multi-methodological methods for the study. Specific practical objectives included: to co-produce an interactive fictional short film script; to study its reception with audiovisual professionals; to understand the relation between spectators and interactive multilinear narratives; to understand the cinema devices and boost their functions in script writing; and to create guidelines to write interactive scripts. The increasing possibilities created by film can be perceived by the broadening of film narratives, and by several movements enabled by such medium, thus generating a multitude of sensations and intensified emotions. In this context, the research question guiding this study was: how can one build a multilinear fictional filmic narrative from contemporary cinema devices in order that spectators have an extraordinary experience? In order to fulfill the objectives of this study, a comprehensive multi-method plan (BAUER, GASKELL, 2008) was devised to approach qualitative, quantitative, bibliographic, documental, and empirical aspects of research (MERRIAM, 1998; MERKLE, 2000). Spectator approach involved 24 participants, men and women with ages between 20-39 that were literate in new media and the Internet. The interactive multilinear short film script was written by Raul Inácio Busarello and Patricia Bieging. The reception study (JACKS; ESCOSTEGUY, 2005) was performed with 7 audiovisual production specialists. It was possible to verify that structural multilinearity collaborates with iCinema and invites spectators, who expect surprises, to take on important roles to develop the plot. It was evident that managing interactivity is the key point in iCinema, and it poses a challenge for screenwriters and producers alike. These challenging experiences allow for greater interaction, and even immersion and profound dedication of subjects to the narrative. It even allows for interference in narrative flow, enabling reformulation of the film according to spectator choices. In response to the research question, 4 groups of guidelines were elaborated and subdivided for the creation of interactive multilinear screenplays, namely: 1) focus on spectator experience boost strategies: narrative creation, attention capture, narrative realism, characters, and self-experience; 2) strategic devices and interactive management; 3) branch management: flow maintenance, teasers, and spectator inactivity; and 4) narrative flow and pacing.

Submitted by Ivo Junior (side_amaral@hotmail.com) on 2019-01-02T12:57:58Z No. of bitstreams: 1 TESE - IVO DI CAMARGO JUNIOR - VERSÃO FINAL APROVADA - 2019.pdf: 2927688 bytes, checksum: 30489fdb3501415940b810da1e9b3a61 (MD5) / Rejected by Eunice Nunes (eunicenunes6@gmail.com), reason: Bom dia Ivo, Verificamos que faltou enviar a Carta comprovante assinada pelo orientador. Por favor, solicite o modelo em sua Secretaria de Pós-graduação, preencha e colete a assinatura com o orientador e acesse novamente o sistema para fazer o Upload. Fico no aguardo para finalizarmos o processo. Abraços Eunice on 2019-01-21T13:52:05Z (GMT) / Submitted by Ivo Junior (side_amaral@hotmail.com) on 2019-01-21T15:02:21Z No. of bitstreams: 2 TESE - IVO DI CAMARGO JUNIOR - VERSÃO FINAL APROVADA - 2019.pdf: 2927688 bytes, checksum: 30489fdb3501415940b810da1e9b3a61 (MD5) CARTA ORIENTADOR - APROVAÇÃO.pdf: 190730 bytes, checksum: 17f41132e6ae8f9abd30cd53173945c0 (MD5) / Approved for entry into archive by Eunice Nunes (eunicenunes6@gmail.com) on 2019-01-21T19:30:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 TESE - IVO DI CAMARGO JUNIOR - VERSÃO FINAL APROVADA - 2019.pdf: 2927688 bytes, checksum: 30489fdb3501415940b810da1e9b3a61 (MD5) CARTA ORIENTADOR - APROVAÇÃO.pdf: 190730 bytes, checksum: 17f41132e6ae8f9abd30cd53173945c0 (MD5) / Approved for entry into archive by Eunice Nunes (eunicenunes6@gmail.com) on 2019-01-21T19:36:57Z (GMT) No. of bitstreams: 2 TESE - IVO DI CAMARGO JUNIOR - VERSÃO FINAL APROVADA - 2019.pdf: 2927688 bytes, checksum: 30489fdb3501415940b810da1e9b3a61 (MD5) CARTA ORIENTADOR - APROVAÇÃO.pdf: 190730 bytes, checksum: 17f41132e6ae8f9abd30cd53173945c0 (MD5) / Made available in DSpace on 2019-01-21T19:37:06Z (GMT). No. of bitstreams: 2 TESE - IVO DI CAMARGO JUNIOR - VERSÃO FINAL APROVADA - 2019.pdf: 2927688 bytes, checksum: 30489fdb3501415940b810da1e9b3a61 (MD5) CARTA ORIENTADOR - APROVAÇÃO.pdf: 190730 bytes, checksum: 17f41132e6ae8f9abd30cd53173945c0 (MD5) Previous issue date: 2018-12-11 / Não recebi financiamento / This thesis aims to bring together some of the various concepts of Mikhail Bakhtin's broad range of studies and to correlate them with film language. On the studies carried out in a broad and unorganized manner completely by Robert Stam, a North American researcher dedicated to both Bakhtin and cinema, both as aesthetics and as language, we developed the junction of theories in a dialogical work. In this thesis we bring together the most diverse forms of expression of Bakhtinian thought and try to exemplify them, to demonstrate them, to give them a more understandable form of understanding, using the cinematographic language as another in this intellectual theoretical dialogue. Knowing that cinema and its language were never the intellectual goal of Bakhtin, we approach his theory in a dialogical way, in the pursuit of cinema as alterity. It was observed the polyphony present in the cinematographic works and of Mikhail Bakhtin, among other possible dialogues. A study was developed which sought to further enrich Bakhtinian studies in our country and which is presented as a thesis that addresses the dialogue, understanding and convergence between the forms of study, with a common objective, to demonstrate the feasibility and of Bakhtinian concepts in a living, multidisciplinary and dialogic art that is cinema. / Esta tese tem como objetivo oferecer suporte para relações dialógicas entre a ampla rede de conceitos desenvolvidos por Mikhail Bakhtin e a linguagem cinematográfica, ao discutir, operacionalizar e reunir, ética e esteticamente, a obra bakhtiniana a um grupo variado de filmes. Para isto, partimos da experiência comprovada do pesquisador estadunidense Robert Stam e seus estudos sobre cinema e Bakhtin, com o qual se buscou estabelecer diálogo para o desenvolvimento de um trabalho dialógico tanto como linguagem quanto esteticamente na busca de desenvolver em maior grau ideias que o pesquisador ofereceu como proposta, porém não como análise profunda. Dessa forma, buscou-se também expor nesta tese as mais variadas formas de expressão do pensamento bakhtiniano de modo a exemplificá-los, comprová-los e dar-lhes uma forma de entendimento sempre buscando a compreensibilidade dentro da linguagem cinematográfica, assumindo relação de alteridade para com esta dentro do diálogo intelectual. Ao considerar que o cinema e sua linguagem não foram objeto de análise ou pesquisa de Bakhtin, tendo sido somente objeto de entretenimento para o mesmo, esta tese se propõe dialogicamente relacionar sua teoria junto à linguagem cinematográfica em relação clara de alteridade, observando a polifonia presente nas obras fílmicas e outros conceitos como carnavalização, dentre outros possíveis. Por fim, desenvolveu-se um trabalho que buscou enriquecer o legado intelectual de Mikhail Bakhtin e seu círculo em nosso país, propondo uma tese sobre o diálogo, o entendimento e as convergências entre as formas de estudo realizadas, com o objetivo de comprovar a viabilidade e atualidade dos conceitos do filósofo russo em uma arte viva, multidisciplinar e dialógica que é a sétima arte ou o cinema.

La thèse porte sur l’adaptation cinématographique d’une œuvre littéraire considérée comme inadaptable, Le Hussard sur le toit de Giono, paru en 1951. Le roman de Giono et le film de Jean-Paul Rappeneau, sorti en 1995 et portant le même titre sont tous les deux une représentation fictionnelle d’un passé historique. Le roman et le film racontent l’histoire d’un exilé politique italien qui se conduit en héros généreux lors d’une épidémie de choléra au XIXe siècle en France, mais ils utilisent des codes différents et ont chacun des éléments constitutifs spécifiques. Notre démarche a eu pour but de savoir quelles sont les logiques respectives du récit romanesque et du récit cinématographique. Pour cela, après avoir défini l’adaptation, nous avons situé le roman et sa signification dans l’oeuvre de l’auteur, puis nous avons dégagé les caractéristiques de l’univers romanesque de Giono, qui écrit souvent à la manière d’un cinéaste. Nous avons étudié le film du point de vue des étapes successives de sa réalisation, du scénario au tournage et au montage, en montrant quelles étaient ses techniques et comment la diffusion a été faite. Nous avons ainsi montré qu’il y avait plusieurs transcodages du texte au film. Nous avons comparé les deux récits et nous avons trouvé que le cinéaste doit répondre à des contraintes techniques, et structurer en fonction du médium filmique. Rappeneau fait des transformations et met en valeur l’histoire d’amour du roman, en conservant son esthétique. Il propose donc sa lecture de l’œuvre et son interprétation. Le cinéma permet de découvrir de nouvelles œuvres, celles qu’il réalise et aussi celles qu’il adapte. Il permet ainsi d’initier à la culture. Ces aspects sont très importants dans la transmission d’une langue, en particulier le FLE dans le contexte soudanais. C’est pourquoi nous proposons une exploitation didactique basée sur notre expérience à l’université. L’analyse littéraire et filmique sont des moyens pour transmettre et comparer la langue et la culture, faire connaître une société et renforcer la motivation dans une ambiance de plaisir. Ce sont des sources de connaissance et de savoir-faire. / The thesis is about the cinematographic adaptation of a literary work considered as inadaptable, The horse man on the roof published by Giono in 1951.The novel of Giono and the film of Rappeneau (released in 1995 with the same title) are both a fictional representation of a historical past.The novel and the film tell the story of an Italian political exile who behaves like a generous hero during a cholera epidemic in the nineteenth century in France. They use different codes and each have specific constituents.Our aim was to find out what are the respective logics of the fictional narrative and the cinematographic narrative. For this, after having defined the adaptation, we have located the novel and its meaning in the author's work, and then we have revealed the characteristics of the romantic universe of Giono, who often writes in the manner of a filmmaker. We studied the film from the point of view of the successive stages of its realization, from scenario to filming and editing, showing what were its techniques and how the diffusion was made.We thus showed that there were several transcodings of the text to the film. We compared the two stories and found that the filmmaker must respond to technical constraints, and structure according to the filmic medium.Rappeneau transforms and highlights the love story of the novel, while maintaining its aesthetic. He therefore proposes his reading of the work and his own interpretations. The cinema makes it possible to discover new works, those that it realizes and also those that it adapts. It allows initiating to culture. These aspects are very important in the transmission of a language, especially FLE in the Sudanese context.That is why we offer a didactic exploitation based on our experience at the university. Literature and film analysis are means to transmit and compare language and culture, to make a society known and it also reinforce motivation in an atmosphere of pleasure. They are sources of knowledge.

Submitted by JOSIANE SANTOS DE OLIVEIRA (josianeso) on 2017-06-05T16:27:22Z No. of bitstreams: 1 Maytê Ramos Pires_.pdf: 2905670 bytes, checksum: c4824756c93f3e47c8bc0e1074a0838a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-05T16:27:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maytê Ramos Pires_.pdf: 2905670 bytes, checksum: c4824756c93f3e47c8bc0e1074a0838a (MD5) Previous issue date: 2017-03-30 / CNPQ – Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / Esta pesquisa teve como objetivo geral investigar e compreender os processos de debate nas sessões comentadas realizadas na Ocupação Pandorga e na Sala Redenção, pensados na perspectiva de construção da cidadania comunicativa cinematográfica. Os conceitos que fundamentaram a investigação, essenciais para a realização do diálogo com o empírico na construção da análise, foram: recepção de cinema, espacialidades, cinefilia, cidadania comunicativa pensada para âmbito da recepção cinematográfica, midiatização, mediações, apropriações midiáticas e cineclubismo. Na concretização da pesquisa, foi realizada uma contextualização de aspectos relativos à constituição do circuito de cinemas de Porto Alegre, particularizando aqueles onde se realizam debates, considerando vínculos com elementos relativos ao contexto cinematográfico mais amplo, cineclubes, ocupações urbanas e de modo específico, o cenário da Ocupação Pandorga e da Sala Redenção. A dimensão metodológica da investigação foi construída na promoção do diálogo entre os campos teórico e empírico, num ir e vir que levou a constantes mudanças na investigação até estabelecer seu núcleo no momento dos debates. Os procedimentos metodológicos trabalhados foram de pesquisas teórica, de contextualização e pesquisa da pesquisa. A pesquisa empírica foi conduzida a partir de observações de sessões comentadas de cinema e de entrevistas, de distintas modalidades. Os resultados obtidos na investigação indicam que ambos os espaços têm potencialidades na construção de ações cidadãs no campo do cinema e são apontadas sugestões para que tanto a Ocupação Pandorga quanto a Sala Redenção possam avançar na direção de sessões comentadas de cinema cidadãs, em termos de uma cidadania comunicativa pensada para o campo cinematográfico. / This research had as general goal to investigate and to understand the processes of debate in the commented sessions realized in Ocupação Pandorga and in Sala Redenção conceived into the perspective of the construction of a communicative cinematographic citizenship. The concepts that underpinned the investigation, essential for the realization of the dialogue with the empirical in the construction of the analysis, were: reception of cinema, spatialities, cinephilia, communicative citizenship thought for the scope of the cinematographic reception, mediatization, mediations, media appropriations and cineclubism. In the concretization of the research, a contextualization of aspects related to the constitution of the circuit of cinemas in Porto Alegre was carried out, particularizing those where debates take place, considering links with elements related to the wider cinematographic context, cineclubs, urban occupations and, specifically, Ocupação Pandorga and Sala Redenção scenario. The methodological dimension of the research was built on the promotion of dialogue between the theoretical and empirical fields, in a coming and going that led to constant changes in the research until it establishes its nucleus at the moment of the debates. The methodological procedures worked were of theoretical research, of contextualization and research of the research. The empirical research was conducted from observations of commented cinema sessions and occasional interviews, of different modalities. The results obtained in the investigation indicate that both spaces have potentialities in the construction of citizen actions in the field of cinema and suggestions are proposed in order that both Ocupação Pandorga and Sala Redenção can advance in the direction of commented sessions of citizen cinema, in terms of a communicative citizenship designed for the cinematographic field.

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:32Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luiz Gustavo Onisto de Freitas.pdf: 421965 bytes, checksum: 0a620bf0f13a606499a62e0b8e0c6be1 (MD5) Previous issue date: 2010-05-21 / This work is a study of cinema of the Swedish director Ingmar Bergman second point of view of the concepts of Danish philosopher Soeren Aabye Kierkegaard. According to an ethical axis common to both authors, it is observed how the cinematographic language used by Bergman presents important concepts of Kierkegaardian philosophy, like despair, anguish, faith and paradox / Este trabalho consiste em um estudo do cinema do diretor sueco Ingmar Bergman segundo o ponto de vista dos conceitos do filósofo dinamarquês Soeren Aabye Kierkegaard. De acordo com um eixo ético comum aos dois autores, observa-se como a linguagem cinematográfica utilizada por Bergman apresenta conceitos importantes da filosofia kierkegaardiana, como o desespero, a angústia, o paradoxo e a fé

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriel Menotti.pdf: 419831 bytes, checksum: ce2c6927b71ac11491ede1ac12489c85 (MD5) Previous issue date: 2007-06-25 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The subject of this research is film consumption and how it circumscribes the relation between spectator and image. What motivates our investigation is a certain delay in the cinematographic industry: even though film production has been expanded throughout history, benefiting from the new conditions of the image, the same hasn't occurred to film distribution and exhibition. In fact, these two links of the chain have become stiffer within the years, and cannot deal with all the potentials of a filmic work any longer. In the meantime, another circuit for audiovisual consumption has spinned off from the experiences of color music and light show: VJing, the screening of real-time generated, edited or composed video. Free from the constraints of an established industry, VJing is still open to the possibilities of emerging technologies. So, albeit it does not pose itself as a direct alternative to the movie theater, the VJing space (VJ arena) can give us clues about its development. The differences between both circuits become evident in the way by which their respective consumption spaces are organized as media and serve to the construction of meaning. So, in the light of the history of cinematographic screening, our work has the double objective of suggesting prototypes for a future movie theater, more coherent with the conditions of the digital movie, as well as establishing cinema as a paradigm for the study of VJing. In order to do so, we will confront classical theories of cinematographic fruition with the historical development of the screening spaces, having in mind some artistic experiences that insert themselves critically in the movie theater. That way, we aim to create an articulation between the concepts of cinema situation, mobilized virtual gaze and interface, in order to create a basis for the comparison between the conventional movie theater and the place of the VJing, as well as between the dynamics of audiovisual communication presupposed by each space / O objeto dessa pesquisa é o espaço de consumo do filme e a forma como ele circunscreve a relação entre espectador e imagem. O que motiva nossa investigação é um certo descompasso processual da indústria cinematográfica: enquanto a produção do filme se tornou mais complexa e se expandiu ao longo da história, aproveitando-se de novos estatutos da imagem, o mesmo não ocorreu com sua distribuição e exibição. A bem da verdade, essas duas etapas se enrijeceram com o passar dos anos, de modo que já não dão conta de todas as possibilidades de uma obra. Paralelamente, outro circuito de consumo audiovisual tem se desenvolvido a partir das experiências de color music e dos light shows: o VJing, a projeção de vídeo gerado, editado ou composto em tempo real. Livre dos constrangimentos da indústria estabelecida, o VJing ainda se encontra aberto a todas as possibilidades das tecnologias emergentes. Logo, embora não se ofereça como clara alternativa à sala de cinema, o espaço do VJing (VJ arena) pode dar pistas sobre seu desenvolvimento. A diferença entre ambos os circuitos se mostra evidente na forma pela qual seus repectivos espaços de consumo se organizam como mídias e se prestam à construção de sentido. Assim, à luz da história dos espaços de projeção cinematográfica, nosso trabalho tem o duplo objetivo de sugerir protótipos para uma futura sala de exibição, mais coerente com as condições do filme digital, ao mesmo tempo em que estabelece o cinema como paradigma para o estudo do VJing. Para tanto, confrontaremos a teoria clássica da espectação cinematográfica (segundo Metz e Mauerhofer) com o desenvolvimento histórico dos espaços de projeção, tendo em vista algumas experiências que se inserem de maneira crítica na sala de cinema. Com isso, buscaremos criar uma articulação entre os conceitos de situação cinema (Hugo Mauerhofer), olhar virtual mobilizado (Anne Friedberg) e interface (segundo a semiótica de Lev Manovich), de forma a criar bases para a comparação entre a sala de cinema convencional e o lugar do VJing, e as dinâmicas de comunicação audiovisual pressupostas por cada espaço

En partant et en s'appuyant sur l’approche de Walter Benjamin et la question d’aura dans l’œuvre cinématographique, cette thèse se propose d'analyser deux films tunisiens, «Les silences du palais" de M. Tletli et "Baba Aziz" de N. Khmir. Le choix d'un tel corpus repose sur des exigences auratiques dans le mode d'appréhension des deux cinéastes, notamment dans leurs approches esthétiques, explorant tous les systèmes formels dans un ordre sensible où reigne le visible et le sonore dans une parfaite harmonie. En tenant compte des aspects formels des deux films, l'on a essayé de les décomposer à travers les différentes séquences où l'on a noté que ces analyses sont sensiblement orientées par l’adaptation du concept de «l'aura» dans un sens de mise en jeu entre absence/présence. Nous proposons une relecture que nous espérons originale, mettant les deux films à l’épreuve de nouveaux égards. Au fond, les analyses dans ce travail ont pour objectif de voir dans quelle mesure la question auratique dicte la mise en scène des deux cinéastes du corpus, malgré les exigences techniques et artistiques qu'impose la praxis filmique. Aussi, il est bien question de montrer la pluralité des codes auratiques et l’importance de déchiffrement dans l'approche analytique de la séquence cinématographique. / Based on Benjamin Walter‘s approach and the question of aura in cinematographic works, this thesis aims at analyzing two Tunisian films “the Silences of the Palace” directed by M. Tletli and “Baba Aziz” by N. Khmir. The selection of the two films stems from an aura of expectations within the two filmmakers’ apprehension and more specifically their aesthetic approaches which explore in a sensitive manner all the formal systems, and where the visual and acoustics reign in perfect harmony. Taking into account the formal aspects of these two films, a thorough analysis of different sequences where the question of aura is identified and the issue of presence and absence is brought into play. This new reading is hopefully to be original for further considerations. Indeed the aim of this work is to see how far the question of aura within the two filmmakers predetermines direction in spite of the technical and artistic requirements dictated by filmmaking. It is also of paramount importance to show the different aura codes and the decoding strategy in the analytical approach of cinematographic sequences.

Esta dissertação consiste em uma investigação sociológica do cinema de Amácio Mazzaropi (1912-1981). Para realizá-la, foram estabelecidos alguns passos. Primeiramente, procurei reconstituir a trajetória social e a formação artística de Mazzaropi, figura de origens sociais desprivilegiadas, migrante, com passagens por teatro popular, rádio, televisão e cinema. Em um momento decisivo de implantação da indústria cultural no Brasil, entre as décadas de 1940 e 1980, com a importação de tecnologias, profissionais e linguagens dos centros estrangeiros, ele apresentou as credenciais necessárias para constituir-se em figura de destaque na estruturação da indústria cultural nacional. Em seguida, por meio de um exercício de reconstituição das condições do campo cinematográfico brasileiro de 1950 a 1980, procurei encontrar os fundamentos da formação dos juízos críticos relativos à filmografia de Mazzaropi. Seu cinema popular-massivo, composto por uma hibridação de elementos da cultura popular regional e da cultura de massa, não teria aceitação entre os agrupamentos críticos estabelecidos de seu tempo (independentes, esteticistas, cinemanovistas, marginais, entre outros), interessados em projetos políticos e estéticos distintos para o país, que vivia os intensos anos do nacional-desenvolvimentismo. Na sequência, proponho uma análise de diferentes momentos da filmografia de Mazzaropi, interessado em identificar as escolhas estéticas (formais, narrativas, conteudísticas) que estariam na base de um estilo particular de se fazer cinema. Para além do estigma da redundância que envolve os filmes do cineasta, acredito ser possível encontrar variações significativas ao longo do tempo em sua obra, possivelmente relacionadas às mudanças históricas vivenciadas por ele e as frações de público que lhe eram leais naquele momento. E por fim, procurei fornecer uma contribuição ao entendimento do notório sucesso de público do cineasta durante todos seus anos de atividade. Lotando anualmente as salas de cinema, ele fazia com que os críticos replicassem na mesma toada os questionamentos em relação às motivações de seus espectadores. Por meio de depoimentos colhidos de idosos que assistiram a seus filmes naqueles anos, esbocei algumas interpretações possíveis, tendo em vista a compreensão da relação particular que o cineasta teria estabelecido com seu devotado público. / This dissertation consists in a sociological investigation of Amácio Mazzaropis (1912-1981) cinema. To carry it out, some steps were stablished. First, I managed to reconstitute Mazzaropis social trajectory and artistic formation, character of undeprivileged social origins, migrant, with experiences in popular theatre, radio, television and cinema. In a decisive moment of the implantation of the cultural industry in Brazil, between the 1940s and the 1980s, with the importation of technologies, professionals and languages of foreign centres, he presented the credencials needed to stand out during the structuration of the national cultural industry. Secondly, through an exercise of reconstitution of the conditions of the brazilian cinematographic field between 1950 and 1980, I sought to analyse the fundaments of the formation of the critical reception of Mazzaropis filmography. His popular-massive cinema, consisting of a hybridisition between elements of the regional popular culture and of the mass culture, wouldnt be accepted between the established critical groupings of his time (independentes, esteticistas, cinemanovistas, marginais, among others), interested in distinct political and aesthetical projects for the country, that experienced the intense years of the national-developmentism. Next, I suggest an analysis of different moments of Mazzaropis filmography, interested in identifying the aesthetical choices (form, narrative, content) that would be the basis of a particular style of making movies. Besides the stigma of redundancy attached to the filmmakers movies, I believe it is possible to find meaningful variations throughout the years in his work, possibly related to the historical changes experienced by him and the audiences fractions that were loyal to him at that time. Finally, I tried to offer a contribution to the understanding of the filmmakers major public success throughout all his years of activity. Filling anually the movie theaters, he made the critics repeat at the same pace the interrogations regarding the motivations of his spectators. Through testimonies gathered from aged people that have watched his movies in those years, I sketched some possible interpretations bearing in mind the comprehension of the particular relationship that the filmmaker has established with his loyal audience.

Ce mémoire propose une analyse de la collaboration à l’intérieur de projets cinématographiques dans l’œuvre de Pierre Perrault. Comme la collaboration entre cinéaste et participants soulève des questions éthiques, cette recherche étudie deux films pivots dans la carrière de ce cinéaste soit Pour la suite du monde et La bête lumineuse. Tout en contrastant le discours du cinéaste avec celui d’un protagoniste nommé Stéphane-Albert Boulais, cette étude détaille les dynamiques de pouvoir liées à la représentation et analyse l’éthique du créateur. Ce mémoire présente une description complète de la pensée de Pierre Perrault, ainsi que sa pratique tant au niveau du tournage que du montage. Cette étude se consacre à deux terrains cinématographiques pour soulever les pratiques tant au niveau de l’avant, pendant, et après tournage. Ce mémoire se penche ensuite sur Stéphane-Albert Boulais, qui grâce à ses nombreux écrits sur ses expériences cinématographiques, permet de multiplier les regards sur la collaboration. Après une analyse comparative entre les deux terrains cinématographiques, ce mémoire conclut sur une analyse détaillée de l’éthique du créateur à l’intérieur de projets collaboratifs. / This research presents an analysis of collaboration in Pierre Perrault’s film projects. Since collaboration between filmmaker and participants raises ethical issues, this research examines two pivotal films in Perrault’s career: Pour la suite du monde and La bête lumineuse. Contrasting the filmmaker’s discourse with that of Stéphane-Albert Boulais, a protagonist in one of the movies, this study details the power dynamics linked to representation and analyzes the filmmaker’s ethics. This research presents a full description of Pierre Perrault’s approach to filmmaking, as well as his practice in both shooting and editing the movies. It focuses on two film locations to highlight Perrault’s practices before, during and after the shooting of these movies. It then looks at Stéphane-Albert Boulais, whose many writings documenting his filmmaking experiences, provides multiple views on collaboration. Following a comparative study of both film locations, this research concludes with a detailed analysis of Perrault’s ethics within the framework of collaborative projects.

Esta pesquisa instaurou investigação a respeito do estabelecimento do processo poiético pictórico aqui considerado, elaborado em meio à situação contemporânea do campo da pintura. A premissa foi a de que uma pesquisa em poéticas visuais deve contemplar os meandros de sua própria construção – ou seja, sua poiética – concomitantemente a essa construção. Ou seja, os estudos e análises foram guiados pelos desdobramentos da poiética e, simultaneamente, forneceram seus parâmetros para a continuidade desses desdobramentos. Assim, construiu-se uma pintura que se dá de modo lento e manual, e que tem como seu ponto de partida a tentativa da fiel cópia visual de uma imagem videográfica apropriada, que é projetada sobre a tela, na escuridão, pelo slide fotográfico. Por conta da lentidão e da demora da feitura, o slide fotográfico degrada-se nesse decorrer. Essa contingência foi nomeada como rarefação e, assim, no princípio da pesquisa, partiu-se da hipótese de que esse era o fator responsável por conferir o aspecto esmaecido que, entre outros aspectos da fatura pictórica, distancia a imagem pintada da original. A captação dessa imagem inicial, invariavelmente, registra a exibição no vídeo de um frame oriundo de um filme cinematográfico. Portanto, o trabalho efetua um amálgama resultante dessas traduções imagéticas, mas sem fundilas totalmente, o que caracteriza uma relação de mestiçagem. Dessa maneira, a pesquisa contemplou, ainda, uma aprofundada abordagem analítica dessas mídias, seus suportes e suas normas de apresentação visual no que tange à definição da imagem bidimensional, na medida em que isso pôde atender a compreensão e o desenvolvimento da construção da fatura pictórica específica deste trabalho. A pintura envolve uma feitura que é operada pelo tato, utilizando-se apenas de pincéis e tinta acrílica, copiando-se ponto a ponto da retícula videográfica, em camadas de cores puras aplicadas de forma metódica e isoladas entre elas. Trata-se de uma prática laboriosa que leva, literalmente, centenas de horas em ateliê. Essa maneira vagarosa de proceder é norteada por uma temporalidade que difere deliberadamente da imediatez própria ao mundo urbano atual e a seus inúmeros dispositivos – mediadores de tarefas, afazeres e comunicações humanas. E é isso que constitui e caracteriza o núcleo conceitual desta pesquisa e define um modo de agir inerente ao – e indissociável do – seu problema principal, de seus objetivos e de sua metodologia. / This research began with an investigation on the establishment of the pictoric poietic process here considered, elaborated amid the contemporary painting field. The premise was that a research on visual poetics must contemplate the intricacies of its on construction – in other words, its poietic – concomitantly to this construction. In other words, the studies and analysis were guided by the poietic developments, and, simultaneously, provided their parameters to the continuity of these developments. Thus, a painting made in a very slow and handmade process was constructed, having its starting point on the attempt of a faithful visual copy of an appropriated videographic image which is projected on a canvas, in the darkness, by the photographic slide. Due to the slowness and delay in the making, the photographic slide disintegrates itself during this process. This contingent was named as rarefaction and, thus, the research began with the hypothesis that this was the responsible factor for a dimmed appearance that, among other aspects of the pictorial development, distances the painted image from the original. This initial image capture, invariably, records the display on the video of a frame coming from a cinematographic film. Therefore, this work makes an amalgam resulted from this imagetic translations without completely merging them – in a crossbreeding relation. Thus, this research also contemplated a deeper approach on the analysis of these media and visual presentation standards regarding the definition of the two-dimensional image, to the extent that it could meet the understanding and development of this work specific pictorial development. This painting involves a making process that is handmade operated, using only brushes and acrylic paint, copying, dot to dot, from the videographic reticle in layers of primary colors applied methodically and isolated between them. It is a laborious practice that leads to literally hundreds of hours in the studio. This slow proceeding way is guided by a temporality that deliberately differs from the immediacy of the urban world and its many current devices - mediators of tasks, duties and human communications. What, thereby, constitutes and characterizes the conceptual core of this research, and sets a course of action inherent in and inseparable from its main problem, its objectives and methodology.