Cette thèse porte sur le renouvellement du réalisme dans la production narrative espagnole des années 2000, à partir d’un corpus de quatre romans, et se demande : en quoi consiste l’esthétique réaliste actuelle, quelle est son épistémologie et quel lien entretient-elle avec d’autres discours de savoir ? Quel rôle jouent les récits réalistes dans la configuration des imaginaires sociaux, alors que sont remis en question l’héritage de la transition démocratique et le récit de la modernisation espagnole ? Sont d’abord examinées les conditions de possibilité historiques, socio-économiques et culturelles d’un renouveau du réalisme – cartographié dans le champ littéraire des vingt dernières années. Hypothèse centrale : le réalisme ressurgit du fait que les débats de mémoire historique depuis 2000 et la crise économique, sociale et politique depuis 2008 engagent une révision du mythe de la Transition et du projet de la modernité qui structurait les imaginaires sociaux espagnols depuis les années 1960. Trois parties proposent des études de poétiques réalistes, en diachronie et en synchronie, pour mettre en valeur l’évolution des modes de référentialité réalistes entre le début des années 2000 et le début des années 2010, avec la crise de 2008 et ses prémices pour point d’inflexion. La première partie porte sur deux romans (Antonio Muñoz Molina, Sefarad, 2001 et Ignacio Martínez de Pisón, Enterrar a los muertos, 2005) qui dialoguent avec la fabrication sociale de documents et l’historiographie pour réinterpréter la guerre de 1936, de la dictature et de la transition. Les deuxième et troisième parties (Rafael Chirbes, Crematorio, 2007, et Isaac Rosa, La mano invisible, 2011) analysent l’élaboration d’un récit collectif de l’Espagne développementaliste, à l’aube de la crise, par des romans qui dialoguent avec la théorie économique et la sociologie historique. Au carrefour du littéraire, des discours sociaux, de l’histoire et de la sociologie contemporaine de l’Espagne, cette thèse soutient que la réappropriation du réalisme dans les années 2000 participe à la remise en question d’une identité nationale démocratique et moderne, au resurgissement d’une réalité problématique et d’imaginaires sociaux paramodernes après l’écroulement du métarécit d’une transition modèle. Si les romans cherchent tous à prendre en charge le réel social selon ses représentations, ils se différencient par leur traitement de la question politique de ce que « réel » veut dire, par le choix du chemin selon lequel le décrire, et par l’évaluation de la nature des causes historiques et matérielles de la réalité qu’habitent les écrivains. / This thesis studies new forms of realism in Spanish prose in the 2000s, from a corpus of four novels. It contemplates what makes the contemporary reality aesthetic, what its epistemology is, and what links it bears to other forms of knowledge. What roles do realist narrations play in the configuration of social imaginaries, when the heritage of the democratic transition and the narration of Spanish modernisation are called into question? We first examine the conditions of historical, socio-economic and cultural possibilities of a renewal of realism, which is mapped throughout the literary field of the last twenty years. The central hypothesis is that realism springs back up from the fact that debates around historical memory in the 2000s, and since 2008, the economic, social and political crisis prompt the revision of the transition myth and the project of modernity which had been structuring Spain’s social imaginaries since the 1960s. Three parts offer different studies of realist poetics, diachronically and synchronically, to highlight the evolution of the modes of realist referentiality between the start of the 2000s and the beginning of the 2010s, the crisis of 2008 and its beginning as an inflexion point. The first part tackles two novels (Antonio Muñoz Molina, Sefarad, 2001 and Ignacio Martínez de Pisón, Enterrar a los muertos, 2005), which discuss the social fabrication of documents and historiography to reinterpret the 1936 war, the dictatorship and the transition. The second and third parts (Rafael Chirbes, Crematorio, 2007, and Isaac Rosa, La mano invisible, 2011) analyse the elaboration of a collective narrative of developmental Spain, at the dawn of the crisis, through novels which interact with the economic theory of liberalism and historic sociology. At the crossroads of literary studies, social discourse, history and the contemporary sociology of Spain, this thesis argues that the appropriation of realism in the 2000s questions a national identity that is democratic, modern, and takes part in the reappearance of a problematic reality after the meta narration of a model transition collapsed. If the novels all try to tackle the social reality according to its representations, they differ through what « reality » means to them, through the nature of its historic and material causes, and through the ways they describe it.

Joseph Cornell (1903-1972) est un artiste américain très connu dans son pays mais peu étudié en Europe. Le catalogue raisonné de son œuvre n'est toujours pas établi à ce jour. <p><p>Tout au long de sa vie, ses sources d'inspiration sont intimement liées à la femme. Cette thèse souhaite aller plus loin que les études existantes: d'une part en envisageant la femme dans tous ses rôles (danseuse, diva, écrivaine, amie, starlette,) et d'autre part, en étudiant la série qui lui est consacrée. Ce regard minutieux sur les variations au sein d'une série est l'un des points forts et totalement inédits de cette thèse. Il permet d’observer le renouvellement de l’obsession et le goût pour la collection, au sens où Baudrillard l’entend.<p><p>En première partie, l'angle d'approche consiste à observer, les stratégies de l'artiste qui tente de s'approprier la femme par la mise en boîte, en bouteille, en dossier, <p><p>En deuxième partie, nous observerons la manière dont il installe une distance qui permet à la muse de rester inaccessible – au sens romantique voire nervalien du terme. La distance peut-être d'ordre surnaturel: la femme prend alors les traits d'une fée ou d'une sylphide ;temporelle (la muse est imaginée enfant) ;spatiale (la muse prend vie sous forme de constellation). Autre stratégie d'évocation: "le portrait sans visage" où le corps de la muse est totalement absent, seul « un objet symbolique) fait référence à la femme désignée. Il peut s’agir d’une chambre ou d’une lampe de mineur pour évoquer Emily Dickinson ou une poupée pour évoquer La Belle au Bois dormant. Vers la fin des années cinquante, Cornell réalise des « boîtes-mémoriaux » en hommage à des jeunes trop tôt disparues. <p><p>La troisième partie tente d’étudier comment Cornell « transcende » l’idée de mort. <p><p>Enfin, en quatrième partie, nous dresserons un bref inventaire des collages des années soixante ayant comme thème central le nu féminin. Cornell quittant un matériel « nostalgique » afin de « charge d’innocence » des images qu’il considère comme érotiques.<p> <p><p>Cette étude s'appuie, entre autres, sur une vingtaine d'œuvres analysées qui n'ont jamais été publiées, une trentaine d'autres qui n'ont jamais été commentées. Plus d'un tiers des œuvres choisies bénéficient d'une recherche de sources totalement inédites, se voyant ainsi placée sous un nouveau regard interprétatif. Et enfin, les œuvres sont mises en rapport avec les sources littéraires qui les ont nourries (Aurélia de Gérard de Nerval, Le Portrait de Jennie, la poésie d’Emily Dickinson, la biographie de Marilyn Monroe ou les écrits de Mary Eddy Baker, …). <p> / Doctorat en Histoire, art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

En 1966, le Black Power Movement, qui influence de nombreux mouvements sociaux de libération, signale un changement de paradigme dans l’activisme aux États-Unis désigné par la terminologie de « politiques de l’identité ». Si, en affirmant la nécessité d’une analyse politique des discriminations, celles-ci en appellent à de profonds changements dans la société, elles imprègnent aussi les arts visuels et génèrent des mutations importantes quant à la définition de l’art et au rôle de l’artiste aux États-Unis. En s’emparant des politiques de l’identité, les artistes incorporent leurs engagements dans leurs pratiques, créent des formes d’expression originales et remettent en cause la validité du canon. Par une étude de cas sur la Californie entre 1966 et 1990, combinée à une approche chronologique et comparative, ce travail de recherche explore les rencontres entre les arts visuels et les politiques de l’identité, et plus largement la relation entre art et politique dans un contexte culturel moins exploré que la scène artistique de New York, afin d’analyser en quoi elles s’avèrent essentielles pour saisir les pratiques artistiques postérieures et les discours sur les identités. Cette thèse en histoire de l’art, pour laquelle les études culturelles et les théories féministes ont constitué des apports fondamentaux, propose ainsi d’établir des convergences artistiques autour de thématiques liées à des problématiques centrales des politiques de l’identité et, dans le même temps, à souligner de nouvelles approches dans le domaine de l’art, de la politique et de la théorie / In 1966, the Black Power Movement, which influenced numerous other social liberation movements, signaled a paradigm shift in American activism designated by the term “identity politics.” By affirming the necessity for a political analysis of discrimination, identity politics called for profound changes in society, which also influenced the visual arts, resulting in important changes regarding the definition of art and the role of the artist in American society. By drawing on this new politics of identity, these artists incorporated activism into practice, creating original forms of expression and challenging the validity of the canon. This research project explores the encounters between visual arts and identity politics, as well as the broader relationship between art and politics, through a chronological and comparative case study of California from 1966 to 1990—a cultural context much less studied than the New York scene—in order to determine its importance for later artistic practices and discourses on identity. This thesis in Art History, to which cultural studies and feminism have made fundamental contributions, therefore proposes to establish artistic convergences around themes linked to the central premises of identity politics while at the same time highlighting new approaches in the fields of art, politics and theory

Cette thèse sur le changement des normes communicatives en allemand contemporain se positionne dans le paradigme explicatif du changement linguistique par Rudi Keller, connu sous le nom de « théorie de la main invisible ». L’objectif de recherche est de montrer par l’analyse de cinq faits « variants » que le changement des normes communicatives a lieu sous l’impulsion d’un désir des locuteurs germanophones contemporains de plus d’authenticité et de respect de l’autre. Cette mentalité communicative, héritée de la remise en cause sociétale par les mouvements contestataires de la fin des années 1960, conditionne les attentes des locuteurs germanophones dans la réception des discours publics en terme d’ethos et de positionnement éthique. Au corpus sur lequel sont effectuées les analyses linguistiques des cinq faits variants – les « mots à charge négative » (ou « belastete Wörter »), les néologismes euphémistiques, la neutralisation du genre, l’ethos des locuteurs politiques, le tutoiement d’adresse – composé de documents prescriptifs universitaires, de discours politiques, et de supports publicitaires de l’espace public allemand, s’ajoute un corpus de réception relevant du type épilinguistique, composé de métacommentaires de locuteurs non-spécialistes. L’étude révèle la parole des locuteurs ordinaires comme signe annonçant et accompagnant le changement linguistique. / This PhD dissertation focuses upon the change of communicative norms in contemporary German and positions itself on the explanatory paradigm of language change by Rudi Keller,also known as “the theory of the invisible hand”. My research aims at pointing out – through the analysis of five “variant” facts – that the change of communicative norms is driven by the desire of contemporary German native speakers for more authenticity as well as respect for the other. The communicative mentality inherited from the counter-culture movements in the late 1960’s that challenged society order influences German native speakers’ expectations towards the reception of public discourses in terms of ethos and ethical positioning. In addition to the corpus upon which the linguistic analyses of the five variant facts are carriedout – the “negative words” (or “belastete Wörter”), euphemistic neologisms, gender neutralisation, the ethos of politicians, being on first name terms with someone – which consists of prescriptive college documents, political discourses and the advertising supports ofthe German public space – , there is a reception corpus that amounts to epilinguistic type and is composed of metacomments from non-specialist speakers. The study brings the speech ofordinary speakers to the fore as a sign that announces and goes along with language change.

Depuis plus d’un siècle, la Grèce antique ne cesse d’éblouir philosophes et hommes de lettre en Occident. La tragédie occupe une place éminente dans cet émerveillement venu de l’Athènes du Ve siècle avant Jésus-Christ. C’est pour matérialiser cette fascination que ce théâtre a donné lieu à des interprétations de tout genre : philosophique, humaniste, politique et morale... Il s’agit de lectures idéologiques dont la tragédie en général et Sophocle en particulier a fait l’objet. Dans cette perspective, il importait d’effectuer un panorama des lectures de cette tragédie devenue un mythe contemporain. L’oeuvre de Sophocle a servi d’illustration à la visée idéologique d’un théâtre qui s’intégrait à l’origine dans le cadre des manifestations culturelles en l’honneur de Dionysos à Athènes. Y avait-il lieu d’universaliser et d’immortaliser ces interprétations, fruits de l’imaginaire occidental ? Fallait-il continuer la réincarnation des personnages de Sophocle qui aurait avec son Antigone et son OEdipe-roi réussi à élaborer des modèles inimitables de la tragédie et de l’existence de l’homme ? C’est pour questionner cette vision de Sophocle qu’il semble nécessaire d’exploiter les éléments esthétiques (chant, musique) de cette tragédie qui offrent de nouvelles pistes de réflexion en porte-à-faux avec la lecture idéologique observée dans la critique contemporaine. / For over a century the ancient Greek philosophers have amazed men of letters in the West. Since thefifth century BC tragedy as a genre has occupied a prominent place in Athens and through theatre this fascination has given rise to interpretations of all kinds: philosophical, humanistic, political and moral. These ideological readings of tragedy have most significantly focused on Sophocles. This dissertation offers a survey of these readings which have in time become contemporary myths. Sophocles’ works are ideologically embedded within cultural spectacle honoring Dionysus in Athens. Was it necessary to universalize and immortalize these western interpretations and reincarnate Sophocles’ characters, making Antigone and Oedipus Rex inimitable models of tragedy and mortal existence? This study proposes a critical reading of the Sophoclean vision of tragedy through an analysis of certain aesthetic elements (song, music) which allow a rethinking of the ideological readings observed in contemporary criticism

L’absence d’identité fictive repérable chez le personnage, dans une partie du théâtre contemporain, révèle l’être théâtral comme une figure indéterminée. Notre étude s’intéresse aux influences de cette mutation sur le jeu de l’acteur. Comment ce dernier procède au jeu en l’absence de caractérisation et de psychologie chez le personnage-figure ? Comment produit-il une image à un personnage qui ne possède plus une forme lisible et « visible » dans une didascalie ? Comment fait-il image d’une créature discontinue, intemporelle et invisible ? Comment compose-t-il des présences variées de lui-même sans exposer son individualité propre ? À partir des trois concepts philosophiques de « l’être-chair », « la manière d’être » et « La Présence Totale », nous analysons le jeu de l’acteur dans certains spectacles représentés en France entre 2005 et 2007, afin d’expliciter les différentes esthétiques de la mise en jeu du personnage-figure, et de montrer ainsi ce qui arrive quand la parole se donne à l’acteur et non plus au personnage. Dans le théâtre du personnage-figure, l’acteur ne joue pas un personnage mais joue avec le personnage. Ce dernier n'est plus un objet que nous puissions voir, mais c'est un acte que nous saisissons dans la présence totale de l’être-chair en ses différentes manières scéniques d’être. / The fact that, in some contemporary theatre, characters have no distinctive fictional identity indicates that the dramatic being is an indeterminate figure. This study is concerned with the effects of this development on actors’ performances. How can the actor begin to perform in the absence of any characterisation or psychology in the character-figure? How does he produce an image of a character that no longer possesses any readable or “visible” form in a stage directions? How does he embody a creature that is at once discontinuous, a-temporal and invisible? How does he produce a set of variations on his own presence without revealing his own individuality? Drawing on three philosophical concepts, “being-flesh”, “mode of being” and “total presence”, this study analyses actors’ performances in a number of productions put on in France between 2005 and 2007, in order to draw out the different aesthetics involved in playing a character-figure, and thus to show what happens when the word no longer belongs to the character but to the actor. In the theatre of the character-figure, rather than playing a character, the actor plays with the character. The character is no longer an object we observe, but an act we grasp in the total presence of its being-flesh in its various theatrical modes of being.

Mémoire en recherche-création / Le présent mémoire propose d’interroger la construction du récit médiatique dans la fable théâtrale contemporaine. D’abord par une fiction au dispositif épuré, mais au verbe cru et humoristique, la pièce de théâtre Transactions, puis par un essai sur la pièce de théâtre Rouge Gueule d’Étienne Lepage, nous désirons explorer les liens qui unissent le comique et la violence du langage, notamment par des affinités avec le mouvement britannique In-Yer-Face (Sarah Kane) et tels que mis de l’avant par un « personnage-réseau » porteur de discours, en écho à l’« impersonnage » de Jean-Pierre Sarrazac. En ce sens, nous avons convoqué les notions de dialogisme (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay), d’esthétique de la divergence (Hervé Guay), de polyphonie (Bakhtine) hétéromorphe (Hervé Guay) et de la mise à mal d’un conflit afin d’expliquer le renouvellement d’une esthétique dramaturgique tout à fait contemporaine, se rapportant à la Toile et dont le spectateur émancipé (Jacques Rancière) devient un actant principal par l’intermédiaire duquel le théâtre prend tout son sens. / This thesis aims to question the construction of the media narrative in the contemporary theatrical fable. First, by analyzing the play Transactions and its sober scenography, yet raw and humorous words, and subsequently examining Étienne Lepage’s Rouge Gueule, we will explore the links between the humor and violence of language. This includes the affinity with the British movement In-Yer-Face (Sarah Kane) as put forward by a "network-character" speech bearer in response to Jean-Pierre Sarrazac’s "non-character". Thus, this paper will study concepts including heteromorph (Hervé Guay) dialogism (Bakhtin), aesthetics of the divergence (Hervé Guay), heteromorph (Hervé Guay) polyphony (Bakhtine) and the redefinition of conflict in order to explain the replenishment of an aesthetic dramaturgy that is quite contemporary, relevant to the Web and in which the emancipated audience (Jacques Rancière) becomes a main actor through which the play takes on its full meaning.

« Apophatique » signifie « négatif » ou « par négation ». Le terme est principalement employé pour qualifier une forme particulière de théologie qui 1. ne peut rien dire de Dieu car énoncer une qualité serait lui ôter la qualité antinomique. Il est facile d'en comprendre la logique : dire que Dieu est grand c'est dire qu'il n'est pas petit ce qui est incompatible avec le fait de dire qu'il est tout. 2. consiste à énoncer ce que Dieu n'est pas : mauvais ou un chien, par exemples. Par exemple aussi, cette recherche n'est pas l'occasion d'une anthologie des meilleurs textes de théologie négative, mais la méthode – le scepticisme teinté de pensée logique et/ou mystique – n'est pas sans alimenter les développements à venir. Une des solutions qui s'offre à moi consiste à n'évoquer en rien l'art, l'esthétique, et tout autre domaine relatif aux dites sciences de l'art – un texte sur le nombre pi aurait fait l'affaire d'une esthétique apophatique. Cependant positivement fonder une pensée sur/avec la négation me rend heureux, par espièglerie, esprit de contradiction, par inquiétude fondamentale ; je ne m'en priverai donc pas au profit d'un tour de passe-passe, aussi réjouissante que soit l'idée de vous imaginer lire présentement une théorie du chou-fleur. / “Apophatic” means “negative” or “by negation”. The term is mainly used to designate a particular form of theology which 1. can't say anything of God because stating a quality would be taking the antinomic quality away from him. It is easy to understand the logic : to say that God is great is to say that he is not small, which is incompatible with the fact of saying that he is everything. 2. consists in stating what God is not : bad or a dog, for example. For example also, this research is not the occurrence of an anthology of the best texts of negative theology, but the method – the scepticism tinged with logical and/or mystic thought – is not without fueling the developments to come. One of the solutions that is given to me consists in not mentioning art in any way at all, the aesthetics, and any other field related to the so-called sciences of the arts – a text on the number Pi would have suited an apophatic aesthetics. However positively establishing a thought on negation makes me happy, by mischievousness, for the sake of argumentation, by fundamental concern; I will thus not deprive myself of it in favor of a quick/cheap trick, as delightful as the idea of imagining you currently reading a theory of the cauliflower might be.

[pt] O presente trabalho deseja investigar os efeitos de intensidade em práticas teóricas ligadas à arte. Nessas condições, elas se configuram então em maneiras estranhas, diferentes ou desfiguradas de teoria. Parte-se da percepção de que a teoria do campo expandido possui um ponto cego, que é o fato de manter a si mesma, na maioria das vezes, salvaguardada da expansão do campo de que trata. Faz-se uma coleta de casos em que essa expansão aconteceu ou se insinuou graças ao uso de dispositivos artísticos e do inacabamento que esse uso acarreta. O Atlas Mnemosyne, de Aby Warburg, e o trabalho das Passagens, de Walter Benjamin, são aqui lidos pelo dispositivo da colagem/montagem; os cursos A preparação do romance, de Roland Barthes e Doença/saúde, de Roberto Correa dos Santos e Ricardo Basbaum, pelo dispositivo cênico-ficcional; os Mil platôs, de Deleuze e Guattari configuram-se entre a performatividade, o virtual do manifesto e a rubrica de performance. Não se quer dizer, com isso, que essas escritas são colagens, encenações ou performances tout court. Antes constituem uma desfiguração dessas práticas, cujo efeito é a abertura do que pode vir a ser uma linguagem teórica fora de seu campo autônomo. / [fr] Ce travail vise à investiguer la notion de effet d intensité concernant les pratiques théoriques qui ont des raports avec l art. Dans ces conditions, celles-ci semblent alors des façons bizarres, diférentes ou défigurées de la théorie. Partant du principe que la théorie du champ élargie a un point aveugle, quel qu il soit, le fait de conserver elle-même, la plupart du temps, sauvegardée de l élargissement dont elle parle, la thèse entreprendre un recueil d occurences. Cet élargissement y est passé ou insinué grâce à l utilisation des dispositifs artistiques et à l inachèvement dont elle est le résultat. L Atlas Mnemosyne, de Aby Warburg, et Les Passages parisiens, de Walter Benjamin, sont lus par le dispositif du collage/montage; les cours La préparation du roman, de Roland Barthes, et Maladie/Santé, de Roberto Correa dos Santos et Ricardo Basbaum, par le dispositif scénique-fictionnel; Mille plateaux, de Gilles Deleuze et Félix Guattari, est mise parmi la performativité, la virtualité du manifeste et la rubrique de la performance. Cela ne veut pas dire que ces écritures sont des collages, mise en scènes ou performances tout court. Elles constituent plutôt une défiguration de ces pratiques qui ont pour effet l ouverture de ce que peut devenir un langage théorique hors de son champ autonome.

Entre la première photographie jamais prise de la Lune en 1840 par J.W. Draper et la première photographie prise depuis le sol de notre satellite en 1969 par la mission Apollo 11, l’aventure spatiale occidentale a donné lieu à une vaste production d’images. Toutes ont cherché à comprendre, capturer et communiquer au plus grand nombre l’aspect du cosmos. Absorbé comme une évidence par la culture collective, ce corpus hétérogène, protéiforme et aux délimitations complexes, relève d’une histoire culturelle qui reste difficile à classer, entre histoire des sciences et histoire des images. Les visualisations qui en résultent, marquées par les traditions de l’histoire de la représentation et fabriquées en parallèle des évolutions technologiques de l’astronomie et de ses moyens d’observation, ont tout autant façonné le regard de l’astronomie physique et la culture visuelle de ses observateurs néophytes. L’analyse de la formation et de l’épanouissement de l’Art spatial au XXe siècle nous ouvre ainsi les yeux sur un corpus visuel où la coalescence entre science et style est une condition nécessaire à son existence. A l’épreuve de l’histoire de l’histoire de l’art et des études visuelles, ce dernier trouve également toute sa place dans une analyse qui vise à dévoiler la puissance et la qualité performative des images. Qu’il s’agisse d’une imagerie vulgarisant le savoir savant à des fins didactiques, d’une volonté de saisir l’image du cosmos pour le découvrir ou d’une dissémination culturelle au cœur des grands mythes du siècle, l’exploration spatiale fut aussi une entreprise du regard qu’il nous incombe d’observer. / Between the first photograph taken from the moon in 1840 by J.W. Draper and the first photograph taken from our satellite’s ground in 1969 by Apollo 11’s mission, western space odyssey led to a wide range of images. They all had the common goal of understanding, apprehending and sharing the aspect of cosmos with as many people as possible. Evidently absorbed by a collective culture, this heterogeneous and multifaceted corpus with many complex boundaries is based on a cultural history, which remains hard to classify, between science history and images history. The resulting visualizations, heavily influenced by the traditions of the history of representation and made in parallel of the technical evolutions of astronomy and its means of observation, have equally shaped the look of physical astronomy and of the visual culture of its neophyte observers. The analysis of the creation and the fulfilment of Space Art in the twentieth century make us open our eyes on a visual corpus where the coalescence between science and style is a necessary condition to its really existence. Confronted to History of Arts and to visual studies, this corpus finds its place within an analysis, which pursues to disclose the power and the performative quality of images. Whether it be an imagery popularizing the deepest knowledge for teaching purposes, a will of grabbing the image of cosmos in order to discover it or a cultural dissemination at the heart of the most important myths of the century, spatial exploration was also an experience of the look we need to observe.