Cette étude s’intéresse à l’espace mental comme nouveau terrain d’exploration du drame britannique contemporain, et examine les manifestations d’un mouvement qui « met en pièces » les régions inexplorées des pensées inconscientes et les contrées impénétrables du traumatisme. Puisant dans les découvertes de la psychanalyse et des sciences cognitives, inspiré par le changement de paradigme de la mécanique quantique et ses interrogations sur le rôle et la nature de la conscience, ce théâtre non plus tant « in-yer-face » que « in-yer-head » s’éloigne de la sensibilité des années 1990. Les pièces de Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon, Ravenhill, Neilson et d’autres déconstruisent et reconstruisent le personnage comme la somme virtuelle de tous ses possibles. Le mode d’existence spéculatif, diffracté et pluriel du sujet renouvelle les définitions du réalisme psychologique et du réalisme théâtral. Ce travail étudie les modalités de cette « psychopoétique quantique » autour de concepts clés comme la probabilité ou l’incertitude, et montre comment des métaphores issues de la théorie quantique comme la dualité onde-particule ou les mondes multiples servent à illustrer l’indétermination de la psyché en évoquant les mécanismes de défense et autres symptômes qui constituent la réalité subjective d’esprits affectés par le traumatisme, la psychose, le stress ou la maladie neurologique. Nous montrons qu’en explorant la nature de la conscience, du soi et de la réalité ainsi que la condition des femmes, ces pièces posent des questions philosophiques sur le libre arbitre et la possibilité de choix dans un monde devenu plus incertain et imprévisible que jamais. / This study asserts that the human mind has become the new frontier in contemporary British drama, and interrogates and assesses manifestations of this movement which stages uncharted regions of thought and the dark territories of traumatic mindscapes. Drawing on theories from psychoanalysis and cognitive science, and inspired by the paradigm shifts of quantum mechanics and its interrogations on the role and nature of consciousness, this new theatre moves from “in-yer-face” to “in-yer-head” and away from the sensibility of the “nasty nineties.” Plays by Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon and others deconstruct and reconstruct the character as thevirtual sum of all her possibilities. In these mental spaces, the subject’s speculative, diffracted and plural mode of existence redefines psychological realism and stage realism. Examining the modalities of a quantum “psychopoetics” around key concepts such as probability and uncertainty, I show how metaphors borrowed from quantum theory based on the double slit-experiment, the wave-particle duality, the wavefunction collapse, the observer effect, quantum decoherence, quantum entanglement, and the many-worlds interpretation are used to emphasise the intrinsic indeterminacy of our minds. They evoke a number of psychological defense mechanisms and other symptoms that constitute the subjective reality of disturbed minds affected by trauma, psychosis, stress or neurological disease. By exploring the nature of mind, the self, and reality, and the condition of women, these plays address philosophical questions about free will and choice in a world that has become more uncertain and unpredictable than ever.

Le point de départ de notre recherche a été la compréhension du phénomène Wang Xiaobo, de sa genèse, de son amplification et de ses échos dans l’histoire de la littérature chinoise. La thèse rappelle le contexte de la société chinoise et du monde littéraire des années 1990, indispensable pour saisir ce phénomène. Sa naissance est en effet étroitement liée à l’essor de la mouvance libérale chinoise et au développement rapide du pouvoir des médias et notamment d’Internet. Plusieurs personnages ont contribué à sa genèse, parmi lesquels on trouve notamment des chercheurs en sciences sociales tels que Li Yinhe, Qin Hui et Xu Jilin. Ce phénomène a été par la suite amplifié par les médias, qui ont étiqueté l’auteur comme « martyr sur l’autel de la littérature », « intellectuel libéral », « intellectuel public », etc. Ironie du sort, c’est l’appellation octroyée par Le Quotidien du peuple, « génie en dehors du système », qui résume le mieux l’identité controversée de l’auteur. L’étude des discours souvent impressifs sur le phénomène Wang Xiaobo nous a conduite d’abord à mener des analyses textuelles afin de sonder de manière approfondie l’art romanesque de l’auteur, insuffisamment exploré malgré sa notoriété posthume durable. Son art est caractérisé par des jeux à la fois subversifs et ludiques ; il démontre aussi comment le sujet pensant qui transforme les mots se voit lui-même métamorphosé par la société et la vie. Le corpus des textes étudiés couvre les trois périodes de l’auteur : avant 1984 (« l’âge fabuleux »), entre 1984 et 1992 (« l’âge de la maturité et l’âge d’or ») et enfin après 1992 (« réécriture et renouvellement »). Ensuite, à travers l’analyse comparée des textes de l’auteur et de ceux de ses successeurs, nous avons abouti à la thèse suivante : les jeux d’écriture de Wang Xiaobo affichent les caractéristiques de l’art de la postmodernité, et ce avant même que celui-ci s’installe progressivement en Chine ; ils illustrent comment l’esprit chevaleresque des lettrés chinois s’est progressivement transformé en un esprit de « voyous », terme évolutif, polysémique mais symptomatique de notre temps. / The starting point of our research was to understand the "Wang Xiaobo phenomenon". The paper describes the context of Chinese society and the literary world of the 1990s; some scholars’ liberal speeches and the growing power of media namely the Internet are parts of the reasons accounting for this phenomenon. The media put on the disappeared author new labels such as "martyr on the altar of literature", "liberal intellectual", "public intellectual". Ironically the name of "Genius outside the system", granted by the People's Daily to Wang Xiaobo, has stuck as the best way to encompass the author’s questionable identity. The impressive talks about the "Wang Xiaobo phenomenon" pushes us first to conduct deeper textual analysis to probe thoroughly the novellas’ art of the author, insufficiently explored despite his lasting posthumous fame. His art is characterized by subversive and playful language games; it also demonstrates how thinking subject who transforms words sees himself transformed by society and life. The corpus of the studied texts covers three periods of the author: before 1984, between 1984 and 1992, and finally after 1992. Then, through the comparative analysis of the author’s texts and those of his successors, we came up with the following thesis: The writing games of Wang Xiaobo display the characteristics of postmodern art, and even before it develops gradually in China; they illustrate how the chivalrous spirit of the Chinese intellectuals has evolved into a spirit of roguery, which in itself should be interpreted as an evolutionary term, both polysemic and symptomatic of our time.

L’image des ruines est quasi absente dans l’art traditionnel en Chine. Mais l’usine abandonnée et le bâtiment démoli sont régulièrement présents dans le cinéma chinois contemporain depuis la des années 90. À plusieurs reprises, Jia Zhang-ke s’est inspiré du champ de ruines tandis que Wang Bing a exprimé la nostalgie pour le vieux quartier à Shenyang dans une interview à propos d’À l’Ouest des rails. De leur côté, Wang Quan’an, Wang Chao, Lou Ye, Zhang Yang racontent souvent les histoires dans le contexte de la grande vague d’urbanisation du pays. L’image des ruines, comme symptôme, est surdéterminée dans leurs films.Ce travail tente d’analyser l’esthétique des ruines par la pensée de l’anachronisme. Dans l’image filmique, le champ de ruines et le chantier ne sont ni les simples fétiches intemporels, ni les simples chroniques figuratives. Ils sont des montages de temporalités différentes par lesquels on peut entrevoir l’écheveau de notions hétérogènes, des symptômes qui font apparaître le pouvoir impérial de la Chine ancienne, des désirs de la fuite hors du monde quotidien. / The image of the ruins is almost absent in the traditional Chinese art. But the demolished building and the abandoned factory have become the most important urban landscape in the contemporary Chinese cinema since the late 1990s. The field of ruins inspired Jia Zhang-ke to write screenplays for films and Wang Bing expressed nostalgia about the old district of Shenyang during an interview. On their side, lots of filmmakers are interested in social realty in the context of urbanization. So the image of the ruins is overdetermined as a symptom in their films. This thesis is trying to analyse the esthetic value of the ruins by using the idea of anachronism. In the image of film, the field of ruins and the construction site are neither the timeless simple fetishes nor the figurative chronicles. They are some montages of different time zones, through which a mixture of ideas can be seen. They are some symptoms which can show the imperial power of the old China. They are finally some desires for escape from the concrete life-world.

Shakespeare est partout en ce XIXe siècle. Il inspire la littérature, la musique, les arts plastiques. Il est dans l'accomplissement d'un nouveau théâtre et dans le rêve d'une génération d'artistes qui se jette à corps perdu dans un nouvel idéal. Que cherchent-ils alors dans l'infamie des sorcières, les procrastinations d'un jeune prince, le désarroi d'un vieux roi, l'interdit de l'amour ? Ils s'en vont rêver à d'autres univers, peuplés de créatures fantastiques, d'hommes au cœur vrai et de folles passions. Et dans ce début de siècle comme le dit Stendhal au détour d'une pensée dédiée au dramaturge anglais : « il faut sentir et non savoir ! ». L'objectif de la présente étude est de poser les bases d'une réflexion approfondie sur l'inspiration shakespearienne française en peinture au XIXe siècle. Nous nous sommes attachés à en déterminer les causes et en identifier les manifestations, mais aussi à l'englober dans une histoire plus générale de l'art à travers la remise en question d'un genre pictural menacé, la peinture d'histoire. C'est pourquoi notre travail s'articule autour de cinq grandes parties afin d'offrir un examen complet et synthétique du sujet. La première partie a pour but d'initier le lecteur à cette inspiration littéraire. Les trois parties suivantes sont consacrées à l'étude approfondie des différentes sources d'inspiration des peintres (textuelles, visuelles et iconographiques). Enfin, après la mise en place contextuelle, l'exploration iconographique et iconologique de notre sujet, notre dernière partie tend à analyser le rôle qu'a joué en France l'inspiration shakespearienne en peinture à travers plusieurs approches : esthétique, critique et idéologique. / The name of Shakespeare overhangs the 19th century. The English playwright inspires literature, music and fine arts. He is closely associated with theatre renewal and becomes a model for a generation of artists. What are they looking for in the witches' infamy, the procrastination of a young prince, the distress of an old king, forbidden romances? They dream of other universes crowded with fantastic creatures and passionate human beings. In the beginning of this century, as Stendhal pointed out in a note dedicated to The Bard : “We need to feel rather than to know”. The aim of the research herein is to analyse the Shakespearean inspiration on French painting over the 19th century through a discussion which deals with iconographical and aesthetic concerns as well. To be as relevant as possible, we chose to organize our work in five parts in order to offer a global and complete view of the subject. Thus, the first part of our dissertation tends to initiate the reader to the Shakespearean iconography in general, while the following third parts explore the painter's different sources of inspiration (textual, visual and iconographical). Finally, the fifth part is devoted to the examination of the role played by this literary inspiration on French painting through intellectual, critical and ideological approaches.

Parallèlement aux États, qui monopolisent le système interétatique, il existe une myriade d’acteurs non étatiques qui se déploie et exerce certaines compétences, telles que l’établissement de normes et la résolution de conflits sur la scène internationale. Or, le droit international classique, admettant peu de sujets en son sein, refuse de reconnaître pleinement le rôle joué par les acteurs non étatiques. Il se trouve par conséquent que le droit international classique n’arrive ni à décrire de manière appropriée, ni à expliquer adéquatement la gouvernance mondiale de la société internationale dans toute sa complexité contemporaine. Notre thèse a pour but de démontrer l’importance de la perte ou du gain de légitimité démocratique résultant de la participation des acteurs infra, supra, et extra étatiques aux relations transnationales. Elle met en évidence les rapports verticaux et horizontaux qu’entretiennent les États avec les autres entités juridiques à des degrés minimalistes ou maximalistes de partage de compétences. Notre thèse qualifie cette situation de phénomène concret de la réalité actuelle. Afin de décrire les tenants et aboutissants de cette situation, nous traçons les grandes lignes d’une nouvelle théorie de droit transnational adaptée aux nouvelles conjonctures contemporaines, fondée non pas sur le positivisme westphalien, mais sur le pluralisme juridique. La théorie du positivisme juridique, qui était encore valable jusqu'à la fin de la guerre froide, semble dépassée dans le monde du 21e siècle. Les compétences étatiques fondées sur le modèle westphalien de la souveraineté territoriale sont désormais partagées et exercées par une gamme d’acteurs non étatiques. La compétence d’autorégulation de ces derniers trouve son fondement dans le savoir technoscientifique et spécialisé dans un secteur d'activités particulier, qui s’étend au-delà et en deçà des frontières étatiques. Cette nouvelle manifestation de la souveraineté peut être incorporée dans le droit transnational. La mise en œuvre de cet ordre juridique complexe du modèle transnational repose sur des mécanismes de consensus qui relient les États, les unités sous-étatiques, les organisations internationales et les autres acteurs non étatiques. L’interdépendance mutuelle des différents acteurs internationaux a pour effet d’écarter la justification de la contrainte physique comme étant la garantie de respect du droit, car le besoin d’une solidarité planétaire exige la coopération de tous les acteurs pour faire face aux nouveaux défis mondiaux et locaux. Cette nouvelle théorie doit servir de base pour élaborer un discours juridique qui repose sur sa force argumentative, et non sur la force de la coercition. Le pluralisme juridique semble offrir cette possibilité.

La présente étude analyse d'un côté et sous une perspective philosophique et anthropologique, la relation de l'artiste au réel. De l'autre, elle étudie la place ontologique et esthétique de l'acteur/du performer dans l'art documentaire contemporain. Puisque toute forme de documentation est soutenue par une définition du « réel » ainsi que par le problème de sa juste « saisie », il semble indispensable d’interroger la notion de « perception » et ceci sous ses aspects ethnographiques ainsi que physiologiques. Le positionnement contemporain qui se dessine apparaît donc comme « constructiviste », à savoir que ce que nous appelons le réel y est le fruit d’une relation dialogique et égalitaire entre l’homme et les objets du monde. Cette relation s’est libérée du concept cartésien des res cogitans et res extensa qui s’opposent de façon hiérarchique. Pour l’art documentaire contemporain, ce premier constat comporte deux conséquences : d’un côté, nous observons que la rencontre de l’artiste avec le réel est tâtonnant et emprunt de doutes et que ses esthétiques relèvent du fragmentaire et de l’hétérogène. De l’autre, l’art documentaire contemporain se voit obligé d’interroger la notion du « jeu » avec les documents, notamment les limites – esthétiques comme éthiques - de la fictionnalisation. Le constat de la fonction épistémologique prépondérante du jeu au sein de l’art documentaire contemporain, représente le cœur de la présente thèse. / The aim of the present thesis is on one hand, to explore the relationship between artists and reality from a philosophical and anthropological perspective and on the other hand, to describe the ontological and aesthetical position of the actor/performer in contemporary documentary art, particularly in theatre. Since any form of documentation of reality requires a definition of the real and the ways to deal with it, or to capture it, a definition of “perception” is essential, from a philosophical, ethnographical and physiological perspective. The contemporary point of view in this respect can be described as absolutely constructivist. Reality stands out as the product of a balanced communication between subject and object. Observer and observed reality are not in opposition to each other, in a hierarchical and dichotomous way as Descartes formulated it in his rationalist concept of res cogitans and res extensa, but they rather interact into a dialogue. For the contemporary documentary art this definition of reality offers two sides: on one hand, in an attitude that meets reality rather carefully and doubtfully, it results in an opened, fragmented and heterogeneous form of art. On the other hand, documentary art deals with the ethical and aesthetical problem of playing (with) the documentation. Each and every documentary artist shall constantly assess, whether and to what extend art is allowed to play with reality. However, the statement that playing with reality fulfills a unique, both epistemological and anthropological function, is definitely the subject of the present study. / Die folgende Studie untersucht einerseits, aus philosophischer und anthropologischer Perspektive, die Beziehung des Künstlers zur Realität. Andererseits beschreibt sie die ontologische und ästhetische Stellung des Schauspielers/Performers in der zeitgenössischen Dokumentarkunst. Da jede Form von Dokumentation der Wirklichkeit eine Definition des Realen und den Möglichkeiten diesem zu begegnen, beziehungsweise es zu erfassen, voraussetzt, scheint es unumgänglich den Begriff der « perception » (Wahrnehmung) auf philosophische, aber auch ethnographische und physiologische Definitionen abzuklopfen. Die zeitgenössische Perspektive, die sich dabei abzeichnet, scheint unumschränkt konstruktivistisch, d.h. dass sich Wirklichkeit als Produkt einer gleichberechtigten Kommunikation beschreiben 347 lässt, auch da wo der Mensch ein Objekt wahrnimmt. Beobachter und beobachtete Realität stehen sich nicht, wie es Descartes rationalistisches Konzept der res cogitans und res extensa formuliert, hierarchisch und dichotomisch gegenüber, sondern dialogisieren vielmehr. Für die zeitgenössische Dokumentarkunst ergibt sich daraus einerseits, dass sie Wirklichkeit eher vorsichtig und zweifelnd begegnet und ihr dementsprechend im Rahmen der Kunst offene, fragmentarische und heterogene Formen gibt. Andererseits setzt sie sich mit dem ethischen und ästhetischen Problems des Spiels von oder mit Dokumenten auseinander. Ob und inwieweit die Kunst mit der Realität spielen darf, muss von jedem Dokumentarkünstler neu beantwortet werden. Die Feststellung aber, dass Spielen mit Realität eine ganz eigene, epistemologische und anthropologische Funktion erfüllt, wird anhand der vorliegenden Studie anschaulich.

Depuis 1979, les critiques d'art en Chine ont accompagné le développement de l’art contemporain, participant à la renaissance de la vie intellectuelle durement éprouvée sous le règne de Mao. Les revues d'art reflètent l’évolution de leur réflexion. Dans ma thèse je présente d’une part ce paysage intellectuel dans lequel s’est construite la critique d’art chinoise, et d’autre part, après avoir analysé comment certains concepts passent d’une langue à l’autre, j’aborde les textes théoriques et leur réception dans le milieu académique. Attirés au départ par la pensée occidentale, un champ référentiel qui s’étend de Platon à Danto, les critiques chinois se sont tournés ensuite vers le corpus classique, voire le Livre des mutations, pour forger des outils “propres à la Chine” afin de ré-écrire une histoire de l’art contemporain chinois délivrée du carcan post-colonial, mais au risque de se prendre au piège d’un nationalisme insidieux encouragé par le Parti. Les larges extraits que je propose traitent de la méta-critique, du sort et de l’essor de la modernité et du postmodernisme, de l’art abstrait émanant des gestes et des outils de la calligraphie... 
Récusant les concepts occidentaux jugés inaptes pour interpréter l’art chinois, recourant aux concepts classiques pour fonder l’École du yi, Gao Minglu propose une théorie critique qu’il tente d’appliquer aux œuvres contemporaines. À l’inverse Wang Nanming défend une démarche qui se veut universelle et dénonce les artistes et les critiques qui brandissent leur identité chinoise... Ainsi les démarches étudiées sont variées et parfois antagonistes, mais attestent de la vitalité de la critique d’art contemporaine chinoise. / Since 1979, China Art critics have accompanied the development of contemporary art, participating in the revival of intellectual life which have been hit hard during the reign of Mao. The journals in art reflect changes in their thinking. In my thesis I will present both the intellectual scene in which is constructed criticism of Chinese art, and secondly, after analyzing how concepts move from one language to another, I approach theoretical texts and their reception in academic. Attracted initially by Western thought, a reference field that extends from Plato to Danto, Chinese critics then turned to the classical corpus, or the Book of Changes, to forge tools specific "to China" to rewrite history of Chinese contemporary art delivered from the post-colonial yoke, but at the risk of getting trapped in an insidious nationalism encouraged by the Party. The extensive excerpts I propose deal with the meta-criticism, and the fate of the rise of modernity and postmodernism, abstract art from gestures and tools of calligraphy. Rejecting Western concepts which are unfit to interpret Chinese art, according to the traditional concepts to establish the School of yi, Gao Minglu offers a critical theory he tries to apply to contemporary works. Conversely Wang Nanming defends an approach to be universal and denounces the artists and critics who brandich their Chinese identity ... So the approaches discussed are varied and sometimes conflicting, but attest to the vitality of contemporary Chinese art criticism. Art critics propose theoretical models that are more interpretive tools of interpretation than appreciation.

La problématique essentielle de la présente recherche découle de l’intuition qu’il y aurait à l’intérieur du régime contemporain de l’art, et ce malgré le caractère à première vue très hétérogène de ses expressions artistiques, un moment esthétique commun, un moment commun de forme et d’investigation conceptuelle, qui s’est défini, tout au long de ce travail, comme la notion d’esthétique de la durée. Ce terme théorique, qui englobe aussi bien un certain nombre d’installations, d’images contemporaines en mouvement conçues pour l’exposition à l’intérieur des espaces muséaux ainsi que de productions cinématographiques, n’est pas réductible au concept de la durée bergsonienne, même s’il s’y apparente par certains aspects, notamment par l’idée du devenir en tant que changement d’état et de qualité, devenu le principe esthétique d’une grande majorité des œuvres contemporaines. La notion de durée se trouve ainsi à l’origine d’une nouvelle conceptualisation de la forme de l’œuvre d’art et travaille au cœur même de la constitution d’une pensée esthétique singulière qui définit le régime contemporain de l’art en tant que régime de pensée indépendant que nous proposons de qualifier de conceptuel. / The main topic of this work develops from the intuition that there would be, inside the contemporary regime of art - despite the impression of extreme heterogeneity that its artistic expressions could give at first sight - a common aesthetic moment, a common moment of form and conceptual investigation, that will be defined throughout this work as the notion of Aesthetics of Duration. Such a theoretical notion refers to a certain number of installations, contemporary moving images created for museum space as well as cinematographic productions. However, it does not only involve Henri Bergson’s concept of Duration even though the theory echoes it in several ways, such as the idea of becoming as a change of quality. The approach turns out to be at the origin of a new conceptualization of the very form of works of art. Deeply influencing the development of a singular aesthetic approach, The Aesthetics of Duration defines the contemporary artistic regime as an independent regime of thought that could be qualified as conceptual.

L’Amérique centrale s’est trouvée au centre de l’attention médiatique pendant les années 80 à cause de l’embrasement produit par les conflits armés et du fait de l’intérêt pour les témoignages liés aux revendications politiques. Le temps est venu de s’interroger aujourd’hui sur les voies empruntées par la littérature centre-américaine une vingtaine d’années après la signature des traités de paix. Cette question se trouve à l’origine de la présente étude : nous essayons de comprendre de quelle manière le roman contemporain s’intéresse à la construction des nouvelles subjectivités, quelles sont les nouvelles modalités de représentation propres à la fiction. La littérature centre-américaine contemporaine se présente de manière générale comme un domaine d’une grande diversité ; nous pouvons y lire une remise en question des contradictions, des luttes sociales et des discours dominants des sociétés de l’Isthme. Ces questionnements sont, à notre avis, reliés au texte littéraire du fait de la position privilégiée accordée à la subjectivité. Celle-ci a différentes manières de définir l’individu contemporain afin de renvoyer au lecteur toute une série d’énoncés tantôt intimistes, tantôt politiques et transgresseurs, qui montrent une crise dans la représentation des identités aussi bien personnelles que nationales. Jusqu’à quel point pouvons-nous considérer que la littérature centre-américaine contemporaine présente un renouvellement concernant les positions des sujets représentés dans les romans ? De quelle manière ces changements interagissent-ils dans une région conflictuelle, une région qui peine encore à définir sa propre identité ? Nous nous efforçons dans la thèse d’approfondir l’analyse des positions subjectives et des procédés littéraires ainsi que la démarche philosophique permettant la construction de nouveaux sujets-personnages dans un corpus constitué de romans publiés entre 1998 et 2009 par les écrivains suivants : Horacio Castellanos Moya, José Ricardo Chaves, Maurice Echeverría, Jacinta Escudos, Mauricio Orellana Suárez, Milagros Palma, Roberto Quesada et Uriel Quesada. Nous nous intéressons de manière particulière aux procédés narratifs mettant en rapport l’intimité et la subjectivité, avec la représentation des espaces corporels dessinés dans les romans, ainsi que les espaces géographiques et les lieux de la violence. Ces éléments vont dévoiler de nouveaux engagements et de nouveaux discours à un moment qui paraît dominé par la subjectivité. / Central America attracted greatly the media attention during the 1980s because of the armed conflicts and the increasing interest in testimonies linked to the political vindications. Now is the time to question the paths taken by Central American literature twenty years after the peace agreements were signed in the region. This question is found at the beginning of the present study on which we try to comprehend in what way the contemporary novel is interested in the construction of new subjectivities and in new means of representation specific to fiction. Contemporary Central American literature presents itself generally as a space of great diversity. We can read in it an important questioning of the contradictions, of the social struggles, and of the dominant discourses of isthmian societies. These questionings are, in our opinion, articulated on the literary text thanks to the privileged position given to subjectivity. It uses different ways to define the contemporary subject with the purpose of confronting the reader to a series of statements, intimist as well as political and transgressive, which express a crisis on the representation of national and personal identities. How far can we consider that contemporary Central American literature shows an important displacement related to the positions of the subjects represented in the novels? In what way said displacements interact in a conflictive region, a region which still has difficulties to define its own identity? On this thesis we make an effort to delve in the analysis of the subjective positions and in the literary and philosophical strategies which allow the construction of new subject-characters, in a corpus constituted of novels published between 1998 and 2009 by the following writers: Horacio Castellanos Moya, José Ricardo Chaves, Maurice Echeverría, Jacinta Escudos, Mauricio Orellana Suárez, Milagros Palma, Roberto Quesada, and Uriel Quesada. We are particularly interested in the narrative processes which relate intimacy and subjectivity with the representation of corporal spaces in the novels, as well as the geographical spaces and violence spaces. These elements will demonstrate new commitments and new discourses in a time that seems dominated by subjectivity.

La pensée du vide anime les spiritualités de l’Extrême-Orient ; vide du taoïsme, vide du bouddhisme et leur rencontre dans des synthèses diverses. Elle est au cœur de l’art des lettres. Les artistes contemporains chinois ont reçu l’influence de l’art moderne occidental et, depuis une trentaine d’années de l’art contemporain ; certains d’entre eux ont su interroger cette matière nouvelle à l’aide d’une pensée clairement nourrie par la tradition. Loin d’être synonyme d’absence, le vide dans ces démarches rejoint une acceptation d’un réel lui-même soumis à la respiration du monde. Huang Yongping et Cai Guoqiang offrent deux exemples d’une approche où la question de l’identité et du dialogue avec l’Occident trouve son dépassement dans une stratégie récusant le dualisme qui prévaut habituellement dans ce genre de débat. Le monde occidental a été pour sa part fasciné depuis des siècles par l’art et par la pensée de l’Extrême-Orient. Le vide y a souvent pris les couleurs du néant dans un sens négatif (Hegel, Schopenhauer et Nietzsche). D’autres sources cependant sont venues enrichir l’ouverture à cette pensée. On ne citera ici que l'inspiration du bouddhisme zen si importante dans l'après-guerre (les publications récentes de Jacquelynn Baas, de Helen Westgeest et des auteurs rassemblés à l'occasion de l'exposition américaine The Third Mind en témoignent). Les artistes que j'ai retenus ici : Marcel Duchamp, Yves Klein, Robert Irwin, ont chacun un rapport original avec ce corpus d’images, de notions et d’expériences sans ignorer des apports proprement occidentaux. / Eastern spirituality is driven by thought about emptiness : that of Taoism and of Buddhism and their coming together in various syntheses. It is at the heart of the art of scholars. Contemporary Chinese artists have been influenced by Western modern art and, for the last thirty years, by contemporary art. Some of these artists have succeeded in using thought nourished by tradition in order to examine this new field. Far from being synonymous with absence, emptiness in these processes corresponds to an acceptance of a reality itself subordinated to the breathing of the world. Huang Yongping and Cai Guoqiang provide two examples of an approach in which the questions of identity and of dialogue with the West find its overcoming in a strategy disclaiming the dualism which usually prevails in this kind of debate. The Western world has been fascinated by the art and thought of the East for centuries. Emptiness has often been treated as nothingness in a negative sense (Hegel, Schopenhauer and Nietzsche). Other sources, however, have made us more open to the thought about emptiness. The inspiration of Zen Buddhism is only one example : recent publications by Jacquelynn Baas, Helen Westgeest and the authors gathered together by the American exhibition The Third Mind, all bear witness to its importance in the post-war period. The artists that I have selected here, Marcel Duchamp, Yves Klein and Robert Irwin, each have an original relationship with this corpus of images, concepts and experiences without ignoring the specifically Western contributions.