L’œuvre dramatique de Tom Stoppard est souvent considérée comme caractéristique du postmoderne. Les techniques d’écriture qui régissent le texte théâtral de Stoppard, étudiés dans cette thèse, participent à une véritable mise en scène de l’écriture. Ils sont aussi, selon nous, un moyen de détourner et parodier les codes du postmoderne. Collages, fragments et réécriture, caractéristiques de l’œuvre de Stoppard, traduisent aussi une vision patrimoniale de la littérature, et permettent une approche originale et critique du postmodernisme, renouvelant ainsi le discours sur le moderne. La présente étude se propose tout d’abord de montrer comment, à travers les références aux œuvres picturales de Magritte et Duchamp, Stoppard met en scène le signe. Puis, elle cherche à mettre en évidence la manière dont Stoppard utilise le collage et l’emprunt musical pour construire et structurer certaines de ses pièces. Elle envisage enfin le collage comme l’expression d’une herméneutique littéraire et philosophique, en examinant notamment l’influence de l’écriture de James Joyce sur le processus scripturaire du dramaturge. Le théâtre, seule forme d’expression artistique qui peut emprunter à tous les autres arts (Beaux-Arts, musique et littérature), est le lieu idéal où se déploient le foisonnement, la complexité et la richesse de l’écriture de Stoppard. Mais l’utilisation de citations et de fragments n’implique pas la fragmentation du sens : le théâtre de Stoppard, loin d’être l’expression d’une vision détachée du monde, propose aussi une véritable réflexion ontologique et politique sur notre société. / Tom Stoppard’s plays have often been viewed as the epitome of the postmodern. The writing techniques which inform Stoppard’s dramatic texts and which are studied in the present thesis play an essential part in the way in which the playwright stages his own writing process. This study also postulates that those techniques stand as a means of subverting and parodying the codes of the postmodern. The collages, fragments and rewriting which inform Stoppard’s works, reflect a patrimonial conception of literature and allow for an original approach and critique of postmodernism thus renewing the discourse on the modern. While considering the various references to the works of Magritte and Duchamp, the present study seeks to unveil the way in which Stoppard stages the sign. It will then shed light on the way in which Stoppard uses musical collages and quotations, which dot the playwright’s work, to shape and construct some of his plays. Finally, this dissertation will envisage collage as the expression of literary and philosophical hermeneutics as it examines James Joyce’s crucial influence on the playwright’s writing technique. Theatre stands probably as the only form of art which can borrow from all the other forms of art (painting, sculpture, music and literature). As such, it is the ideal locus for Stoppard’s subtle and complex writing techniques to proliferate. However, using quotations and fragments does not necessarily imply a fragmentation of meaning. Far from conveying a detached view of the world, Stoppard’s dramatic works provide the audience with an ontological and political thought-provoking view on our contemporary society.

L’objet de notre thèse, qui s’inscrit dans une réflexion sur le processus de la réécriture des textes classiques à l’époque de la seconde sophistique, est d’étudier le rôle singulier que joue Ulysse dans l’œuvre de Lucien de Samosate. Ulysse se distingue d’abord d’Achille, personnage plus monolithique qui, chez Homère déjà, est construit en opposition avec lui. Par ailleurs, de la citation isolée aux allusions croisées, disséminées au point de créer de véritables échos entre des œuvres en apparence très différentes, il apparaît que l’utilisation qui est faite d’Ulysse est beaucoup plus élaborée et subtile que celle d’Achille. Ainsi l’examen et la comparaison des références aux deux personnages permettent d’établir la primauté d’Ulysse, associé, chez Lucien, à une réflexion fondamentale sur la force des mots et leur pouvoir de séduction, ainsi que sur l’importance de l’esprit critique en toutes circonstances. Un deuxième temps est consacré à la lecture plus minutieuse des œuvres où prévaut le processus d’exploration et que la référence au personnage d’Ulysse, voyageur inventif par excellence, permet en fait de structurer. Grâce à cet examen, il est possible de mieux comprendre à quel point Lucien s’approprie pleinement le personnage homérique pour en faire un autre de ses masques et proposer ainsi, tel un défi, un nouvel Ulysse à la postérité, tout en gardant ses distances avec le personnage. C’est aussi l’occasion de remarquer combien, progressivement, Lucien intègre les expressions ou le lexique épique au cœur même de son texte, pour aboutir à l’écriture d’une prose poétique qui lui appartient en propre. Il apparaît, en effet, au terme de cette étude que l’utilisation que Lucien fait d’Ulysse est directement liée à la question cruciale chez lui de son identité culturelle, dans un monde d’érudits exigeants, au sein duquel l’orateur syrien entend être reconnu. / The aim of our thesis, which comes within the scope of considering the process of rewriting classic texts in the time period of the second sophistic, is to study the unique importance of Odysseus in the writings of Lucian of Samosata. At first, Odysseus is distinguished from Achilles, a character more monolithic who, even in Homer’s works is constructed in contrast to Odysseus. Moreover, from an isolated quote to intricate references, scattered to create echoes between works seemingly very different, the context in which Odysseus appears is more elaborate and subtler than that of Achilles. Hence, studying and comparing references to both heroes is sufficient to imply Odysseus’ primacy, associated, in Lucian’s works, to a fundamental consideration of the power of words and their appealing strength, as well as the importance of critical thinking in any circumstance. A second part is dedicated to a more detailed reading of the works in which prevail the theme of adventure and in which the references to Odysseus, the ultimate adventurer, become part of the whole structure. Thanks to this study, it is possible to understand further the degree to which Lucian takes over completely the Homeric character to transform him into one of his masks, offering a new Odysseus to the future, although he keeps his distances from the character. We can also note how Lucian integrates the epic set phrases and lexicon in the heart of his work, to end up with a poetic prose that belongs to him alone. In fact, it seems at the conclusion of this study that how Lucian uses Odysseus is interconnected with the crucial question for him, of his cultural identity in a world of demanding scholars within which the Syrian orator intends to be acknowledged.

Afin de porter un regard différent sur les pratiques d’écriture des élèves au moment de la transition entre l’écoleprimaire (CM2) et le collège (6e), cette thèse éprouve l’hypothèse suivante : les conceptions et les opinions que lesenseignants révèlent dans leurs énoncés constitue le cadre conceptuel des décisions qu’ils prennent pour élaborerdes situations d’enseignement et d’apprentissage, quel que soit le niveau où ils enseignent.La thèse s’appuie sur l’analyse du rapport à l’écriture de dix-neuf enseignants. Cette notion, empruntée à différentesapproches présentées dans ce mémoire, est opératoire pour montrer que ce rapport à l’écriture des enseignants faitpartie intégrante des conditions de maitrise de la production d’écrits à l’école : il est en effet déterminant pour queles élèves apprennent à écrire et à entrer dans une littératie étendue.En interrogeant l’hétérogénéité discursive, cette thèse décèle dans le discours des enseignants des éléments quirésultent d’une appropriation-reformulation des prescriptions officielles. Le point de vue institutionnel est ainsiintégré à leur propre dire dans une relation d’accord et de consonance qui fait peu de place au discours proprementdidactique.Au résultat, dans les pratiques déclarées, le processus d’écriture-réécriture et les fonctions de l’écriture semblentoccultées par une préoccupation majeure centrée sur la correction de la langue. Ces éléments conduisent à denouveaux questionnements en termes de didactique et de formation. / In order to bring a different look on the writing practices at the transition from primary (CM2) to secondary school(6e), this thesis tests the hypothesis that what is said by teachers constitutes the conceptual framework of theirdecisions in elaborating teaching and learning situations.This thesis is based on the analysis of 19 teachers’ relationship with writing, an operational notion borrowed fromdifferent approaches presented here. This work shows that the teachers’ conceptions and opinions are an integralpart of the conditions of a good command of writing at school. Indeed, this is determinant for students to learnhow to write and reach an extended literacy.By questioning the discursive heterogeneity, this thesis reveals elements in the teachers’ discourse that are theresults of an appropriation-reformulation of the official prescriptions. Therefore, the institutional point of view isintegrated in their own statements within an agreement and consonance relationship that leaves little room for atruly didactic discourse.Finally, the process of writing-rewriting in the declared practices as well as the functions of writing, seem hiddenby a major concern focused on the language accuracy. Those elements lead to questions in terms of didactics andtraining.

Qu’a de particulier le théâtre-témoignage de Charlotte Delbo ? L’objet de cette étude est de mettre en lumière une « écriture de la spectralité », renvoyant à l’évocation des spectres de sa mémoire que Delbo convoque sur une scène de théâtre. Les titres de deux de ses pièces, Qui rapportera ces paroles ? et Une scène jouée dans la mémoire, sont révélateurs d’un exercice d’anamnèse jamais fini, car il n’a pas de fin possible. Il se traduit par la réélaboration, la transposition théâtrale des fragments poétiques et narratifs déjà rédigés par l’auteure après son retour d’Auschwitz, – et nous avons dû parcourir ses archives pour repérer les traces de cette réécriture. Mais, et c’est un fait singulier, le caractère spectral du théâtre de Delbo provient également de la fréquentation des personnages-fantômes de sa bibliothèque théâtrale venus la visiter dans les marais d’Auschwitz, messagers d’une humanité dont l’existence même du théâtre est le garant. Secrétaire de Louis Jouvet avant et – pour quelque temps – après sa captivité, Charlotte Delbo semble ainsi converser avec le « patron » à travers les intertextes de son œuvre théâtrale et testimoniale. La dramaturgie du témoignage qui découle d’une telle écriture, par laquelle le passé ne cesse de revisiter le présent et réciproquement, pourrait se résumer ainsi : l’auteure se souvient, grâce à sa mémoire profonde, elle écrit en mémoire de ses camarades pour que nous, lecteurs et spectateurs, les gardions en mémoire ; et les spectres appellent les vivants à garder leur conscience en éveil.L’absence effective d’une étude sur le langage dramatique de Charlotte Delbo nous a convaincue de mener la présente recherche, qui traite résolument du travail dramaturgique de l’écrivaine et de son rapport, d’une extrême richesse, au théâtre. / What is so particular about Charlotte Delbo’s theatre testimony ? Goal of this study is to shed light on a « writing of spectrality », sending us back to the evocation of the spectres of her memory which Delbo summons upon stage. The titles of two of her plays, Who will carry the word ? and A Scene played in the memory are revealing of an incomplete anamnesis for which no ending is possible. It translates through reelaboration, theatrical transposition and poetical and narrative fragments already written by the author following her return from Auschwitz– and we had to explore her archives in order to trace these re-writes. Nevertheless, and it is a strange fact, the spectral nature of Delbo’s theatre also comes from the visitations of ghost-like characters from her theatrical library which come to haunt her in the swamps of Auschwitz, messengers of a humanity to whom the very existence of theatre turns out to be a guarantee. Once Louis Jouvet’s secretary prior and – for a while – after her captivity, Charlotte Delbo therefore seems to talk with the « patron » within the inner lines of her theatrical and testimonial work. The dramaturgy of the testimony which arise from such a writing, through which the past never ceases to revisit the present, could be summed up as follows : the author remembers, thanks to her deep memory; she writes in memory of her friends so that we, readers and spectators, remember them ; and the spectres call to the living to keep their consciences awake. The effective absence of Charlotte Delbo’s use of dramatic language has convinced us to lead the present research which deals fundamentally with the dramatic work of the writer and her extremely rich relationship to theatre.

Dans le contexte d’une mise en question sans cesse renouvelée des hiérarchies sociales et culturelles dans les sociétés occidentales contemporaines, dont rend compte le développement des études culturelles depuis les années 1960, la publication d’un grand nombre de réécritures romanesques de l’Iliade témoigne d’un mouvement réflexif de la littérature vis-à-vis de sa propre histoire. En observant les tensions dynamiques à l’œuvre dans la rencontre du roman et du discours épique, ce travail de thèse entend proposer une approche du champ littéraire qui ne soit pas fondée sur la division de ce dernier entre culture artistique et culture à destination du grand public, mais conçue sous l’angle d’un partage transmédiatique et transculturel. L’analyse des réécritures romanesques de l’Iliade révèle en effet une convergence des procédés et des discours de part et d’autre du « grand partage » littéraire, au service d’une réflexion commune sur le caractère problématique du canon littéraire. La confrontation des discours épique et romanesque contribue à l’élaboration d’une pensée démocratique de la société, qui repose sur la construction d’un espace narratif traversé par une pluralité de discours génériques et de références culturelles. / Challenging the social and cultural hierarchies which are still authoritative in our contemporary Western societies has been a long-lasting concern of Cultural Studies ever since their development in the 1960s. As evidenced by the great amount of novels set in the fictional world of the Trojan War, which prove themselves to be genuine rewritings of the Iliad narrative, the Western canon and its relevance are equally scrutinized by contemporary novelists. By studying the dynamic conflicts which underlie the encounter between epic discourse and the genre of the novel, this dissertation intends to dispute the concept of a “Great Divide” between artistic and popular culture, and to prove that literature is a transcultural medium. A close study of a few contemporary novelisations of the Iliad brings to light existing shared narrative techniques and discourses undermining the legitimacy of the Western canon. Through the remodeling of the epic genre and its conventions, the novel assumes a democratic approach to society which stems from a narrative architecture hinging on a multiplicity of generic discourses and cultural references.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, les comédies de Molière devinrent une source féconde pour les Ottomans qui cherchaient à renouveler les arts dramatiques populaires et à créer ainsi un nouveau théâtre national. Ce travail se concentre sur les deux grands vecteurs de la transmission à l’étranger du répertoire français au XIXe siècle (les pièces qui voyagent dans leur langue originale et les traductions et autres adaptations des pièces françaises en vogue) et poursuit le but d’analyser dans sa complexité la transmission du théâtre moliéresque dans l’Empire ottoman à l’Âge des réformes. Ce travail se propose de réécrire sous un nouvel angle l’histoire de la modernité théâtrale turque en mettant l’accent sur les changements que subirent les arts du spectacle populaires face à la popularité grandissante du théâtre moliéresque dans la capitale ottomane et sur les grandes tournées dramatiques des vedettes françaises dans une Constantinople très vivante et cosmopolite. / In the second half of the nineteenth century, Molière's comedies were seen as a fertile source of material for Ottoman playwrights eager to bring new ideas to the popular dramatic arts and to create a new form of national theater. This dissertation concentrates on two primary ways that French theater was transmitted to the theater-going public in the nineteenth century : First, plays that traveled in their original language ; and secondly, translations and adaptations of the French plays most popular at the time. This dissertation aims to analyze Molière's theater in all the complex ways it was transmitted throughout the Ottoman Empire during the Age of Reforms. This dissertation proposes a new perspective on the history of modern Turkish theater, underlining the transformation that the popular dramatic arts went into in the midst of the growing popularity of Molière's theater in the capital and the effect of French theater stars coming to what was a lively and cosmopolitan Istanbul.

Comment donner à voir l’irreprésentable, la contradiction et le paradoxe — et pourquoi le faire ? Pour Marguerite Duras, dont l’œuvre est porteuse d’apories, la réponse à cette interrogation fondamentale se trouve dans l’écriture littéraire. Dans ce mémoire, nous interrogerons la notion de souveraineté (Menke) du littéraire, qui permet de penser la mise en tension des discours non esthétiques (soit historiques, judiciaires, journalistiques, par exemple) dans l’œuvre de Duras, ainsi que l’engagement de l’auteure par son écriture, qui seule peut porter ses prises de positions contraires et violentes, mais aussi « le deuil noir de toute vie, le lieu commun de toute pensée ». Dans un premier temps, nous étudierons la singularité de l’engagement de Duras ; si l’engagement politique dans sa vie publique est marqué par de nombreux remous, nous pourrons observer, à partir de l’analyse du texte « Sublime, forcément sublime Christine V. » (1985), comment apparaît en contrepoint un engagement (Sartre, Barthes) par la littérature dans l’écriture de l’auteure. Cette écriture est également porteuse d’une certaine faculté oraculaire, instaurant la voyance est aux sources de la souveraineté de la littérature. Par l’étude du texte « La mort du jeune aviateur anglais » (1993), nous traiterons dans un deuxième temps de la particularité de la posture et de l’énonciation (Meizoz) de Duras, ainsi que de la possibilité de la confrontation de l’aporie que lui offre le discours littéraire. L’appropriation de la parole de l’autre et de la parole du mort se fait dans ce texte au profit du récit mythique, évacuant les dimensions historiques et documentaires du témoignage afin de tendre plutôt vers une parabole universalisante. Enfin, à travers une analyse de La douleur (1985) et de son paratexte, nous verrons comment la réécriture de ses textes avant leur publication permet d’y inscrire un engagement affirmé, correspondant davantage au projet d’engagement littéraire que Duras tisse dans les dix dernières années de sa carrière. L’écriture de Duras dans cette œuvre montre comment le discours littéraire peut représenter la faillite de la pensée et des autres discours. Cette mise en crise des discours et de la pensée, que l’on retrouve au sein des trois textes à l’étude, nous permettra de penser la souveraineté du littéraire dans l’écriture de Marguerite Duras. / How can one show the unspeakable, contradictions and paradoxes — and why would one attempt to do so ? For Marguerite Duras, whose work carries aporias, the answer to this fundamental question lies in literary writing. In this dissertation, we will question the notion of literary sovereignty (Menke), which allows us to think the crisis of non-aesthetic discourses (historical, judicial, journalistic, for example) in Duras' work, as well as the engagement of the author through her writing, which alone can bear her opposing and violent positions, but also "the black mourning of life, the commonplace of all thought". First, we will study the singularity of Duras' engagement ; if the political engagement in her public life is marked by many upheavals, we will be able to observe, from the analysis of the text "Sublime, forcément sublime Christine V." (1985), how an engagement (Sartre, Barthes) through literature appears in the author's writing. This writing also bears a certain oracular capacity, establishing clairvoyance as one of the sources of literary sovereignty. Through the study of "La mort du jeune aviateur anglais" (1993), we will then explore the particularity of the posture and enunciation (Meizoz) of Duras, as well as the possibility of the confrontation of aporia that literary discourse offers. The word of the other and the word of the dead is appropriated for the benefit of the mythical narrative, evacuating the historical and documentary dimensions of testimony in order to move towards a universalizing parable. Finally, through an analysis of La douleur (1985) and its paratext, we will see how the rewriting of texts before their publication inscribes them in an strong commitment, more akin to the project of literary engagement that Duras weaves in the last ten years of his career. Duras' writing in this work shows how literary discourse can represent the crisis of thought and of other discourses. This crisis of discourse and thought, which can be found in the three texts studied in this dissertation, will allow us to think about literary sovereignty in Marguerite Duras' writing.

L'Internet connaît à nouveau une expansion drastique. En plus des terminaux classiques, il permet aujourd'hui d'interconnecter toute sorte d'objets connectés permettant la capture d'événements depuis l'environnement considéré, mais également le contrôle à distance de cet environnement. Plusieurs milliards de ces objets sont ainsi amenés à l'horizon 2020 à contribuer à l'avènement de l'Internet des Objets (IoT). Ce paradigme, qui étend le concept de Machine-to-Machine (M2M), ouvre la voie à de nouveaux usages tels que la domotique, la télésurveillance, ou encore les usines du futur. Plusieurs architectures ont été proposées pour structurer l'IoT. Leur fondement est basé sur une vision en quatre niveaux : le niveau Équipement, qui comporte les objets connectés, le niveau Réseau contenant les différentes technologies nécessaires aux échanges, le niveau Intergiciel (ou Middleware) qui offre aux applications une couche d'abstraction des niveaux sous-jacents, et enfin le niveau Application qui consiste en l'ensemble des applications concourant, via leurs interactions avec les objets connectés, à la réalisation d'une activité métier. Nos travaux se positionnent au niveau Middleware sur la base de l'architecture définie dans le cadre des standards SmartM2M puis oneM2M. Plusieurs problématiques sont amenées à être (re)-posées dans ce contexte. Nous nous intéressons essentiellement à celle de la qualité de service (QoS - Quality of Service) exprimée par certaines applications métiers. Les solutions proposées en réponse à cette problématique concernent principalement le niveau Réseau. Au niveau Middleware, les standards se focalisent essentiellement sur la proposition d'architectures et de services fonctionnels. Les besoins non fonctionnels, typiquement orientés QoS, ne sont que peu ou pas considérés. Parallèlement, les solutions propriétaires ne considèrent pas l'évolution dynamique du contexte et des besoins. Face à ces limites, nous proposons une approche de gestion dynamique, i.e. durant l'exécution du système, et autonome induisant un minimum d'intervention humaine. La gestion proposée, guidée par des modèles, porte sur des actions de reconfiguration comportementales et structurelles touchant au trafic applicatif et/ou sur les ressources de niveau Middleware / The Internet is experiencing a drastic expansion again. In addition to conventional terminals, it now allows to interconnect all kinds of connected objects allowing the capture of events from the considered environment, but also the remote control of this environment. Billions of these objects are thus led in 2020 to contribute to the advent of the Internet of Things (IoT). This paradigm, which extends the Machine-to-Machine (M2M) concept, paves the way for new uses such as home automation, remote monitoring, or even the factories of the future. Several architectures have been proposed to structure the IoT. Their foundation is based on a vision in four levels: (1) Equipment level, which includes the IoT equipment, (2) Network level containing the various technologies for data exchanges, (3) Middleware level, which offers applications an abstraction layer for underlying levels, and finally, (4) Application level, which consists of the set of applications contributing, via their interactions with the connected objects, to the realization of a business activity. Our work is positioned at Middleware level and is based on the architecture defined in the SmartM2M and then oneM2M standards. Several challenges have to be (re)considered in this context. We are mainly interested in the Quality of Service (QoS) issue expressed by some business applications. Proposals addressing this issue essentially target the Network level. For the Middleware level, standards focus mainly on the proposal of architectures and functional services. The non-functional requirements, typically QoS, are little or not considered. Meanwhile, proprietary solutions do not consider the dynamic evolution of the context and requirements. In response to these limitations, we propose a dynamic management approach, i.e. during the execution of the system, and autonomous, i.e. without human intervention. The proposed management, guided by models, focuses on behavioural and structural reconfiguration actions related to application traffic and/or Middleware resources.

Dans Certainement Pas, je m’intéresserai à la problématique du jeu littéraire dans son rapport à la contrainte. Comment Chloé Delaume réussit-elle dans un premier temps à s’approprier un certain nombre de discours culturels et de formes a priori extralittéraires pour ensuite les transformer? Dans un second temps, comment s’y prend-elle pour « phagocyter » dans son écriture une pléthore de références littéraires? Conséquemment, quelle conception de la littérature livre-t-elle? Veut-elle, par l’aspect ludique de son roman, rendre un hommage filial aux auteurs d’hier et ainsi adopter une position empreinte de dévotion? Essaye-t-elle, au contraire, de « déchiqueter-dégurgiter » ces textes paternels et agir en iconoclaste? En procédant de cette façon, détruit-elle ou non le mythe de l’originalité en littérature? Finalement, comment s’effectue la réception de son texte ? Jouer le je est un projet d’écriture prolongeant les réflexions sur la place du jeu et de la contrainte dans la littérature. Prenant la forme d’une pièce de théâtre, il cherche à travailler la problématique de l’automatisme langagier actuel et devient une tentative de destruction de celui-ci. Ce texte met en scène deux personnages. La protagoniste principale, une jeune femme de vingt-cinq ans nommée Plume Liddell, étudiante en immunologie souffrant de dyslexie linguistique, participera à six séances de psychothérapie au cours desquelles elle parlera d’elle-même. L’autre personnage: la psychologue, restera muette ou presque tout au long des séances. / In Certainement Pas, I will be focusing on the problematic of the literary game and its relation to the constraint. First, how does Chloé Delaume manage to appropriate multiple extra-literary cultural discourses and forms a priori, in order to then transform them? Second, how is she able, within her style of writing, to "phagocyte" a vast quantity of literary references? Consequently, what concept of literature does she provide the reader? Does she aspire, by modeling her novel on a game, to filially acknowledge past authors, thus adopting a devoted position? Or, does she conversely attempt to "dissect/ regurgitate" these paternal texts in order to act iconoclastically? In this manner, does she succeed in destroying the myth of originality in literature? Last but not least, how is her text interpreted and received by the reader? Jouer le je is a literary project which broadens and pushes the boundaries of reflections on the role that the game and the constraint play in literature. Written as a play, the text seeks to hone the problematic of linguistic automatism, thus becoming a tool of the latter's destruction. The text features two characters. The principal protagonist, a young twenty-five year old woman named Plume Liddell studying immunology and suffering of linguistic dyslexia, shall participate in six psychotherapy sessions during which she will describe herself. The second character, the psychologist, will not speak for the greater part of the sessions.

Toutes les illustrations qui ponctuent cette thèse ont été réalisées par Chantal Poirier. Elles ont été insérées dans le texte selon un ordre méticuleusement aléatoire. / Le texte qui suit, malgré son libellé onomastique (le nom « John Cage »), son orientation disciplinaire (la « théorie littéraire ») et sa visée thématique (« la révision du commentaire critique »), se place d’emblée dans une posture d’écriture et de création. Il consiste à proposer comme point de départ l’identité de la forme textuelle et de sa dérivation métatextuelle, en d’autres mots : de la voix citée et analysée avec l’autre voix citante et analysante. Cette prémisse dérive elle-même d’une confrontation locale : les spécificités et les idiosyncrasies de la textualité mise en place par John Cage à partir des années quarante (partitions littéraires des recueils Silence et A Year from Monday, mésostiches de M et X, réécritures et « writing through » d’Empty Words…). En effet, l’examen par la théorie littéraire d’un corpus aussi disséminé et « néologique » que l’est celui de John Cage pousse son rédacteur à poser la question de sa propre écriture (« autoréflexivité ») et à rendre possible une réalisation artistique personnelle (« performativité »). C’est donc à travers la contingence d’une langue et d’une subjectivité au travail que la théorisation (textuelle) du texte cherche ici à s’élucider et à s’écrire. Le travail commence par installer les modalités à la fois circulaires et circulatoires de la théorie littéraire, une tension rhétorique et épistémologique qu’il identifie sous le nom d’« aporie autoréflexive » (le texte théorique est concerné par la question de lui-même). Il s’efforce ensuite d’analyser la nouveauté de l’œuvre littéraire cagienne, en empruntant un schéma dialectique et antagoniste : d’un côté, une « textualité-objet », originale et orthographique, de l’autre, une « textualité-sujet », disséminante et intertextuelle, anarchique et jubilatoire. Enfin, le texte propose la révision, la recomposition, la « réécriture » du commentaire critique sur les bases nouvelles d’une textologie autoréflexive et performative — une indiscipline d’écriture qui utilise sciemment les coordonnées linguistiques de son élocution (néologie, typographisme, procédés citationnels…) et qui fait place sans camouflage ou refoulement à la personnalité intertextuelle, contextuelle, métissée du rédacteur. Par l’entremise d’une sorte d’« exemplarité textuelle » (Cage), ce travail insiste pour une synthèse à la fois productive et expressive des voix analysées et analysantes dans les études littéraires. On verra que, par moments, cette proposition implique que le texte se marginalise. / The following text, despite its onomastic labelling (the name “John Cage”), its disciplinary orientation (“literary theory”), and its thematic aim (“the revision of the literary commentary”), positions itself as a writing and creative venture. It starts by stating the strict identity of texts and metatexts, in other words, of the quoted, analyzed voice, with the quoting, analyzing other voice. This premise derives from a specific confrontation: the specificities and idiosyncrasies of John Cage’s literary production since the late 1940s (the literary scores from the anthologies Silence and A Year from Monday, the mesostics from M and X, the rewritings and “Writing through’s” from Empty Words…). Indeed, the examination by literary theory of a body of work as disseminated and “neological” as John Cage’s encourages the literary critic or theoretician to ask the question of his own writing (“self-reflexivity”) and also to make possible an original artistic realization (“performativity”). It is therefore through the possibilities of a language and of a subjectivity at work that the (textual) theorization of texts tries herein to elucidate and to write itself. This work starts by setting up the modalities both circular and circulatory of literary theory—a rhetorical and epistemological tension that will be identified as the “self-reflexive aporia” (the theoretical text is primarily concerned by the question of itself). It then tries to analyze the novelty of Cage’s literary work, using a dialectical and antagonistic configuration: on one hand, an “objective textuality”, original and orthographical; on the other hand, a “subjective textuality”, disseminating and intertextual, anarchic and unrestrained. Finally, this text proposes the revision, recomposition and “rewriting” of the critical commentary on the basis of a new self-reflexive and performative textology. That is: a sort of undiscipline in writing that knowingly manoeuvres the linguistic coordinates of its elocution (neology, typographism, quotation processes…) and that does not try to conceal or repress the intertextual, contextual, heterogenous and disparate personality of its author. Through a sort of “textual exemplarity” (Cage), this work insists on a synthesis both productive and expressive between the voices analyzing and the voices being analyzed. We will see accordingly that this proposition implies, from time to time, that the text be marginalized.