Este trabalho é o resultado do mergulho no universo da montagem e das apresentações da peça Os Reis Vagabundos do grupo teatral Tear, de 1982, rememorado pelos participantes da criação bem como pelo seu público. Esta peça é considerada um marco do teatro gaúcho e onde sua encenadora, Maria Helena Lopes, lançou mão de seus principais conceitos de trabalho: jogo dramático, improvisação, técnicas de clown e análise de movimento. / This work is consequence of the plunge into the production and the shows universe of the Tear group‟s play The Stray Kings (Os Reis Vagabundos), from 1982, evocated by the creation crew as well as by its audience. This play is ponderated as a landmark of gaucho theatre where its director, Maria Helena Lopes used her main work concepts: play, improvisation, clowning and movement analysis.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fernanda Raquel.pdf: 4548837 bytes, checksum: bf82a2dcd5cb2eb54120d565dd8c0866 (MD5) Previous issue date: 2009-10-05 / Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de São Paulo / The goal of this dissertation is to analyze two strategies of politicization of the body: the work of the Japanese theater group Gekidan Kaitaisha, connected to the thinking of the sixties avant-garde in Japan, and the investigations of the Brazilian choreographer Cristian Duarte who has created what we call temporary collectives". The issues that contaminate these experiences were the starting point to rethink possible body-environment interactions in the scene, as well as intercultural mediation processes. The common trait of the trajectories of these artists are the ways to give visibility to the power relations in the environments where they operate. Therefore, although living in very different cultures, both Gekidan Kaitaisha and Cristian Duarte s temporary collectives have questioned the notions of identity, origin and influence, making cracks emerge in stable conceptions of the body and culture, and opening various types of dialogue between East and West. Starting from an undisciplined approach, the theoretical frame of reference of this dissertation was based on the mediabody studies of Christine Greiner and Helena Katz (2001), in the discussion of cultural identity and hybridism conducted by Homi Bhabha (2003), and concepts of politics and politicization of Giorgio Agamben (2001, 2002 and 2006). The works of Muniz Sodré (2002 and 2006) and Jesús Martín-Barbero (1997) were essential to clarify the understanding of communication that guided the present research whose point of departure is the analysis of mediation processes offered by the selected experiences and its sensitive strategies. In addition to the bibliographic research, the methodological procedure included two field researches: the experience with Gekidan Kaitaisha during the studies developed in Japan, and the residence with the choreographer Cristian Duarte in São Paulo. This dissertation study the possibility of politicization of the body and the scene, from communication strategies that dislocate what is considered stable and closed into a field of instability and permeability characteristic of all bodily phenomena / O objetivo desta dissertação é analisar duas estratégias de politização do corpo: o trabalho do grupo de teatro japonês Gekidan Kaitaisha, vinculado ao pensamento de vanguarda dos anos sessenta no Japão; e a pesquisa desenvolvida pelo coreógrafo brasileiro Cristian Duarte que tem criado o que nomeamos de "coletivos temporários". As questões que contaminam estas experiências foram o pretexto necessário para repensar possíveis interações entre corpo-ambiente na cena, assim como processos de mediação entre culturas. O traço comum observado na trajetória destes criadores está nos modos de dar visibilidade às relações de poder presentes nos ambientes onde atuam. Portanto, embora vivam em culturas muito distintas, tanto o grupo Gekidan Kaitaisha, quanto os coletivos temporários de Cristian Duarte têm questionado as noções de identidade, origem e influência, fazendo emergir fissuras nas concepções estáveis do corpo e da cultura, e abrindo diferentes possibilidades de diálogo entre Oriente e Ocidente. A partir de uma abordagem indisciplinar, o quadro de referência teórica desta dissertação fundamentou-se nos estudos do corpomídia elaborados por Christine Greiner e Helena Katz (2001), na discussão acerca de identidade cultural e hibridismos realizada por Homi Bhabha (2003), e nas noções de política e politização de Giorgio Agamben (2001, 2002 e 2006). As obras de Muniz Sodré (2002 e 2006) e de Jesús Martín-Barbero (1997) apresentam-se também como fundamentais para explicitar o entendimento de comunicação que norteia a presente pesquisa, que tem como ponto de partida a análise dos processos de mediação propostos pelas experiências selecionadas e suas estratégias sensíveis. Além da pesquisa bibliográfica, o procedimento metodológico incluiu dois estudos de campo: a vivência com o grupo Gekidan Kaitaisha durante o período de estudo no Japão, e um período de residência em São Paulo com o coreógrafo Cristian Duarte. Esta dissertação estuda a possibilidade de politização do corpo e da cena, a partir de estratégias de comunicação que deslocam aquilo que é apresentado como estável e fechado para um campo de instabilidades e permeabilidade característico de todos os fenômenos corporais

Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-09-17T18:22:17Z No. of bitstreams: 1 TESE MARTON SERGIO MOREIRA MAUÉS.pdf: 6452038 bytes, checksum: ea486170c8408f8163cefee8e916f499 (MD5) / Approved for entry into archive by Marly Santos (marly@ufba.br) on 2018-09-17T19:21:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE MARTON SERGIO MOREIRA MAUÉS.pdf: 6452038 bytes, checksum: ea486170c8408f8163cefee8e916f499 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-17T19:21:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE MARTON SERGIO MOREIRA MAUÉS.pdf: 6452038 bytes, checksum: ea486170c8408f8163cefee8e916f499 (MD5) / O presente trabalho busca desvelar a poética do grupo de teatro Palhaços Trovadores, de Belém do Pará, em atividade há 14 anos, descrevendo seus elementos constitutivos e como estes elementos são dominados e utilizados em seus espetáculos, definido assim seu modo próprio de fazer teatro com palhaços. Pretende ainda confirmar a hipótese de que esta poética, nomeada de Poética da Recorrência, já é percebida pelo público que acompanha o trabalho do grupo. Para isso, utilizou-se, como experimento, a criação do espetáculo “O Mão de Vaca”, livre adaptação do clássico de Molière “Avarento”, dentro de um Processo Colaborativo, que contou inclusive com a participação do público, através de realização de ensaios abertos, realizados em uma praça pública da cidade de Belém, durante três meses seguidos. / This study aims to reveal the poetic of the Troubadours Clowns theater group from Belém, Pará, under activity for 14 years, describing its constitutive elements and how the group dominates and uses these elements in their spectacles, defining so their own way of doing theater with clowns. The research also aims to confirm the hypothesis that this poetic, named Recurrence Poetic, is recognized by the public that follows the group’s work. For this purpose, as an experiment, we created the play "The Cow Hand Man", free adaptation from Moliere's classic, "Miser," on a Collaborative Process, which also included the public’s participation, through performing open trials, which occured on a public square in Belém, during three consecutive months.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:51:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 PATRiCIASILVEIRA.pdf: 895759 bytes, checksum: 112999a3859ffe85312e047b510e9b68 (MD5) Previous issue date: 2012-03-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho discute a relacao entre escrita e oralidade na criacao de dramaturgia. Analisa as caracteristicas especificas de cada modo de utilizar a linguagem verbal, questionando os paradigmas estabelecidos nas formas de entender o texto teatral. Para isso, questiona o tratamento dado as criacoes orais dos atores em situacoes nas quais nao contam com um texto escrito em sua origem para a construcao do texto verbal. Entende que a escrita constitui uma forma de tecnologia para construcao textual surgida ao longo da historia e que, nesse sentido, nao da conta da totalidade da experiencia com a linguagem verbal em sua totalidade. O objetivo e recolocar a criacao oral do ator sob outro ponto de vista, entendendo suas caracteristicas a partir da discussao sobre a oralidade e colaborar, desse modo, para uma melhor utilizacao desse recurso em processos que o utilizem para a construcao do texto final ou texto espetacular. Os principais teoricos utilizados foram Walter Ong, que estuda as relacoes paradigmaticas entre escrita e oralidade, as quais, segundo ele, representam formas mentais e culturais distintas de relacionar-se com a linguagem verbal, o que conduz a procedimentos de criacao verbal e caracteristicas especificas para cada forma de textualidade; e Paul Zumthor, o qual reflete sobre essas diferencas no campo da arte, entendendo que a criacao essencialmente oral pressupoe construcao verbal e performance vocal na mesma instancia de criacao, dando-se, no caso da improvisacao, no mesmo tempo e espaco da performance. A metodologia utilizada foi o levantamento e analise de fontes bibliográficas sobre escrita, oralidade e o texto no teatro, o acompanhamento dos ensaios e realizacao de entrevistas com um grupo teatral que baseia seu processo de construcao de dramaturgia na improvisacao do ator (Grupo teatral UTA Usina do Trabalho do Ator, da cidade de Porto Alegre); e descricao e analise de exercicios de improvisacao, desenvolvidos numa experiencia pratica realizada durante a pesquisa, para a construcao de dramaturgia. A partir dos dados observados e da pratica desenvolvida, inicialmente, foi possivel perceber que a escrita e a oralidade possuem formas distintas de serem experienciadas e produzidas pelo ator, o que reflete em certas diferencas na construcao do texto teatral. Essas diferencas, mais do que determinarem resultados, referem-se a aspectos do processo de construcao do texto verbal, modo como ele pode ser contextualizado e, consequentemente, experienciado enquanto obra teatral. Contudo, essas questoes ainda nao sao completamente reconhecidas pela teoria do texto teatral, a qual oferece um entendimento sobre o signo linguistico no teatro como algo essencialmente ligado ao fenomeno da escrita. Alem disso, foi visto que uma dramaturgia criada oralmente, sem a utilizacao da escrita enquanto tecnica de composicao textual, tende a colocar corpo e palavra como suportes um do outro, construindo uma unidade criativa para o ator. Esta criacao verbal parte de uma relacao signica constituida de todos os elementos teatrais envolvidos na elaboracao cenica e, por isso, apenas nesse contexto pode assumir valor estetico e formal de obra teatral. O reconhecimento das caracteristicas e das diferencas entre escrita e oralidade na elaboracao do texto de teatro pode orientar novas buscas para a construcao de dramaturgia a partir do trabalho do ator, assim como trazer novas luzes ao papel do signo linguistico no evento teatral, amparando-se, para isso, na problematizacao e na criacao de novos olhares sobre a relacao entre corpo e palavra

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:18:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rodolfo Goncalves Araujo.pdf: 1515396 bytes, checksum: a2bb9e7bc3edca25f6e85f797e291719 (MD5) Previous issue date: 2010-05-11 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This research draws a contemporary landscape of scenic productions that use recent information and communication technologies in order to develop new aesthetical proposals and, from them, amplify their potentials in terms of content, sensoriality and creativity. In this way, the investigation takes the Play on Earth series as starting point, performed in two phases. The first one, a namesake drama, connected in 2006 – in the same creative process and public presentations – three groups from different countries: Brazil (Phila7), England (Station House Opera) and Singapore (Theatre Works). Two years later, the show What’s Wrong with the World gave sequence to the project unifying again the Brazilian and English companies that worked in the precedent play. In the project, the most important point is the development of both spectacles by using real-time Internet connection in order to link the participant groups since de first rehearsals up to the exhibition to the spectators. This live and networked union brings some impacts that are common to the contemporary stage works and highlights the important role of communication in these creative processes. Thus, the research intends to update this context and establish conceptual limits that contribute to the creation of parameters and benchmarks around the theme. Exploratory, based on interviews with those involved in the project, literature review of similar initiatives and studies of the documentary shows, the research - from a post-structuralist approach guided mainly in the visions of Gilles Deleuze and Felix Guattari - deconstructs the object to then identify points of intersection and difference to the current setting of stage productions. Basically, the research holds up the concept of remediation, approached by Jay Bolter and Richard Grusin, establishing dialogues with the machinic assemblages of Guattari and cybridism - interconnection between spaces on and offline - studied by Giselle Beiguelman. As a result, large points are identified guiding the confluence of art, technology and performance as well as giving concrete examples of this scenario in several layers of analysis involving the language of drama throughout the process of creation / Esta pesquisa tem como principal objetivo traçar um panorama contemporâneo acerca das produções cênicas que lançam mão das mais recentes tecnologias de informação e comunicação para desenvolverem novas propostas estéticas e, a partir delas, ampliarem seus respectivos potenciais de conteúdo, sensórios e criativos. Neste sentido, a investigação toma como ponto de partida a série Play on Earth, realizada em duas etapas. A primeira, que consistiu em montagem cênica homônima, conectou em 2006 - em um mesmo processo de criação e apresentação pública - três companhias de diferentes países: Brasil (Phila7), Inglaterra (Station House Opera) e Cingapura (Theatre Works). Dois anos depois, o espetáculo What’s Wrong with the World deu sequência ao projeto ao unir as companhias brasileira e inglesa que participaram da montagem anterior. Como ponto de destaque no empreendimento, ressalta-se o desenvolvimento de ambas as obras por meio da conexão em tempo real via Internet que colocava os grupos envolvidos em conversação simultânea dos primeiros ensaios às exibições para os espectadores. Esta união em tempo real e reticular traz uma série de impactos que tocam aspectos comuns aos trabalhos cênicos contemporâneos e ressaltam o importante papel da comunicação nestes processos criativos. Desta maneira, a pesquisa pretende atualizar este contexto e estabelecer limites conceituais que contribuam para a criação de parâmetros e referenciais ao redor do tema. De caráter exploratório, fundamentada em entrevistas com os envolvidos no empreendimento, revisão bibliográfica de iniciativas congêneres e estudos documentais dos espetáculos, a investigação - a partir de uma abordagem pós-estruturalista pautada principalmente nas visões de Gilles Deleuze e Felix Guattari - visa desconstruir o objeto para, então, identificar pontos de cruzamento e diferença perante o cenário atual das produções cênicas. Basicamente, a pesquisa sustenta-se no conceito de remidiação, abordado por Jay Bolter e Richard Grusin, a partir do qual se estabelecem diálogos com os agenciamentos maquínicos de Guattari e o cibridismo – interconexão entre espaços on e off-line – trabalhado por Giselle Beiguelman. Como resultado, são identificados grandes pontos norteadores da confluência entre tecnologias recentes e estéticas performáticas, bem como exemplos que dão concretude a este panorama nas mais diversas camadas de análise que envolvem a linguagem cênica em todo o seu processo de criação

Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de Minas Gerais / En partant de l hypothèse centrale de ce travail, que Dar não dói, o que dói é resistir selon le groupe Tá na Rua, qui a cherché à construire une mémoire de soi, en associant son image à un ―théâtre sans architecture, une dramaturgie sans littérature ou un acteur sans rôle‖, nous avons analysé que Tá na Rua a assimilé son apparition à la période historique de dictature militaire. Pour autant, nous démontrons que tout pendant que le groupe s était placé comme avant-gardiste, comme pionnier dans un théâtre réalisé à lextérieur, cela a été un mouvement caractéristique des années 1960-1970 au Brésil et dans le monde. Nous avons de même examiné quelle image d Amir Haddad fut créée par lui-même, par les acteurs de Tá na Rua et par les médias. Les réflexions mirent en lumière la conception, l élaboration et les représentations de Dar não dói, o que dói é resistir avec l objectif de problématiser les versions du groupe comme un théâtre libre, spontané, dans lequel il n y a pas de rôles définis pour chaque acteur et ouvert à la participation du public. Certains que les documents produits par le groupe-même sont des indices de son histoire, nous avons ensuite feuilleté les matières journalistiques au travers desquelles nous pouvons saisir comment le public, spécialement les journalistes, perçoit le groupe et comment il peut aider à consolider une place pour le groupe dans le contexte théâtral brésilien. / Partindo da hipótese central deste trabalho, de que, ao elaborar Dar não dói, o que dói é resistir, o grupo Tá na Rua procurou construir uma memória de si, vinculando a sua imagem a um ―teatro sem arquitetura, dramaturgia sem literatura e ator sem papel‖, analisamos como o Tá na Rua associou o seu surgimento com o período histórico de ditadura militar. Para tanto, mostramos que, embora o grupo tenha se colocado como vanguarda, como pioneiro em um teatro realizado em espaços abertos, esse foi um movimento característico das décadas de 1960 e 1970 no Brasil e no mundo. Também examinamos qual a imagem de Amir Haddad foi criada por ele mesmo, pelos atores do Tá na Rua e pela mídia. As reflexões lançarão luz também na concepção, na elaboração e nas apresentações de Dar não dói, o que dói é resistir, com o intuito de problematizarmos as versões do grupo de um teatro livre, espontâneo, em que não há papéis definidos para cada ator e que está aberto à participação do público. Certos de que não somente os documentos produzidos pelo próprio grupo são indícios de sua história, também percorremos as matérias jornalísticas, através das quais podemos apreender como o público especialmente os jornalistas percebe o Tá na Rua e como pode ajudar a consolidar um lugar para o grupo no contexto teatral brasileiro. / Mestre em História

Made available in DSpace on 2016-04-27T19:31:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao NIRLENE NEPOMUCENO.pdf: 1745866 bytes, checksum: 150a4dae56efe46539196eaccdca7a04 (MD5) Previous issue date: 2006-06-27 / Fundação Ford / The objective of this dissertation is to catch organizations formed by black people between the last years of the 19th Century and the first decades of the 20th Century in Rio de Janeiro. Disregarded by the European immigrants in the post abolition period, the black man was forced to create his own identity and cultural reference. He became present in several places and urban activities. He discovered an alternative means of survival such as the entertainment world which started in Rio de Janeiro. There was a surprisiling predominance in show business of popular Brazilian black artists and other black artists from African Diaspora in Europe-The United States-Caribbean-Brazil circuit. This presence showed in an interweaving changing of contacts and tension. People influenced themselves, changed and broadcasted their own cultural products. Brazilian black artists used the amusement to expand discussions about important themes to all black people in the first decades after slavery ended / Esta dissertação procurou apreender formas de organização não institucionais da população negra no Rio de Janeiro, no período compreendido entre os últimos anos do século XIX e as três primeiras décadas do XX. Preterido pelo imigrante europeu no mundo do trabalho livre, o negro não se acomodou. Marcou sua presença em múltiplos espaços e afazeres urbanos, forçou brechas, movimentou-se de várias maneiras, inventando e conquistando lugares a partir de seus referenciais culturais de vida, criando alternativas de inserção que não foram reconhecidas pela lógica formal do trabalho moderno , como o mundo do entretenimento que começava a formar-se no Rio de Janeiro. Surpreendemos, nos palcos do espetáculo-negócio , uma presença predominantemente negra, reforçada por artistas afro-descendentes no que poderia ser chamado de circuitos Europa-Estados Unidos- Caribe-Brasil. Evidenciando entrelaçamentos e contínuos contatos, trocas e tensões entre diásporas negras de diferentes partes do mundo, que se influenciavam mutuamente, transformando e difundindo produtos culturais uns dos outros, artistas negros valeram-se do divertimento para ampliar discussões em torno de temas que afetavam diretamente o segmento negro da população nas décadas que se seguiram ao pós-abolição. Como grande expressão dessas dinâmicas de culturas negras acompanhamos a emergência, as relações e os enfrentamos de De Chocolat e a Companhia Negra de Revista no Rio de Janeiro, no período de 1926/27

A partir da compressão mais ferrenha da ditadura de 1964 no Brasil, e de um diálogo mais direto com as vanguardas que ocorrem no mundo, após 1968 abrem-se novas perspectivas de criação nas artes e, especificamente, no teatro, resultando numa revolução de comportamento e cultural que, apesar de nascer em pleno \"sufoco\", paradoxalmente apresenta uma riqueza de novas propostas. Tais propostas formarão o triângulo da contracultura (tropicalismo - movimento marginal - cultura alternativa) que marcará espaço na década de 1970 pela diferença. Na conquista do direito de confrontar-se com o estabelecido, em contraponto ao establishment, ao milagre brasileiro e a uma recepção crítica perplexa que, apesar de reconhecer certo mérito nestas manifestações, prioriza diagnosticar irracionalismo e alienação, o novo teatro inaugura muitos dos princípios, técnicas e procedimentos cênicos que abrirão espaço, a duras penas, para a liberdade definitiva da possibilidade de experimentar. A pesquisa que proponho tem como finalidade identificar: o que se entende por teatro experimental em seu nascedouro, no Brasil; como surgiu e operou dentro da arte e da cultura e se podem ser identificados momentos diversos com características próprias. Para uma melhor visualização dessas questões e como amostras de vertentes distintas dentro do teatro experimental no recorte estabelecido aqui, analiso, - de forma mais aprofundada -, os espetáculos Rito do Amor Selvagem, de José Agrippino de Paula e Maria Esther Stockler com o Grupo Sonda, 1969; Gracias, Señor, primeira criação coletiva do Teatro Oficina, 1972; e Trate-me Leão , do Asdrúbal Trouxe o Trombone, 1978. Por meio destes resgates podemos avaliar qual os legados imediatos e os menos visíveis que esses trabalhos e tendências deixaram para as próximas gerações, inclusive a nós que aqui estamos em pleno segundo milênio. / From the more inclement pressing of 1964-Brazilian dictatorship, and the more direct dialogue with the vanguards that emerged in the world, after 1968, new perspectives of creation opened in the arts and specifically in the theater fields, resulting in a behavioral and cultural revolution that, although born under \"asphyxia\", paradoxically presented a wealth of new proposals, which constituted the triangle of the Counterculture (Tropicalism - Marginal Movement -Alternative Culture) that would impress the 1970s with the difference mark. To conquer the right to fight what was already established, as a counterpoint to the establishment, to the Brazilian Miracle and to a mesmerized critical reception - that although recognizing some merit in these demonstrations, prioritizes diagnosing alienation and slavery - the New Theater inaugurates many of the scenic principles, techniques, and procedures that would arduously open space to the utmost freedom in the experimenting possibilities. The aim of this study is to identify what is meant by experimental theatre in its emerging state in Brazil; how did it come forth and operate within art and culture; and if diverse moments with specific characteristics can be identified. To better view these issues and view them as different strands samples within the experimental theatre scope defined hereby, I will analyze in greater detail and depth the plays Rito do Amor Selvagem, by José Agrippino de Paula and Maria Esther Stockler, with the Group Sonda, 1969; Gracias, Señor, the first collective creation by Teatro Oficina, 1972; and Trate-me Leão, by Asdrúbal Trouxe o Trombone Group, 1978. By means of these recovering procedure, we are able to assess what is both the immediate and the less visible legacy these plays and trends left to following generations, including us, here, in the second millennium.

A partir da compressão mais ferrenha da ditadura de 1964 no Brasil, e de um diálogo mais direto com as vanguardas que ocorrem no mundo, após 1968 abrem-se novas perspectivas de criação nas artes e, especificamente, no teatro, resultando numa revolução de comportamento e cultural que, apesar de nascer em pleno \"sufoco\", paradoxalmente apresenta uma riqueza de novas propostas. Tais propostas formarão o triângulo da contracultura (tropicalismo - movimento marginal - cultura alternativa) que marcará espaço na década de 1970 pela diferença. Na conquista do direito de confrontar-se com o estabelecido, em contraponto ao establishment, ao milagre brasileiro e a uma recepção crítica perplexa que, apesar de reconhecer certo mérito nestas manifestações, prioriza diagnosticar irracionalismo e alienação, o novo teatro inaugura muitos dos princípios, técnicas e procedimentos cênicos que abrirão espaço, a duras penas, para a liberdade definitiva da possibilidade de experimentar. A pesquisa que proponho tem como finalidade identificar: o que se entende por teatro experimental em seu nascedouro, no Brasil; como surgiu e operou dentro da arte e da cultura e se podem ser identificados momentos diversos com características próprias. Para uma melhor visualização dessas questões e como amostras de vertentes distintas dentro do teatro experimental no recorte estabelecido aqui, analiso, - de forma mais aprofundada -, os espetáculos Rito do Amor Selvagem, de José Agrippino de Paula e Maria Esther Stockler com o Grupo Sonda, 1969; Gracias, Señor, primeira criação coletiva do Teatro Oficina, 1972; e Trate-me Leão , do Asdrúbal Trouxe o Trombone, 1978. Por meio destes resgates podemos avaliar qual os legados imediatos e os menos visíveis que esses trabalhos e tendências deixaram para as próximas gerações, inclusive a nós que aqui estamos em pleno segundo milênio. / From the more inclement pressing of 1964-Brazilian dictatorship, and the more direct dialogue with the vanguards that emerged in the world, after 1968, new perspectives of creation opened in the arts and specifically in the theater fields, resulting in a behavioral and cultural revolution that, although born under \"asphyxia\", paradoxically presented a wealth of new proposals, which constituted the triangle of the Counterculture (Tropicalism - Marginal Movement -Alternative Culture) that would impress the 1970s with the difference mark. To conquer the right to fight what was already established, as a counterpoint to the establishment, to the Brazilian Miracle and to a mesmerized critical reception - that although recognizing some merit in these demonstrations, prioritizes diagnosing alienation and slavery - the New Theater inaugurates many of the scenic principles, techniques, and procedures that would arduously open space to the utmost freedom in the experimenting possibilities. The aim of this study is to identify what is meant by experimental theatre in its emerging state in Brazil; how did it come forth and operate within art and culture; and if diverse moments with specific characteristics can be identified. To better view these issues and view them as different strands samples within the experimental theatre scope defined hereby, I will analyze in greater detail and depth the plays Rito do Amor Selvagem, by José Agrippino de Paula and Maria Esther Stockler, with the Group Sonda, 1969; Gracias, Señor, the first collective creation by Teatro Oficina, 1972; and Trate-me Leão, by Asdrúbal Trouxe o Trombone Group, 1978. By means of these recovering procedure, we are able to assess what is both the immediate and the less visible legacy these plays and trends left to following generations, including us, here, in the second millennium.