Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / A tese analisa a obra de Rubem Fonseca e Pedro Juan Gutiérrez sob o ponto de vista da abjeção, do nojo, do choque e do trauma, suas aproximações e diferenças, partindo das várias noções de realismo até chegar ao realismo sujo, termo cunhado para designar toda uma a geração de jovens escritores americanos e latino-americanos, surgidos a partir dos anos 80. Aborda ainda as estratégias utilizadas por Fonseca (nas décadas de 60, 70 e 80) e Gutiérrez (nos anos 90 e 00) para lidar com a ditadura, respectivamente no Brasil e em Cuba, traçando um breve panorama do cenário literário cubano contemporâneo. Por fim, o trabalho discute o realismo vazio, que se caracteriza pela perda da fé nas utopias. O trabalho se apóia nas categorias teóricas utilizadas por Hal Foster, Julia Kristeva e Mário Perniola. / The thesis analyses Rubem Fonsecas and Pedro Juan Gutiérrezs fiction under the point of view of abjection, disgust, shock and trauma, their similarities and differences, starting with the different notions of Realism and reaching dirty realism expression used to identify a generation of young American and Latinamerican writers that started to publish in the 1980s. It also broaches the strategies to deal with dictatorship in Brazil and in Cuba, drawing a brief map of the contemporary Cuban literary scenario. Finally, the work discusses the empty realism, which is marked by the loss of the faith in the Utopia. The project is supported by the theoretical categories used by Hal Foster, Julia Kristeva and Mário Perniola.

A presente tese pretende estabelecer as confluências entre romances de três autoras distintas. Partindo de um viés womanista, dois romances de cada escritora foram analisados e suas similaridades enfocadas, principalmente no que concerne ao tratamento dado às personagens femininas. A tese é composta de cinco capítulos. O primeiro lida com conceitos e temas subjacentes ao debate em torno das literaturas produzidas pelas chamadas minorias. Já o segundo, mergulha no universo literário de Conceição Evaristo, nossa autora afro-brasileira. O terceiro segmento aborda a literatura da afro-americana Toni Morrison. No quarto capítulo, enfocamos a obra da moçambicana Paulina Chiziane. A costura do texto é alinhavada no quinto capítulo, quando tecemos considerações finais sobre as semelhanças e particularidades de cada autora / The present thesis intends to establish the confluences between novels by three distinct authors. From a womanist perspective, two novels by each author were analyzed and their similarities were highlighted, especially concerning the treatment provided to the female characters. The thesis is made up of five chapters. The first one deals with concepts and themes underlying the debate about the literatures produced by the so-called minorities. The second chapter dives into the literary universe of our Afro-Brazilian writer, Conceição Evaristo. The third segment of the thesis focuses on the literature of the Afro-American Toni Morrison. The fourth sheds light on the works of the Mozambican Paulina Chiziane. The sewing of the text receives its finishing touches in the fifth chapter, where we elaborate final considerations on the similarities and peculiarities of each author

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / O contexto da Argentina da década de setenta é o cenário de personagens e narrativas que emergem do medo e permanecem, até os dias atuais, em posições de resistência e enfrentamento. Nessa paisagem marcada pela opressão do Estado militar, nascem as Madres de Plaza de Mayo, originadas pela tragédia do desaparecimento forçado de seus filhos. Investidas pela maternidade, elas rompem com a esfera privada para desestabilizar a esfera pública e questionar a memória de um país maculado pelo silenciamento, alcançando um protagonismo viável à reelaboração da dor, em mais de três décadas de luta em defesa de seus filhos. Paralelo às performances na Plaza de Mayo, elas esboçam um intento literário e publicam, durante a ditadura militar, seus primeiros poemas. O desejo anunciado de um encontro com a literatura ganha força no projeto das oficinas literárias, do qual são produzidos cinco livros, restando também um material inédito que servirá de base para publicações futuras. O encontro com a ficção viabiliza um processo narrativo empreendido rumo à reconstrução biográfica do ser responsável pelo nascimento do ator político Madre, quem se torna personagem de si mesma, recriando-se na escritura e propondo novos olhares à memória, ao testemunho. A reelaboração do trauma e o surgimento de uma discursividade capaz de ressignificar a ausência compõem os principais elementos desses textos. Em analogia a personagens como Antígona (de Sófocles), Hécuba (de Eurípides) e Pelagea Wlassowa (de Gorki- Brecht), elas confirmam uma postura de enfrentamento e se projetam como herdeiras de uma linhagem de mulheres que convulsionaram o público, a partir da entoação de um páthos coletivo. Em devoção aos seus desaparecidos insepultos, as Madres recriam um legado ao revés, presente na escritura e na reinvenção de personagens que encontram o caminho da sobrevivência na memória do filho / El contexto de la Argentina de los años setenta es el escenario de personajes y narrativas que provienen del miedo y permanecen hasta la actualidad en posiciones de resistencia y enfrentamiento. En este paisaje escrito por la opresión del Estado militar, nacen las Madres de Plaza de Mayo, originadas por la tragedia de la desaparición forzada de sus hijos. Investidas por la maternidad, ellas rompen con la esfera privada para desestabilizar la esfera pública y cuestionar la memoria de un país maculado por el silencio, alcanzando una situación de protagonismo viable a la reelaboración del dolor, en más de tres décadas de lucha por la defensa de sus hijos. Paralelo a las performances en la Plaza de Mayo, ellas esbozan un intento literario y publican durante la dictadura sus primeros poemas. El deseo anunciado de un encuentro con la literatura crece en el proyecto de las oficinas literarias, del cual son publicados cinco libros, quedando además material inédito que servirá de base para publicaciones futuras. El encuentro con la ficción viabiliza un proceso narrativo emprendido rumbo a la reconstrucción biográfica del ser responsable por el nacimiento del actor político Madre, quien se transforma en personaje de sí misma, recreándose en la escritura y proponiendo nuevas miradas hacia la memoria y el testimonio. La reelaboración del trauma y el surgimiento de una discursividad capaz de resignificar la ausencia componen los principales elementos de estos textos. En analogía a personajes como Antígona (de Sófocles), Hécuba (de Eurípides) y Pelagea Wlassowa (de Gorki-Brecht), ellas confirman una postura de enfrentamiento y se proyectan como herederas de un linaje de mujeres que convulsionaron al público a partir de la entonación de un páthos colectivo. En devoción a sus desaparecidos insepultos, las Madres recrean un legado al revés, presente en la escritura y en la reinvención de personajes que encuentran el camino de la supervivencia en la memoria del hijo

Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro / Na diversidade das postulações do (neo?) barroco latino-americano ensaiadas no século XX existe uma constante: o discurso político que é sobre-impresso à recepção das teorias européias do Barroco. A tese examina as relações entre essa politização, veiculada principalmente nos debates sobre a historiografia literária, e as representações da comida que aparecem em múltiplos textos ficcionais desde meados do século XIX até a década de 1970, sob a hipótese de que tal vinculação teria construído um complexo dispositivo retórico: uma retórica da comida que operaria politicamente no âmago da ficção. O objetivo não é demonstrar a hipótese, mas procurar estabelecer a possibilidade teórica dessa demonstração. A recepção na América Latina do barroco (como termo e como teoria) é examinada sob uma ótica heterodoxa, que tenta avaliar o papel do barroco na historiografia e nas leituras críticas do século XX. A proposta de análise das obras avança em torno de quatro tipos de representações da comida: a alimentação, a antropofagia, a fome e os banquetes. Trata-se, enfim, de uma leitura que, sem rejeitar totalmente as contribuições da historiografia nem as interpretações tradicionais, propõe conexões alternativas e singulares entre variadas obras de autores latino-americanos, por fora das limitações impostas nos modelos da literatura nacional ou da literatura continental / Within the diversity of new baroque Latin American postulations existing during the 20th century there is a constant: their political speech is submitted to the reception of European baroque theories. This paper analyzes the relationship between this politization diffused mainly throughout debates about literary historiography and the representation of food that appeared in different fictional texts since the middle of 19th century up to the seventieth of the 20th. That hypothesis sustained that such a linkage would erect a complex rhetorical mechanism --rhetoric of food-- which would politically act inside the essence of fiction. This paper aims to establish the theoretical possibility of this statement developing the topic in two parts. The first part refers to baroque reception in Latin America as a term and theory from a point of view of a heterodox perspective that tries to evaluate the roll of baroque in the historiography as well as in the critical readings all over the 20th. In the second part, the analysis of works proceeds around four types of food representation: alimentation, anthropophagi, starvation and banquets. Consequently, this paper is about a reading, which without refusing contributions made by historiography and traditional interpretations, proposes alternative and singular connections among a variety of works written by Latin American writers beyond the boundaries imposed in the patterns of national or continental literature

Na trilogia crítico-religiosa de José Saramago, constituída pelos romances Memorial do Convento, O Evangelho Segundo Jesus Cristo e Caim, torna-se possível perceber a presença recorrente do pensamento utópico, que, nas três obras em questão, não se revela como percepção idealística de uma realidade imutável, mas, tendo em vista a perspectiva filosófica de Ernst Bloch, revela-se como consciência aguda tanto do processo histórico quanto da práxis libertária. Na dinâmica constitutiva dessa consciência, pode-se delinear o encontro interativo dos tempos: um passado reconstituído criticamente pela ótica contemporânea, um presente permeado por intensa militância ideológica e, principalmente, a consciência de um futuro aberto como possibilidade concreta, o que viabiliza, naqueles romances, aspirações humanas por transformações radicais da ordem vigente. Esse encontro dos tempos, do ponto de vista estético-literário, substancializa-se na trilogia por intermédio essencialmente do recurso paródico: a revisitação crítica dos ícones e temas provenientes do universo judaico-cristão. Seja nas imagens desiderativas que retoma, seja no quadro conceitual que ironiza, seja, ainda, na constituição híbrida do romance, que esfacela o teor totalizante da narrativa tradicional, José Saramago parece extrair dos arquétipos religiosos uma intensidade subversiva que, na tessitura ficcional que elabora, atinge e questiona a construção metafísica erigida por séculos de judaísmo e cristianismo. Nos três romances do escritor lusitano, esse processo de releitura do passado aponta não somente para a impossibilidade, no contexto contemporâneo, de experiência com a cosmovisão totalizante da religião ocidental como também para a reconstituição existencial do mundo moderno, uma vez que, a partir de sonhos frustrados daquele passado, se tornaria possível materializar anseios utópicos latentes, represados na memória coletiva. Assim, o pensamento utópico, na trilogia saramaguiana, converte-se em névoa do tempo: no espaço múltiplo e complexo do romance, desnuda-se a dialética entre passado, presente e futuro, que, na sua dinamicidade constitutiva, abriga e gesta o novum, o ainda não / On José Saramagos critical religious trilogy, formed by the novels Memorial of the Convent, The Gospel According to Jesus Christ and Cain, the constant presence of an utopic way of thinking is perceptible. Thus it does not reveal itself primarily as an idealistic perception of an immutable reality. It is only when aiming at Ernst Blochs philosophical mindset that it appears as an acute awareness on both historical process and libertary practice. Through the dynamic constitution of this conscience, it is possible to outline the interactive encounter of times: a contemporary and rebuilt past, a present time full of ideological activism and most important of all, the conscience of an open, concrete and possible future. On those novels, this possibility enables a human craving for radical changes on the effective order feasible. This encounter of times, from an esthetic literary point of view, takes shape essentially through parody: the constant criticizing of icons and themes coming from the Judeo-Christian universe. Either on the heated images presented, on the mocked conceptual framework, or even on the hybrid constitution of the novel, which destroys the totalitarian tenor of a traditional narrative, José Saramago seems to draw out of religious archetypes a seditious intensity where, on the fictional weaving elaborated, he teases and questions the metaphysical construction supported by centuries of Jewish and Christian models. On a contemporary context of the novels, this revisited past reading process points out not only the impossibility of an all-absorving worldview existing on the occidental religion model but also to a modern world existential rebuilding process, considering that, through frustrated dreams from that past, an enabling of utopic desires trapped into collective memory would be possible. Therefore, the utopic thinking, on Saramagos trilogy, turns into mist: on the multiple and complex field of novel, a past- present- future dialectic is revealed, which through its dynamic constitution manages and keeps the novum, the not yet

Esta pesquisa tem por objetivo, em perspectiva comparada, analisar o encontro de duas artes: a literatura e a pintura, observado na obra O Barão de Lavos (1891), de Abel Botelho. O romance naturalista, com traços decadentistas, do escritor Abel Botelho que abre a série intiulada Patologia Social (1891) nos mostra, como diz José Carlos Seabra Pereira, um tempo em se convegiam o romantismo,o realismo e pretensões de modernidade baudealiriana (mais ou menos satanistas) (PEREIRA, 1995) e onde as diversas categorias das artes se encontram e se conjugam. Nesse cenário caótico, mas profícuo, temos este romance que estabelece a arte plástica como ponto focal dentro do texto. Analisa, sobretudo, o processo da escrita onde foi possível constatar a deformação do belo em grotesco ao longo do romance. Investiga a questão imagética encontrada no texto botelhiano, caracterizada através da gravura Rapto de Ganimedes; litografia de grande simbologia dentro dessa obra literária, pois representa o ideal estético idealizado pelo próprio Barão, e tudo de significativo que compõe a trajetória e as emoções de D. Sebastião ao longo de sua vida, portanto permeando e atravessando toda narrativa / The objective of the research presented is analysing in a compared perspective basis the combination of two types of art: literature and painting, observed in the book "The Baron of Lavos" (1891) by Abel Botelho. The naturalist romance, with decadent traces, of the writer Abel Botelho launches the series entitled Social Patology (1891) showing, as said by José Carlos Pereira (Pereira, 1995), "a time when the romantism, realism and baudealirian modern purpose (a bit satanic) would converge". The various range of art categories are joined as well. In the caotic but fruitful scenary a romance in which plastic art is the focus of the text is set. It is mainly analysed, as the romance unfolds, the writing process where it was possible to observe the deformation of beautiful in to grotesque. The image issue caractherized by the litograph Kdinapping of Ganimedes is investigated. The cited litograph plays an important role in this literary work as it represents not only the esthetic ideal idealized by the Baron himself but also the very meaning of the trajectory and emotions of D. Sebastian during his life

Desde que foi publicado, em 1975, Lavoura arcaica vem intrigando os leitores com a sua dessemelhança. Em meio a livros que absorviam a violência do regime militar brasileiro, Raduan Nassar surgiu com uma obra estranha, que se nutria de uma linguagem poética profundamente ressonante, do pensamento monoteísta mediterrâneo, da herança cultural árabe, da subversão pela via da sexualidade. O tempo passou, o escritor abandonou a literatura, muita coisa interessante foi dita sobre o romance, mas seus enigmas são ainda sementes lançadas em solo fértil. Lavoura arcaica é mais uma releitura da prolífica parábola do filho pródigo, presente no Evangelho de Lucas e reelaborada inúmeras vezes ao longo dos seus dois mil anos de existência. A história do jovem rebelde que decide romper os laços com a família para se lançar no mundo tem se mostrado generosa para com a imaginação de muitos autores, que se dispuseram a reescrevê-la com o filtro de suas óticas particulares. Alguns deles estão no presente trabalho: Gide, Kipling, Kafka, Rilke, Dalton Trevisan, Lúcio Cardoso e também o teólogo católico Henri Nouwen. Apesar das variações, a volta para casa ocupa em todas as narrativas um lugar privilegiado. Essa é uma história, afinal, sobre os motivos que levam o sujeito a ir embora e, mais ainda, sobre as razões que fazem com que regresse. Arrependimento, recomeço, fraqueza, derrota, amor? A despeito das muitas antíteses que encontramos no texto de Raduan, elas não exigem que façamos uma escolha entre o arcaico e o moderno, entre ficar ou partir, entre o individual e o coletivo, entre a contenção e a entrega. Essa é a questão: Lavoura arcaica não é um livro sobre a luta do bem contra o mal, da liberdade contra a opressão, mas um painel que mostra como tudo isso se mistura na mesma paisagem ou, parafraseando o personagem André, como as coisas só se unem se desunindo / Since it was published in 1975, Lavoura arcaica keeps puzzling readers with its dissimilitude. Amongst books that absorbed the violence of Brazilian military dictatorship, Raduan Nassar came out with a strange work full of distinctive elements: a deeply resounding poetic language, thoughts inspired by Mediterranean monotheism, Arab cultural inheritance, subversive sexuality. Time has passed, the writer has abandoned literature and many interesting things have been said about the novel, but its enigmas still are seeds sown on good soil. Lavoura arcaica is another reinterpretation of the prolific parable of the prodigal son, found only in the Gospel of Luke and many times retold. The story of the rebellious young man who decides to break bonds with family to throw himself into the world has been generous to the imagination of many authors, who have rewritten it using their own particular lenses. Some of them are here: Gide, Kipling, Kafka, Rilke, Dalton Trevisan, Lúcio Cardoso e also the catholic theologian Henri Nouwen. Despite variations, the homecoming occupies a privileged spot in their narratives. After all, this is a story about the motives that causes somebody to leave and, more than that, about the reasons why he or she returns. Repentance, a new beginning, weakness, defeat, love? In spite of the many antitheses that can be found in Raduans text, we are not required to make a choice between the archaic and the modern, between staying or leaving, between the individual and the collective, between restraint and fulfilled desire. That is the point: Lavoura arcaica is not a book about the conflict between good and evil, freedom and oppression, but an overview that shows us how all those things are mixed together or, paraphrasing the character André, how things connect themselves only by disconnecting themselves

Esta tese propõe o estudo das relações entre o método infraordinário de observação do cotidiano, desenvolvido por Georges Perec, tendo como foco os romances La Vie mode demploi (1978), do próprio Perec, e Los detectives salvajes (1998), de Roberto Bolaño. O objetivo é, primeiramente, defender a ideia de que Bolaño foi uma espécie de plagiário original de Perec, reconhecendo no romance La Vie mode demploi ressonâncias para a produção de sua mais celebrada obra. Num segundo momento se faz uma analogia entre produção literária e imanência do comum, com destaque para a teoria oulipiana (Oulipo Ouvroir de Littérature Potentielle, espécie de Sala de Costura da Literatura Potencial) como uma arte combinatória. Por fim, apontando semelhanças e diferenças entre esses autores, defendemos a tese de que, apesar das distâncias culturais e geográficas, podemos correlacioná-los pela maneira como potencializam os objetos em suas descrições, revisitam o passado, e tentam subverter a tradição literária. Pode-se afirmar que as possíveis relações entre Perec e Bolaño remontam à revolução narrativa dos anos 70, com a prosa de ambos rasurando certo horizonte estético. E em ambos os romances visualiza-se uma espécie de puzzle literário. Todas essas possibilidades de leitura, interpretação e combinação se encontram nas referidas obras dos escritores elencados. Desse modo, acreditamos que com o método infraordinário de Georges Perec é possível compreender e interpretar melhor alguns escritos de Roberto Bolaño / This thesis proposes the study of relations between linfra-ordinaire method of observing the everyday, developed by Georges Perec, focusing on the novels La Vie mode d' emploi (1978 ), Perec 's own, and Los detectives salvajes (1998 ), Roberto Bolaño. The aim is, first, to defend the idea that Bolaño was a kind of original plagiarist Perec, recognizing the novel La Vie mode d' emploi resonances for the production of his most celebrated work. Secondly it makes an analogy between literary production and immanence of the ordinary, especially the theory oulipiana (Oulipo - Ouvroir of Littérature Potentielle, sort of Sewing Room of Potential Literature) as a combinatory art. Finally, pointing out similarities and differences between these authors, we defend the thesis that, despite cultural and geographical distances, we can correlate them by way potentiate the objects in their descriptions, revisit the past, and attempt to subvert the literary tradition. It can be stated that the possible relations between Perec Bolaño and go back to narrative revolution of the 70s, with prose both rasurando certain aesthetic horizon. In this novels visualized a kind of literary puzzle. All these possibilities of reading, interpretation and combination are listed in these works of writers. Thus, we believe that with Georges Perec linfra-ordinaire method can better understand and interpret the writings of Roberto Bolaño some

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This thesis examines Paul Austers extremely neglected early work: his poetry. Five books were published: Unearth (1974), Wall writing (1976), Effigies (1977), Fragments from cold (1977) and Facing the music (1980), available only at antiquarians and restrective universities libraries in the United States, as well as at the New York Public Library. Studies around Austers poetic oeuvre are restricted to papers, reviews, translators introduction, and a thesis that focus on his poetry to produce new analyses and interpretations of Austers novelistic works. The aim of this thesis is to gather this scattered material and provide new parameters of study around his poetry. Divided into three chapters, the first one maps the literary magazines where Auster published his poems at first, the translations of his poems and critical fortune; the second examines Austers five books according to three specific topics authorship, language, I and other themes related to them; the third analyzes White Spaces, text considered by the author as the bridge that leads him to prose and in this thesis as a singular writing in which Auster consolidates his literary project, since poetry, previous to prose, yet to come. Maurice Blanchot, Karlheinz Stierle and, principally, Auster, lay the foundation of the investigation. Other theorists who contribute to the understanding of the subject will be called to build the sui generis comparativism put into effect here / This thesis examines Paul Austers extremely neglected early work: his poetry. Five books were published: Unearth (1974), Wall writing (1976), Effigies (1977), Fragments from cold (1977) and Facing the music (1980), available only at antiquarians and restrective universities libraries in the United States, as well as at the New York Public Library. Studies around Austers poetic oeuvre are restricted to papers, reviews, translators introduction, and a thesis that focus on his poetry to produce new analyses and interpretations of Austers novelistic works. The aim of this thesis is to gather this scattered material and provide new parameters of study around his poetry. Divided into three chapters, the first one maps the literary magazines where Auster published his poems at first, the translations of his poems and critical fortune; the second examines Austers five books according to three specific topics authorship, language, I and other themes related to them; the third analyzes White Spaces, text considered by the author as the bridge that leads him to prose and in this thesis as a singular writing in which Auster consolidates his literary project, since poetry, previous to prose, yet to come. Maurice Blanchot, Karlheinz Stierle and, principally, Auster, lay the foundation of the investigation. Other theorists who contribute to the understanding of the subject will be called to build the sui generis comparativism put into effect here

Leitura da narrativa O estrangeiro, de Albert Camus, e da narrativa fílmica O homem que não estava lá, dos irmãos Ethan Coen e Joel Coen, com vistas a propor uma reflexão literária sobre o desconcerto do sujeito num mundo de solidão, indiferença e nonsense existencial. Oriundas do esmaecimento de qualquer sentimento diante da inexorabilidade da consciência da finitude, pelo comparatismo e com apoio no conceito de intertextualidade, são passadas em revista as trajetórias contingentes de Ed Crane − protagonista da obra cinematográfica − e Meursault, personagem central do romance camusiano. Luz e sombra potencializam a aterradora atmosfera de absurdo na qual se desequilibra Ed Crane, em sua existência obscura, em contraponto com a claridade reinante no percurso de Meursault. Ambos os personagens são condenados pela sociedade, de maneira insólita e definitiva, por intermédio de textos que denunciam, outrossim, a engrenagem trágica do sistema judiciário, permitindo-nos conectar os citados personagens, Plume Um certo Plume, de Henri Michaux e Joseph K. angústia errante engendrada por Franz Kafka em O processo / A reading of Albert Camus narrative The Stranger and of the narrative of the movie The Man Who Wasnt There, by Cohen brothers (Ethan Coen and Joel Coen), so as to propose a literary reflection on the uneasiness of the subject in a world of loneliness, indifference and existential nonsense. Arising from the fading out any feeling towards the inevitable awareness of finitude, by the comparatism and the support of the concept of "intertextuality", contingent trajectories of Ed Crane - protagonist of the movie - and Meursault, central character of the camusian novel, are reviewed. Light and shadow potentiate the fearful atmosphere of absurdity in which Ed Crane unbalances, in his obscure existence, as opposed to the light reigning in Meursault. Both characters are condemned by society in an unusual and definite way, through texts which show the tragic gear of the judiciary system, allowing us to connect the cited characters, Plume Un certain Plume, by Henri Michaux and Joseph K. "anguish errant" created by Franz Kafka in The Trial