This dissertation presents as its principal objective an analysis of the work As intermitências da morte, by the Portuguese author José Saramago. There are few studies about this theme and, therefore, in the intention of adding bibliography to the studies about death on Saramago, we decided to increase the debate about that subject. This dissertation search to read and interpret this novel by the view of the circularity between erudite and popular cultures. Our studies are based both on Câmara Cascudo s studies, with his tales of the Portuguese- Brazilian folklore, and on the analysis made by Carlo Ginzburg and Bakhtin, about the intertextual dialogue between academy and folk. About the questions that concerns the myth, our studies are supported by Eliade, the Bible and the anthropological and philosophical studies about the death and the institutions that drill it, such as the Church, the government, the politics. This work also search to analyze the structure and the composition of the novel As intermitências da morte, by José Saramago. Our view touches the folkloric tales and myths that treat the theme of death and also touches works considered erudite in the academic sphere, such as The Picture of Dorian Gray, Dante s Divine Comedy, among others. / Esta dissertação apresenta como principal objetivo uma análise da obra As intermitências da morte, do autor português José Saramago. Há poucos estudos sobre essa temática e, portanto, no intuito de acrescentar bibliografia aos estudos sobre a morte em Saramago, resolvemos ampliar o debate sobre tal assunto. Esta dissertação procura ler e interpretar este romance pelo viés da circularidade entre as culturas eruditas e populares. Nossos estudos estão embasados tanto nos estudos de Câmara Cascudo, com seus contos do folclore luso-brasileiro, como também nas análises estabelecidas por Carlo Ginzburg e Bakhtin sobre o diálogo intertextual entre a academia e o povo. Já no que concerne às questões do mito, nossos estudos se apoiam em Eliade, na Bíblia e nos estudos antropológicos e filosóficos sobre a morte e as instituições que a adestram, como a Igreja, o governo, a política. Este trabalho procura ainda analisar a estrutura e a composição do romance As intermitências da morte, de José Saramago. Nosso olhar perpassa tanto os contos folclóricos e os mitos que tratam do tema da morte como também obras consideradas eruditas no meio universitário, como O Retrato de Dorian Gray, A Divina Comédia de Dante, dentre outros. / Mestre em Teoria Literária

Most narratives of Eça de Queiroz is aimed to the so-called realism / naturalism. At the end of the nineteenth century, Eça has its climax with the final publication of O Crime do Padre Amaro (1875), the subject of great social criticism. But what interests us in this work is the fact that at this very moment, the author has given way to a fantastic and humorous literature, which takes place with the publication of O mandarim. Eça can show their works in a game between fiction and reality, because even being a pioneer in Portugal Realism, fantasy fits perfectly in his novels and short stories. And in some of his works, the characters travel to the East cause some hesitation in the reader, which comes into contact with this image as Eastern scrutinized and observed by the Western view. This study aims to analyze and present spatial features and two fantastic works of Eça de Queiroz: O mandarim and A relíquia, from the perspective of writers such as Edward Said, in his work Orientalism, that emphasizes the concept of Orientalism. It\'s important to note here that O mandarim and A relíquia are not the only two works that focus on the issue, since many other works of Eça portray the East. / A maior parte das narrativas de Eça de Queirós é voltada para o que se convencionou chamar de Realismo/Naturalismo. Ao final do século XIX, Eça tem o seu auge com a publicação definitiva de O crime do Padre Amaro (1880), obra esta que foi alvo de grandes críticas sociais. Mas, o que nos interessa no presente trabalho é o fato de, nesse mesmo momento, o autor ter dado lugar a uma literatura fantástica e humorística, com a publicação de O mandarim (1880). Eça consegue demonstrar em suas obras um jogo entre ficção e realidade, pois, mesmo sendo pioneiro no Realismo de Portugal, a fantasia se encaixa perfeitamente nos seus romances e contos. E, em algumas de suas obras, as viagens dos personagens ao Oriente provocam uma certa hesitação no leitor, que entra em contato com essa imagem oriental tão perscrutada e observada pela visão ocidental. Este estudo visa analisar e apresentar os aspectos espaciais e fantásticos de duas obras queirosianas: O mandarim e A relíquia, sob uma perspectiva de autores como Edward Said, que enfatiza em sua obra Orientalismo (1990) o conceito de orientalismo; e de autores que embasam a fundamentação teórica sobre a literatura fantástica, como Tzvetan Todorov, Filipe Furtado e Remo Ceserani. É de extrema importância ressaltar aqui que O mandarim e A relíquia não são as duas únicas obras que focalizam o tema, visto que inúmeras outras obras de Eça retratam o Oriente. / Mestre em Teoria Literária

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000423089-Texto+Completo-0.pdf: 838476 bytes, checksum: 3d1c227a9102beb26dac9fae3bd88b61 (MD5) Previous issue date: 2009 / The goal of this study is to investigate and analyze the represented space and its features as well as examine the possible relation of the poet Ivo Machado to the area represented in selected poems from the books Os limos do verbo (2005), Quilómetro zero (2007) and Tamujal (2009 ). As theoretical support it will be used Espaço e textualidade: quatro estudos quase-semióticos, by Dino del Pino, where the specificity of space, that is, the symbolic space, stands out for being the final phase of the text as a unit resulting from the arrangement of forms imposed in the discursive space. / O objetivo deste trabalho está em investigar e analisar o espaço representado e suas características, assim como examinar as possíveis relações do poeta Ivo Machado com o espaço representado em poemas selecionados dos livros Os limos do verbo (2005), Quilómetro zero (2007) e Tamujal (2009). Como suporte teórico será utilizada a obra Espaço e textualidade: quatro estudos quase-semióticos, de Dino Del Pino, onde a especificidade do espaço, ou seja, o espaço simbólico, se destaca por ser considerado o último patamar do texto como unidade que resulta do arranjo das formas instituídas no espaço discursivo.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:29:50Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-05-06Bitstream added on 2014-06-13T19:47:09Z : No. of bitstreams: 1 dacanal_dc_me_arafcl.pdf: 647203 bytes, checksum: 42e48455cf3a87bcda7a0d169b12b58d (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta dissertação analisa o enredo, a estrutura e a comicidade nas peças Auto da Barca do Inferno de Gil Vicente e Guerras do Alecrim e Manjerona de Antônio José da Silva, dando enfoque à comicidade criada a partir das situações cômicas e da caracterização das personagens. O trabalho visa, sobretudo, analisar a presença e o perfil das personagens Joane, o Parvo da peça de Gil Vicente, e Semicúpio, o gracioso da peça de Antônio José da Silva. Para isso, esta dissertação faz: a análise por meio da aplicação do modelo actancial, da relação entre estas personagens com as demais em cada peça e suas relevantes importâncias para o desenvolvimento da ação; a análise da construção do cômico a partir de situações e de recursos linguísticos produzidos pelo Parvo e por Semicúpio; e a abordagem sobre a caracterização cômica destas personagens e a aproximação com outros caracteres cômicos de perfil semelhante, revelando as diferenças e semelhanças entre a personagem vicentina e silviana. Por meio do referencial teórico sobre comicidade e caracterização de personagens cômicas, a dissertação demonstra a proximidade da personagem Parvo com o caráter cômico do ingênuo, tal como o bobo e o louco medievais, e a proximidade da personagem Semicúpio com o caráter cômico do esperto, semelhante ao servo da Comédia Nova romana, do qual provieram outros criados, inclusive o gracioso espanhol definido por Lope de Vega / This paper analyses the plot, structure and the humor on the theater plays Auto da Barca do Inferno of Gil Vicente and Guerras do Alecrim e Manjerona of Antônio José da Silva, focusing the humor created from the comic situations and from the characterization of the personages. This paper intends to analyse the presence and the profile of the characters Joane, the Parvo from Gil Vicente´s play, and Semicúpio, the gracioso from Antônio José da Silva. Its analysis is made through the actantial model of application, the relationship between these characters, their respective fellows and their relevant importance to the development of the plots action; its analysis is also made through the construction of the comical elements used in its linguistic resources produced by the Parvo and by Semicúpio; through the comical characterization approach of these characters and the approximation with some other comical elements, revealing the differences and the similarities between Vicente´s and Silva´s characters. Based on the comical frame of reference and characterization of the comical personages, the paper demonstrates the proximity of the Parvo with a comical and ingenuous character to the middle age crazy people and the jester; also to the personage Semicúpio which has a clever comical character, similar to the Roman New Comedy serf that is the one who the others serfs emanated from, including the Spanish gracioso defined by Lope de Vega

Na obra de Fernando Pessoa, é constante a presença de um “eu” fragmentado, sempre em busca de si, especialmente no que é atribuído ao heterônimo Álvaro de Campos. Igualmente, encontra-se, na obra romanesca de Clarice Lispector, um sujeito fragmentado, vivendo uma trajetória de errância. A problematização da identidade em Pessoa e em Lispector é, primeiramente, resultado de uma profunda ligação com a modernidade. O “eu” espelha a dinâmica da civilização moderna; por isso, essa fragmentação se revela dupla: ao mesmo tempo em que é resultado da modernidade, também busca ser sua cópia fiel, apresentando, em arte, uma experiência o mais próxima possível da realidade. A partir disso, objetiva-se explicitar como a identidade é problematizada nas obras desses autores e demonstrar que ambos compõem textos em que a intriga é a interpretação da identidade do sujeito. Para esse fim, faz-se uma análise crítica e comparativa dos textos a partir 1) da definição de Pessoa da arte como sonho e dos estudos de Lind (1970), Coelho (1980) e Ordoñes (1994) sobre a obra do poeta português, que permitiram a relação entre a concepção artística do poeta, seus programas estéticos e a criação heteronímia, de forma a demonstrar como o drama em gente tem como problema central a identidade; e 2) dos estudos de Nunes (1966, 1989), Martins (2007) e Álvares (2009) sobre os romances de Clarice Lispector, que permitiram demonstrar a relação entre a crescente perda das características do romance tradicional no decorrer de sua obra romanesca e a fixação da identidade como problema central desses textos. Para examinar essa problematização da identidade, este estudo apoia-se nos conceitos de identidade como mesmidade e como ipseidade e de identidade narrativa, de Ricoeur (1991), e de amadurecimento pessoal, de Winnicott (1978, 1982, 2001). No drama em gente pessoano e nos romances lispectorianos, o “eu” abre-se para o outro, revelando uma identidade como ipseidade, que se dá a conhecer por uma mediação interpretativa que o sujeito faz de si, por meio do uso de uma linguagem. / In the work of Fernando Pessoa, it is constant the presence of a fragmented self, always self-searching, especially in what is assigned to Álvaro de Campos. Equally, there is in the novelistic work of Clarice Lispector a fragmented subject, living a wandering path. The problematization of identity in Pessoa and in Lispector is, firstly, a result of a deep connection with modernity. The self reflects the dynamics of modern civilization; hence, that fragmentation reveals itself dual: at the same time it is a result of modernity, it also seeks to be its faithful copy, presenting, in art, an experience as close as possible to reality. From this, it is aimed to explicit how identity is problematised in the work of these authors and to demonstrate that both of them compose texts in which intrigue is the interpretation of the identity of subject. For this purpose, texts are analyzed in a critical and comparative way from 1) The definition of art as a dream by Pessoa and the studies of Lind (1970), Coelho (1980) and Ordoñes (1994) about the works of that Portuguese poet, which enabled the relation among the artistic conception of the poet, his aesthetic programs and the heteronym creation, in order to demonstrate how ‘drama in people’ has as its central issue identity; and 2) the studies of Nunes (1966, 1989), Martins (2007) and Álvares (2009) about the novels of Clarice Lispector, which enabled to demonstrate the relation between the increasing loss of features of traditional novel during her novelistic work and the establishment of identity as the central problem of those texts. To examine this problematization of identity, this study is based on the concepts of idem-identity, ipse-identity and narrative identity of Ricouer (1991), and of personal maturation of Winnicott (1978, 1982, 2001). In ‘drama in people’ of Pessoa and in the novels of Lispector, the self opens up to the other, revealing itself an ipse-identity, which can be known by an interpretative mediation that the subject does of itself through the use of language.

Essa dissertação trata da intertextualidade na obra Uma Viagem à Índia (2010), de Gonçalo M. Tavares, com narrativas e personagens épicos da Literatura Universal, desde Homero até a contemporaneidade. O objetivo é descobrir como a epopeia, um gênero literário em desuso, funciona no século XXI. Também investigo o protagonista do poema narrativo não consegue se libertar de seu passado e o de sua pátria, mesmo buscando tanto por “sabedoria e esquecimento”. Diferente da metaficção historiográfica, termo cunhado por Linda Hutcheon para apontar uma tendência da literatura pós-modernista, a epopeia de Tavares não consegue se redimir do seu passado. Por meio de uma pesquisa teórica da epopeia, a dissertação analisa o gênero épico a partir de autores como Hansen (2008) e Staiger (1997). As definições teóricas são cruzadas com obras de diferentes épocas, como a Ilíada (2011), a Odisseia (2014), Os Lusíadas (2002), Ulysses (2000), dentre outros, sempre tendo em vista o diálogo com a obra Uma Viagem à Índia. O paralelo com a arquitetura também é uma constante, já que teóricos como Hutcheon (1988) e Jameson (1997) usaram-na para teorizar sobre o pós-modernismo. Uma Viagem à Índia, sendo uma obra pós-modernista, aqui é comparada à arquitetura de motéis de algumas cidades brasileiras, cujo visual – deslocado na geografia e no tempo – não é apenas anacrônico, mas também artificial, assim como a epopeia no século XXI. O episódio da “Ilha dos Amores” é analisado em uma leitura mais próxima ao texto, feita com embasamento na obra O Erotismo (2013), de Bataille, e permeada por diferentes intertextos. Por fim, após todo esse cruzamento de intertextos, o conceito de pós-humanismo de Sloterdijk (2010) se mostra como chave para uma possível compreensão do porquê a obra de Tavares não tenta “reescrever” o passado como a metaficção historiográfica: em um mundo pós-humanista, onde já se sabe que o próprio homem também é culpado das atrocidades que lhe acometem, resgatar vozes silenciadas por meio de obras metaficcionais talvez não faça mais sentido. / This study addresses intertextuality in the work Uma Viagem à Índia [A Trip to India] (2010), by Gonçalo M. Tavares, with epic narratives and characters of Universal Literature, from Homer to contemporary times. The objective is to find out how epic, a literary genre that fell into disuse, works in the 21st century. I also investigate the protagonist of the narrative poem, who is not able to break free from his past and the past of his homeland, despite his extensive search for "wisdom and oblivion". Unlike historiographic metafiction, term coined by Linda Hutcheon to point to a trend of postmodern literature, Tavares' epic is not able to redeem itself from its past. Through a theoretical research of epic, the paper analyzes this genre from authors such as Hansen (2008) and Staiger (1997). The theoretical definitions are contrasted with works from different periods, such as the Iliad (2011), the Odyssey (2014), The Lusiads (2002), and Ulysses (2000), among others, always considering the dialogue with the work Uma Viagem à Índia. The parallel with architecture is also constant, since theorists such as Hutcheon (1988) and Jameson (1997) used it to theorize about postmodernism. Considering that it is a postmodern work, here Uma Viagem à Índia is compared to traits of epic in texts of the 21st century and to the architecture of love hotels of some Brazilian cities, whose aspect, geographically and chronologically displaced, is not only anachronistic but also artificial. The episode named "Ilha dos Amores" [Island of Loves] is analyzed with a reading that is closer to the text, based in the work Eroticism (2013), by Bataille, and permeated by different intertexts. Finally, after all this intersection of intertexts, Sloterdijk's (2010) concept of posthumanism is featured as key to a possible understanding of why Tavares' work does not try to "rewrite" the past as historiographic metafiction: in a posthumanist world, where humans themselves are known to also be guilty of the atrocities that affect them, rescuing voices that are silenced through metafictional works may not make much sense anymore.

O presente trabalho tem como objetivo verificar o papel das Sagradas Escrituras na conformação dos romances Nenhum olhar (2005) e Cemitério de pianos (2008), do escritor português José Luís Peixoto. A premissa é de que, em ambas as obras, o diálogo com o texto bíblico é determinante para o processo interpretativo. Após um levantamento da fortuna crítica do romancista e da proposição de um diálogo entre Bíblia e Literatura no âmbito acadêmico, introduzem-se elementos básicos da organização das narrativas, de acordo com os conceitos de fábula e trama, de Boris Tomachevski. A partir da teoria de Gérard Genette, os romances de Peixoto são tomados como hipertextos das Escrituras, numa perspectiva transposicional e paródica. Tendo em vista a aproximação entre os romances e a Bíblia, os principais aspectos da hermenêutica agostiniana são apresentados, a fim de subsidiar a análise das obras. A imagética explorada por José Luís Peixoto em suas narrativas é igualmente analisada sob essa perspectiva, reconhecendo nos romances a bipolaridade bíblica entre mundo apocalíptico e demoníaco e a atualização questionadora de uma série de imagens icônicas do paradigma judaico-cristão, com destaque para a imagem da família. A estrutura reiterativa dos romances é igualmente analisada, num diálogo com a concepção tipológica e escatológica do tempo na Bíblia e com a noção de repetição, de Søren Kierkegaard. O resgate de elementos do hipotexto bíblico, transpondo-os por meio da paródia a novos contextos, problematiza a visão de mundo cristã e as respostas que esta dá aos questionamentos da pós-modernidade. / This paper aims to evaluate the role of Sacred Scripture in the framing of the novels Nenhum olhar (2005) and Cemitério de pianos (2008), by Portuguese writer José Luís Peixoto. The starting point is that, in both works, the dialog with biblical text is determinant to the interpretation process. After a review of the novelist’s critical fortune and of the proposition of a dialog between the Bible and Literature in the academical scope, basic elements of narrative framing are introduced, according to the concepts of fable e plot, by Boris Tomashevski. Starting from the theory by Gérard Genette, Peixoto’s novels are taken as hypertexts of the Scripture, in a transpositional and parodic perspective. In view of the approximation between the novels and the Bible, the main aspects of Augustinian hermeneutics are presented, with the goal of subsidizing the works’ analysis. The imagery explored by José Luís Peixoto in his narratives is also analysed under this perspective, acknowledging in the novels the biblical bipolarity between apocalyptic and demonic world and the questioningly updating of a series of iconic images of the Judeo-Christian paradigm, with highlight on the image of family. The novels’ reiterative structure is also analysed, in dialog with the typological and scatological conception of time in the Bible and with the notion of repetition, by Søren Kierkegaard. The retrieval of elements from biblical hypotext, transposing them through parody to new contexts, problematizes the Christian worldview and its answers to postmodern questionings.

Este trabalho propõe uma análise de cinco romances do autor moçambicano Mia Couto, publicados no período de 2000 a 2009. Fazem parte do corpus os seguintes títulos: Mar me quer (2000), O último voo do flamingo (2000), A varanda do Frangipani (1996), O outro pé da Sereia (2006) e Antes de nascer o mundo (2009). A proposta consiste em verificar a representação da escrita – a palavra no papel – constituída pelo gênero epistolar – a carta, assim como o diário, o bilhete e o caderno de anotações, elementos constantes nos romances que constituem o corpus do trabalho. A representação da escrita por intermédio dessas formas é recorrente na maioria dos romances de Mia Couto e também elemento partícipe em inúmeros contos, seja como motivo, seja como tema, seja como elemento de constituição. Observou-se a singularidade do autor que, mesmo quando dá ênfase para a escrita, mostra como essa sofre um processo de imbricamento com a oralidade. Tentou-se ficar atento a questões que envolvem as personagens que empregam a escrita. Faz-se necessário destacar a importância do autor e sua obra para a literatura moçambicana, assim como seu ativismo na constituição e divulgação da cultura de seu país, quebrando arquétipos criados sobre o continente africano. Dialogou-se com críticos literários e estudiosos da literatura africana de língua portuguesa, dentre os quais destacamos: Ana Mafalda Leite, Patrick Chabal, Maria Fernanda Afonso, Manuel Ferreira e José Pires Laranjeira. Para dar conta da análise das missivas empregamos Carlos Reis, Michel Foucault e Mikhail Bakhtin. Sobre a realidade moçambicana, contou-se com Valdemir Zamparoni, José Luís Cabaço e João Carlos Colaço. / The present work proposes an analysis of five novels by the Mozambican author Mia Couto published between 2000 to 2009. The corpus embraces the following novels: Mar me quer (2000), O último voo do flamingo (2000), A varanda do Frangipani (1996), O outro pé da Sereia (2006) and Antes de nascer o mundo (2009). The proposal is to examine the representation of writing – the word on paper – consisting of the epistolary genre – letters, as well as diaries, notes, and notebooks, information contained in the novels that composed by the corpus of work. The representation of writing through these forms is indeed recurrent in most of Couto´s novels and also element participant in numerous tales, either as a motive, either as theme, either as constitutive element. It is noted the uniqueness of the author who, even when he emphasizes writing, undergoes a process of imbrication with orality. We tried to pay attention to issues involving the characters who use writing. It is necessary to highlight the importance of the author and his work within the Mozambican Literature, as well as his activism in the creation and dissemination of the culture of his country, breaking archetypes created about the African continent. Dialogue is undertaken with literary critics and Luso-African Literature scholars, among which we name: Ana Mafalda Leite, Patrick Chabal, Maria Fernanda Afonso, Manuel Ferreira and José Pires Laranjeira. For the analysis of missives, are employed theories by Carlos Reis, Michel Foucault and Mikhail Bakhtin. About the Mozambican reality, we counted with authors such as Valdemir Zamparoni, José Luis Cabaço and João Carlos Colaço.

Contrapondo palavras – escritas e orais – a presente pesquisa tem como foco a performance e poesia que deste encontro podem desencadear. Centrando-se em dois temas-base (colonialismo pelo olhar de Stuart Hall, Albert Memmi e Ana Mafalda Leite principalmente e guerra, mais precisamente pelo viés que Frank Fanon nós guia.) apresenta-se um entrecruzamento de idéias e sons emitidos pela escritora Ana Paula Tavares em sua obra, A Cabeça de Salomé, publicada pelo Editorial Caminho em 2004 e transcrições em áudio e vídeo das narrativas contadas pelo interlocutor Adalberto de Almeida Moreira, seu Beto, atual catador de lixo da cidade de Dom Pedrito (Rio Grande do Sul/Brasil). São temas, cenas, questionamentos que se originam do dia-a-dia dos narradores apontando para as suas memórias que propiciaram a efetivação deste estudo resultando neste texto e em três documentários que seguem em anexo. / The valorization of voice is perhaps here in this study the unleashing element present throughout the following text. Here it is found an attempt to sew with different edges of the same spool, the stories told by seu Beto, an interlocutor inhabitant from Dom Pedrito city (located in Rio Grande do Sul state countryside - Brazil), and by the Angolan writer Ana Paula Tavares. Using the colors offered by orality and writing, it was organized a weaving of themes from colonialism and war, biases that are overcrossed and by lined up according to Literature and History. Furthermore, following the same material used in printed material - some chronicles presented in the work named The Salome’s Head (A Cabeça de Salomé in Portuguese)(Caminho, 2004) and narrations recorded in audio and video – some documentaries were constructed that point to other issues that are lesser appeared on this text. However, all of them have as common feature: the character of everyday life. They are themes, scenes, questions that arise from the storytellers’ daily routine pointing out to their memories.

Este trabalho aborda a linguagem poética de Alberto Caeiro, poeta fictício criado por Fernando Pessoa, cuja obra está reunida nos títulos O Guardador de Rebanhos, O Pastor Amoroso e Poemas Inconjuntos, a partir da ideia de que seu olhar para o real se constitui num processo de indagação sobre os limites do conhecimento e da constituição da experiência humana da realidade, sobre o signo, sobre a natureza da linguagem poética e da linguagem em geral. Para esta reflexão, uso a Semiótica de Peirce, a Lingüística de Saussure, a teoria da linguagem de Benveniste, a poética das sensações de Fernando Pessoa, trabalhos de Perrone- Moisés, além de outros autores, como Seabra, Dessons e Meschonnic. A poesia de Caeiro é interpretada como um embate com os limites impostos pela mediação sígnica, embate que é ao mesmo tempo metáfora dessa poesia e é metaforizada por ela. Consciente da não transparência da linguagem como retrato do real e do pensamento, Caeiro faz dessa condição assunto e instrumento de seu discurso. Nesse processo, a língua é repensada e refundida em seus fundamentos, indo aos limites de sua capacidade de significação e aos limites entre o que é e o que não é poesia e entre o que é e o que não é língua. A noção de arbitrário do signo linguístico e a dicotomia língua e fala são repensadas, com base na ideia de limitação do arbitrário de Saussure e nas ideias de enunciação e discurso de Benveniste. A poesia de Caeiro é tomada no campo da linguagem, e apresentada como resultado de uma operação de homologia entre língua e outros sistemas, tornando-se assim capaz de evocar seu objeto. O discurso poético é interpretado ainda como um dizer que é fazer, mas não é tão particular a ponto de ser um semântico sem semiótico, pois é arte que se faz na língua, no que difere das artes não verbais. A linguagem poética tem a capacidade de acentuar os traços da linguagem em geral, sendo útil para a compreensão do fenômeno linguístico. Caeiro não é um poeta só de sensações, pois a intelectualização faz parte de sua criação e de sua poesia. Não é também o poeta das coisas: o real não é o objeto dessa poesia; é antes meio para veicular a emoção poética que se constrói, além disso, em seu próprio dizer. Coerente com um sujeito feito de aspectos, que tenta conciliar em si a unidade e a multiplicidade do real, a linguagem de Caeiro é constituída de tensões internas. Discursivo e poético integram o seu dizer. O embate de Caeiro é uma busca, mas ele não encontra a solução. Ele é um intervalo de encantamento. / This thesis approaches Alberto Caeiro’s poetry, fictitious poet created by Fernando Pessoa, whose work is gathered into the titles The Keeper of Flocks, The Amorous Shepherd and Detached Poems, from the idea that his looking to the real is a process of inquiry on the limits of knowledge and on the constitution of human experience of reality, on the sign, on the nature of poetic language and of language in general. For this analysis, I use Peirce's Semiotics, Saussure's Linguistics, Benveniste's theory of language, Fernando Pessoa’s poetic of sensations, works of Perrone-Moisés, beyond other authors, as Seabra, Dessons and Meschonnic. Caeiro's poetry is interpreted as a struggle against limits imposed by mediation of the sign, struggle that is metaphor of this poetry, which is also metaphor of that struggle. Aware of the non-transparency of language as photograph of reality and thought, Caeiro makes this condition object and instrument of his speech. In this process, the langue is rethought and recast in its fundamentals, reaching at the limits of its capacity to signify and at the limits between what is and what is not poetry, and between what is and what is not langue. The notion of arbitrary of linguistic sign and the dichotomy of langue and speech are reconsidered, based on the idea of limitation of the arbitrary of Saussure and the ideas of enunciation and discourse of Benveniste. Caeiro's poetry is taken in the field of language, and presented as a result of an operation of homology between langue and other systems, thus being capable of evoking its object. Poetic discourse is still interpreted like a saying that it is doing, but it is not so particular in order to be a semantic without semiotic, because it is art that is made into the langue, which differs from the non-verbal arts. Poetic language has the capacity to accentuate the features of language in general, being useful for understanding the linguistic phenomenon. Caeiro is not only a poet of sensations, because intellectualization makes part of his creation and of his poetry. He is not also the poet of things: the real is not the object of this poetry; it is rather a means to convey the poetic emotion that is built, furthermore, on your own saying. Coherent with a subject made of aspects that attempts to reconcile in him the unity and multiplicity of the real, Caeiro’s language is constituted of internal tensions. Discursive and poetic speeches integrate his saying. The fight of Caeiro is a searching, but he does not find the solution. He is a pause of enchantment.