"Bombay is the future of urban civilization on the planet. God help us" (Suketu Mehta) Mit dieser Prophezeiung verweist Suketu Mehta in seiner diasporischen Reisereportage Maximum City: Bombay Lost and Found (2004) nicht nur auf die wachsende ökonomische Bedeutung der Millionen-Metropole Bombays, sondern thematisiert auch die 'degenerierten' Lebensformen außerhalb oder 'unterhalb' des stolzen monumentalen Raumes der wohlhabendsten postkolonialen 'neuen' Metropole. In ihrer Antrittsvorlesung am 28.04.2010 eruiert und verwendet Prof. Dr. Cecile Sandten, Inhaberin der Professur für Anglistische Literaturwissenschaft, die Begriffe "Metroglorification", "Diffuse Urbanism", das Postkoloniale oder den Palimpsestraum mit Bezg auf die so genannten "neuen" Metropolen. Die Veranstaltung beginnt um 19 Uhr im Hörsaalgebäude an der Reichenhainer Straße 90, Raum 113. Im Zentrum der Antrittsvorlesung stehen literarische und mediale Repräsentationen des Postkolonialen im urbanen Raum in den so genannten 'neuen Metropolen' wie Bangalore, Bombay, Delhi, Hongkong, Johannisburg, Kapstadt oder Lagos. In ihrer Vorlesung begreift Prof. Dr. Cecile Sandten die 'neuen Metropolen' als Palimpsesträume, in denen kosmopolitische bzw. globale, gleichsam individuelle und/oder kollektive Identitätsentwürfe auf vielschichtigen Bedeutungsebenen verhandelt werden. Diese Verhandlungen gelingen bzw. misslingen wiederum in Abhängigkeit von der Wechselwirksamkeit performativer und narrativer (Re-)Inszenierungen kolonialer Geschichte(n) und deren postkolonialen Transformationen und Dekonstruktionen. Vor dem Hintergrund urbaner Eigengeschichte(n) und exil-urbaner Fremdgeschichte(n), wie sie z.B. aus der Sicht von neuen Migrantinnen und Migranten oder (politischen) Flüchtlingen erzählt werden, wird dieses Phänomen anhand einer Auswahl an englischsprachigen literarischen und medialen Texten analysiert. Untersucht werden dabei die ungleichen Machtverhältnisse, die im postkolonialen (Stadt)Raum vorherrschen, als auch die vielfältigen Repräsentationen der metropolitanen Unterwelt auch im Sinne des 'Liminalraums', wie sich dieser im Zusammenhang mit z.B. illegalen Migrantinnen und Migranten, Slum-Bewohnern, Kriminellen und in Bezug auf korrupte Regierungen darstellt. Weiterhin soll durch die verschiedenen literarischen und medialen Protagonisten auch das benjaminsche Konzept des "Flaneurs" – in seiner Neuformierung hin zum 'postkolonialen Flaneur' – betrachtet werden.

Le présent mémoire adopte une perspective topographique pour examiner la façon dont est appréhendée, dans les œuvres littéraires des générations post-génocidaires, la mémoire d’événements traumatiques survenus dans le passé, mais dont l’empreinte demeure visible dans le présent, selon les structures de ce que Marianne Hirsch a qualifié de « postmémoire ». À travers les analyses de Dora Bruder (1997) de Patrick Modiano et Peut-être Esther (Vielleicht Esther, 2014) de Katja Petrowskaja, on observe comment la mémoire envisagée comme expérience topographique permet, par le rapport incarné qu’elle sous-entend, un contact riche et singulier avec cet héritage traumatique, et la naissance d’un regard pluriel, trans-temporel et transculturel sur la postmémoire et sur sa portée dans la littérature contemporaine. Le premier chapitre est consacré à la présentation, la définition et l’illustration des principaux concepts théoriques et des thèmes qui orientent la réflexion, soit la postmémoire, la question de la mémoire du corps, et la notion de topographie mémorielle. Le second chapitre est une réflexion sur les itinéraires de mémoire dans Dora Bruder et sur la présence-absence, dans la topographie contemporaine de Paris, de la jeune fille qui donne son nom au récit. Y sont examinés les procédés narratifs et littéraires employés par Modiano pour dessiner les contours, à travers les brumes de l’histoire, d’un personnage qui demeure insaisissable et énigmatique. Le troisième chapitre se penche sur le récit fragmentaire et pluriel élaboré par Petrowskaja dans Peut-être Esther, en accordant une attention particulière à la façon qu’a la narratrice d’interagir avec les lieux mémoriels et de les relier entre eux par ses mouvements et voyages. L’analyse de différents passages met par ailleurs en lumière la richesse et la pertinence de la figure du palimpseste dans l’expression et l’appréhension de la topographie mémorielle. / This thesis uses a topographic perspective in order to examine how the memory of traumatic events is apprehended in the literary works of post-genocidal generations. While these traumatic events happened in the past, their imprint remains perceptible in the present, according to the structures of what Marianne Hirsch called “postmemory”. Through the analysis of Patrick Modiano’s Dora Bruder (1997) and Katja Petrowskaja’s Peut-être Esther (Vielleicht Esther, 2014), we look at how memory taken as a topographic experience allows for, by the embodied relation implied, a rich and singular contact with this traumatic heritage, as well as the emergence of a plural, trans-temporal and transcultural look on postmemory and its resonance in contemporary literature. The first chapter is dedicated to the presentation, definition and illustration of the main theoretical concepts and themes guiding the reflection, such as postmemory, embodied memory and the idea of memorial topography. The second chapter is a reflection on the memory itineraries in Dora Bruder and on the presence-absence, in the contemporary parisian topography, of the young girl who gives her name to the narrative. Therefore, the narrative and literary processes used by Modiano in order to draw, through the mists of history, the portrait of a character still remaining uncatchable and enigmatic are examined in this section. The third chapter addresses the fragmentary and plural narrative that Petrowskaja elaborates in Peut-être Esther, with a particular attention to the way that the narrator interacts with memorial sites and links them together through her movements and travels. The analysis of various passages also brings to light the richness and relevance of the figure of the palimpsest in the expression and apprehension of memorial topography.

薩爾曼•魯希迪的《摩爾人的最後嘆息》運用想像與史實描繪出一個印度家族的故事。這個四代家族所經歷的時間橫跨整個二十世紀，一般說來在這個世紀前半部分大多數國家經歷了殖民統治與帝國主義，而在後半部分則面臨去殖民與國家主義的風潮。因此，書中論及的這些殖民與後殖民的經驗也引發了一些重要的議題，像是混雜、多元文化，和國家主義。霍米•巴巴提出‘閾限空間’這個概念有助於對這本小說做深入的評價與賞析，特別是能促進對以上三個議題更深入而具體的認知。霍米•巴巴將許多概念納入‘閾限空間’這個總括性術語的討論範圍，因此本論文將從中擷取三個概念來論述這本小說，分別是混雜、文化差異、及國家意識。 本論文的導論先闡釋霍米•巴巴‘閾限空間’這個概念並且發掘魯希迪這本小說中許多重要的後殖民議題。這些議題與‘閾限空間’ 這個概念的關係密不可分，因此這個概念所延伸論及的理論便可用於理解並賞析這本小說。接下來的三章將分別以混雜、文化差異、及國家意識來發掘並建立《摩爾人的最後嘆息》與‘閾限空間’這概念之間的關係。第二章將藉由霍米•巴巴對殖民者與被殖民者之間的矛盾關係的論述進而深入理解小說中意欲呈現的殖民混雜與後殖民混雜。這種矛盾的關係理論上與他者化的過程有關聯，在這過程中身分認同與主體化不論是在後殖民理論還是此本小說中都是值得商榷的議題。第三章利用霍米•巴巴的‘文化差異’來重新檢視並且重新定義所謂的多元文化。魯希迪在小說中巧妙地將現在的印度重疊在過去由摩爾人統治的西班牙之上，這種後殖民的羊皮紙影像便可藉由文化差異與多元文化的概念得到更具體的意義。此外，閾限空間也是一種不同文化的接觸地帶，這樣的中介地域也有助於理解魯希迪在流行文化與高等文化間所採的折衷主義。第四章則著重於探討霍米•巴巴如何發展閾限空間與國家意識的理論關係，還有國家與敘事之間的關係。此章也將利用國家與敘事的關係來理解魯希迪是如何在這本小說中運用許多文學技巧在小說世界中重構國家形象，尤其是文本互涉的材料與歷史的指涉這樣的技巧。 最後的總論將重申在本論文中提及的一些重要的論點，藉由重申這些論點來總結論文提及的一些重要概念的大意，並且讓魯希迪的《摩爾人的最後嘆息》與巴巴的‘閾限空間’這個文本與理論相互闡釋並佐證的關係更為清楚。 / Salman Rushdie’s The Moor’s Last Sigh delineates, fictively and historically, a family saga in India. The four-generation family approximately spans the twentieth century that, generally speaking, has gone through colonization and imperialism in the first half as well as de-colonization and nationalism in the second half. Accordingly, they bring forth a few significant issues, such as hybridity, multiculturalism, and nationalism. Homi Bhabha’s idea of ‘liminal space’ is conducive to the evaluation of the novel, and expressly to the discussion of the above three concepts in a more specific way. He subsumes a lot of ideas under the umbrella term ‘liminal space’, so this thesis is to extract three ideas—hybridity, cultural difference, and nationness—to elaborate on the novel. The introductory chapter expounds Bhabha’s idea of ‘liminal space’ and also explores a few post-colonial issues in the novel. The issues in question are related to Bhabha’s idea of ‘liminal space’, from which some key ideas are derived so as to appreciate the fictional world Rushdie constructs in the novel. The following three chapters are respectively based on the three liminality-related ideas, whereby to find the relation of the novel with Bhabha’s ‘liminal space’. The second chapter is to obtain a deeper apprehension of colonial and post-colonial hybridity through Bhabha’s argumentation concerning the ambivalent relationship between colonizer and colonized. The ambivalent relationship is theoretically associated with the othering process. In the process, identification and subjectification are moot questions not only in post-colonial theory but in the novel as well. The third chapter is intended to make use of Bhabha’s idea of ‘cultural difference’ to review and redefine what the word ‘multiculturalism’ is like. In turn, it helps to shed much more light upon Rushdie’s palimpsesting modern India over Moorish Spain. In addition, liminal space refers to a contact zone of cultural difference that elucidates Rushdie’s eclecticism between popular culture and high culture in the novel. The fourth chapter is to discuss the way Bhabha colligates liminal space and the idiolect ‘nationness’ and the way he relates the idea of nation to narration. The relationship between nation and narration is applied to the understanding of how Rushdie utilizes literary techniques, especially intertextual materials and historical allusions, for a re-construction of a nation in a fictional world. The conclusive chapter is to reiterate some important arguments that are germane to the above key concepts and to the reciprocal clarification between Bhabha’s ‘liminal space’ and Rushdie’s The Moor’s Last Sigh.

Pascal Quignard est un écrivain qui a choisi de maintenir et de consolider le lien avec l’héritage latin. Son oeuvre en dévoile, cependant, la part la moins connue. L’auteur réhabilite la tradition marginalisée et antiphilosophique de la « rhétorique spéculative » dont les principes ne définissent pas seulement un art de bien dire, mais surtout un art de penser avec les « images » et avec la lettre du langage. Son investigation du champ culturel latin est aussi guidée par l’esprit de « pietas » et de « virtus » propre à la Rome ancienne, ainsi que par une sensibilité hantée par le mystère de l’origine. L’auteur français assume activement cet héritage antique dans sa pratique littéraire. Quignard se comporte, en effet, comme un rhéteur spéculatif moderne qui s’approprie le legs d’une tradition antique et rivalise avec les anciens, en définissant ses propres principes rhétoriques et esthétiques, en multipliant les pratiques intertextuelles à partir des oeuvres latines et en soumettant cet héritage à sa propre investigation d’écrivain qui pense avec les images et qui libère la signifiance du langage. Cette littérature se tourne vers le passé pour l’interroger, à la recherche de clés de lecture pour le présent. L’auteur développe une réflexion profonde sur l’existence humaine, sur le rapport à l’autre et au temps. Sa tentative d’approcher l’inconnu de la mort et de sonder le secret de l’origine perdue prend les dimensions d’une « expérience intérieure» ouvrant à une « résurrection » qu’il faut sans cesse intensifier en travaillant la fascination de la mort par la « vertu d’achèvement » et en transformant la nécessité en ouverture assumée sur l’inconnu.Sa poétique et son esthétique articulent l’imitation des anciens à la création « originale » et la déconstruction à la renaissance de la littérature en conjuguant notions traditionnelles et emprunts à des approches modernes comme la psychanalyse. L’originalité de l’auctor Pascal Quignard réside, en effet, dans la « virulence » de son appel à la renaissance de la vie et de l’art. / Pascal Quignard is a writer who has chosen to both preserv and solidify the bond with the latin heritage. His work, however, reveals its least known part. The author rehabilitates the marginalized and anti‐philosophical tradition of “speculative rhetoric”, the principals of which define not only an art of good articulation, but above all an art of thinking with the “images” and with the “litterae”. His investigation of the latin cultural field is also guided by ancient Rome’s spirit of “pietas” and “virtus”, as well as by a sensibility that is haunted by the mistery of the origin. The French writer actively assumes this heritage in his literary practice. Quignard actually behaves as a modern speculative rhetor who appropriates the legacy of an antique tradition and rivals the ancients by defining his own rhetorical and aesthetic principales, by multiplying intertextual practices and by subjecting this heritage to his own investigation, that of a man of letters who thinks within the images and releases the suggestiveness of langage. It is a question of a literature that addresses the past in a quest for clues that help. to read the present. The author generates a deep. reflexion on the human existence and on the relationship. with the other and with time. His attempt to approach the unknown that is death and to fathom the secret of lost origin takes the dimensions of an “internal experience” leading to a “resurrection” that has to be incessantly intensified by elaborating the fascination of death through the “virtue of achievement” and by transforming the necessity into a presumed opening to the unknown. His poetics and aesthetics link up. the imitation of the ancients to the “original” creation and the “deconstruction” to the revival of literature, conjugating traditional notions and modern approaches such as psychoanalysis. “Auctor” Pascal Quignard’s originality lies in the “virulence” of his appeal for the revival of life and art.

在《摩爾人的最後嘆息》中，魯西迪藉由虛實交錯的敘事呈現繁複混雜的羊皮紙式的歷史書寫：層層俱現也層層剝除，在不斷越界的同時一方面也暗示代表答案的核心永遠到不了的事實，也描繪出印度多元種族並存的歷史地景。本論文擬以華特．班雅明的翻譯理論之觀點逐章剖析小說中不同的翻譯借喻(tropes of translation)。班雅明的翻譯理論不同於傳統重視意義的翻譯理論，其立論中心在於以直譯的思維來否定二元對立、相互取代的尋常認知模式以彰顯翻譯事實上不屬於原文亦不屬於譯文。換言之，其立論精神在於強調語言不只是訊息的傳遞，因為過度強調意義的地位時，就有過度為譯入方或譯出方服務的傾向出現。置放於後殖民情境中時，以翻譯的門檻位置檢視殖民者與被殖民者的關係於是有擺脫符號的固有組合方式，展現原屬被大寫歷史壓抑、無法言傳的部份之功用在。 第一章以魯西迪的寫作脈落背景與班雅明的翻譯理論結合作出發點來闡釋班雅明翻譯理論的中心思想如何與魯西迪的寫作主題切合。此外並介紹班雅明的翻譯理論的多種理論性面向，探討其理論如何以實現屬於先驗(transcendental)層次的純粹語言為目標來彰顯其於下層的啟迪並以此為目標帶來新意、跨越人世間的扭曲疆界。 第二章以剖析魯西迪在其作品中亟欲破除的疆界迷思為出發點來與翻譯理論的中介性(liminality)與內在性(immanence)作連結並進一步以此連結觀照小說中各個翻譯借喻。第一部份將以中介性為主題，論述魯西迪在敘事過程中以嘲諷二元對立的虛假不實來表達反詮釋、工具化的訴求。他巧妙地運用史實與神話並置的敘事來嘲諷以接續、回溯為目的之傳統史觀的虛妄不實。本部份將配合萊布尼茲的無窗單子概念將翻譯理論應用於閱讀女主角歐蘿拉的童年啟迪經驗及其畫作。第二部份進一步申論隱藏在此敘事之下的則是一個反詮釋、反工具化的超人類經驗概念，此部分將以內在性為主題，以班雅明理體架構中對先驗層次的討論來進一步探討跨越二元對立的界限後，追求主客體經驗怯除的可能境界及連結。 第三章將進一步擴大以無窗單子閱讀翻譯理論，以探討翻譯理論中一與多的本質為主題來檢視小說中一與多的關係。一般咸認為「多」是讚揚多文化混雜主義的不二法門。多數與少數、明與暗、純與雜以至於不同族群間的關係在先驗上並非處於相互對立的靜止認知架構，而是一場不斷進行流動的分與合的過程。因此最適合觀照此過程的是一種動態式的概念。班雅明在其翻譯理論中以「切線輕觸圓周」的明喻強調語言親屬架構中分屬不同表意模式的語言在如切線般輕觸代表純粹語言的圓周後，一瞬間參透奧秘而繼續往前發展正是表達了無窗單子中一與多的思維體系。 / In The Moor’s Last Sigh, Rushdie presents a narrative of juxtaposition of history, myth and family saga in a palimpsest fashion, in which layers of vision imbricate upon each other. Reiterating the permeability of the borderline, the vision of palimpsest in fact emphasizes the crossing of the border and also intimates the impossibility of obtaining a final answer. In this thesis, I use Walter Benjamin’s translation theory to probe into the tropes of translation of the novel in the sense of border crossing. The first chapter begins with the concept of human defectiveness shared by Rushdie and Benjamin, focusing on the theme of digression of Rushdie’s narrative style and that of Benjamin’s theoretical methodology, which is also the axis among his broad theoretical framework. Benjamin’s translation theory is different from the traditional ones in its emphasis on literal translation rather than on free translation. Free translation in the service of meaning could not communicate essence through translation, for the meaning communicated between tool languages is void in its nature. The conception of the use of languages as substitution between signs are inessential, because such activity of substitution remains within the barrier of the multiplied tool languages, which generally forms the problematic of regression in Benjamin’s translation theory. Tropes of translation, in the light of Benjamin, manifest the act of border crossing from a lower level of human to a higher level of high purposiveness. Chapter two centers on the theme of binary oppositions of the novel. By the discussion of binary oppositions epitomized as theses and faeces as borderline, I aim to elaborate on the aspect of anti-utilitarianism of Rushdie’s narrative. I argue that under that theme of binary opposition and a deferring narrative, which points to an ultimate answer but always turns out to be disillusion, Rushdie intimates something beyond the limit of human experience. I will view this aspect of novel in the vein of Benjamin’s essay “On the Program of the Coming Philosophy.” What Benjamin anticipates in the essay is thus a new philosophy stripped of the episteme of subject-object. Rushdie does portrait few of such superhuman scenes in the novel like the deracination fantasies, the unconscious act resulted from his non-communalism background and the world of fancy. Through these descriptions, what Rushdie pursues is apparent the indefinable and the provisional that is stripped of the confinement of binary opposition and utilitarianist idea because binary oppositions and utilitarianist are two significant factors forming the authenticity myth that he consistently criticizes. Furthermore, if Benjamin regards the idea of using the reason freely as falsehood, the concept of freedom also accordingly becomes another problematic, just as he repudiates the function of free translation in his translation theory because its emphasis on the exchange of meaning is confined in the human-fabricated and distorted barrier. Rushdie also shows a strong disbelief in the self-claimed and definitive authentic myth, which he implies as theses. In other words, it is the artificiality that they both criticize. Thus I argue that the concept of Rushdie’s literary critique of the idea of authenticity formulates very similarly to Benjamin’s philosophical critique of freedom. The issue of the definitive theses and the provisional possibility of the faeces thus lead to the last part of discussion in my thesis – the relationship between One and Many. The last chapter probes into the relationship between One and Many to conclude the dynamic image of Benjamin’s translation theory. The One as pure language does not produce or subsume the particular modes of intention as Many. It does not keep a causal relationship with them because it belongs to the high purposiveness, which can only be manifested through the intentions of all single functions. And unlike the definitive theses which seek to marginalize or replace the others, the One as an absent presence harmonizes Many simply by its absent presence. Because of such special relationship, the retaining of the presence of the One seems to be rendered redundant. Nonethelss, it must be emphasized that the particular modes of intentions as Many cannot be examined without the term of the One, because, speaking in the context of translation, every time of the act of translation recalls to the One as pure language, which is also the presence that makes this very act necessary and possible. Through the delineation of the relationship between One and Many, what is to be mapped out is the presence of essence in the special relation. In the novel Rushdie does the same thing with the play of the idea of binary opposition and an experimental narrative that seeks to subvert the status of traditional history, leaving the problem of genuineness for the reader to decide, and sometimes beyond the matrix of human experience. The absent present One that is not fully describe symbolizes the simultaneous superimposition and effacement of the palimpsest vision. What the reader can do is to choose their own idea among the multiplicity that Rushdie throws in the face of their interpreting desire. It is also this multiplicity which lets in the provisional truth that the reader seeks and expands the frontier of possibility that is not to be institutionalized by any institutionalizing ideology.

Notre travail se propose d'analyser les formes et les fonctions que peut revêtir le paysage dans un corpus de textes épiques posthomériques. Les Argonautiques d'Apollonios de Rhodes et leur réécriture tardive anonyme, les Argonautiques Orphiques, les Posthomériques de Quintus de Smyrne, la Prise d'Ilion de Triphiodore et les Dionysiaques de Nonnos de Panopolis nous offrent un champ d’investigation fructueux pour analyser les représentations littéraires du paysage de manière transhistorique. Nos textes opèrent une première transformation du paysage épique archaïque qui est d'abord l'image du monde avec laquelle il se confond (adéquation posée entre bouclier, île et monde) en détachant de cette équation le paysage pour lui conférer une plus grande autonomie. Le monde devient une mosaïque de paysages autonomes qui gagnent en épaisseur du fait qu'ils se chargent d'une dimension identitaire. La polymorphie du paysage donne alors sa texture mouvante au monde des Grecs : c'est la dimension plastique et artiste que le texte de poésie épique emprunte pour mettre en mots ces images du monde qui révèle les formes du paysage épique. Une diversité de schèmes paysagers émergent et ouvre l'intertexte littéraire à l'hétérogénéité des formes artistiques. De cette fusion de processus et de formes naît une singularité bien antique de perception et de traduction du paysage : la merveille. Paysage et merveille s'entremêlent étroitement au point de se substituer l'un à l'autre : c'est là une définition possible du paysage antique à partir de la période hellénistique. Mais le paysage ainsi identifié et construit appartient aussi au monde dont il contribue à imager la forme. Il est clairement localisé d'un point de vue géographique : image vivante d'une partie du monde il lui offre son identité par ses caractéristiques topiques singulières. Il est une forme d'identification régionale et confine au vernaculaire. Le paysage devient un instrument de promotion intellectuelle et culturelle. Entre diversité formelle et singularité locale, le paysage voyage entre fiction et réel : ses modalités de construction empruntent au littéraire et à l'artistique et s'étendent ensuite grandeur nature. Le genre épique, marqué par l'intertextualité innovante, fait du paysage l'image même du processus de transposition et d'adaptation. Manifestation de l'exercice d'une subjectivité antique singulière puis collective, instrument de mesure du travail de l'imaginaire à l’œuvre dans les processus complexes de réception littéraire et culturelle, le paysage antique entre transmission et invention, s'ouvre à l'expérience quotidienne et sociale. Son existence antique est effective. / The undertaking of this work is to analyze the forms and functions that the landscape can take in a corpus of posthomeric epic texts. The Argonautica of Apollonius of Rhodes and its late anonymous rewriting The Orphic Argonautica, the Posthomerica of Quintus Smyrnaeus, the Ilioupersis of Triphiodorus, and The Dionysiaca of Nonnus Panopolitanus provide us with a fruitful field of investigation for the analysis of the literary representations of the landscape as transhistorical. Firstly, our texts operate one transformation of the archaic epic landscape that is first the image of the world with which it merges (the conformity placed between shield, island, and world) by separating the landscape from this equation and giving it greater autonomy. The world is a mosaic of autonomous landscapes that gain texture as they take on a dimension of identity. The polymorphism of the landscape then gives its moving texture to the world of the ancient Greeks : the plastic and artist dimension is borrowed by the Epic text to put into words the images of the world, which reveal epic landforms. A variety of landscape patterns emerges and opens the literary intertext to the heterogeneity of artistic forms. From this fusion of process and forms, a singularity arises, a singularity particularly antique of the perception and the translation of the landscape : wonder. Landscape and wonder mingle so narrowly as to substitute one for the other : this is a possible definition of the ancient landscape from the Hellenistic period. But the landscape as thus identified and constructed also belongs to the world the image of which it contributes to form. It is clearly localized in a geographical perspective : the landscape becomes a vivid picture of the world and the former offers the latter its identity by its unique topical characteristics. It is a form of regional identification and it is sometimes confined to the vernacular. The landscape becomes an instrument for intellectual and cultural promotion. Between formal diversity and local singularity, the landscape travels between fiction and reality : its construction methods borrow from the literary and artistic and then extend to nature. The epic genre, characterised by innovative intertextuality, makes the landscape the image of the process of transposition and adaptation. As a manifestation of the exercise of a singular and then a collective ancient subjectivity, the landscape is an instrument for measuring the unfolding of the imagination at work in the complex process of literary reception and cultural transmission ; the ancient landscape between transmission and invention, opens itself up to the everyday and social experience. Its ancient existence is effective.

Mémoire complété dans le cadre de la maîtrise internationale "International Master in Audiovisual and Cinema Studies" suivie à l'Université de Montréal, l'Université Sorbonne Nouvelle (Paris 3) et l'Université Paris-Nanterre (Paris-X). / Selon le musicologue Richard Leppert, la contradiction sémiotique existant entre la musique en tant qu’expérience vécue corporelle et la musique en tant que phénomène sonore et acoustique trouve une résolution par le biais de la vision humaine. Partant de cette thèse, notre recherche se propose d’étudier trois documentaires qui, portant sur la musique rock et s’attachant à mettre en images le corps de la rock star, cherchent à combler notre besoin de voir et d’écouter le corps du musicien dans sa pratique de création musicale ou durant sa performance spectaculaire. Les trois documentaires examinés – Ziggy Stardust and the Spiders from Mars : The Motion Picture, One + One et 20,000 Days on Earth – mettent à l’épreuve la fabrication musicale-sonore et subjective de l’identité de la rock star ; et, par cela, ils déconstruisent la tradition générique du rockumentary. Concentrés sur le foyer catalyseur qu’est le corps sonore de la star, ces films se constituent comme des oeuvres audiovisuelles hybrides où le son et l’image participent dans l’acte de création filmique et de la création et performance musicale. / According to the musicologist Richard Leppert, the semiotic contradiction between music as a bodily experience and music as an acoustic phenomenon finds resolution through human vision. Based on this claim, our research aims to study three documentaries that focus on rock music and the representation of the body of the rock star, which seek to fill our need to see and to listen to the body of the musician during the practice of musical creation or performance. The three documentaries examined – Ziggy Stardust and the Spiders from Mars: The Motion Picture, One + One and 20,000 Days on Earth – problematize the musical, sonorous and subjective fabrication of the rock star’s identity ; and in doing so, they deconstruct the generic tradition of the rockumentary. Concentrating on the catalytic force of the rock star’s sounding body, these films thus constitute hybrid audiovisual works in which sound and image partake in both the act of filmmaking and musical performance.