Silence et soumission aux valeurs patriarcales dominantes : ainsi peut être brossée dans son ensemble et sans pour autant la déformer l’image de la condition féminine encore pleinement opérante à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle en France. La femme, ouvrière, bourgeoise ou noble, est destinée à la maternité, et ses désirs sont méprisés au profit de ceux de son (futur) époux. En littérature cependant, à partir de Madame Bovary (1857) et parallèlement à la montée timide du féminisme, apparaissent plusieurs figures féminines éminemment tragiques qui contestent la condition féminine. Louise Marles, Véronique Cheminot, Mouchette et Thérèse Desqueyroux – et tant d’autres encore… – sont autant de (jeunes) personnages féminins qui rejettent plus ou moins violemment la mise sous tutelle de la femme et l’impossibilité d’avoir un statut social et juridique accepté en dehors du mariage. Pourtant, parce qu’en ces figures de femme – et souvent malgré elles – refuse de se taire une torturante aspiration à la liberté, elles sont fatalement vouées à la folie et à la mort, deviennent prostituées, criminelles, internées ou suicidaires, voire les quatre. Selon nous, la folie est l’état dans lequel ces personnages féminins s’enlisent car ils remettent profondément en question les valeurs établies par des hommes et pour des hommes. Nous pensons que la folie est le moyen littéraire utilisé par les écrivains pour montrer l’ampleur de leur souffrance existentielle et son unique langage possible ; en ce sens, la folie serait la représentation extérieure d’une écrasante souffrance morale et psychologique. Enfin, la possession diabolique est une autre cause portée par Bernanos pour répondre à la question de la folie des femmes. Notre étude portera sur quatre figures tragiques de personnages féminins imaginées par quatre écrivains catholiques : Louise dans En rade (Huysmans, 1887), Véronique dans Le Désespéré (Léon Bloy, 1887), Mouchette dans Sous le soleil de Satan (Bernanos, 1926) et Thérèse Desqueyroux dans le roman éponyme de Mauriac (1927). / Silence and submission to the prevailing patriarchal ideology : this is how one can describe the female condition at the end of the nineteenth century and at the beginning of the twentieth century in France. No matter whether they come from the working class, the middle class or the aristocracy, women are destined for motherhood and their wishes are overlooked. Nevertheless, in literature one can notice several tragic female figures who rebel against their condition. Louise Marles, Véronique Cheminot, Mouchette and Thérèse Desqueyroux – and so many others… – are young women who reject more or less violently the fact that they are under the tutelage of men and the fact that they cannot obtain an acceptable social status outside of marriage. However, it is precisely because these female characters crave for freedom that they are doomed to madness and death or become criminals and/or suicidal women. According to us, these women are said to be mad because they challenge convention and reject patriarchal values. We think that madness is the literary tool used by these writers to show the brutality of their existential suffering. In other words, we believe that madness is the external representation of their overwhelming moral suffering. Finally, demonic possession is another reason given by Bernanos to explain women’s madness. Our study deals with four tragic female figures imagined by four Catholic writers : Louise in En rade (Huysmans, 1887), Véronique in Le Désespéré (Bloy, 1887), Mouchette in Sous le Soleil de Satan (Bernanos, 1926) and Thérèse in Thérèse Desqueyroux (Mauriac, 1927).

How did Czechoslovak press write about Turkey in the 1920s? This thesis tries to answer this question, using the example of four selected dailies: Národní listy, Venkov, Právo lidu and Lidové noviny. Up to now, no such work has been written. Therefore it brings a new perspective on Turkish international politics as seen by Czechoslovak press.

Le violoniste et compositeur mexicain Silvestre Revueltas (1899-1940) est un des principaux acteurs du développement musical du Mexique postrévolutionnaire durant les années 1930. Proche des avant-gardes artistiques mexicaines, la réception de sa musique est marquée par une double appartenance moderniste et nationaliste, au point que certaines de ses œuvres incarnent le modèle de la musique nationale et se trouvent au cœur de la politique symbolique du régime autoritaire postrévolutionnaire. Revueltas s’engage fin 1935 dans l’antifascisme communiste au sein de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), luttant contre l’avancée du fascisme dans le monde – notamment après le début de la Guerre civile espagnole – et soutenant les avancées sociales obtenues par le Front Populaire Mexicain (FPM). Les conséquences de l’engagement antifasciste de Revueltas sont considérables, particulièrement dans la thématique de ses œuvres, dans sa vie professionnelle et dans l’utilisation symbolique de sa musique à des fins de légitimation par le régime postrévolutionnaire mexicain. Cette recherche analyse, d’une part, l’impact du militantisme antifasciste de Revueltas dans son œuvre et, d’autre part, la fonction de celle-ci dans la politique symbolique du régime autoritaire mexicain autour de la Guerre civile espagnole. Les résultats montrent que l’engagement antifasciste de Revueltas modifie la thématique de la plupart de ses œuvres après 1936 ainsi que sa conception du rôle du compositeur dans les luttes sociales. De ce fait, il devient indispensable de relativiser la réception exclusivement nationaliste de sa musique en la reconsidérant d’un point de vue politique et militant. / Violinist and composer Silvestre Revueltas (1899-1940) was one of the major players in post revolutionary Mexico musical development during the thirties. Close to avant-gardes Mexican artists, the reception of his music is defined by, both modernist and nationalist. Some of his works embody the national music model, and are at the heart of the symbolic politics of the post revolutionary authoritarian regime. Towards the end of 1935 Revueltas engaged himself in communist antifascism by being a member of the Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), fighting against the rise of fascism in the world – especially during the Spanish Civil War – and supporting social progress championed by the Mexican Popular Front (FPM). The consequences of Revueltas’ antifascist engagement are considerable especially on the themes explored in his works, on his professional life and on the symbolic use of his music to legitimize the Mexican post revolutionary system. This research analyses, on the one hand, the impact of Revueltas’ antifascist militancy on his work, and on the other, the role of his work on the symbolic politics of the Mexican authoritarian regime during the Spanish Civil War. Results show that Revueltas’ political engagement alters the theme of most of his works after 1936, as well as the composer’s role in a social contest. It therefore appears to be essential to put into perspective the exclusively nationalist reception of his music reconsidering it from a political and militant point of view.

Cette thèse se présente comme une enquête : elle constate tout d’abord l’existence, sur les scènes contemporaines (XXe-XXIe siècles), de personnages de bonimenteurs et d’une référence récurrente à un art du bonimenteur. Que charrie cet imaginaire ? Comment s’est constituée cette figure fictive, qui s’ancre néanmoins dans une histoire concrète ? En quoi les particularités du dispositif oral du boniment ont-elles pu contribuer à la pérenniser ? Notre recherche s’est organisée selon une double enquête historique : sur ce qui a constitué, au XIXe siècle, l’art du boniment, et sur l’entrée du boniment dans la fiction, notamment grâce à une artification partielle datant elle aussi du XIXe siècle. L'examen de la transition entre une fonction théâtrale précisément située dans le temps et une fonction dramatique active sur les scènes et les écrans modernes met au jour les spécificités du bonimenteur, qui, du fait de sa position entre salle et scène et entre son et image, semble créer un geste théâtral particulier.Cette enquête nous conduit ainsi à voir dans le bonimenteur une figure qui interroge le rapport du théâtre à l’oralité et à son histoire. Qui pourrait incarner en somme une autre image du théâtre, reposant sur la force d’un oral performé. / This thesis was written as an investigation. It first focuses on the presence on contemporary stages (20th and 21st centuries) of characters commonly known as bonimenteurs and the recurrent reference to the art of boniment. What does this imaginary world convey? How was this fictional figure constructed and how is it rooted in a tangible history? And how have certain specific oral codes used in boniment contributed to its historical durability? Our research was developed around a dual historical investigation. It examines what constituted the art of boniment throughout the 19th century, while also considering the introduction of boniment into fiction, due in part to a partial shift into an art form also observed in the 19th century. The study of the transition between a theatrical function precisely defined in a historical timeline and an active dramatic function on stage and modern screens highlights the specificities of the bonimenteur. Thanks to his or her position between room and stage, sound and image, the bonimenteur seems to create a specific dramatic gesture.This work also leads us to consider the bonimenteur as a figure questioning theatre’s relationship with orality and its history, which may embody another representation of theater based on the power of orality as performance.

Cette étude exhume la poésie créée dans les espaces carcéraux du premier franquisme, depuis l’occupation progressive de l’Espagne par le camp national, entre 1936 et 1939, jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale voire des années cinquante selon les incarcérations. Ce phénomène, souvent réduit en Espagne à deux figures héroïsées (Miguel Hernández et Marcos Ana), recouvre pourtant une multitude de cas, allant du poète emprisonné, dont les ambitions littéraires sont entravées, aux prisonniers de guerre ou politiques qui s’essayent au romance pour tuer le temps : au-delà de la valeur littéraire de l’œuvre, on s’intéresse à la poésie de témoignage autant qu’à la poésie lyrique, aux poèmes en prose et en vers, oraux ou écrits, à travers un corpus varié, tant sur le plan générationnel qu’idéologique, d’une soixantaine d’auteurs. José Luis Gallego (1913-1980) est un exemple paradigmatique, puisqu’il compose une vingtaine de recueils en prison de 1939 à 1942 puis de 1943 à 1960, dont seulement trois ont été publiés. Toute la géographie espagnole est concernée (notamment Madrid, l’île de Saint Simon ou les Canaries) et divers espaces carcéraux, dont des camps. Si certains symboles singularisent un auteur, la culture ou la situation espagnole, cette poésie carcérale relève globalement d’une poétique de la libération, visant à fuir l’espace-temps oppressant de l’enfermement, tout en évacuant les émotions douloureuses dans des moules métriques qui disent la contrainte, et en glissant occasionnellement une subversion entre les vers. On envisage également les processus de création et de diffusion de ces œuvres lyriques, l’enjeu de la collaboration avec le pouvoir dans les pages de l’hebdomadaire pénitentiaire Redención et le destin de vers confiés aux réseaux semi-clandestins ou exposés à un silence éditorial. À partir d’archives familiales et nationales, on analyse ces voix lyriques d’une résilience difficile, inédites ou méconnues, en tension entre l’enfermement dans l’intimisme de l’insilio et l’extériorisation subtile d'une dissidence réprimée. / This study sets out to uncover the poetry created in carceral spaces during early Francoism, from the progressive advancement of the Nationalist faction in Spain, between 1936 and 1939, to the end of the Second World War, up until the late fifties in some cases in line with the duration of imprisonment. This phenomenon, mainly reduced in Spain to the two heroicized figures of Miguel Hernández and Marcos Ana, nonetheless, involves a vast number of others, ranging from the jailed poet, whose literary ambitions are thwarted, to the prisoners of war or political prisoners who try their hand at romances to kill time. The focus of this study is not limited to the literary value of a poem, but also considers testimonial as well as lyrical poetry, prose poems and verse, both written and orally-transmitted. The corpus in question varies widely both in terms of generation and ideology and spans sixty authors. José Luis Gallego (1913-1980) is paradigmatic, since he composed around twenty collections of prison poems from 1939 to 1942 and then from 1943 to 1960, of which only three were published. The whole of Spanish geography is covered (especially Madrid, San Simón island and the Canaries) and several prison spaces, including prison camps. Even if certain symbols underline the specific circumstances of a particular author, specific cultural aspects or the Spanish situation on the whole, the prison poetry discussed here mainly derives from a poetics of liberation, whose goal is to leave behind the oppressive space-time of imprisonment. At the same time, the poetry acts as a release for painful emotions expressed and compressed into metrical moulds indicative of the constraint, occasionally letting slip subversive comments between the lines. In addition, the process of creation and diffusion of these lyrical works, the implications of collaborating with power in the pages of the prison weekly Redención and the destiny of those verses that were entrusted to semi-clandestine networks or met with editorial silence are examined. Taking family and national archives as the starting point, these lyrical voices of a difficult resilience, unpublished or unappreciated, in constant tension between being locked into the intimism of the insilio and the subtle exteriorization of a repressed dissidence. / Este estudio exhuma la poesía creada en los espacios carcelarios del primer franquismo, desde el avance progresivo en España del bando nacional, entre 1936 y 1939, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, incluso de los años cincuenta según los encarcelamientos. Este fenómeno, que suele reducirse en España a dos figuras heroizadas (Miguel Hernández y Marcos Ana), abarca sin embargo una multitud de casos, que van desde el poeta encarcelado, cuyas ambiciones literarias son obstaculizadas, hasta los prisioneros de guerra o políticos que se ejercitan escribiendo romances para matar el tiempo: más allá del valor literario de la obra, nos interesamos tanto por la poesía testimonial como por la poesía lírica, por los poemas en prosa o en verso, orales o escritos, a través de un corpus variado, tanto a nivel generacional como ideológico, de unos sesenta autores. José Luis Gallego (1913-1980) es un ejemplo paradigmático, ya que compone una veintena de poemarios en prisión de 1939 a 1942, y de 1943 a 1960, de los cuales solamente tres han sido publicados. Se aborda toda la geografía española (especialmente Madrid, la isla de San Simón o las Canarias), y diversos espacios carcelarios, como los campos. Si bien algunos símbolos singularizan a un autor, la cultura o la situación española, esta poesía carcelaria implica en general una poética de la liberación, que apunta a huir del espacio-tiempo opresivo del encierro a la vez que evacua las emociones dolorosas en unos moldes métricos que expresan la coerción, y desliza a veces una subversión entre los versos. Igualmente, contemplamos los procesos de creación y de difusión de estas obras líricas, la cuestión de la colaboración con el poder en las páginas del semanario penitenciario Redención y el destino de unos versos confiados a redes semiclandestinas o expuestas al silencio editorial. A partir de archivos familiares y nacionales, analizamos esas voces líricas de una resiliencia difícil, inéditas o desconocidas, en tensión entre el encierro en el intimismo del insilio y la exteriorización sutil de una disidencia reprimida.

Submitted by Ricardo Cedraz Duque Moliterno (ricardo.moliterno@uefs.br) on 2016-10-10T20:43:46Z No. of bitstreams: 1 DISSERTA??O FINAL - JANAINA MASCARENHAS - PDF.pdf: 6135751 bytes, checksum: 49e2f8bd4d781fa4a3090079dba67983 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-10T20:43:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTA??O FINAL - JANAINA MASCARENHAS - PDF.pdf: 6135751 bytes, checksum: 49e2f8bd4d781fa4a3090079dba67983 (MD5) Previous issue date: 2016-02-24 / Funda??o de Amparo ? Pesquisa do Estado da Bahia - FAPEB / The main goal of this work is to identify and describe relative clauses in 91 personal letters written between 1906 and 2000 by semi-illiterate Bahian inlanders, edited by Santiago (2012), who has called them unskilled hands (MARQUILHAS, 2000). From the analysis of the process of relative clauses construction by these writing-subject, it is intended to describe the relativizing strategies employed, observing either their similarity with popular variants of Brazilian Portuguese (TARALLO, 1983, 1993), or trying to understand whether these processes are similar to those in specific clauses of adults who are acquiring the written language, as relative clauses analyzed in studies of language acquisition by children (LESSA DE OLIVEIRA, 2008), or if it happens in both situations. To do so, the researchwas based on the theoretical assumptions of the Historical Linguistics (socio-historical perspective) as defined by Mattos e Silva (2008) and the Labovian Sociolinguistics theory (LABOV, 1972). / Esta disserta??o tem por objetivo identificar e descrever as senten?as relativas em 91 cartas pessoais, escritas entre 1906 e 2000 por sertanejos baianos semi-alfabetizados, editadas por Santiago (2012), que os define como in?beis (MARQUILHAS, 2000). A partir da an?lise do processo de constru??o das relativas por esses escreventes, pretende-se descrever as estrat?gias de relativiza??o utilizadas, observando ora a proximidade desses processos com as variantes populares do portugu?s brasileiro (TARALLO, 1983, 1993), ora buscando perceber se esses processos apontam para constru??es comuns de indiv?duos adultos em fase de aquisi??o de escrita, como constru??es pr?ximas ?s encontradas em estudos sobre aquisi??o, a exemplo do que ocorre com crian?as (LESSA DE OLIVEIRA, 2008), ou ainda, se ocorrem ambas as situa??es. Para tanto, foram mobilizados pressupostos te?ricos da Lingu?stica Hist?rica s?cio-hist?rica, nos termos definidos por Mattos e Silva (2008) e da Sociolingu?stica Laboviana (LABOV, 1972).

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Este trabalho tem por finalidade apontar determinados aspectos que nortearam algumas das principais especulações realizadas no campo da nova vocalidade na música escrita no despontar do século XX. A prática da voz inserida no mundo moderno se desenvolve com as bruscas mudanças que alteram os parâmetros da produção musical e da compreensão dos elementos de musicalidade que surgem nas primeiras décadas do século passado. Sucintamente, aborda o espectro de percepções estéticas e cognitivas que um ouvinte carrega em seu intelecto e o ambiente histórico de uma obra que são fundamentos para a contemplação, reflexão e que permitem entender a voz. Essa prática que se foi acrescendo paulatinamente de \"novos\" recursos tomados \"emprestados\" da prática da emissão vocal na fala e no canto cotidiano traz nova oralidade e vocalidade, fazendo surgir uma \"nova\" sonoridade que futuramente se intensificará em múltiplas tendências, principalmente a partir do final dos anos 50 e início dos 60 do século XX. O seu florescimento estende-se até os dias atuais teve como ponto de partida muitas das reflexões e pesquisas que a Segunda Escola de Viena trouxe para a música. Para embasar este estudo foi levantado um conjunto de obras vocais de Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg e Edward Steuermann, que tem como ferramenta de análise a Teoria dos Conjuntos de Joseph Straus. / This paper aims at pointing out specific aspects that guided some of the main theories made in the field of new vocality in writing music that happened in the beginning of the 20th century. At that period the practice of speech inserted in the modern world was also developed by the sudden changes that altered the parameters of music production and the understanding of the elements of musicality. Shortly, this paper also discusses the spectrum of aesthetic and cognitive perceptions that a listener carries in his/her intellect and the historic setting which are grounds for contemplation and reflection for they allow the listener to understand the voice, and even extend the appreciation and understanding of the sound. Such practice gradually added to itself new features taken from vocal speech and everyday singing bringing new orality and voicing. This activity generated a \"new\" sound that would appear in multiple trends, mainly in the late 50s and early 60s of the 20th century. It is there up to the present days and it had as a starting point reflections and researches that the Second Viennese School brought to the music. To support this study a number of vocal works of Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg and Edward Steuermann, were taken into consideration, which use Joseph Straus\' Theory of Groups as tool for analysis

Made available in DSpace on 2016-04-28T14:16:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sonia Regina Tonetto.pdf: 1372040 bytes, checksum: 8041dda5cc94d8c48e9bf949419c38de (MD5) Previous issue date: 2014-03-19 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work aims to analyze the ideas about methods of teaching science in the early twentieth advocated by prominent scientists as Marcellin Berthelot, Paul Langevin and Henri Poincaré and the important contribution of these scientists in the reform of French teaching, 1902. Furthermore, we sought to understand the difficulties faced in teaching in French schools of that period, we sought to also to understand what these scientists believed to be the ideal science teaching method and the influence of positivist ideas in these discussions. We analyzed in particular the role of Co-operative Education of Mme Curie (1907-1908) and the objectives of the group of teachers, including Paul Langevin, which was involved in the discussions on the reform. This work was developed from the analysis of documents filed at the Institut Curie and at Bibliothèque Nationale de France, texts and books written by scholars and scientists, with direct and indirect participation in the reform, records of lectures, articles and manuscripts of the children who participated in the cooperative, as Isabelle Chavannes and Irène Curie / Este trabalho tem como objetivo analisar as ideias sobre métodos de ensino de ciências, no início do século XX, defendidas por cientistas de destaque, como Marcellin Berthelot, Paul Langevin e Henri Poincaré e a importante participação desses cientistas na reforma do ensino francês de 1902. Além disso, procurou-se entender as dificuldades enfrentadas no ensino nas escolas francesas daquele período, compreendendo o que esses cientistas acreditavam ser o método ideal para o ensino de ciências e a influência das ideias positivistas nessas discussões. Analisa-se em particular o papel da Cooperativa de Ensino de Mme Curie (1907-1908) e os objetivos do grupo de professores que, como Paul Langevin, se envolveu nos debates sobre a reforma. Este trabalho foi desenvolvido a partir da análise de documentos depositados no Institut Curie e na Bibliothèque Nationale de France, Paris, textos da época, livros escritos por estudiosos e cientistas com participação direta e indireta na reforma, registros de conferências, artigos publicados, manuscritos das crianças que participaram da cooperativa, como Isabelle Chavannes e Irène Curie

L’écriture dramatique contemporaine est souvent tournée vers le mythe grec tragique comme source d’inspiration. Or, le concept de tragique est loin d’être évident, tantôt compris dans un sens existentiel, étroitement lié à la pensée philosophique allemande du XIXe siècle qui lui adonné naissance, tantôt dans un sens esthétique, produit de son rapport étroit au genre dramatique de la tragédie. La présente étude interroge la question du tragique dans des écritures dramatiques contemporaines d’origine différente : plus précisément, nous abordons douze oeuvres dramatiques, françaises et grecques, qui couvrent la seconde moitié du XXe siècle au sens large, et que caractérise l’usage du mythe tragique ou des motifs tragiques. Notre approche est structurée sur deux axes : d’une part est examinée la notion de personnage, élément principal de l’oeuvre dramatique, dans son devenir tragique. Ainsi, dans les deux phases de ce que nous appelons le« mouvement tragique », le personnage passe de l’identité à l’altérité de soi, pour se choisir ensuite en tant qu’être fini, ou autrement, en tant qu’être « inscrit dans la mort », pour arriver finalement à la transcendance de sa propre finitude. D’autre part est examinée la notion de personne tragique, à savoir la conception de l’homme « réel », telle qu’elle est configurée par le lecteur/spectateur à partir du personnage tragique. Le sens de la personne tragique consiste en le passage de celle-ci du monde quotidien à un « nouveau réel », où dominent le devenir et l’ouverture à l’Autre. Dans ce cadre, la catharsis qu’éprouve le spectateur est identifiée à la « joie tragique ». / Contemporary playwriting turns often towards the tragic Greek myth as source of inspiration.However, the concept of “the tragic” is far from being evident, sometimes understood in anexistential meaning, tightly attached to the German philosophical thought who has given it birth,sometimes in an esthetic meaning, as a result of its close relation to the genre of tragedy. Thepresent study examines the concept of tragic in contemporary plays of different origin: moreprecisely, we study twelve plays, French and Greek, that cover the second half of the twentiethcentury in the broadest sense, characterized by the use of the tragic myth or of tragic motifs. Ourapproach is based on two axes: on one hand we examine the notion of character, a fundamentalelement of a dramatic work, in his becoming tragic. In this way and according to the two phasesof what we call “the tragic movement”, the character, after passing from the identity to the alterityof self, he then “chooses” himself as a finite being, or, in other words, as a being “inscribed indeath”; finally, he arrives at the point of transcendence of his own finitude. On the other hand, weexamine the notion of the tragic person, namely the conception of the “real” human, as it isformulated on the basis of the tragic hero, by the reader/spectator. The meaning of the tragicperson lies in a passage from the ordinary world to a “new reality”, where the becoming of thehuman being and the openness to the Other dominates. In this context, the spectator experiencesthe catharsis that can be identified with the “tragic joy”.