En Amérique latine le XIXe siècle se caractérise par l'indépendance des anciennes colonies espagnoles, par le processus de formation des État-Nation et par la reconstruction des ordres juridiques des nouveaux États. Une fois le modèle républicain adopté, il fallait créer des institutions juridiques nouvelles et un système normatif qui régule le destin des nouvelles sociétés en concordance avec la réalité locale et, surtout, le plus différent possible de l'ancien régime colonial. Dans toutes ces transformations les hommes de loi (avocats, juges, juristes, bureaucrates) ont joué un rôle important. En tant que propriétaires du savoir juridique et politique ils étaient les personnages idoines, pour effectuer la tâche d'organisation de l'État. Parmi ces tâches, la structuration de la justice était essentielle pour les nouveaux États. Montrer l'implication du juge dans ce processus de consolidation, est une des finalités de ce travail. D'autre part, la construction de l'imaginaire juridique latino-américain s'est réalisée sous l'influence des modèles juridiques étrangers, dont la France, l'Angleterre, les États-Unis. Dans un classicisme juridique particulier, la réception et la transformation de ces modèles a créé une conscience juridique locale originale et très différente du modèle initial en combinant l'exégèse française avec le conceptualisme allemand / The nineteenth century in Latin America is characterized by the independence of the former Spanish colonies, the formation process of nation-state and the reconstruction of legal systems of the new states. Once the republican model adopted, it was necessary to create new legal institutions and a legal system to regulate the destiny of new societies according to the local reality and, above all, as different as possible from the old colonial regime. In all these transformations the jurists (lawyers, judges, jurists, bureaucrats) have played an important role. As owners of legal and politic knowledge, they were the ones suitable to organize the state. Among this organization task, structuring the justice was essential for the new states. To show the implication of judges in this consolidation process is one of the purposes of this work. Besides, the construction of Latin American legal imaginary was carried out under the influence of foreign legal models, like France, Britain and the United States. In a special legal classicism, the reception and transformation of these models has created a proper legal consciousness, innovative and very different from the original model, combining French exegesis with German conceptualism / En América Latina, el siglo XIX se caracteriza por la independencia de las antiguas colonias españolas, el proceso de formación de los Estados-Nación y la reconstrucción de los ordenamientos jurídicos de los nuevos Estados. Una vez adoptado el modelo republicano, fue necesario la creación de instituciones jurídicas nuevas y un sistema normativo que regulara el destino de las nuevas sociedades conforme a la realidad local y, sobre todo, lo más distante posible del antiguo régimen colonial. En todas estas transformaciones, los hombres de ley (abogados, jueces, juristas y burócratas) tuvieron un papel importante ; como proprietarios del saber jurídico y político, fueron los personajes idóneos para realizar la tarea de organización del Estado. Dentro de esa tarea, la estructuración de la justicia fue fundamental para los nuevos Estados. Una de las finalidades de este trabajo es demostrar la implicación de los jueces en ese proceso de consolidación. Además, la construcción del imaginario jurídico latinoamericano se llevó a cabo bajo la influencia de modelos jurídicos extranjeros dentro de los cuales se destacan Francia, Alemania y Estados Unidos. La recepción y tranformación de dichos modelos dentro de un clasicismo jurídico particular, que combinaba la exégesis francesa y el conceptualismo alemán, generó una conciencia jurídica local original y muy diferente del modelo inicial

Le texte littéraire avec sa puissance artistique, historique, linguistique, culturelle et sociologique est un support privilégié pour la classe de Français Langue Étrangère. S’appuyer sur la littérature pour enseigner différents aspects de la langue et de la culture françaises – telle est l’idée principale de notre travail de recherche. Mais quel type de texte littéraire choisir ? Paris – la capitale mondiale de l’art et de la culture, Paris – la patrie des écrivains, des poètes et des artistes, Paris – l’endroit le plus visité sur Terre, Paris – le nid des amoureux et des romantiques, Paris rêvé, Paris adoré, Paris fantasmé : avec cette série d’attributs, la Ville-lumière inspirait hier, et inspire encore aujourd’hui, les écrivains et les poètes des quatre coins du monde. C’est un Paris magique, poétique et festif, mais aussi un Paris infortuné et malheureux qui les inspire, les fascine et les pousse à écrire. Un héritage littéraire exceptionnel s’est donc constitué au fil des siècles. Dans cette optique, un corpus littéraire des XIXe et XXe siècles sur Paris, très varié, composé de romans, de chroniques, de recueils de poèmes et de pièces de théâtre, est au cœur de notre thèse. Trois dimensions sont évoquées : linguistique, littéraire et culturelle. L’étude de plusieurs éléments propres à la langue, puis la découverte des spécificités des genres littéraires français, ainsi que la mise en perspective de nombreuses questions relatives à Paris et à ses habitants – tout cela constitue les enjeux de notre travail. Nous démontrons aussi que la littérature ne s’enferme pas sur elle-même, mais qu’elle s’ouvre, va plus loin et embrasse les autres arts tels que la peinture, la photographie et le cinéma. La littérature perce ainsi de nouvelles voies vers la culture française et rend l’enseignement/apprentissage du FLE encore plus dynamique et plus créatif. Différentes approches et techniques sont mises en œuvre afin que ce bagage linguistique, littéraire et culturel soit acquis de la manière la plus efficace possible par les apprenants de FLE. / The literary text with his artistic, historical, linguistic, cultural and sociological power is privileged medium for the class of the French as a Foreign Language. Relying on the literature to teach various aspects of the French language and culture is the main idea of this research. But what type of literary text to choose? Paris – the world capital of art and culture, the home of writers, poets and artists, the most visited place in Earth, the nest of lovers and romantics, Paris dreamed, Paris loved, Paris fantasized: with this series of attributes, the City of light in the past has been and today still is an inspiration for writers and poets from around the world. It is magical Paris, poetic and festive, but also Paris unfortunate and unhappy that inspires, fascinates and drives them to write. An exceptional literary heritage has therefore built up over the centuries. In this context, a literary corpus of nineteenth and twentieth centuries in Paris - very diverse, consisting of novels, chronicles, collections of poems and plays - is at the heart of this thesis. Three dimensions are mentioned: linguistic, literary and cultural. The study of many facts about the language, then the discovery of the specificities of French literary genres, as well as putting into perspective numerous questions on Paris and his inhabitants – all these are topics of my work. I also demonstrate that the literature does not lock in on itself, but opens, goes further and embraces the other arts such as painting, photography and cinema. The literature pierces a new path to French culture and makes teaching/learning of the French as a Foreign Language more dynamic and more creative. Different approaches and techniques are implemented so that linguistic, literary and cultural skills are acquired in the most efficient way possible by the learners of French as a Foreign Language.

Les sonates pour piano de la « génération romantique » (Rosen) et des compositeurs qui l’ont suivie s’éloignent des conventions qui régissent la forme classique, et ce à plusieurs égards : schéma tonal, découpage, fonctions formelles, voire même l’affect ou l’esthétique générale du mouvement. Lorsqu’il s’agit de sonates de jeunesse, ces écarts ont généralement été interprétés comme des maladresses ou comme un manque de métier. Cette thèse remet en question cette perspective et propose une démarche analytique permettant de rétablir ce répertoire dans sa spécificité en définissant une nouvelle conception esthétique de la sonate romantique. L’approche développée ici n’est pas fondée sur une construction musicale purement théorique : elle repose plutôt sur une conciliation entre, d’une part, les valeurs esthétiques caractéristiques de cette époque, et, d’autre part, l’analyse structurelle et formelle. Cette approche est exposée en deux grandes étapes. Les chapitres 1 et 2 parcourent les écrits philosophiques, littéraires, théoriques et critiques des années 1790-1860 pour y découvrir six valeurs esthétiques qui définissent la sonate au XIXe siècle : la forme abstraite, la cohérence à grande échelle, l’organicisme, la tension entre tradition et innovation, l’expression du sublime et celle de la noblesse. Les chapitres 3 à 5 emploient différentes techniques d’analyse (la Formenlehre de William Caplin, l’analyse réductionnelle de Heinrich Schenker et l’étude de l’organisation rythmique et métrique d’après Lester, Krebs et de Médicis) pour montrer comment ces six valeurs esthétiques permettent de rendre compte de la structure spécifique des oeuvres sélectionnées : la Sonate pour piano en mi majeur, op. 6 (1826), de Mendelssohn ; la Grande Sonate pour piano en fa dièse mineur, op. 11 (1832-1835), de Schumann ; la Grande Sonate pour piano en fa mineur, « Concert sans orchestre », op. 14 (1835-1836, rév. 1853), de Schumann ; et la Sonate pour piano en fa dièse mineur, op. 2, de Brahms (1852). Cette approche, qui permet d’appliquer la théorie de la forme à un répertoire pour lequel elle n’a pas a priori été conçue, met l’accent sur la souplesse du rapport entre le discours esthétique et la pratique compositionnelle. Chaque compositeur, sinon chaque oeuvre, répond aux valeurs esthétiques à divers degrés et selon différentes combinaisons. Au final, cette démarche permet de montrer à quel point les considérations esthétiques jouent un rôle primordial dans la conception même de la forme sonate au XIXe siècle. Elle ouvre de nouvelles perspectives en permettant de mieux cerner les points de contact et les divergences entre la sonate classique et la sonate romantique, et fournit des éléments qui permettront une comparaison plus légitime entre ces deux répertoires. / Piano sonatas written by composers from the ‘Romantic Generation’ (Rosen), as well as those from the following generation, tend to move away from the conventions of classical form in many ways: tonal plan, form, formal functions, and even the general affect or aesthetic of the movement. When the sonatas in question are early works, unconventional details are frequently interpreted as mistakes or the result of a lack of training. This dissertation challenges that perspective and develops an analytical approach that establishes the unique elements of this repertoire by defining a new aesthetic understanding of romantic sonata form. This approach is not based on a purely musical construct. Rather, it combines characteristic aesthetic values of the period with formal and structural analysis. The approach is presented in two stages. The first two chapters of the dissertation survey philosophical, literary, theoretical and critical texts from 1790 to 1860, uncovering six aesthetic values that define the sonata in the 19th century: abstract form, large-scale coherence, organicism, the opposition of tradition and innovation, an expression of the sublime and of nobility. Chapters 3 to 5 use different analytical methods (Caplin’s Formenlehre, Schenkerian linear analysis, and rhythmic analysis based on Lester, Krebs, and de Médicis) to illustrate how these six core aesthetic values illuminate the specific structures of four sonata-form movements: Mendelssohn’s Piano Sonata in E Major, op. 6 (1826), Schumann’s Piano Sonata in F-sharp Minor, op. 11 (1832-1835) and Piano Sonata in F Minor, “Concert sans orchestre”, op. 14 (1835-1836, rev. 1853), and Brahms’ Piano Sonata in F-sharp Minor, op. 2 (1852). This approach, which applies Caplin’s theory of form to a repertoire for which it was not originally developed, underscores the fluidity of the relationship between aesthetic discourse and compositional practice. Each composer, perhaps each individual work, responds to the aesthetic values in different ways and to varying degrees. In the end, this type of analysis shows how significant aesthetic considerations are in conceptualising sonata form in the 19th century. It broadens our perspective on form by better identifying the commonalities and divergences between classical and romantic sonata form, and provides elements that will allow a more accurate comparison of these two repertoires.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / [À l'origine dans / Was originally part of : Thèses et mémoires - FAS - Département de littératures et de langues modernes] / Ce mémoire, vise à organiser une représentation de la révolution grecque, à partir du dépouillement de la presse écrite du Bas-Canada. L'étude porte sur les années 1821 à 1831. J'ai dégagé une typologie en cinq catégories des documents inhérents à la presse qui permet de cerner une connaissance empirique de la lutte des Grecs pour leur indépendance : journaux étrangers, ouvrages, documents officiels, lettres, parole éditoriale. De plus, les catalogues d'offres de la librairie Fabre pour la décennie 1820 furent mis à contribution. La prise de parole et le discours des rédacteurs canadiens sont étudiés en regard des matériaux susceptibles de forger l'opinion publique. Finalement, le discours canadien sur la révolution grecque nous renseigne sur l'imaginaire des lettrés, leur formation classique, une construction de l'image de l'Orient, une conception de la liberté, de l'Histoire et le sens donné à une lutte de libération nationale. / The thesis aims to analyse the Greek War of Independence as it was represented in the newspapers of Lower Canada during the years 1821 to 1831. I have identified five sorts of documents present in the newspapers which enable an empirical knowledge of the Greek people's struggle for independence, viz. foreign newspapers, works, letters, official documents and editorial opinion. The sales catalogues of the Montreal publishing house Fabre, for the period, have also been studied. The viewpoints and the arguments of the newspaper editors have been evaluated for their influence upon public opinion. Finally, what was written in Lower Canada concerning the Greek Revolution sheds light on the thought patterns of the well-read, their classical education, their construction of an image of the Orient, concepts of Liberty, History and the meanings given to a war of national liberation.

Shakespeare est partout en ce XIXe siècle. Il inspire la littérature, la musique, les arts plastiques. Il est dans l'accomplissement d'un nouveau théâtre et dans le rêve d'une génération d'artistes qui se jette à corps perdu dans un nouvel idéal. Que cherchent-ils alors dans l'infamie des sorcières, les procrastinations d'un jeune prince, le désarroi d'un vieux roi, l'interdit de l'amour ? Ils s'en vont rêver à d'autres univers, peuplés de créatures fantastiques, d'hommes au cœur vrai et de folles passions. Et dans ce début de siècle comme le dit Stendhal au détour d'une pensée dédiée au dramaturge anglais : « il faut sentir et non savoir ! ». L'objectif de la présente étude est de poser les bases d'une réflexion approfondie sur l'inspiration shakespearienne française en peinture au XIXe siècle. Nous nous sommes attachés à en déterminer les causes et en identifier les manifestations, mais aussi à l'englober dans une histoire plus générale de l'art à travers la remise en question d'un genre pictural menacé, la peinture d'histoire. C'est pourquoi notre travail s'articule autour de cinq grandes parties afin d'offrir un examen complet et synthétique du sujet. La première partie a pour but d'initier le lecteur à cette inspiration littéraire. Les trois parties suivantes sont consacrées à l'étude approfondie des différentes sources d'inspiration des peintres (textuelles, visuelles et iconographiques). Enfin, après la mise en place contextuelle, l'exploration iconographique et iconologique de notre sujet, notre dernière partie tend à analyser le rôle qu'a joué en France l'inspiration shakespearienne en peinture à travers plusieurs approches : esthétique, critique et idéologique. / The name of Shakespeare overhangs the 19th century. The English playwright inspires literature, music and fine arts. He is closely associated with theatre renewal and becomes a model for a generation of artists. What are they looking for in the witches' infamy, the procrastination of a young prince, the distress of an old king, forbidden romances? They dream of other universes crowded with fantastic creatures and passionate human beings. In the beginning of this century, as Stendhal pointed out in a note dedicated to The Bard : “We need to feel rather than to know”. The aim of the research herein is to analyse the Shakespearean inspiration on French painting over the 19th century through a discussion which deals with iconographical and aesthetic concerns as well. To be as relevant as possible, we chose to organize our work in five parts in order to offer a global and complete view of the subject. Thus, the first part of our dissertation tends to initiate the reader to the Shakespearean iconography in general, while the following third parts explore the painter's different sources of inspiration (textual, visual and iconographical). Finally, the fifth part is devoted to the examination of the role played by this literary inspiration on French painting through intellectual, critical and ideological approaches.

Cette thèse a pour objet l’étude de la revue illustrée artistique et littéraire Pèl & Ploma, publiée à Barcelone entre 1899 et 1903 et dirigée par son duo fondateur, les artistes catalans Miquel Utrillo (1862-1934) et Ramon Casas (1866-1932). Ce travail s’attache, d’une part, à montrer le rôle central que joue Miquel Utrillo dans le cours de sa revue. C'est ainsi que le contexte familial de celui-ci est pris en compte dans cette étude qui définit divers enjeux régénérateurs de la publication Pèl & Ploma située dans le contexte espagnol du « Désastre » de 1898. D'autre part, la thèse précise les principales conceptions artistiques et littéraires défendues dans le périodique barcelonais, notamment à travers plusieurs de ses collaborateurs, lesquels sont tous classés par nationalité dans des tableaux synoptiques placés en annexes. Enfin, cette étude souligne tout particulièrement la dimension européenne de Pèl & Ploma : elle situe la revue au cœur du contexte effervescent de la presse publiée alors en Espagne et dans le reste de l’Europe et détermine un certain nombre de titres internationaux ayant influencé le périodique de Utrillo et de Casas pendant ses quatre années de parution. La perspective européenne est également adoptée dans l’analyse de la diffusion et de la réception de Pèl & Ploma qui dépasse largement les frontières nationales. / This thesis deals with the study of the artistic and literary illustrated review Pèl & Ploma, published in Barcelona between 1899 and 1903 and directed by its founding duo, the Catalan artists Miquel Utrillo (1862-1934) and Ramon Casas (1866-1932). This work focuses, on one hand, on showing Miquel Utrillo’s centrality in the course of his review. Thus, we consider his family context in this study that defines various regenerator issues of Pèl & Ploma situated in the Spanish context of the “Desaster” of 1898. On the other hand, the thesis specifies the main artistic and literary conceptions defended in the Barcelonese periodical, especially through several of its contributors who are all classified by nationality in synoptic charts placed in appendices. At last, this study especially highlights the European scope of Pèl & Ploma: it places the review in the middle of the effervescent press context published at that time in Spain and in the rest of Europe and identifies a number of international periodicals that influenced the Utrillo and Casas’s review during its four years of publication. The European perspective is also adopted in the analysis of the diffusion and reception of Pèl & Ploma beyond the national borders. / Esta tesis tiene por objeto el estudio de la revista ilustrada artística y literaria Pèl & Ploma, publicada en Barcelona entre 1899 y 1903 y dirigida por su dúo fundador, los artistas catalanes Miquel Utrillo (1862-1934) y Ramón Casas (1866-1932). Este trabajo se dedica, por una parte, a mostrar el papel central que desempeña Miquel Utrillo en el curso de su revista. Así es como se toma en cuenta el contexto familiar de éste en este estudio, el cual define diversos objetivos regeneradores de la publicación Pèl & Ploma situada en el contexto español del “Desastre” del 98. Por otra parte, la tesis especifica las principales concepciones artísticas y literarias defendidas en el periódico barcelonés, especialmente a través de varios de sus colaboradores, los cuales aparecen todos clasificados por nacionalidad en unos cuadros sinópticos que están en los anejos de la tesis. Por fin, este estudio subraya particularmente la dimensión europea de Pèl & Ploma: sitúa la revista dentro del contexto próspero de la prensa publicada entonces en España y en el resto de Europa y determina algunos títulos internacionales que han influido en el periódico de Utrillo y de Casas durante sus cuatro años de publicación. Se adopta también la perspectiva europea en el análisis de la difusión y recepción de Pèl & Ploma que va mucho más allá de las fronteras nacionales.

L’élaboration de portraits féminins reflète la fascination de Hawthorne pour cette créature complexe, un attrait nourri par l’omniprésence des femmes dans son entourage. L’influence de ces dernières est indéniable, et semble être à l’origine du féminisme ambigu de l’écrivain, partagé entre, d’un côté, l’héritage puritain des Manning et Hawthorne, et, de l’autre, les convictions féministes émergentes de sa belle-famille, les Peabody. Les portraits de femmes de la fiction hawthornienne se caractérisent donc par un binarisme essentialisme-différentialisme qui émane de la vision étroite des protagonistes masculins, et que l’auteur tente de dépasser. Les concepts deleuziens du « mineur » et du « devenir-femme » nous seront d’une grande utilité pour comprendre comment la femme essentialisée des Puritains, ce que nous pouvons aussi appeler la femme-image, au sens lacanien du terme, est en réalité une femme minorée car amputée de son esprit et de son rôle social. Hawthorne témoigne ainsi d’un féminisme équivoque, une voix qu’il a du mal, par moments, à assumer et affirmer complètement. / Female portraits are abundant in Nathaniel Hawthorne’s fiction, short stories and novels alike. The influence of the women evolving in his private sphere may be at the origin of his ambiguous feminist vision, as his allegiance was divided between his Puritan inheritance (both the Mannings and the Hawthornes) on the one hand, and, on the other, the emerging feminist convictions of his in-laws (the Peabodys). Hawthorne’s female portraits are thus characterized by a tendency to binarism as they pit an essentialist view of women against a differentialist one. This binarist perspective reflects the narrow-mindedness of the patriarcal system which the male heroes try to defend and maintain. Deleuze and Guatarri’s concepts of “minor literature” and “becoming-woman” will help us understand how the woman-image of the Puritans is a minored woman in the realm both of the social order and the symbolic order. Hawthorne’s feminist voice is an equivocal one as his text is undergoing a subterranean process of “becoming-woman.”

L’objectif de ce mémoire est de proposer une généalogie de la théorie de l’art pour l’art, élaborée dans le contexte historique du romantisme. En prenant pour point de départ le double mouvement d’autonomisation des beaux-arts et de l’esthétique du XVIIIe siècle, cette recherche vise à reconstituer les grands axes de cette nouvelle doxa artistique apparue sous la Monarchie de Juillet. S’inscrivant dans la même démarche de dissociation entre les notions du Beau et du Bien qui caractérise la naissance de la discipline esthétique au siècle des Lumières, la théorie de l’art pour l’art est généralement reconnue en raison de son rejet radical de toute forme de moralité. Or, derrière cet aspect, il apparaît que certains de ses tenants ont fait preuve d’une très forte rigueur éthique dans l’exercice de leur art. Cela est notablement le cas de Gustave Flaubert, dont la Correspondance déploie le programme complet d’une « morale de l’art ». La reconstitution des fondements de cette dernière occupera la seconde et dernière grande partie de ce travail. La première partie sera quant à elle pour une large part consacrée à la pensée esthétique de Karl Philipp Moritz. Personnage parfois méconnu, cet écrivain philosophe mérite sans l’ombre d’un doute d’être considéré dans la genèse des idées de l’art pour l’art. Sa conception autotélique du Beau offre très certainement l’une des versions les plus radicales de l’indépendance des beaux-arts à l’égard de la morale au XVIIIe siècle. De plus, son concept d’imitation formatrice du beau annonce les changements profonds qui affecteront la conception romantique de l’artiste et de l’acte de création au XIXe siècle. / The aim of this study is to propose a genealogy of the theory of “l’art pour l’art”, elaborated in the historical context of Romanticism. Taking as a starting point the movement of autonomy of the Fine Arts and aesthetics of the 18th century, this research is an attempt to reconstruct the main lines of this new artistic doxa that appeared under the July Monarchy. Following the same approach of dissociation between the notions of Beauty and Good that characterized the birth of the aesthetic discipline in the Enlightenment, the theory of “l’art pour l’art” is generally recognized because of its radical rejection of all forms of morality. Yet, behind this aspect, it appears that some of its proponents have shown a very strong ethical rigour in the exercise of their art. Gustave Flaubert is definitely one of them. In his Correspondance, a complete program of a “moral of art” is deployed. Rebuilding the foundations of this program will occupy the second and final major part of this work when the first part will be largely devoted to the aesthetic thought of Karl Philipp Moritz, a character who is sometimes misunderstood. This philosophical writer undoubtedly deserves to be considered in the genesis of the ideas of the theory of “l’art pour l’art”. His autotelic conception of Beauty certainly offers one of the most radical versions of the independence of the fine arts from morality on the 18th century. Moreover, his concept of formative imitation of beauty announces the profound changes that will affect the romantic conception of the artist and the act of creation in the 19th century.

La fin du XIXe siècle montréalais est une période de grand foisonnement intellectuel et culturel, qui voit l’apparition de plusieurs courants artistiques, comme l’impressionnisme et le symbolisme. Ces courants artistiques manifestent des tendances analogues dans des arts différents. Plusieurs associations artistiques se forment durant cette période, et l’École littéraire de Montréal, fondée en 1895, est l’une des plus importantes. Un de ses membres les plus célèbres est le poète Émile Nelligan, qui rédige une œuvre fulgurante entre 1896 et 1899. Par ses liens avec les autres membres de l’École, Nelligan est proche des changements culturels de son époque, et plusieurs de ses poèmes font référence à des arts autres que la littérature, comme la peinture et la musique. Notre objectif est d’étudier comment les tendances artistiques principales de l’époque, particulièrement en peinture et en musique, se présentent dans l’œuvre poétique de Nelligan. Notre étude s’appuie sur la démarche de Gérard Dessons, qui analyse les éléments constitutifs du discours poétique pour en extraire le sens. Nous désirons apporter une meilleure compréhension des courants artistiques présents à Montréal durant cette période et montrer comment Nelligan emploie des procédés littéraires analogues pour incorporer les traits principaux de ces courants artistiques dans son œuvre. Nous voulons aussi éclairer la nature transdisciplinaire de l’œuvre de Nelligan et sa profonde sensibilité aux relations entre les arts, même s’il n’a pratiqué que la littérature. / The end of the 19th century in Montreal is a time of great intellectual and cultural development, which sees the birth of new artistic currents such as impressionism and symbolism. These currents appear in many different arts of the time. Many artistic associations are created during this period, and the École littéraire de Montréal is one of the most important among them. One of the most famous members of the École is poet Émile Nelligan, who produced a great amount of work between 1896 and 1899. Through his connections with the other members of the École littéraire de Montréal, Nelligan was in contact with the cultural and artistic changes of the time, and many of his poems include references to arts other than literature, such as painting and music. Our aim is to study how the artistic currents of the time, particularly in painting and in music, appear in Nelligan’s poetry. We base our study on the approach of literary analysis by Gérard Dessons, which is based on the analysis of different literary elements and techniques that make up the poem in order to derive its meaning. We wish to bring a greater understanding of the artistic trends present in turn-of-the-century Montreal and how Nelligan uses literary techniques to incorporate the principal techniques and ideas of those artistic currents in his work. We also wish to show the transdisciplinary nature of Nelligan’s work and his great sensibility to the relationships between the arts, even if he practiced only literature during his lifetime.

La transfictionnalité, concept proche de celui de transtextualité, est définie par Richard Saint-Gelais comme « le phénomène par lequel au moins deux textes, du même auteur ou non, se rapportent conjointement à une même fiction, que ce soit par reprise de personnages, prolongement d’une intrigue préalable ou partage d’univers fictionnel ». Ce mémoire de recherche-création étudie l’usage qu’Alan Moore et Kevin O’Neill font de la transfictionnalité dans leur bande dessinée The League of Extraordinary Gentlemen (1999-2019), et plus spécifiquement leur recyclage du matériel narratif du XIXe siècle britannique, marqué par la Révolution industrielle et les politiques impérialistes du règne de la reine Victoria. Il s’agit de mieux comprendre comment les personnages de la littérature de l’époque victorienne sont réappropriés par les auteurs, transformés et recontextualisés de manière à critiquer la culture et la société qui les a d’abord générés. Fiction Party est quant à lui un récit transfictif et autofictif dans lequel Francis, le personnage principal, est invité par erreur à une soirée donnée en l’honneur de la fiction au château de Dracula. Il y fait la rencontre d’innombrables personnages des littératures de tous les pays et de toutes les époques, parmi lesquels Antigone, Meursault, Emma Bovary, Don Quichotte, ou encore le shérif de Nottingham. Au cours de la fête, cependant, un meurtre est commis, et ces grandes figures littéraires doivent alors résoudre le mystère et identifier l’assassin, dans un hommage aux récits d’enquêtes d’Arthur Conan Doyle et Agatha Christie. / Transfictionnality, a concept close to that of transtextuality, is defined by Richard Saint Gelais as "the phenomenon by which at least two texts, from the same author or not, relate jointly to the same fiction, whether by resumption of characters, extension of a previous plot or sharing a fictional universe". This Master’s thesis in research-creation examines Alan Moore's and Kevin O'Neill's use of transfictionnality in their graphic novel The League of Extraordinary Gentlemen (1999-2019), and more specifically their recycling of narrative material from nineteenth century Great Britain, which is marked by the Industrial Revolution and the imperialist policies of the reign of Queen Victoria. Our aim is to better understand how the characters of literature of the Victorian era are appropriated by the authors, transformed and recontextualized so as to criticize the culture and the society that first generated them. Fiction Party is a transfictive and autofictional narrative in which Francis, the main character, is mistakenly invited to a party in honor of fiction at Dracula's Castle. He meets countless literary characters from every country and every epoch, including Antigone, Meursault, Emma Bovary, Don Quixote, and the sheriff of Nottingham. During the festivities, however, a murder is committed, and these great literary characters must then solve the mystery and identify the culprit, in a tribute to the detective fiction of Arthur Conan Doyle and Agatha Christie.