This is a study of how game design has influenced my artistic process as a music producer fora video game called Sang: The Desert Blade. The artistic practice is used to explore a conceptin game design called ludonarrative. The experiences gathered from this exploration arepresented with examples of music that have been created and implemented for the gameduring this study. The music examples are contextualized together with video documentationfrom my creative process and video recordings of the game. The study concludes that videogame music is directly interconnected with game design and its aesthetics is directly affectedby the degree to which a music producer is included in the development team. The study alsoshows how unpredictability is a fundamental part of game design and suggests how it can beexplored in future artistic research of video game music. / Det här är en studie om hur speldesign har påverkat min konstnärliga process sommusikproducent för ett dataspel som heter Sang: The Desert Blade. Den konstnärligapraktiken används för att undersöka ett koncept inom speldesign som kallas ludonarrativ.Erfarenheterna från undersökningen presenteras genom musikexempel som har skapats ochimplementerats i spelet under studien. Musikexemplen kontextualiseras tillsammans medvideodokumentation från min kreativa process och med videoinspelningar från spelet. Studiendrar slutsatsen att dataspelsmusik är direkt sammanlänkad med speldesign och dess estetik ärdirekt påverkad av den grad som en musikproducent involveras i spelets utvecklingsteam.Studien visar också hur oförutsägbarhet är en fundamental del av speldesign och föreslår hurdet kan undersökas i framtida konstnärlig forskning av dataspelsmusik.

This master dissertation is an attempt to find the best way for a young and aspiring music producer or songwriter to start a career within the pop music industry. The aim of the project is to gain knowledge from the process of pitching music to publishers, record labels and artists and to improve that process with the knowledge gained. As an additional method I also invited professionals from the music industry (A&R, artist and producers/writers) to share their views on the topic. The work resulted in several songs and song sketches, but it is important to point out that the audio is not part of the analysis and rather a biproduct of the project. The focus of this dissertation lies on the process of pitching music, building a network and the learning effect only. / I detta arbete ska jag försöka hitta ett bra sätt för en blivande musikproducent eller låtskrivare att starta en karriär inom popmusikindustrin. Syftet med projektet är att utveckla kunskap om hur man pitchar musik till förlag, skivbolag och artister och genom den processen ständigt förbättra arbetsmetoden. Som ytterligare en metod förde jag också samtal med yrkesverksamma från musikbranschen (A&R, artist och producenter/låtskrivare) för att på så sätt få ta del av andra åsikter om ämnet. Arbetet resulterade i flera låtar och sångskisser men det är viktigt att förtydliga att musiken inte är en del av analysen utan snarare en biprodukt av projektet. Uppsatsen fokuserar endast på arbetsprocessen och den kunskap som är kopplad till den.

Denna undersökning beskriver ett aktionsforskningsprojekt på gymnasiet i kursen Musikproduktion 2. Syftet är att förstå hur fältinspelning, mikrofonbygge och skapande övningar kan ge gymnasieelever tillgång till kreativa processer. Eleverna byggde egna kontaktmikrofoner och fältinspelningen skedde framförallt i utomhusmiljöer. Flödesövningar, inspiration från tvärkonstnärliga metoder och improvisation gav eleverna tillfälle att träna sin kreativa förmåga. Sammanlagt genomfördes tolv lektioner med aktionsforskning som metod och mellan varje lektion har vi reflekterat och modifierat vårt lektionsmaterial. Med hjälp av våra teoretiska ingångar lek, flow och problemlösning har vi försökt att se hur elevernas kreativitet kommer till uttryck. Lektionsinnehållet har dokumenterats genom ljudupptagning och film. Vi som genomfört studien har deltagit som lärare där vi observerat, tolkat och analyserat elevernas tecken med stöd av det sociokulturella perspektivet. Undersökningen har kompletterats med att eleverna fyllt i en enkät före och efter projektet. Studien har visat att elever fått tillgång till kreativa processer genom att genomföra ett projekt med fältinspelning, mikrofonbygge och skapande övningar. I diskussionen lyfter vi bland annat fram vikten av utrymme för elevers initiativ, synergieffekter mellan teknik och kreativitet samt att elevers undersökande av kreativa processer behöver tid och fokus.

Syftet med detta projekt var att jämföra individuellt arbete och samarbeten med andra, och studera hur de olika arbetsformerna mentalt påverkat oss som deltagit i detta arbete. Metoden som använts är genomförandet av tre delstudier som omfattat projekt där jag dels skapat musik tillsammans med andra och dels individuellt, samt en intervjuundersökning. En erfarenhet från detta projekt är att, när det kommer till samarbete och individuellt arbete inom kreativt skapande, är varje situation unik. Ett resultat av arbetet är att skillnaderna mellan hur de olika arbetsformerna upplevs är beroende av olika faktorer. Dessa faktorer är bland annat vilka som deltar, vilken uppgift som ska lösas, relationerna mellan deltagarna i en grupp och vilka tidsramar som gäller. För mig har en viktig insikt varit att jag fungerar allra bäst när jag både arbetar individuellt och samarbetar. För att kunna genomföra musikproduktioner och nå mina konstnärliga mål behöver jag, social gemenskap, dela och skapa idéer med andra, samt möjligheten att arbeta individuellt för att kunna skapa helt fritt utan att ta hänsyn till någon annan. / The purpose of this project was to compare individual and collaborative work, and to study how the different forms of work methods mentally affected me and the participants. The method used is the implementation of three sub-studies which included projects where I created music with others and individually, as well as an interview study. One experience from this project is that, when it comes to collaborative and individual work within music creation, each situation is unique. One result is that the differences between how the various working methods are experienced, depends on several factors. These factors include, who is participating, what task is to be solved, the relationship between the participants and what time frames apply. For me, an important insight has been that I prefer working both individually and collaboratively. To be able to make music productions and achieve my artistic goals, I need to, socialize with others, share and create ideas with different people, as well as the opportunity to work individually to be able to create music freely without taking anyone else into consideration.

Denna studie ämnar synliggöra musikskapares förhållningssätt till sin låtskrivarprocess med inriktning till metod och kreativitet. Studien ämnar undersöka olika metoder och strategier låtskrivare och producenter nyttjar under sin låtskrivarprocess. Tidigare forskning inom ämnet kartläggs och presenteras i ett eget kapitel. Fem individer genomgår en kvalitativ intervjustudie med perspektivet hermeneutik som utgångspunkt. Insamlingen av data baseras på semistrukturerade intervjuer där informanterna berättar om hur de upplever sin låtskrivarprocess och tankar inom ämnet. Transkribering av inspelat material analyseras genom tematisk analys som sedan presenteras i ett resultat som lyfter fram centrala aspekter kring de forskningsfrågor som berörs. Resultatet pekar på att världen inom musikskapande fokuserar på olika områden som teknikens förutsättningar, musikens utveckling, val av strategier och konstnärlig bedömning. Avslutningsvis diskuteras resultatet i relation till tidigare forskning samt val av metod. / This study intends to make visible music creators' approach to their songwriting process with a focus on method and creativity. The study aims to investigate different methods and strategies songwriters and producers use during their songwriting process. Previous research in the subject is mapped and presented in a separate chapter. Five individuals undergo a qualitative interview study with the perspective of hermeneutics as a starting point. The collection of data is based on semi-structured interviews where participants talk about how they experience their songwriting process and thoughts on the subject. Transcription of recorded material is analyzed through thematic analysis which is then presented in a result that highlights central aspects of the research questions concerned. The results indicate that the world of music creation focuses on different areas such as the prerequisites of technology, the development of music, choice of strategies and artistic assessment. Finally, the results are discussed in relation to previous research and the choice of method.

Trots att Sverige och USA delar liknande åsikter om hur popmusik bör låta på inspelningar, observerar jag en märkbar skillnad i liveframträdanden. Min hypotes är att USA har en allmän "more-is-more-inställning” till processen att producera liveframträdanden, en inställning som är relativt ovanlig i Sverige. Syftet med arbetet är dels att undersöka och utreda denna hypotes. För att göra det genomförde jag intervjuer med 15 svenska musiker och kapellmästare. 14 av 15 intervjupersoner stödde hypotesen. Studien utforskar flera möjliga förklaringar till denna upplevda skillnad, exempelvis trummisens roll. Studien tar också hänsyn till påverkan av den amerikanska inhemska musikindustrins storlek, vilket möjliggör för musiker att specialisera sig och etablera en unik konstnärlig nisch. Utöver jämförelsestudien mellan Sverige och USA, syftar arbetet även till att bidra till min personliga utveckling som arrangör, kapellmästare genom att närma mig det amerikanska idealet inom detta område. Avslutningsvis hoppas jag att denna studie kan få komma att fungera som en katalysator för fortsatta diskussioner och forskning om hur popmusik framställs i Sverige samt den svenska musikbranschens relation till ”more-is- more”. Texten avslutas med en diskussion och förslag till framtida forskning. / Despite Sweden and USA sharing similar views on how pop music should sound on recordings, I observe a noticeable discrepancy in live performances. The primary aim of this study is to identify the reasons behind this perceived difference. My hypothesis is that the US has a general “more-is-more” attitude towards the process of producing live performances, an attitude that is relatively rare in Sweden. To explore this hypothesis, I interviewed 15 Swedish musicians and musical directors. 14 of 15 of the interviewees supported the hypothesis. The study explores several possible explanations for this perceived difference, such as the role of the drummer. The study also considers the impact of the size of the American domestic music industry, which allows musicians to specialize and establish a unique artistic niche. In addition to the comparison study between Sweden and USA, this work also aims to contribute to my personal development as an arranger, musical director, and music producer by approaching the American ideal in this field. In conclusion, I hope that this study can serve as a catalyst for further discussions and research on how pop music is presented in Sweden and the Swedish music industry’s relationship to “more-is-more”. The text concludes with a discussion and suggestions for further research. / <p><em>”Ljudfil 1 – Ett live-ideal för låtproduktion”</em> är ett sammandrag av två spår från en EP där jag och min låtskrivarkollega Simeon Thelander (tillika sångare på projektet) hade avsikten att anamma ett amerikanskt sångideal och tillämpa en more-is-more approach vad gäller musikproduktionen. </p><p>Sammandraget inleds med ett utdrag från låten <em>Child of God</em> och vid 1:05 kommer ett utdrag från en låt som heter <em>Your Word</em>. Jag har varit med och skrivit låtarna samt arrangerat och producerat dem. Andra medverkande inkluderar Ricki Ejderkvist som spelar elgitarr på båda låtarna, Korey Fells spelar talkbox och artsiten Eylie är med och sjunger på <em>Child of God</em>. Emmy Lindéh och Ella Lindéh bidrar med körsång på <em>Your Word</em>. Tobias Grenholm har mixat båda spåren.</p><p><em>”Ljudfil 2 - Produktioner avsedda för framställning av popmusik live”</em> är ett sammandrag av två arrangemang och produktioner jag skapat för olika liveframföranden, vilka jag benämner som <em>Spår 1</em> och <em>Spår 2</em>.</p><p>Sammandraget inleds med ett utdrag från <em>Spår 1</em> där jag står för arrangemang och produktion. Övriga medverkande inkluderar Joshua Foster på trummor och Mathias Lunde på elgitarr. Tobias Grenholm stod för mixningen. För <em>Spår 2</em> står jag för arrangemang och produktion utan ytterligare medverkande. <em>Spår 2</em> inkluderar även vissa element från originalversionen av låten, framför allt perkussiva.</p><p><em>”Ljudfil 3 - En referens till live-musiker”</em> är även det en sammanställning av flera utdrag för en live-produktion. Produktionen är en kombination av element från originalversionerna på respektive låt och tillägg som jag har arrangerat och producerat.</p><p></p>

I och med de senaste decenniernas digitalisering och tekniska utveckling inom musikproduktion har det i högre utsträckning blivit möjligt för enskilda utövare att stå för alla led i produktionskedjan - komposition, produktion, ljudteknik, mixning och mastring. Dessa möjligheter har otvivelaktigt satt sin prägel på den moderna musikproduktionen och termer som laptop-producent och engelskans bedroom producer kan idag användas för att beskriva många av vår samtids mest framgångsrika artister och producenter. Jag själv tillhör denna nya generation, för vilken musikproduktion närmast är synonymt med laptop-produktion, och har i min egen praktik upptäckt ett par återkommande problem som jag misstänker har med denna totala kontroll över arbetsflödet att göra. I det här arbetet utforskar jag enkla demos som ett verktyg för att skapa och bibehålla perspektiv på produktionsarbetet av min egenkomponerade musik. Genom kvalitativa intervjuer med andra som också ägnar sig åt att producera egenkomponerad musik fördjupar jag dessutom min problembeskrivning ytterligare och visar att den i all väsentlighet delas av andra som arbetar på liknande sätt som jag gör. / Is temporary loss of perspective an inevitable part of any artistic process? In this project, I explore a strategy to deal with such problems in music production, namely the demo. With the advance of digital audio workstations and the internet, music production has become more accessible than ever before. The term bedroom producer has gone from being slightly derogatory to nowadays aptly describe many of our most influential and popular contemporary artists and producers. Historically, the music production process has been defined by a clear division of labor: artist/songwriter, producer and engineers that record, mix and master. Today, however, artists and producers have the possibility to control most, if not all, of these stages of production on a single computer. The advantages are many to this development, as it increases an individual’s ability to have detailed control of their output. There is, however, a risk that such solitary work becomes unnecessarily frustrating as a consequence of the insistence on doing everything oneself. Put simply, one might overwork and lose perspective on one’s art because so much uninterrupted time is spent with the project at hand. Being of this generation of producers myself, I have lately come to wonder whether my process - writing, producing and mixing my own songs - could become less ridden with temporary loss of perspective by applying a more clear division in my own labor. More precisely, I focus on the earliest part of the production process, the demo. Instead of laboring over longer periods of time with the entire production chain - from inception to final mix - I want to explore a different workflow, which allows me to better sustain a constructive perspective on my songs and productions. In this project, I dedicate time specifically to produce simple demos, the sole purpose of which is to document an idea and guide the potential final production at a later stage. I also interview others who produce their own songs in order to deepen my analysis and strengthen the relevance of my project.

Den här studien fokuserar på att undersöka workflow hos musikproducenter för att kunna identifiera konkreta tips som förbättrar effektivitet och hantverk i musikskapande. Genom kvalitativa intervjuer med sex erfarna musikproducenter i Berlin och en i Stockholm har en lista med tio konkreta tips för att förbättra sitt workflow skapats. Resultaten visar bland annat att balansera effektivitet mot hantverk utefter produktionens / låtens ändamål är nyckeln till ett bra workflow. För att validera tipsens effektivitet skapades tre musikproduktioner som var väldigt olika varandra, där tipsen testades. Efter att de konstnärliga verken var färdiga analyserades valet av workflow och arbetsmetoder till dessa produktioner för att bedöma påverkan på musikens uttryck och sound. / This study focuses on investigating the workflow of music producers in order to identify concrete tips that improve efficiency and craftsmanship in music creation. Through qualitative interviews with six experienced music producers in Berlin and one in Stockholm, a list of ten tips to improve your workflow has been created. The results show that balancing efficiency with craftsmanship according to the purpose of the production/song is the key to a good workflow. To validate the effectiveness of the tips, three very different music productions were created, where the tips were tested. After the artistic works were completed, the choice of workflow and working methods for these productions was analyzed to assess the impact on the expression and sound of the music.

Under det gångna året har jag studerat min kreativa process. Syftet är att skapa förståelse för hur jag som låtskrivare och musikproducent kan förändra min kreativa process för att uppnå resultat som jag finner tillfredställande.  Jag har skrivit, spelat in och producerat åtta låtar inom ramarna för projektet. För att belysa och utvärdera mina processer har jag testat olika metoder och tillvägagångssätt. Hälften av musiken har jag skrivit på egen hand, resten har skrivits i varierande former av samarbete. Utöver samarbete eller ensamt arbete har varje process getts specifika förutsättningar i form av olika begränsningar och friheter. Hälften av musiken har även mixats i samarbeten. För att analysera mina upplevelser av processerna och musiken lyfts ett antal teoretiska perspektiv som berör kreativa processer samt identitet från ett sociologiskt perspektiv.  Jag har inte upptäckt någon allmängiltig nyckel till framgång. Flera av mina metoder har emellertid fungerat som bidragande faktorer till mer tillfredställande resultat. Grundlig analytisk reflektion har varit den mest effektiva metoden. Projektet kretsar kring mina upplevelser, men mina frågor, tankar och metoder kan vara användbara även för andra. / In the past year I have studied my own creative process as a music producer and a songwriter. My purpose is to gain a greater understanding of how I can change my creative process to achieve results that I can be more satisfied with.  I have written, recorded and produced eight songs within the project. Half of them I have written by myself, the other half were written in varying degrees of collaboration. To study and develop my creative processes I have collaborated and worked in solitude. In addition, each process has been given a specific set of circumstances such as limitations in time and tools or the freedom to create in any way I choose. Four of the songs have been mixed in collaboration. To analyze my experiences, I raise theoretical perspectives within the artistic and the sociological field of study.  I haven’t discovered any one big truth or key to success, but during the project I have found many contributing factors to creating something that in my own opinion works. Thorough reflection and analysis have been the most universally applicable method. The project is focused on my own experience. I do however believe that my questions, thoughts and methods can be of use to others.

This study explores the musical practice of designing a soundscape with the theoretical and methodological starting points of world building and soundscape ecology. Artistically, this exploration consists of the creation of three recordings each one portraying different narratives within the imagined and designed environment with theme of Human impact on the Swedish forest’s biodiversity. Methods and theories of world building elements are used to conceptualize the environment, while the approaches of soundscape ecology are used to portray this conceptualization during the recording process and when analyzing the results. The music was co-created in the studio through improvisation and the use of what I call multi- sensory material. The improvisational and material practice stemmed from my focus on the interrelationship between the conceptualized environment and the physical studio environment. A collaborative effort was made to portray and explore the sonic possibilities of the environment by evoking associations and reflections on the ecological interaction, meaning that between organisms and their environment. The purpose of this study is to examine the experience and value of designing a soundscape with world building and soundscape ecology as theoretical and methodological starting points. I believe many music creators hear their music as soundscapes and I want to contribute with knowledge to this phenomenon by theorizing the elements that compose a dynamic soundscape. The name of the thesis “Hearing the Forest for the Trees” is a reference to the idiomatic expression “seeing the forest for the trees”, meaning missing the greater picture by focusing too much on details. The expression relates to the knowledge gained in this project regarding the importance of conceptualizing the soundscape’s environment in order to create sound interaction with intention, and getting a wider perspective on how to design a rich sounding soundscape. / Denna uppsats utforskar den musikaliska praktiken i att designa ett ljudlandskap med teoretiska och metodologiska utgångspunkter från världsbyggande och ljudlandskapsekologi. Konstnärligt består detta utforskande av skapandet av tre inspelningar som var och en porträtterar olika berättelser inom den tänkta och designade miljön med temat: mänsklig påverkan på den svenska skogens biologiska mångfald. Metoder och teorier för världsbyggande används för att konceptualisera miljön, medan ljudlandskapsekologi används för att skildra denna konceptualisering under inspelning och senare analys. Musiken skapades tillsammans med musikerna genom improvisation och användandet av multisensoriskt material i studion. Improvisations- och materialpraktiken grundades ur mitt fokus på förhållandet mellan den konceptualiserade miljön och den fysiska studiomiljön. Genom samarbete skildrades och utforskades miljöns ljudmöjligheter genom att väcka associationer och reflektioner kring den ekologiska interaktionen, dvs den mellan organismer och deras miljö. Mitt huvudsakliga syfte i detta projekt är att utforska upplevelsen av och värdet i att designa ett ljudlandskap med världsbyggande och ljudlandskapsekologiska teorier och metoder som utgångspunkter. Jag tror att många musiker och producenter ser på sin musik som ljudlandskap och jag vill bidra med kunskap till detta fenomen genom att teoretisera de element som utgör ett ljudlandskap. Namnet på uppsatsen "Höra skogen för alla träd" är en referens till det idiomatiska uttrycket ”inte se skogen för alla träd”, vilket betyder att missa helhetsbilden genom att fokusera för mycket på detaljer. Uttrycket relaterar till den kunskap som erhållits i detta projekt om vikten av att konceptualisera ett ljudlandskaps miljö för att skapa ljudinteraktion med intention, och få ett bredare perspektiv på att designa ett rikt ljudlandskap.