Architecture is visuality. Its object is what Norman Bryson has referred to as a screen of signs. "Between subject and the world is inserted the entire sum of discourses which make up visuality, that cultural construct, and make visuality different from vision, the notion of unmediated visual experience. Between retina and the world is inserted a screen of signs, a screen consisting of all the multiple discourses on vision built into the social arena." (Norman Bryson, from Practice; Architecture, Technique, and Representation, by Stan Allen) Architecture and representation are integral to the screen. How do we make architecture? Is the act of making architecture a montage? Can architecture be made through montage? What is the role of montage in an architecture for life and death? The process of making architecture is not a prescribed methodology with a predetermined outcome. Architecture, crafted by the hand of the architect, is a divine act of assemblage of subconscious allegorical thought, image, and tectonics. Through this art of assemblage, an architecture is born capable of instigating a narrative of metaphor and memory. Metaphorical narrative has the innate ability of summoning memory, and is critical in an architecture for life and death. Architecture is the only total sensory means of narrative. / Master of Architecture

Cities involve several systems that work together as a network of urban relationships. These systems are in balance, and they work as a whole that articulates urban life. But what makes a city memorable and special are its events: those magical situations where the uniformity of the experience stops and something unique arise. Those are the moments where our memory is deeply engraved by a particular situation that will come back in our dreams and imaginative processes as an agent image. Four urban events — a space for film edition and writing, an urban stage, a footage archive and park, and a projection space- whose locations have been determined by a Cartesian game dictated by the Plan of Washington DC; and one common discipline, Film, will be the main focus of this research and a way of understanding the relations among Memory and its spaces, Architecture and Film in the City. Each event will respond to the particularities of its context by understanding first the sites and their relation with the city. These sites will be located in the four quadrants of Washington DC- NE, SE, SW and NW- and they will be consider as different communities that, by keeping their own idiosyncrasy, create one city. The question of urban scale as well as the concept of detail as part of an architectural cosmology will be present throughout the process of the thesis by the alternation of micro and macro analysis of each stage of the research. The question of scale will be present as well when comparing the four projects with their differences in shape and size. Characterization and monstrosity as architectural concepts will be incorporated into the project too, by understanding the role of Architecture in the city and what it wants to show or "monstrare" to its inhabitants. / Master of Architecture

Cette thèse se propose de dégager les enjeux esthétiques, éthiques et politiques des poésies et pratiques expérimentales de 1960 à 1980, à partir de l’étude des œuvres de J. Blaine, W. S. Burroughs et E. Miccini. Ce travail développe une réflexion sur les expérimentations poétiques qui ont lieu durant une période de fortes mutations sociétales, économiques et médiatiques. Après la mise en place d’une généalogie des pratiques expérimentales que sont le collage et le montage, il s’agit d’inscrire ces poésies expérimentales, généralement occultées des histoires littéraires, dans un modèle néo-avant-gardiste, qui implique une réévaluation de pratiques héritées du début du XXe siècle et un fonctionnement en réseau, faisant dialoguer l’individuel et le collectif. Dès lors, la thèse démontre que le renouvellement du poétique qui s’opère à l’ère d’une société de l’image est tributaire de l’évolution technique : il s’agit de créer avec et contre le livre. Le nouveau rapport entre création poétique et livresque et problématiques de la reproductibilité, favorisée principalement par l’offset, engendre une mise en perspective de l’œuvre avec la notion d’empreinte. L’empreinte constitue ainsi un nouveau paradigme entérinant le statut ontologique instable d’une œuvre qui travaille la matérialité de son support et qui altère une traditionnelle dimension uniquement verbale. La résistance aux formes traditionnelles implique ainsi un engagement, dans la forme et dans le fond : différentes stratégies sont alors développées par les auteurs, permettant d’établir des politiques esthétiques dont l’objectif est de proposer au lecteur/spectateur une expérience esthétique formatrice et éthique. / This thesis aims to identify the aesthetic, ethical and political issues of experimental poetry from 1960 to 1980. It deals with the works of J. Blaine, W. S. Burroughs and E. Miccini. This work offers a reflection upon the poetic experiments taking place during a period of strong societal, economic and media switch. After the establishment of a genealogy of the experimental practices of collage and montage, it is now about placing this experimental poetry in a neo-avant-garde model, which involves a re-evaluation of practices inherited from the beginning of the twentieth century and a functioning in a network, making the individual and the collective dialogue. Henceforth, the thesis shows that the renewal of the poetics that takes place in the era of a society of the image relies on on technical evolution : it is about creating with and against the book. The new relationship between poetic. The new relationship between poetic and book-based creation and issues of reproducibility, mainly by offset, creates a perspective of the work with the notions of imprint and ruin. Thus, the imprint constitutes a new paradigm which endorses the unstable ontological status of a work which works on the materiality of its support and which alters a traditional, only verbal dimension. Resistance to traditional forms implies a commitment, in form and substance : different strategies are then developed by the authors, which allow to establish aesthetic policies of which the aim is to make the reader / spectator access a formative and ethical aesthetic experience.

Toute une théorie classique de l’art a défini la composition picturale en prenant ses concepts à la tradition rhétorique. Ainsi le travail du peintre rassemble-t-il à ses yeux, pour commencer, deux opérations dont Cicéron avait déjà en son temps donné les noms pour l'art du discours : l’invention, qui sélectionne au sein d’une sorte de réserve les éléments convenant au sujet à présenter, puis la disposition, qui se charge d’organiser avantageusement ces éléments selon les règles d’une économie. Sous le nom de «montage», une large part de la fabrique artistique contemporaine, qu’il s’agisse de photographie, de cinéma ou de littérature, reconduit de fait aujourd’hui ces principes de procédure. Ils ne sont pourtant pas indépassables. Penser le montage sans s’expliquer avec la notion classique de composition, c’est finalement oublier ce qui a, un temps, animé l’art qu’on peut dire «moderne». Prenant en compte cette situation, étudiant des œuvres qui se sont effectuées en dépit de la méthode défendue par les classiques, cette thèse entend critiquer le désir de maîtriser des objets sous l’autorité d’une idée à transmettre et soutient la notion d’un montage qui, se soustrayant à l’«édifice» (Ishaghpour) ou au «texte» (Rancière), ne se trouve pas par eux modéré dans son opération. Il est en conséquence possible d’entendre les concepts d’invention et de disposition autrement que les classiques ou, en d’autres termes, d’en changer le mode. Cela se fait par glissements notionnels successifs, parmi lesquels celui de l’apparence à l’aspect, de la maîtrise à l’exercice, de l’application à la découverte, etc. On repère ainsi des enjeux de pensée et de conduite qui dépassent finalement le seul motif du montage. / An entire classical theory of art has defined pictorial composition by taking its concepts from the rhetorical tradition. Thus the work of the painter brings together, to his eyes, two activities that Cicero, in his time, had already given the names for the art of discussion: invention, which selects from a kind of inventory the appropriate elements for the subject to present, and then the disposition, which is responsible for the favorable organization of these elements according to the rules of an economy. Today, under the name "montage", a large part of the contemporary artistic fabric, whether it be photography, cinema or literature, follows these procedural principles. They are not, however, unsurpassable. To think of montage without taking into consideration the classical notion of composition is, finally, to forget what at one time animated the art that we can call modern. Taking into account this situation and studying works of art that have been done in spite of the methods defended by the classics, this thesis intends to critique the desire to master objects under the authority of an idea to transmit and support the notion of a montage that, subtracting from the "edifice" (Ishaghpour), or from the "text" (Rancière), does not find itself moderated by them in its operation. It is consequently possible to understand the concepts of invention and disposition using methods other than those of the classics or, in other words, to change the way we understand them. This is done by successive shifts of notions, including from the appearance to the aspect, from the mastery to the practice or from the application to the discovery, and so forth. We thus encounter what is at stake in the thought and conduct, which finally goes beyond the only motive of montage.

La relation entre les peintures chinoise et occidentale apparait comme une rencontre entre l’eau et l’huile. Mélanger les deux étant impossible, comment, dès lors, un artiste entre deux cultures, peut-il faciliter leur dialogue et devenir un passeur ? Cette recherche tente d’associer la technique des matériaux occidentaux avec l’expression du pinceau et de l’encre liés au concept du plein et du vide afin d’explorer des oppositions complémentaires, en créant une réalité diluée dans un contraste harmonisé. La réflexion s’est concrétisée par des peintures en trois formats : la série, le rouleau et l’album, intitulées Musée en peinture. Formats qui permettent d’aborder aussi bien les questions de l’écoulement du temps, de la circulation du regard, de la dynamique spatiale, que celles de l’extension et de la suggestion. Ces peintures interrogent le phénomène du musée en portant un regard ironique, critique et empathique sur les spectateurs et leurs travers. Elles témoignent aussi de la conversation avec les maîtres anciens et d’un cheminement dans les musées. La réalisation de ce musée des musées consiste en un processus de transfert de la photographie vers la composition photographique, puis vers la peinture. Ce processus se rapproche de la structure cinématographique, à partir du montage filmique d’Eisenstein, et de la notion de continuité et de discontinuité de Raoul Ruiz. Avec la boîte de Poussin numérique, on joue à la fois le rôle de peintre, de metteur en scène et de documentariste. Exploré, le passé se mue en espace, en reconstituant le passage du monde réel au monde virtuel, du ça-a-été de Roland Barthes à la notion du ça n’a pas été. / The relationship between Chinese and Western painting appears as a meeting of water and oil. Mixing the two seems impossible, so how can an artist create a dialogue between two cultures and media, effectively becoming a cultural conduit ? This research attempts to combine the techniques of Western materials with the expression of Chinese brush and ink, which is linked to the concept of fullness and tangible versus emptiness and abstract. From here, we explore the complementary opposition, create a “diluted reality” in a harmonized contrast. This reflection, entitled Museum in Painting, is represented in three different formats: the series, the scroll, and the album. These formats allow us to explore ideas of the flow of time, the circulation of the gaze, the spatial dynamics, as well as the topic of Extension and Suggestion. From the satirical, critical, and empathic point of views, we investigate the audience and their quirks, questioning the phenomenon of museum. These works exhibit my intellectual journey through the museum, and the conversation with the old masters. The realization of this museum of museums is a transfer process from photography to digital composition, and then to the painting. It takes the concepts of Eisenstein's film montage and Raoul Ruiz’s continuity and discontinuity to explore its relevance to the cinematographic composition and structure. With the “Digitized Box of Poussin”, we played the role of painter, director and documentary filmmaker to explore the idea of past events becoming a space to re-create a pathway from the real world to the virtual world, from Roland Barthes’ concept of “what happened” to the concept that is put forward that “it didn’t happen”.

Le Soulier de satin, tour à tour perçu comme oeuvre Dada, drame baroque ou pièce àclef, est une oeuvre dont l’étude de la création et la réception permet de mieuxappréhender les liens de Paul Claudel avec son temps. Dans cette pièce, Claudeleffectue la somme de l’héritage artistique de remise en cause de la société positiviste desa jeunesse et livre le récit de sa vocation poétique, enracinée dans la penséebaudelairienne et mallarméenne sur la modernité. La prégnance du paradigme picturalpour livrer son manifeste esthétique et l’utilisation de l’image sous toutes ses formespour entrer en dialogue avec le sens du texte vérifient la concordance d’intérêts entreClaudel et les artistes de sa génération. L’originalité du dramaturge réside dans sonrecours à l’image pour faire de son oeuvre un ex-voto qui retrace l’itinéraire de saconversion, l’inspiration thomiste le conduisant à privilégier l’image dans l’économiedu salut à l’oeuvre dans la pièce. L’oeuvre révèle enfin son affinité avec l’art modernepar son utilisation de procédés et de formes propres à l’art moderne, comme le collageet le montage, ou redécouverts par la modernité, comme l’empreinte ou la planéité,procédés et formes que Claudel emploie de manière polysémique et dialectique. Eninscrivant la question de sa vocation poétique, de sa conversion et de la réception de sonoeuvre par ses contemporains au coeur de la pièce, avec Le Soulier de satin, Claudeldonne une oeuvre qui s’inscrit pleinement dans le programme de la modernité tout enrévélant son originalité propre. / The Satin Slipper has been received alternately as a Dada work, a Baroque drama or a‘pièce à clé’, and studying both its first production and its reception allows one to graspbetter Claudel’s relationships with his days. In this work, Claudel adds up together theartistic legacy of his questioning the positivist society of his youth and gives thenarrative of his poetic vocation, which is rooted in the Baudelairean and Mallarméanthoughts on modernity. Claudel delivers his aesthetic manifesto through the primacy ofthe pictural paradigm and makes the reader establish a dialogue with the meaning of thetext, and all this makes him meet the concerns of the artists of his generation. Theplaywright’s originality lies in his resorting to the image to make his work into an exvoto that traces the itinerary of his conversion, as the Thomistic inspiration drives himto favour the image, in God’s plan at work in the play. Ultimately, the work discloses itscloseness to modern art through the use of devices and forms that are proper to modernart, such as collages and montages, or that were rediscovered by modernity, like theimprint or the planeness, that Claudel uses in a polysemous and dialectical way. As heincludes the questions of his poetic vocation, his conversion and the reception of hiswork by his contemporaries in the heart of the play, Claudel thrusts The Satin Slipperdeeply into the programme of modernity, original though it may be revealed.

Ce travail a pour objectif l’analyse de l’influence du cinéma dans la littérature hispano-américaine. L’hypothèse centrale est que dès que le cinéma, par essence un art de masse, a commencé à gagner sa place dans le système des arts, il a influencé la façon dont les écrivains représentent la réalité. L’enthousiasme que le cinéma a réveillé chez de nombreux écrivains latino-américains depuis le début, et la pénurie d’études critiques à ce sujet, font de l’Amérique Latine un terrain très fécond pour mener à bien nos recherches. Notre travail est structuré en trois parties. Dans la première nous introduisons la problématique qui nous intéresse avec une attention spéciale aux travaux de sémiologie et de narratologie élaborés à partir des années soixante. Nous reprenons la séparation structuraliste entre « histoire » et « narration » pour distinguer deux niveaux d’emprunt différents, que nous analysons séparément dans la deuxième et la troisième partie.Dans la deuxième, nous considérons le concept d’influence depuis une perspective intertextuelle, en regardant comment certains récits littéraires ont assimilé des histoires racontées précédemment par le cinéma, les intégrant sous la forme de l’ « insertion » ou à travers un processus de « réécriture ».Dans la troisième partie nous étudions l’influence cinématographique depuis une perspective intermédiale, c'est-à-dire en analysant des cas où le cinéma est évoqué dans sa spécificité médiatique. Dans ces cas, l’emprunt n’a pas lieu au niveau de l’histoire, mais à celui de la narration et les auteurs tentent de reproduire à l’écrit une série de procédés narratifs utilisés à l’écran. / This work aims to analyze the influence of cinema on Latin American literature. The central hypothesis is that as soon as cinema, by essence a mass art form, started to win its place in the system of the arts, it influenced the way writers represent reality. The enthusiasm that cinema awoke in many Latin American writers since the beginning, and the lack of critical studies on the subject, make Latin America a very fertile ground for our research. Our work is separated in three sections. First, we introduce the issue at hand, paying special attention to semiology and narratology works starting from the 1960’s. We use the structuralist separation between “story” and “narration” to establish two different levels of borrowing, which we analyze separately in the second and third sections.In the second section, we consider the concept of influence from an intertextual perspective, observing how certain literary texts have assimilated stories previously told by cinema, integrating them under the form of insertion or through a process of rewriting.In the third section we study cinematographic influence from an intermedial perspective, by analyzing cases in which cinema is considered in its specificity as a medium. In these cases, borrowing doesn’t take place at the level of the story, but at that of the narration and the authors attempt to reproduce in writing a series of narrative methods used for the screen.

Résumé : La mesure des profils transitoires et de la vitesse de solidification sont deux données importantes pour le contrôle de procédés industriels impliquant un changement de phase. Dans le cas de l’électrolyse de l’aluminium, ce processus de solidification assure la protection du système et influe sur la performance énergétique du procédé de fabrication. Malheureusement, ces données se révèlent, dans la plupart des cas, difficilement accessibles. Ce travail de thèse porte sur le développement de nouveaux outils permettant l’étude et la caractérisation de la solidification de matériaux à changement de phase et à haute température. L’objectif est de développer un système de mesure du front de solidification de matériaux à changement de phase non destructif et ne perturbant pas le milieu de mesure, tout en assurant une précision et une réponse suffisamment rapide pour exploiter de nouvelles stratégies de contrôle dans les cuves d’électrolyse. Ce travail couple une étude expérimentale fondamentale de la solidification de la cryolithe avec une modélisation numérique de phénomène de changement de phase solide-liquide dans des conditions proches du fonctionnement de cuves d’électrolyse. // Abstract : Measurement of transient solidification fronts and of solidification rate are two important data for controlling industrial processes involving a solid-liquid phase change. In the case of aluminium electrolysis, this solidification process protects the system and affects the energy performance of the manufacturing process. Unfortunately, these data are not easy to obtain in most cases. This thesis focuses on the development of new tools for the study and on the solidification characterization of phase change materials at high temperature. The goal is to develop a nondestructive solidification front measurement system for phase change materials without disturbing the measurement medium, while ensuring accuracy and a fast enough response time to exploit new control strategies in electrolysis cells. This work couples a fundamental experimental study of the cryolite solidification with numerical modeling of solid-liquid phase change phenomenon under conditions close to those during normal operation of electrolytic cells.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU). / Est-ce qu'il est possible d'organiser le discours musical acousmatique de la même manière que le cinéma structure les images animées? Telle est la question qui résume l'essentiel de mon projet de recherche: Du langage cinématographique à la musique acousmatique : Écritures et structures. À la suite d’une étude exhaustive des procédés d'écriture nécessaires à la réalisation d'une œuvre cinématographique, j'ai cherché à établir des relations d'équivalence avec chacune des étapes relatives à l'élaboration d'une œuvre électroacoustique. De la captation des sons au cours du tournage sonore en passant par les étapes de classification, de traitement, de mixage, de montage jusqu'à la diffusion en salle de l'œuvre achevée, chaque étape du lexique visuel offre des arrimages concrets et structurellement pertinents à la conception d'une œuvre musicale. Cette typologie des techniques communes de réalisation entre ces deux médias débouche sur une pratique réaliste et concrète puis permet le renouvèlement d'une démarche compositionnelle par l'ajout d'outils techniques et conceptuels. Les résultats de cette recherche se sont matérialisés sous la forme de trois œuvres acousmatiques. Chacune d'elles, par le contexte de leur genèse, explorent des paramètres spécifiques de cette grammaire initialement visuelle. / Is it possible to organize the electroacoustic musical form in the same way as the cinema structures its moving pictures? Such is the question which summarizes the main part of my project of research: Du langage cinématographique à la musique acousmatique : Écritures et structures (the film language in the acousmatic music: writings and structures). Further to an exhaustive study of the processes of the realization of a film work, I tried to establish relations of equivalences with each of the relative step to the elaboration of an electroacoustic work. Of recording of sounds by the "sound-shootings" by way of the classification, treatment, mixing, editing until the performance at the concert of the finished work, every stage of the visual lexicon offers concrete and structurally relevant stowages to the conception of a musical work. This typology of the common techniques of realization between these two similar medias in a realistic and concrete practice then allows trying something new in a composition musical approach by the addition of technical and abstract tools. The results of this research are realized by the composition of three electroacoustic works. Each of them, by the context of their genesis, investigate specific parameters of this initially visual grammar.

Ce travail a pour objet le found footage, analysé en tant que pratique de recyclage culturel et comme important mouvement cinématographique de notre époque. L’étude trace d’abord un parallèle entre la fabrication du film d’images trouvées et le processus de recyclage industriel. Ensuite, le travail aborde les influences artistiques de ce mouvement du cinéma expérimental initié dans les années 1960, qui s’intensifie de plus en plus depuis l’avènement des dernières technologies numériques. En dernier lieu, l’étude propose une mise au point sur le found footage à l’ère des technologies numériques, en analysant les causes et conséquences de la (re)montée du mouvement, et en tenant compte de sa présence qui se multiplie sur l’Internet, par le biais du mashup. / This research deals with the found footage, analyzed here as a practice of cultural recycling and as a major cinematographic movement of our time. The study first draws a parallel between the manufacturing of "found images" and the process of industrial recycling. The thesis then discusses the artistic influences of the experimental film movement initiated in the 1960s, which has been increasing its presence more and more since the introduction of the latest digital technologies. Finally, the study proposes an investigation of found footage in relation to the digital technology era, analyzing the causes and consequences of the [re]rise of the movement, and taking into account the multiplication of its format on the Internet through the practice of mashup.