Les travaux que nous présentons pour l'obtention du doctorat de didactique des mathématiques portent sur deux domaines d'inégale importance: les Expressions Symboliques de l'Algèbre élémentaire ("ESA") d'une part et les situations de Discussions Autour de Problèmes ("DAP") de l'autre. Le corps principal de la thèse expose "les principales caractéristiques de modèles structuraux, didactiquement plausibles des systèmes d'ESA". Ces travaux constituent essentiellement ce que nous appelons une recherche "prodidactique". Il ne s'agit pas d'une étude de didactique de l'algèbre au sens strict, qui serait plus ou moins directement applicable à ce qui se passe dans les classes, mais plutôt d'une recherche fondamentale sur la structure des expressions symboliques qu'emploient élèves et professeurs en algèbre élémentaire (ESA), destinée à servir d'outil aux études didactiques ultérieures. Cette étude est structurée en trois grandes parties. La première (chapitres I à III) expose le problème, le délimite et le resitue par rapport aux travaux existants. La seconde partie (chap. IV à VIII) présente nos propositions, à savoir une grammaire du système des ESA. La troisième et dernière partie (chap. IX à XIII) est la plus proche de la didactique, en ce qu'elle s'appuie sur des résultats d'enquêtes auprès d'élèves pour aborder le domaine de la signification des ESA. En annexe figurent deux articles: * "Recherche d'une démarche d'enseignement en mathématiques avec des adultes", réalisé en collaboration avec Y. Paquelier et paru en 1987 dans la revue Education Permanente, * "Quelques développements récents des recherches sur la Discussion Autour de Problèmes", réalisé en collaboration avec Y. Paquelier, H. Lymberopoulos et H. Nikolakarou et paru en 1988 dans les actes de la douzième conférence annuelle du Groupe International "Psychology of Mathematics Education" â Veszprém (Hongrie). Ces articles présentent une recherche d'ordre didactique (et non "pro "didactique). qui se situe dans un domaine tout â [ait différent, celui de la construction sociale des connaissances en mathématiques, dans le cadre de la classe. Cette recherche a été menée en collaboration avec Y. Paquelier. H. Lymberopoulos et H. Nikolakarou.

Cette thèse s’ouvre avec des commentaires du siècle dernier sur les opinions de Luther à propos de l’autorité du gouvernement et de l’Église, ainsi que sur la nature humaine et la fonction de la loi. Je présente ensuite où ces critiques situent Luther par rapport à la tradition scholastique et par rapport à la tradition romaine au sein de l’Église. Puis, j’explore les œuvres de Luther pour mettre en lumière ses arguments concernant l’Église, la source de son autorité, ainsi que la relation de celle-ci avec les gouvernements, autrement dit les autorités temporelles. De là, je m’intéresse à la comparaison que le réformateur fait entre la place de l’Église dans la société et celle de l’autorité temporelle. Enfin, j’analyse les écrits de Luther à propos de deux évènements concernant la construction du Royaume de Dieu et plus précisément, dans quelle mesure l’Église dépend, ou non, des autorités temporelles pour construire ce Royaume. Nous allons trouver une réponse surprenante à la question de comment l’église est indépendante de l’autorité temporelle dans l’ouvrage spécifique au royaume de Dieu. Le but de ma thèse est de répondre à certains critiques qui reprochent à Luther de s’appuyer sur l’autorité temporelle pour établir l’Église, et par conséquent de donner au temporel le contrôle sur le spirituel. Nous découvrirons que Luther tire son autorité des Écritures. Nous découvrirons aussi les conséquences que cette autorité a sur sa philosophie politique, c'est-à-dire l’importance de la soumission aux autorités gouvernantes en même temps que la libération des individus de la tyrannie d’une fausse doctrine. / This paper begins by citing some of the past century’s commentaries on Luther’s views on authority in government and the church as well as his views on human nature. I will show where his critics place him in reference to the scholastic tradition as well as the Roman tradition within the church. From here I will consider his writings themselves for the arguments that he made regarding the church and its source of authority as well as its proper relationship to the government, or temporal authority. I will address Luther’s perspective on the church’s place in society as compares with the temporal authority’s role. Finally I will present Luther’s writings in two specific situations concerning how the kingdom of God is built; more precisely, to what extent, if at all, the church is to depend upon the temporal authority for the establishment of the kingdom of God. The aim of this paper is to reply to the charge of some critics that Luther depended on the temporal authority for the establishment of the church and the implication that he gave the temporal authority control over spiritual matters. We will discover that Luther’s final source of authority comes from the Scriptures and the surprising effect that this has on his political philosophy is both to increase submission to the governing authorities as well as to increase freedom from the tyranny of false doctrine.

Ce travail s’intéresse à la mission culturelle de France Télévisions à partir de la problématique suivante : La culture à la télévision de service public a-t-elle une qualité particulière ? Si oui, quels en sont les principes régulateurs et comment se manifeste sa cohérence ? À partir d’une définition restrictive de la notion de culture qui inclut à la fois les grandes disciplines artistiques et les productions des industries culturelles, le lecteur suit un parcours chronologique à travers trois mouvements : une analyse de rapports institutionnels publiés entre 1993 et 2008 ; une étude de figures d’artistes tels que visibles dans trois émissions de plateau (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais !) et Des mots de minuit) entre 2010 et 2011 ; des formes numériques d’écriture et de diffusion de la culture expérimentées entre 2011 et 2017. Nous appuyant sur une histoire de la télévision publique, nous nous inscrivons principalement dans une perspective sémiologique. Toutefois, nous empruntons quelques outils à l’analyse de discours, à l’approche par les modèles socio-économiques des industries culturelles, et proposons une conduite d’entretien graphique. L’hétérogénéité des objets concrets et des méthodologies que nous mobilisons nous conduisent à conclure que la culture de la télévision de service public se nourrit à la fois d’une conception majoritairement institutionnellement consacrée, d’une attention portée aux productions des industries culturelles et aux « médiacultures » et tend à s’élargir davantage au travers d’expériences numériques. C’est d’une conjugaison de cet ensemble d’éléments sur un mode propre que procède la culture de la télévision de service public.Descripteurs : télévision publique ; France Télévisions ; culture et arts ; industries culturelles ; rapport institutionnel ; programmes télévisuels ; nouvelles écritures audiovisuelles ; geste graphique / The dissertation focuses on the France Télévisions’s cultural agenda and addresses the following question : Is there a form of culture specific to public service broadcasting ? If there is, how is it regulated and how does its coherence appear? We tackle the issue using a restricted definition of the notion of culture that includes both the great artistic disciplines and the productions of cultural industries. A chronological analysis follows three movements that place the reader/audience in various political and media territories: an inquiry into the institutional reports published between 1993 and 2007; figures and portraits of artists in three lateevening TV shows (On n’est pas couché, Ce soir (ou jamais!), and Des mots de minuit) broadcast between 2010 and 2011; and digital writings/narratives of culture between 2011 and 2017. Based on a history of public television, our perspective is mainly semiological. However, our study is inscribed in a project that includes several methodological tools while also using discourse analysis and a socioeconomic approach of the cultural industry. Finally, we have carried out graphic interviews. The heterogeneous nature of the artefacts and methods we summon lead us to conclude that public television culture is conveyed thanks to an understanding of culture close to the "established culture", the productions of cultural industries and "mediacultures", although it tends to expand in relation to digital experiences. Lastly, the combination of a number of factors produces a synoptic vision of the different conceptions of public television culture. Keywords : Public television ; France Télévisions ; culture and arts ; cultural industry products ; institutional reports ; talk-shows ; new audio-visual writing ; graphic gesture.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-10-25T16:27:07Z No. of bitstreams: 1 danieldasilvamoreira.pdf: 2323070 bytes, checksum: 9453c709d87da5a6f51a3d468f9124d1 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-11-09T13:52:58Z (GMT) No. of bitstreams: 1 danieldasilvamoreira.pdf: 2323070 bytes, checksum: 9453c709d87da5a6f51a3d468f9124d1 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-11-09T13:52:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 danieldasilvamoreira.pdf: 2323070 bytes, checksum: 9453c709d87da5a6f51a3d468f9124d1 (MD5) Previous issue date: 2017-09-18 / Esta tese tem por objetivo realizar uma leitura dos diários de Lúcio Cardoso, Walmir Ayala e Harry Laus, considerando, especialmente, a forma como os três autores colocam em cena a questão da própria homossexualidade. No Brasil da segunda metade do século XX, esses três diaristas se destacam por terem sido os primeiros a criarem uma escrita na primeira pessoa que abordava, ainda que de um modo por vezes oblíquo, o “amor que não ousa dizer seu nome”, contrapondo-se ao silêncio a que, até então, estava fadado o sujeito homossexual na sociedade brasileira. Esse estudo foi feito através da seleção de algumas linhas de força que atravessam os três conjuntos de diários e que permitem situá-los tanto em seu momento histórico e político, quanto em relação à obra de seus autores, jamais perdendo de vista a grande questão de gênero que esses textos colocam. Entre os temas estudados, destaca-se inicialmente os discursos de detração da prática diarística, as funções que o diário desempenha para aquele que o mantém e o modo como essa escrita se constitui num espaço de auto-hospitalidade que permite a criação de uma determinada imagem de si. A seguir, passa-se a uma tentativa de definição e de história do diário de escritor, que considera, ainda, a importância da emergência, a partir do século XVIII, de uma estética de valorização do rascunhal e do inacabado para o estabelecimento do diário como objeto legítimo de estudo. Trata-se também sobre como o diário permite a seu autor construir uma imagem intelectual a partir da cena da escrita e da cena da leitura. A partir do destaque da cena de leitura no diário, explora-se o modo como as obras de alguns autores franceses, especialmente André Gide, foram de fundamental importância para Cardoso, Ayala e Laus encontrassem um gênero e uma linguagem para escreverem sobre a homossexualidade. Em seguida, trata-se do modo como a escrita diarística se relaciona com os limites entre o íntimo, o privado e o público, sobretudo quando o que está em jogo é a expressão/enunciação da (homos)sexualidade. A publicação do diário, tema abordado posteriormente, potencializa o risco da escrita diarística, principalmente se o texto publicado toca de algum modo na homossexualidade. Por fim, trata-se da forma como esses três diaristas abordam, em sua escrita, a sexualidade, o corpo e o amor. / Cette thèse analyse les journaux intimes de Lúcio Cardoso, Walmir Ayala et Harry Laus, en considérant notamment la façon dont les trois auteurs mettent en scène la question de leur homosexualité. Dans le Brésil de la seconde moitié du XXème siècle, ces trois diaristes se distinguent car ils sont les premiers à créer une écriture à la première personne qui aborde, bien que de manière souvent indirecte, « l’amour qui n’ose pas dire son nom », en s’opposant ainsi au silence auquel, jusqu’alors, était condamné le sujet homosexuel dans la société brésilienne. Cette étude est réalisée à partir de lignes de forces qui caractérisent les trois ensembles de journaux et qui permettent de les situer dans leur moment historique et politique ainsi que dans le cadre plus général de l’œuvre de ces auteurs, en tenant toujours compte du genre de ces récits. Les principales questions abordées dans cette recherche concernent les discours de détraction de la pratique diaristique, les fonctions que le journal intime joue pour qui le tient, la façon dont cette écriture va se constituer en un lieu d’auto-hospitalité qui permet la création d’une certaine image de soi. Un essai de définition et d’histoire du journal d’«écrivant » est ensuite élaboré, en soulignant l’importance de l’émergence, à partir du XVIIIème siècle, d’une esthétique de valorisation du brouillon et de l’inachevé en vue de l’établissement du journal intime comme objet d’étude légitime. On examine aussi la façon dont le journal intime permet à son auteur la construction d’une image d’intellectuel à partir de la scène d’écriture et de la scène de lecture. Cette dernière scène montre notamment l’importance de la lecture des œuvres de certains auteurs français, en particulier celle d’André Gide. Ces lectures permettent à Cardoso, Ayala et Laus de trouver un genre littéraire et un langage aptes à écrire (ou à dire) l’homosexualité. Nous examinons également la façon dont l’écriture diaristique articule l’intime, le privé et le public, notamment quand il s’agit d’exprimer ou d’énoncer l’(homo)sexualité. La publication du journal intime, thème traité ensuite, augmente les risques auxquels s’expose l’écriture diaristique, en particulier si elle aborde l’homosexualité. Finalement, on reviendra sur la manière dont ces trois diaristes évoquent, dans leur écriture, la sexualité, le corps et l’amour.

Le discours critique sur le roman-mémoires des années 1730 semble souvent hésiter entre deux attitudes antagonistes : soit il y discerne les signes d’une « naissance de l’individu » et y voit l’émergence du roman de formation (Bildungsroman). Soit il considère que ces catégories sont anachroniques : la notion d’« individu », comme être conscient de soi et de son intériorité affective et comme l’élément élémentaire dont se compose la société n’apparaît-elle pas seulement dans la deuxième moitié du XVIIIe siècle en particulier dans la réflexion de Jean-Jacques Rousseau ? et le roman de formation ne trouve-t-il pas son prototype en Allemagne, avec Les Années d’apprentissage de Wilhelm Meister de Goethe ? Mais en réalité, Rousseau et Goethe sont tous deux de grands lecteurs de romans-mémoires et ils s’en sont nettement inspirés dans leurs écrits. La présente thèse souhaite montrer que le roman-mémoires des années 1730 peut être analysé comme un roman de formation, dans la mesure où il décrit les étapes constitutives de l’identité d’un individu et porte une vision du monde sur sa place dans la vie sociale. Mais une telle hypothèse implique de s’interroger sur cette forme romanesque « rebelle à tout ordre » (Henri Coulet, Le Roman jusqu’à la Révolution) : Comment définir cette forme romanesque ? Quel est son rôle dans la cristallisation de la notion d’« individu » ainsi que du roman de formation ? C’est à ces questions que s’efforce de répondre cette thèse en analysant quelques œuvres emblématiques de cette nouvelle forme romanesque, ainsi que leurs enjeux, leurs dimensions philosophiques, esthétiques, politiques et anthropologiques et leurs contributions à l’avènement de l’individu et à l’émergence du roman de formation (Bildungsroman). / The critical discourse on the memoir novel of the years 1730 often seems to hesitate between two antagonistic attitudes : either it discerns in it the signs of a "birth of the individual" and sees in it the emergence of the novel of formation (Bildungsroman). Or it considers these categories as anachronistic : did not the notion of the "individual" as a being conscious of itself and of its emotional interiority and as the basic element of which society is composed only appear in the second half of eighteenth century, most notably in the reflections of Jean-Jacques Rousseau ? And did not the novel of formation find its prototype in Germany, with Goethe’s Wilhelm Meister’s Apprenticeship ? But in reality, Rousseau and Goethe were both great readers of memoir novels and were clearly inspired by them in their writings. The present thesis hopes to show that the memoir novel of the years 1730 can be analyzed as a novel of formation, insofar as it describes the constituent steps of individual identity and carries a worldview regarding its place in social life. However, such a hypothesis implies asking some questions about this novelistic form, considered as "rebellious to any order" (Henri Coulet, Le Roman jusqu’à la Révolution) : How can this novelistic form be defined ? What was its role in the crystallization of the notion of the "individual", as well as that of the novel of formation ? These are the questions that this thesis attempts to answer by analyzing some emblematic works of this then new novelistic form, as well as their importance, their philosophical, aesthetic, political and anthropological dimensions and their contributions to the advent of the individual and the emergence of the novel of formation (Bildungsroman).

Notre thèse envisage le rapport entre critique d’art et expression poétique dans l’œuvre de Bernard Noël. Elle comprend trois parties qui articulent sa prose d’idées artistiques avec son imaginaire et sa lyrique du regard et du corps.Dans un souci de représentativité, notre recherche suit certaines thématiques significatives traversant l’œuvre de Bernard Noël, de la critique d’art à la poésie. Les deux parties liminaires se fondent sur une sélection de critiques d’art. Dans la première, les écrits sur Ramón Alejandro et François Lunven donnent l’occasion de retracer la généalogie de la littérature d’art chez Bernard Noël. Sont ensuite traitées les critiques relatives à Magritte, Matisse et Masson, qui se révèlent fondamentales pour le parcours poétique de l’auteur. Sont enfin envisagées, à travers les textes sur Télémaque, Klasen, Debré et Wou-Ki, la figuration et l’abstraction, ces mouvements aux antipodes l’un de l’autre. La deuxième partie de la thèse fait dialoguer critique d’art et poétique. La progression de l’analyse permet alors de reprendre à nouveaux frais certains acquis de la section précédente. Les critiques consacrées à Moninot, à Fred Deux, à Moreau, à David et à Géricault sont rapportées de façon plus spécifique aux éléments qui constituent la poétique personnelle de l’auteur (représentation du corps, opposition corps-esprit, correspondances entre peinture et écriture). La pratique poétique de Bernard Noël fait l’objet de la troisième partie : il s’agit non seulement d’y déceler les modes d’expression versifiée du regard, notamment dans les poèmes inspirés par des œuvres plastiques (graphiques, picturales ou sculpturales), mais encore d’y relever les principes de collaboration régissant les livres de dialogue avec les artistes contemporains. Ce faisant, le prisme de la poétique de Bernard Noël permet d’interroger la notion de réalisme dans la peinture française, la période surréaliste, l’abstraction d’après-guerre, ou encore le mouvement de la nouvelle figuration.Notre corpus, qui ne se prétend pas exhaustif, est constitué de monographies de peintres significatives, tout autant que de textes issus de catalogues d’expositions. Il comporte des poèmes d’art et des livres à figures, tant il est vrai que la place de la peinture et de la sculpture est centrale dans l’œuvre de Bernard Noël. Son rapport à l’art conditionne, en effet, sa relation existentielle, esthétique, voire politique, à la société comme au monde. / Our thesis contemplates the connection between art criticism and poetic expression in the work of Bernard Noël. This thesis is articulated in three parts and it analyses how the prose d'idées artistiques of the poet is melted with his imaginary and his lyrics of eyes and body.Our research is led by a representativeness intent and it follows some significant thematic through the work of Bernard Noël. The two preliminary parts are based on a selection of art criticism. In the first part the writings about Ramon Alejandro and François Luven give us the opportunity to go back to the genealogy in Bernard Noël work. In the same part we examine the critics regarding Magritte, Matisse and Masson which turned out crucial to the author's poetic process. Then we contemplate, through the texts about Télémaque, Klasen, Debré and Wou-Ki, figuration end abstraction as movements one opposite to the other. The second part of the thesis engages art criticism and poetic. The progression of the analysis allows to recall some issues of the previous section.The critics addressed to Moninot, Fred Deux, Moreau, David and Géricault are treated in a more specific way to and mixed with elements which constitute author’s personal poetic (body representation, body and mind opposition, painting-writing connection). Bernard Noël's poetic practice is the subject of the third part: here we try to reveal not only the versified expressions use, especially in the poems inspired by plastic art works (graphics, paintings or sculpture), but also the principles of collaboration which stand above the books of dialogue with the contemporary artists.Through the analysis of the work of Bernard Noël we can examine the concept of realism in the french painting, the surrealist period, the abstraction movement after the war or the new figuration movement.Our corpus, which claims not to be exhaustive, is made by monographs of important painters and by texts of exposition catalogues. It includes art, poems and figure books since it is true that the place of painting and sculpture it’s central in Bernard Noël’s work as his relationship with art which influences his existence, aesthetics, even political view of society and of the world.

Si le théâtre est le lieu de l’élaboration de la langue où le poète a naturellement sa place, force est de constater que l’auteur dramatique des années deux mille peine paradoxalement à trouver sa place dans le théâtre et la société de son temps. Confrontés à la frilosité institutionnelle, à la méfiance des publics et à une méconnaissance généralisée, les auteurs dramatiques actuels tentent de faire entendre leur voix et n’hésitent pas à revendiquer leurs droits auprès des instances publiques. Ce travail se propose de porter un regard actuel et transversal sur la place et la fonction de l’auteur dramatique, en le posant comme une entité humaine qui évolue dans un milieu artistique et social concret. Après avoir retracé le parcours de la figure de l’auteur et l’évolution de la conception du texte dramatique dans l’histoire du théâtre, notre principal intérêt portera sur les différents aspects qui composent aujourd’hui l’identité de l’auteur, qui définissent son profil socioculturel et qui déterminent sa place dans le théâtre. Nous nous pencherons tout d’abord sur l’image actuelle de l’auteur qui se présente comme un artiste combatif et comme un médiateur averti proche du public avant d’aborder la question de son statut professionnel. Nous nous focaliserons par la suite sur le phénomène récent du regroupement des auteurs dramatiques en collectif. L’étude de la place concrète et physique qu’occupe aujourd’hui l’auteur dans l’entreprise théâtrale, et surtout l’analyse des principaux modes de son intégration (direction-association) et des rapports qu’il entretient avec les autres partenaires de la création (metteur en scène, acteur, public) nous permettront de mesurer les avantages et les limites de sa présence au sein du théâtre. De même, la représentation de ses oeuvres dans le système théâtral subventionné, dans le théâtre privé et les compagnies amateurs, l’observation des structures, associations, festivals et manifestations divers qui mettent l’auteur de théâtre au centre de leur projet et enfin l’étude des différents moyens de diffusion et de valorisation (commandes, résidences, ateliers, comités de lecture) des écritures théâtrales contemporaines complèteront cette recherche. Dans un souci de dépasser le seul cadre théâtral, nous aborderons également la place qu’occupe actuellement l’auteur de théâtre dans l’espace médiatique, éditorial et scolaire. Enfin, l’exploration du geste d’écriture et l’analyse du processus de création des auteurs dramatiques, suivies par un aperçu des principales tendances esthétiques et formelles qui caractérisent les écritures contemporaines, offriront un nouveau regard sur la façon dont les auteurs conçoivent leur art et sur les moyens qu’ils déploient pour contribuer au renouvellement de l’écriture dramatique. / If the theatre is a place where a language in which the poet naturally belongs is created, we cannot avoid noting that the dramatist of the 2000's, paradoxically, is finding it hard to locate his place in the theatre and in the society of his time. Faced with institutional lukewarm support, with a distrusting public and a general lack of understanding of their role, the dramatists of today are trying to make their voices heard, and do not hesitate to demand that public bodies support their rights. This work proposes to concentrate on a cross-disciplinary examination of the place and function of the dramatist. It will do this by positing that he is a human entity that is evolving within a concrete artistic and social milieu. After tracing the trajectory of the authorial figure and the evolution of the concept of the dramatist in the history of the theatre, we will concentrate on the various aspects that today make up the identity of the author, that define his sociocultural profile, and that determine his place within the theatre. We will initially focus on the current image of the author seen as a combative artist and as an enlightened mediating figure who is close to his public. Then we will take on the question of the author's professional status. We will then concentrate on the recent phenomenon which presents dramatists as a collective group. The study of the concrete and physical place occupied today by authors in the theatre, and above all the analysis of the principal modes by which the author is integrated (directing-associating) and of the relationships he has with his partners in theatrical creativity (director, actor, public), these will allow us to measure the advantages and limits of his presence within the theatre. Likewise, the representation of his works in the context of subsidized theatre, in the context of private theatre and of amateur companies, the observance of the structures, associations, festivals and other demonstrations that put the dramatist at the centre of their projects, and finally the study of the different ways to propagate and valorize theatrical writing (command performances, resident artists, play reading committees, writing workshops), these will complete this research project. Given our determination to go beyond the world of theatre, we will also examine the current place occupied by the dramatist as a mediating, editorial and scholarly force. Finally, the study of the writing and the analysis of the creative processes of dramatists, followed by an overview of the esthetic and formal tendencies that characterize modern writing, will offer a new way of looking at the way in which authors view their art and will offer a new perspective on the ways in which they contribute to the renewal of dramatic writing.

Le théâtre pour la jeunesse en France s’est depuis la fin du vingtième siècle constitué en un répertoire fécond qui explore le rapport au monde de ses jeunes lecteurs-spectateurs dans une perspective éthique et esthétique. Sous forme d’une constellation de textes, ce répertoire témoigne d’une richesse thématique et d’une inventivité stylistique qui participent du renouvellement des écritures dramatiques dans leur ensemble et qui interpellent quant au geste de transmission d’un auteur adulte qui écrit pour un jeune destinataire. Nous pensons dans ce cas que l’adresse à l’enfant conditionne le rapport de l’auteur à son œuvre et influence sa démarche artistique. La littérature dramatique pour la jeunesse affiche ainsi une double contrainte. En effet, les auteurs semblent soucieux de ne pas heurter le jeune destinataire dans sa sensibilité tandis qu’ils lui transmettent une réalité sombre dans la perspective de conscientiser et d’éveiller la jeunesse face à la société contemporaine, et de lui suggérer d’agir sur le réel. L’auteur engage alors sa responsabilité d’écrivain et ses textes deviennent des lectures possibles du monde. Sa démarche consiste à confronter le jeune destinataire à de grandes questions aux enjeux sociaux affichés d’une part, tout en faisant l’éloge de l’enfance comme un temps consacré, d’autre part. De multiples détours sont alors utilisés pour permettre d’énoncer une réalité certes quelquefois cruelle mais néanmoins avérée. Les auteurs de notre corpus, œuvrant en direction de la jeunesse, ont fait de l’enfance un sujet moral, social et politique en dénonçant, depuis la focale de l’enfance et par le truchement de personnages dramatiques d’enfants, les travers du monde contemporain. Ainsi, lorsque l’enfant paraît, c’est souvent pour livrer le constat d’une société défaillante où la nature de l’humain est revisitée et questionnée, sans pour autant réduire toute possibilité d’envisager l’avenir. Les auteurs font de l’enfance un réceptacle qui peut rendre compte d’une vision du monde, et ce sont précisément l’enfant et l’enfance qui constituent le premier détour d’un théâtre qui souhaite aborder le réel dans ses perspectives les plus tragiques, mais de manière optimiste. En effet, même lorsque le matériau que les écrivains travaillent est redoutable, le théâtre pour la jeunesse est à la fois beau et lisible, il raconte des choses importantes du présent, et l’une de ses fonctions premières est bien celle d’apporter du plaisir. En présentant notamment des « esthétiques de la résilience » avec des personnages d’enfants qui témoignent d’une grande ferveur pour la vie malgré les tragédies qui se jouent, le théâtre pour la jeunesse exhibe sa capacité à la fois à métaphoriser la violence – à convertir le réel par besoin et par choix – et à enchanter la vie des jeunes protagonistes ; et peut-être par extension celle des lecteurs potentiels de ce théâtre qui se situe à la frontière des âges, lu à la fois par les adultes et les enfants qui semblent chacun trouver les réponses aux questions qu’ils se posent. C’est aussi parce que l’enfance habite ces écritures que l’enfant n’est finalement pas le seul destinataire de ces œuvres. Il s’agit pour les auteurs d’écrire l’enfance et d’écrire à partir de l’enfance, en tant que valeur aussi intime qu’universelle, donnant au théâtre pour la jeunesse une portée transgénérationnelle. Cette thèse propose en somme d’analyser les dispositifs d’écriture à l’œuvre dans le théâtre pour la jeunesse, d’appréhender en quoi ces écritures sont de puissants révélateurs de l’état du monde et comment elles permettent de donner une voix à ce qui ne peut s’exprimer – l’infans –, révélant ainsi certaines situations d’oppression et d’injustice, tout en dessinant une poétique de l’enfance lorsque l’infantia se fait figure de création. / French theatre for young people has an increasing repertoire which explore children’s relationship with the world in an ethic and aesthetic context. This repertoire is a grouping of text which use a lot of different themes and which renew theatre in general. It also questions the message transmission from the author to the young addressee. Then, we think that addressing children may determine the writer artistic work. The double bind is very large with dramatic literature for young people. Indeed, it seems so important for authors not to hurt in a manner the addressee who is child-sensitive while plays they write deal with hard reality. And this in order to raise children awareness towards society and to suggest them to act in the world. The author engages his responsibility and his texts offer rich readings of the world. On one hand he faces the youth audience with broad society issues while on the other hand he wants to assert the sanctity of childhood. Several detour are used to enable them to read the world in its tragic aspects. Playwrights use childhood as a moral, social and political subject to condemn the problems of the modern world with children characters. When the child is present as a character it is often to criticize the society and to question human nature. However, plays are optimistic. It is precisely the specificity of childhood that uses the first detour to expose an unfortunate reality. Childhood is also use as a possibility to offer a worldview. Even if the authors present some dreadful situations, their creations are nice and understandable. It talks about important things of our present and one of its main purpose is to bring enjoyment. In introducing « aesthetics of resiliency » with children characters who are clinging to life and survive in spite of hard situations, young people theatre show its capacity to transform violence and enchant people’s lives : characters’ lives and even maybe readers’ lives. It is a crossover theatre because readers are simultaneously old or young and everyone seems to find some answer inside this literature. Indeed, childhood is a writing process therefore these texts might concern everyone. Childhood would be a personal and an universal value. Young people theater is therefore intergenerational. In short, the aim of this thesis was to examine the theatrical writing for young people and to examine the relation of the artists with the reality. This writing reveal the reality of the world and give a voice to what cannot be expressed itself – infans – revealing those oppression or injustice situations. A poetic of childhood spread though this theatre.

Les formes théâtrales courtes ont longtemps été écrites et représentées dans un cadre utilitaire, distrayant ou expérimental. Sans que ces fonctions aient disparu, dans le contexte français des années 1980-2007 la place des textes courts semble avoir évolué, à la fois en termes quantitatif et qualitatif. Portées par le mouvement du « retour des auteurs », de nouvelles dramaturgies brèves s'inventent sur la page comme à la scène. Cette thèse se propose d'en explorer les aspects les plus marquants sous l'angle stylistique de la brièveté.

L’histoire de la revue Les Cahiers de Prospero est intimement liée à la Chartreuse de Villeneuve lez Avignon et à la double naissance en 1991 du Centre National des Écritures du Spectacle et de la revue Prospero, son aînée. La recherche décrit et analyse les conditions et les enjeux politiques, patrimoniaux, culturels et éditoriaux qui ont construit leur avènement et dont les deux étapes principales sont la réhabilitation du monument en un centre culturel de rencontre à visée européenne et le Compte rendu d’Avignon, vaste enquête dirigée par Michel Vinaver au sein du Centre National des Lettres. L’étude se concentre sur le passage d’une revue institutionnelle et spécialisée (1991-1992) à une revue conçue uniquement par des auteurs de théâtre (1994-1996) qui se transforme en une « carte blanche » confiée à un seul auteur - concepteur par cahier (1999-2002). La recherche se resserre sur les périodes qui anticipent la création de Prospero et des Cahiers de Prospero, l’étude de leur contenu, et la période charnière qui modifie la ligne éditoriale et ouvre un espace de confrontations auctoriales, recentré autour de l’écriture théâtrale. Michel Azama, rédacteur en chef de la revue, en accord avec les dirigeants de la Chartreuse, rassemble un comité d’auteurs : Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme et Noëlle Renaude pour réaliser Les Cahiers de Prospero. Plus qu’un objet littéraire, la revue Les Cahiers de Prospero donne à lire le portrait de l’auteur de théâtre à l’aube du XXIème siècle et contribue, par la richesse de son contenu et l’invitation d’un peintre auteur par cahier, à inventer un objet unique. / The history of the periodical Les Cahiers de Prospero is closely related to La Chartreuse of Villeneuve lez Avignon and to the birth, in 1991, of both the Centre National des Écritures du Spectacle (The National Playwriting Centre) and a former periodical named Prospero.This research describes and analyzes the conditions and the various contexts and issues (political, patrimonial, cultural and editorial) underlying the birth of Les Cahiers de Prospero, the two main steps being the rehabilitation of the monument into a cultural center with a European aim and the Compte rendu d’Avignon (Avignon’s Report), a wide study directed by Michel Vinaver within the Centre National des Lettres. The research will focus on the transformation of a specialised and institutionalised periodical (1991-1992), into a periodical conceived only by theater writers (1994-1996) then into a « carte blanche » given to a single author-designer for each publication (1999-2002).A modification of the editorial line allows the authors to find a space of communication and confrontation, centered around theater-writing issues. Michel Azama, editor-in-chief of the magazine, in agreement with the direction of the Chartreuse, gathers a commitee of authors: Eugène Durif, Roland Fichet, Didier-Georges Gabily, Philippe Minyana, Jean-Marie Piemme and Noëlle Renaude to realize Les Cahiers de Propero. More than a literary object, Les Cahiers de Propero offer a portrait of the theater writer at the dawn of the XXIst century. The richness of its contents and the collaboration of a guest painter author per issue turns it into a unique object.