L’œuvre d’Ovide est composée au sortir d’une époque de profonds bouleversements sociaux, culturels et spatiaux. Sous Auguste qui réorganise l’Empire émerge une représentation de l’espace conçu comme un ensemble unifié. Les Métamorphoses proposent au lecteur un voyage dans le temps selon un axe chronologique immense, en même temps qu’un voyage dans l’espace, de la Grèce des débuts du monde à Rome et au monde entier. Elles peuvent s’interpréter comme une épopée sur l’espace, progressivement maîtrisé. Le poète sélectionne les lieux et les traits de géographie physique (fleuves, monts) et urbaine qui vont constituer l’armature ou l’arrière-plan d’un mythe. Ces lieux sont le plus souvent ceux des traditions mythiques grecques, les toponymes sont homériques ou alexandrins, mais Ovide se les approprie et réinterprète les représentations spatiales de ses prédécesseurs pour construire sa vision de l’espace ; en outre, il introduit dès la cosmogonie initiale des toponymes récents, ouvrant ainsi l’espace du poème à la géographie et à l’histoire universelles. Cette réécriture romaine des mythes s’inscrit dans un questionnement sur la culture et la citoyenneté romaines et met en lumière les rapports complexes qu’elle entretient avec la culture grecque. Ces rapports se jouent à l’échelle de chaque mythe, dès lors qu’un toponyme est mentionné, mais aussi à l’échelle du poème entier : les lieux sont mis en en réseau les uns avec les autres et ont une histoire qui se construit au fil des livres. Le poète fait ainsi coïncider géographie physique et géographie culturelle, nature et culture, en racontant la construction de l’espace par une collectivité qui est à la fois l’humanité entière et plus spécifiquement, le peuple romain, nourri de culture grecque. / Ovid’s Metamorphoses are written in an age of profound change. Not only does power evoluate in the hands of the Princeps, but also space: the new management of the provinciae and the reorganization of the City make it possible to conceive the geographical space of Empire as united. The poem echoes these transformations by introducing heroes who travel all over the world. The wide range of places and countries seems to match with the enormous temporal scope announced in the poem. The poem can be seen as an epos on space : space is progressively dominated, from the beginning of humanity to the reign of Rome. In each myth, Ovid selects the places, the rivers, mountains or cities he needs, abiding by mythical traditions and cultural representations : toponyms are borrowed from Homer or the Alexandrian poets ; but simultaneously he revitalizes them : he constructs his vision of geographical space and spatial organization. As early as the first cosmogony, he introduces toponyms which had been known only very recently in latin, thus opening his poem to universal geography and history. By transposing Greek myth in Roman space, the poet deals with cultural identity, in a time when Roman culture was undergoing a metamorphosis. He insists on the Greek roots of Roman culture and simultaneously projects it on a wider, universal scale. Places have a history, progressively revealed in each book. By setting myths in a web where each place has its own significance but also is better understood when related to the other, he constructs a space which is both natural and cultural, and a history of humanity and of Greco-Roman identity.

La thèse s’intéresse aux usages de l'épopée chez Rabelais et les histoires comiques du XVIIe siècle (Sorel, Furetière, Scarron, Tristan L’Hermite, d’Aubigné). Elle cherche à dépasser l’interprétation parodique, souvent mobilisée par la critique moderne, et à montrer comment ces auteurs semblent rivaliser avec les poètes héroïques de la même époque (Ronsard, Chapelain, etc.) en tentant de refonder le récit comique long. Tout d’abord, on tente d’évaluer la présence de l’épopée dans ces œuvres comiques par un relevé des références et des citations, et une redéfinition de l’héroïsme tel qu’il apparaît dans les récits. Dans un deuxième temps, on cherche à expliquer l’usage de ces références par les auteurs comiques, autrement que par le concept moderne et trop souvent plaqué de « parodie » : on s’intéresse donc aux usages sociologiques de l’épopée, qui sert à la satire politique, religieuse, mais aussi savante. Les historiens sont, par exemple, des cibles privilégiées, car ils se servent de l’épopée pour cautionner leurs projets d’historiographie nationaliste et mythologique. Ce travail doit enfin permettre de mesurer le rôle du genre épique dans le renouvellement de l’écriture comique, tel que l’a instauré Rabelais, et tel qu’il fut poursuivi par ses successeurs. Cette analyse permet de revenir sur la réception de Rabelais au XVIIe siècle, encore peu étudiée, autant que d’appréhender l’influence de ces longues histoires comiques en prose, dans les siècles suivants : romans d’aventures, romans de cape et d’épée – autant de genres qui ont bénéficié des innovations héroïques et vraisemblables de ces longs récits comiques d’une époque disparue. / This dissertation focuses on the various uses of epic in Rabelais’ Books and in the comic novels of the XVIIth century (d’Aubigné, Sorel, Tristan L’Hermite, Scarron, Furetière). It attempts to go beyond the parodic interpretation commonly adopted by modern criticism towards this corpus, and to underline how these authors compete with the epic poets of that time (Ronsard, Chapelain etc.), as they try to renew the comic narrative. The first part of the study assesses the presence of epic features in the works: using a list of references and quotes, it strives towards a redefinition of heroism, as the paradigm appears in the texts. It then delves into the reasons why the authors so often refer to epic: as an efficient tool for their satiric discourses. The dissertation focuses on the sociological uses of epic that target political, religious and intellectual groups that appropriate epic models for their own purposes. Historians appear as privileged targets because they use epic to validate their historiographic projects, often imbued with nationalist and mythological tendencies. Finally, the work gauges the role of epic in the renewal of comic writing, as established by Rabelais, and continued by his epigones. This analysis sheds light on Rabelais’ reception in the XVIIth century, a topic that has scarcely been studied yet, and offers explanations for the lasting influence of these long comic and prosaic stories in the following centuries: adventure novels, swashbucklers and historical novels are some of the genres that may have taken advantage of the realistic and heroic innovations brought forth by these comic stories of a bygone age.

Ce travail vise à porter un nouvel éclairage sur la Thébaïde de Stace en recourant au Traité du Sublime. Celui-Ci constitue un instrument herméneutique contemporain des littératures néronienne et flavienne, libéré des projections de la pensée esthétique moderne, à même de préciser l’univers de l’épopée. Notre étude s’attache d’abord à définir la notion de sublime, telle que la présente le Pseudo-Longin. Elle analyse ensuite l’importance de la passion dans le Traité du Sublime comme dans la Thébaïde et découvre les liens qui unissent les deux oeuvres : une même conception de la création poétique, audacieuse et transgressive, un même attrait pour les élans passionnels, la même recherche d’une réception sur le mode du choc, mettant en jeu des sentiments de terreur et d’admiration. Le sublime se manifeste dans le ravissement du poète, des personnages, dans les représentations spectaculaires de l’horreur ou d’une nature bouleversée. Le Traité du Sublime se révèle alors un outil intéressant pour appréhender les interférences génériques à l’oeuvre dans la Thébaïde. Il met en lumière un tragique de la passion, qui se déploie à travers le thème de la tyrannie, qui entre en tension avec l’épique et, par là, complexifie les personnages, remet en question l’héroïsme traditionnel. / This work aims at shedding new light on Statius’ Thebaid by having recourse to On the Sublime, which constitutes a contemporary hermeneutic instrument for Neronian and Flavian literature, freed from the projections of modern aesthetic thought. First of all, I try to define the notion of the sublime as it is presented by Longinus. Then I try to analyse the importance of passion in On the Sublime as in the Thebaid and to reveal the links between the two works : the same conception of an audacious poetic creation, the same attraction to outbursts of passion, the same desire to create a shockwave on reception by bringing into play feelings of terror and admiration. The sublime is to be found in the ecstasy of the poet and the characters and in the spectacular portrayal of horror or of disordered nature. On the Sublime is therefore an interesting tool to understand the generic interferences at work in the Thebaid. It highlights the tragic in passion, which is to be found in the theme of tyranny and which gives rise to tension within the epic thus rendering the characters more complex and bringing into question traditional heroism.

L’histoire des genres et des idées littéraires, la sémiotique, la stylistique, la métrique et la littérature en général sont au cœur de notre recherche. Aussi, avons-nous appliqué les théories de l’intertextualité en étudiant les élégies de Tibulle et de Properce, afin de mettre en évidence les processus différenciés qui permettent de maintenir une continuité, et qui font la richesse du genre élégiaque érotique romain. Elles ont mis en évidence les principes d'intertexte et d'allusion, voire de métapoésie, autant que de genre et de généricité, en une hybridité d'écriture très conforme avec une esthétique augustéenne de l'hétérogène. Le résultat en est une réécriture, certes en reconnaissance acquise (fût-elle « allusive » et « réflexive »), mais riche d'auctorialité, pour de nouveaux pactes d'écriture et de lecture, laissant place à un « fait littéraire proprement latin », dans une perspective de recherche tout à la fois diachronique, littéraire, (intertextualité, genre et généricité) et idéologique. / The history of literary genders and ideas, the semiology, the style, the metric and the literature in general are in the very centre of our research, but the greatest interest of this work lies in making apparent the evidence of continuity according to the different processes that enrich the Latin love elegy genders. Furthermore, it is noted that the principals of intertext and allusion, and hence of the metapoetry, along with the genders and genericity, appear in a hybrid writing manner very appropriate with the Augustan aesthetics of heterogeneity. As a result it is shown that the Latin love elegy is a rewriting which is based on already acquired knowledge, rich in auctorial, for new pacts of writing and lecture, therefore leaving space for a “proper Latin literary fact”. The perspective of this research is diachronic, literary (intertextuality, gender, genericity) and, at the same time, ideological.

Ce travail porte sur le renouveau religieux actuel des autochtones de la République de l’Altaï (Fédération de Russie). Les Altaïens renouent avec les pratiques considérées comme traditionnelles (chamanisme, bourkhanisme), mais se tournent également vers quantité de courants religieux plus ou moins exogènes (bouddhisme, christianismes orthodoxe et évangélique, mouvements New Age). Le choix d’une religion nationale qui servirait de point d’appui à la construction d’une identité altaïenne est un enjeu fondamental pour l’intelligentsia locale. Le politique imprègne en effet ces réarticulations du croire, et la concurrence entre les différents mouvements prend notamment corps dans l’appréhension singulière du territoire que chacun véhicule. Celle-ci est particulièrement visible dans les rituels saisonniers organisés par les adeptes du néo-chamanisme et du néo-bourkhanisme. De plus, l’analyse du festival des cultures altaïennes révèle comment l’Administration tente d’unir les autochtones sous la bannière d’un « esprit national », plaçant de ce fait l’événement dans la droite ligne des célébrations soviétiques de l’unité. Une nouvelle modalité d’utilisation de la poésie épique intervient dans ce processus de construction identitaire. En effet, l’épopée altaïenne s’inscrit dans les pratiques rituelles de nombreux courants religieux. Sa revitalisation, qui s’accompagne d’un remodelage profond, contribue à en faire le révélateur d’une identité altaïenne surpassant les divisions religieuses et transcendant les aspirations d’unité émanant du pouvoir central. Elle peut aussi être perçue comme un catalyseur qui singularise l’Altaï au sein de l’espace sibérien postsoviétique. / This work focuses on the contemporary religious revival among the indigenous people of the Altay Republic (Russian Federation). The Altaians reconnect with practices considered as traditional (Shamanism, Burkhanism), while exploring a more or less exogenous religious plurality (Buddhism, different branches of Orthodox and Evangelical Christianity, New Age movements). The choice of a national religion that could serve as a basis for the construction of a distinctive Altaian identity is a fundamental concern for the local intelligentsia. Political dimensions indeed do intersect with these different rearticulations of belief, and the competitive relationship between these movements especially takes shape in each particular understanding of the territory that each of them conveys. It is especially obvious within the seasonal rituals organized by the followers of neo-Shamanism and neo-Burkhanism. Additionally, the analysis of the festival of the Altaian cultures points out how the Administration tries to unite all the indigenous peoples under the banner of a “national spirit”. This attempt nevertheless makes the event a typical legacy of the soviet celebrations of unity. A new way of using epic poetry emerges in this identity construction process. The Altaian epic is indeed part of ritual practices in many religious trends. Its revitalization, followed by a deep reshaping, can be instrumental in turning it into a “revealing” of Altaian identity that overcomes religious divisions and transcends aspirations of unity that emanates from the central government. It can also be perceived as a catalyst in distinguishing the Altay within the Siberian post-soviet space.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Cette thèse a pour objectif d’analyser les poèmes du recueil "Onze astres" de Maḥmūd Darwiš et d’y étudier l’importance de la notion d’identité et d’altérité qui s’en dégage. Nous avons, par ailleurs, adopté une approche intertextuelle pour révéler les variétés des références textuelles. Ce recueil met l'accent sur les évènements tragiques de l’histoire arabe que le poète met en relation avec d’autres épisodes survenus sur d’autres continents et qui posent la même problématique identitaire. Les poèmes commencent par la chute de Grenade en 1492, puis se poursuivent par la "Catastrophe" la (Nakba) palestinienne en 1948 et se terminent par la deuxième guerre du Golfe et l'accord de paix entre Israël et l'OLP en 1991. Chacun des poèmes du recueil s’inscrit dans le genre épique. Nous avons abordé l’épopée comme un moyen d’exprimer l’identité nationale des Palestiniens : elle incarne en effet la tragédie de ce peuple, leur défaite dans le passé et leur fin apocalyptique dans l’avenir. / This thesis aims to study the Identity and otherness in the poetry volume "Eleven planets" of Maḥmūd Darwiš. We have adopted an Intertextual approach to reveal the variety of the textual references in the poems. This volume is shedding lights on the tragic events in the Arabic history, which the poet bounded with the history of other nations who face an identity problem. The poems pursue a fixed and steady timing, which initially commencing with Granada falls tragedy in 1492, followed by the Palestinian "Catastrophe" in 1948 and finished in the events of the second Gulf war and the Peace Conference between Arabs and Israel in 1991. The whole volume based on epical genre. We have used the epic as a model to exprime the national identity of the Palestinians: it shows their tragedy, their defeat in the past and their apocalyptic destin in the future.

À la charnière des XIIIe et XIVe siècles un long cycle épique s’est constitué autour de Huon de Bordeaux. Ce que la critique appelle la Chanson d’Yde et Olive, pour indiquer la troisième continuation, regroupe en réalité trois unités narratives distinctes, Yde et Olive I, Croissant et Yde et Olive II, consacrées aux aventures de la petite fille et de l’arrière-petit-fils du héros bordelais. Dans ma thèse je propose une nouvelle édition critique, un commentaire et une étude de la réception en Italie de ces textes qui, quoique méconnus, constituent un échantillon représentatif de la plasticité de l’épopée, notamment tardive, puisant dans le même réservoir narratif que les contes, les légendes hagiographiques, les romans et les pièces dramatiques. De plus, Yde et Olive I a sans doute contribué à transmettre la fabuleuse histoire d’Yde au-delà des Alpes, comme en témoignent les cantari d’Antonio Pucci et de Piero de Sienne qui reprennent le même schéma narratif. Ainsi, à la lisière entre oralité et écriture, la Chanson d’Yde et Olive dialogue avec d’autres textes appartenant à des genres et à des langues différents, tout en nourrissant un imaginaire littéraire partagé et en suscitant un questionnement sur l’ordre établi de la société qui entre en résonance avec notre époque qui se dit moderne. / A long epic cycle written at the turn of the 13th and 14th centuries built up the chanson of Huon de Bordeaux. What scholars call the Chanson d’Yde et Olive, to intend the third sequel, unites three different episodes, Yde et Olive I, Croissant and Yde et Olive II, which relate the adventures of the granddaughter and the great-grandson of the hero of Bordeaux. In my thesis, I propose a new critical edition, a commentary and a study of the transmission in Italy of these heretofore unrecognized texts which represent a typical sample of the late chansons de geste. In the 13th and 14th centuries, epic draws from the same narrative patterns as the tales, the hagiographic legends, the novels and the dramas. Furthermore, Yde et Olive I has undoubtedly contributed to transmit Yde’s fabulous history beyond the Alps, as the plot of the Italian cantari of Antonio Pucci and Piero da Siena seems to prove.So at the boundary between orality and writing, the Chanson d’Yde et Olive interacts with several texts belonging to different literary genres, enriches an imaginary which does not know any border, interrogates the established order and finally confronts us with the boundary of male/female divides.

Par les thèmes centraux qui l’animent sans relâche – honneur, devoir, trahison, châtiment, vengeance, … –, le cycle de Guillaume d’Orange entretient avec le droit médiéval d’étroits rapports thématiques que les jongleurs n’ont cessé d’exploiter pour nourrir la trame narrative relatant les hauts faits de la famille de Narbonne. Nées dans un contexte historique, politique et social particulièrement dense, propice aux innovations en matière de réflexion éthico-juridique, les chansons du cycle de Guillaume imposaient de s’interroger sur la nature profonde de ces liens afin de mieux saisir ce qui constitue la représentation épique du juste et de l’injuste. Comme cette opposition n’apparaît jamais en ces termes dans notre corpus, notre souci premier fut d’adapter aux mentalités et aux préoccupations inhérentes au contexte de production du cycle de Guillaume les outils conceptuels qui allaient fonder notre démarche : plutôt que de rechercher les manifestations du juste et de l’injuste selon une opposition moderne en distinguant les obligations découlant du droit positif des devoirs imposés par la morale, nous avons choisi de nous intéresser à toutes les normes sociales dont la présence, plus ou moins implicite dans nos textes, impose toutefois à nos personnages épiques une impérieuse restriction d’action, tant dans la sphère privée que sur la scène publique. Au terme de notre parcours, il est apparu que les normes enjointes à la société épique du cycle de Guillaume d’Orange ne s’organisaient pas autour des deux pôles normatifs (terrestre et humain d’une part, spirituel et divin d’autre part) qui avaient constitué notre hypothèse de départ : c’est une hiérarchisation normative bien plus floue et bien plus relative – dont l’existence trouve sa source en outre dans l’épisode central du couronnement de Louis par Guillaume – qui régit la société de notre corpus et permet ainsi aux jongleurs des potentialités dramatiques aussi riches que nombreuses. / Through the central, ubiquitous themes that animate it – honor, duty, betrayal, retribution, vengeance – the cycle of William of Orange maintains close thematic links with medieval law, links that the jugglers never ceased to use in order to provide a narrative framework to relate the exploits of the Narbonne family. The songs of the cycle of William were born into an especially intricate historical, political, and social context conducive to innovations in ethical-juridical reflection, and so had to wrestle with the profound nature of these links in order to grasp more deeply the epic representation of the just and the unjust. Since this opposition never appears in our corpus in these terms, our first concern was to calibrate the conceptual tools intended to ground our method to the mentalities and preoccupations inherent in the context of the production of the cycle of William: rather than seeking the manifestations of the just and the unjust according to a modern opposition by distinguishing obligations that flow out of positive law from duties imposed by morality, we decided to concern ourselves with all the social norms whose presence, more or less implicit in our texts, nevertheless demands of our epic characters an urgent restriction of action, as much in the private sphere as in the public. At the end of our investigation it appeared that the norms enjoined upon the epic society of the cycle of William of Orange were not organized around the two normative poles which had constituted our initial hypothesis (terrestrial and human on the one hand, spiritual and divine on the other): itis a normative hierarchization much more fluid and relative – whose existence finds its source, moreover, in the central episode of the coronation of Louis by William – that reigns over the society of our corpus and that thus grants the jugglers dramatic possibilities as rich as they numerous.

La notion de personnage est problématique dans le contexte de l’épopée antique, en particulier pour les dieux et pour le héros virgilien, Énée. Réhabiliter cette notion afin de mieux cerner le personnage épique et, avec lui, le Lecteur Modèle de l’épopée, nécessite donc une étude de la terminologie. La première partie s’attache ainsi à définir les critères et les limites à donner à l’effet-personnage dans l’Énéide en envisageant notamment la tradition d’interprétation allégorique des dieux. Les deux parties suivantes sont centrées chacune sur un personnage et l’on y examine les rapports qui s’établissent entre narrateur, personnage et lecteur en partant du postulat selon lequel le narrateur, en tant que relais d’une identification primaire, apparaît comme un guide dans la réception du personnage. Énée, parce qu’il est l’élu du destin, se voit parfois dénier le titre de personnage ; par sa nature de demi-dieu, il se situe en outre à la croisée des deux mondes, humain et divin. La déesse Junon offre l’occasion d’appliquer les principes définis dans la première partie pour l’attribution du statut de personnage aux dieux ; en outre, c’est son action qui constitue la matière de l’action racontée et confère son rythme au récit. / The litterary concept of character considered in the context of Ancient Epic is a source of controversial, especially for the gods and Vergil’s hero, Aeneas. Reconsidering this notion, in order to figure out more clearly the epic character and the epic « Model Reader », requires a close study of the terminology. The first part of this thesis tries to determine the criteria defining the « character-effect » in the Aeneid and the limits of this notion, surveying, among others, the allegoric traditions about the gods in Ancient Epic. Each of the two following parts focuses on a single character and analyses of the relationship between the narrator, the character and the reader, starting from the premise that the reader identifies primarily with the narrator, who will guide him in his reception of the characters. To Aeneas, as the Elected of fate, the title of character is sometimes denied ; as a demi-god, he stands at the intersection of the divine and the human worlds. A study of Juno then brings the opportunity to assess the principles defined in the first part about the gods and their status as characters of the epic ; moreover, Juno’s actions supply the narrative material, and contribute to define its tempo.