La thèse intitulée Proust et Platon se fonde principalement sur les affinités qui unissent les deux génies. Bien qu’il y ait un écart temporel considérable entre eux, on essaie d’élaborer un rapprochement à trois temps. Une première partie est consacrée à l’étymologie et la philosophie du langage, à savoir à l’effort de Proust et de Platon afin d’établir la rectitude du nom par rapport à la chose qu’il représente. Dans un tout premier temps, on met pour lors le langage à l’épicentre de notre analyse, en s’efforçant de localiser les différentes tendances –cratylisme, hermogénisme, naturalisme, conventionnalisme– dans un dialogue capital : le Cratyle. En deuxième lieu, c’est l’étymologie qui ranime toute cette effervescence linguistique, en représentant un sujet pivotal chez Proust et chez Platon : elle questionne l’emploi des mots et des noms, ainsi que leur relevance avec la chose qu’ils représentent. L’autre grande théorie linguistique proposée est l’hermogénisme, dû à la théorie d’Hermogène chez Cratyle. Il prétend mettre en avant la thèse centrale du disciple de Socrate qui soutient que les noms sont justes en fonction d’une convention entre les interlocuteurs qui les utilisent. Dans un deuxième temps, c’est l’amour dans toutes ses manifestations qui prend le relais. Il est question de l’œuvre la plus délectable de Platon, le Banquet. On va commencer en mettant en avant le propre rôle du banquet en tant qu’institution dans l’antiquité. Là on trouve sans aucun doute le champ le plus fécond afin de parler d’éros adolescent, de l’androgyne, mais aussi d’ἀγάπη. Mais le Banquet a aussi son côté aristophanesque : en attribuant au grand comédien l’articulation de son mythe le plus célèbre, Platon a voulu peut-être mettre en lumière le côté le plus parodique de l’éros. Toutefois, ce mythe paradisiaque déclenche aussi l’examen de bien des thèmes qui concerne l’homosexualité en Grèce d’antan. La partie proustienne sur l’amour se consacre dans un premier temps à l’importance du banquet mondain, lieu d’apprentissage social, érotique et artistique pour le narrateur. Ensuite, il repose sur les différentes manifestations de l’ἒρως et de l’ἀγάπη dans la Recherche : amitié, inversion, procréation artistique. La dernière étape de la deuxième partie est vouée à la mort et l’au-delà dans l’antiquité grecque et les trois narrations de descentes à l’enfer dans le corpus platonique. On va constater que la mort constitue au même titre que l’amour le leitmotiv incontournable de la Recherche également. Pour la partie finale, on a choisi un titre sans doute déconcertant : Δεύτερος πλοῦς, seconde navigation. Par là, on voudrait souligner l’effort de Platon et de Proust d’atteindre les vérités les plus inabordables en empruntant des sentiers iconoclastes : pour Platon, il s’agirait de la réminiscence, de l’esthétique idéale et du mythe, tandis que la section proustienne est axée sur le temps et la mémoire, l’esthétique et les diverses techniques narratives de la Recherche. On espère qu’à la fin de cette recherche les reflets contigus mis en évidence dans les œuvres de Platon et de Proust se seraient convertis en éclats miroitants. / The thesis entitled Proust and Plato is mainly based on the affinities between the two great figures of universal scope. Although there is a significant time gap between them, we have tried to develop an approximation in three distinct parts. The first part is devoted to etymology and philosophy of language, namely the effort of Proust and Plato to establish the correctness of the name against the thing it represents. At first, we put the language at the epicenter of our analysis, in an effort to locate the various tendencies, –cratylism, hermogenism, naturalism, conventionalism –, in a critical dialogue: the Cratylus. Secondly, it is etymology that revives the linguistic effervescence, representing a pivotal topic in both Proust and Plato: it questions the use of words and names, as well as their relevance with the thing they represent. The other great linguistic theory proposed is hermogenism, named after the theory of Hermogenes in the Cratylus, who argues that the names have been invented on the basis of an agreement between the people who use them. Secondly, it is love in all its manifestations that takes over: the focus is on the most delightful work of Plato, the Banquet. We will start by highlighting the role of the banquet as an institution in antiquity. These are without a doubt the mostappropriate surroundings to talk about pederasty, the androgyne, but also ἀγάπη. Nevertheless, the Banquet also has its Aristophanian side: by assigning to the great comedy writer the articulation of his most famous myth, Plato perhaps wanted to highlight the more satirical side of eros. However, this idyllic myth also triggers the review of many themes concerning homosexuality in ancient Greece. The Proustian part on love is dedicated initially to the importance of the aristocratic banquet, place of the social, romantic and artistic initiation of the Narrator. It is furthermore based on the different manifestations of ἒρως and ἀγάπη in the novel:friendship, homosexuality, artistic procreation. The last stage of the second part is dedicated to death and the beyond in Greek Antiquity and the three tales of nekyia in the Platonic corpus. We will underline the existence of it as a leitmotiv in the Proustian novel as well. The final section has a rather disconcerting title: Δεύτερος πλοῦς, a second navigation. Here, we would like to emphasize the effort of Plato and Proust to reach the most unfathomable truths by taking iconoclastic paths: for Plato, it would be reminiscence, Ideal aesthetics and myth, while the Proustian segment focuses on time and memory, aesthetics and the narrative techniques of the novel. We hope that at the end of this study the contiguous reflections highlighted in the works of Plato and Proust will have turned into dazzling sparkles.

Diss. : Katholische Fakultät : Würzburg : 1984. - Bibliogr. p. 467-498. -

Cette étude vise à comparer les représentations du mythe de l’androgyne dans la littérature française fin-de-siècle et à l’époque de la Jeune Pologne sur l’exemple des œuvres choisies de Rachilde, Huysmans, Komornicka et Przybyszewski. La genèse de ce mythe reflète le caractère complexe et hétérogène de l’être à sexe indéterminé, mettant en valeur la continuité de la vie des mythes dans les textes littéraires. Néanmoins, son entrée dans la littérature marquerait la dégradation du mythe par rapport au mythe primaire. Autrement dit, l’androgyne fin-de-siècle de chair et d’os marque la rupture avec l’androgyne initial, incarnation de l’union harmonieuse, ce qui impose une certaine hiérarchie aux versions postérieures du récit mythique. L’objectif est d’adopter une nouvelle approche envers la figure du Double à l’aube du XXe siècle, en ajoutant un apport polonais. L’accent est mis sur le contexte et les sens polyvalents transmis par l’androgyne. Dans l’optique de la méthode du comparatisme différentiel, l’objectif est d’instaurer un rapport non hiérarchisant entre les versions du mythe de l’androgyne en France et en Pologne. La perspective de l’analyse s’étend sur les rapprochements entre les deux mondes littéraires, la réception, les influences partagées et le différentiel. / This study aims to compare various depictions of the myth of androgyny in late-century French literature and during the Young Poland period on the example of selected works by Huysmans, Rachilde, Komornicka and Przybyszewski. The genesis of this myth reflects the complex and heterogeneous character of the figure of indeterminate sex, highlighting the continuity of the existence of myths in literary texts. Nevertheless, its entry into the literature would be perceived as a mark of degradation of the myth in comparison to the primordial one. In other words, the androgyny of flesh and bone demonstrates the break with the initial androgyny being the incarnation of the harmonious union, which imposes a certain hierarchy on the perception of later versions of the mythical narrative. The goal is to take a new approach to the figure of Double at the dawn of the twentieth century, by adding a Polish contribution. The focus is on the context and the versatile meanings conveyed. In the context of the differential comparatism method, the aim is to establish a non-hierarchical relationship between different versions of the myth of androgyne in the works of French and Polish authors. The perspective of the analysis extends to the connections between the two literary worlds, the reception, the shared influences and the differences.

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Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette thèse entend analyser la figure de l’androgyne du mouvement symboliste à l’avant-garde abstraite. La relecture de la modernité au passage du XXe siècle en France permet de comprendre de quelle manière le symbolisme a exploré le trouble de la sexualité dans un contexte sociopolitique de crise de la masculinité. L’étude visuelle et anthropologique des normes sexuelles révèle une angoisse de l’entre-deux androgyne, associée aux théories psychopathologiques de l’homosexualité. Cette thèse démontre de quelle manière l’androgynie correspond à ce que nous intitulons « le troisième genre » artistique, défini par le rejet des assignations de genre et par de nouveaux modèles de représentation et d’intersubjectivité, issus de l’immersion du féminin dans le masculin. Dans la première partie, l’étude des sources néo-classiques et spirituelles de l’androgyne révèle la recherche d’un idéal politique et artistique permettant la régénération de l’unité des sexes. La deuxième partie envisage la résurgence de cet idéal dans les pratiques symbolistes fin-de-siècle, à travers différents modèles androgynes comme la figure de l’ange, celles d’Orphée et du troisième sexe primitif. Face au trouble des identités sexuelles, la réception de l’idéalisme est analysée à partir de la rhétorique de la dégénérescence associant androgynie, efféminement du masculin et homosexualité. La quatrième partie examine la poursuite de l’idéal androgyne dans les sources de l’abstraction. Le troisième genre abstrait alimente l’utopie avant-gardiste d’un art qui s’auto-génère, dépourvu de caractère sexué et créé par un artiste moderne, célibataire et androgyne. / This thesis aims to analyze the figure of androgyny from the movements of Symbolism to the abstract avant-garde. This reinterpretation of modernity at the turn of the 20th century in France allows an understanding of how Symbolism explored the trouble of sexuality within a social and political context entrenched by the crisis of masculinity. The visual and anthropological study of sexual norms reveals a fear of the androgynous in-between associated with psychopathological theories of homosexuality. This thesis demonstrates how androgyny is tied to what I call the artistic “third gender,” defined by the refusal of gender assignation and new models of representation and intersubjectivity, following the feminine immersion within the masculine. In the first part, the study of the Neoclassical and spiritual sources of androgyny demonstrates the search for the political and artistic ideal, allowing for the regeneration of the unity of sex. The second part reveals the resurgence of this ideal in the fin-de-siècle Symbolist's practices through different androgynous models such as the figure of the angel, the ones of Orpheus and the primitive third sex. Toward the trouble of sexual identities, the reception of idealism is analyzed through the rhetoric of degeneration associating androgyny, masculine effeminacy and homosexuality. The last part examines the pursuit of the androgynous ideal in the sources of abstraction. The abstract third sex nourishes the avant-gardist utopia of an art that is self-perpetuating, devoid of sexual characteristic and led by a modern artist, single and androgynous.

Centrée sur l’analyse systématique de l’oeuvre poétique de Z. Gippius, la présente thèse tâche de démontrer que le mythe de l’androgyne sous-tend la poésie de cet auteur et permet de la lire comme une première mise en action d’un projet utopique d’humanité transfigurée. La thèse procède des points de convergence entre les thèmes propres aux réflexions utopiques (personne, amour et société) et les principales situations discursives de la poésie lyrique. Aussi se structure-t-elle en trois parties qui progressent de l’androgynie comme principe constitutif de la personne idéale (étudiée à travers le JE du sujet lyrique) vers la conception de l’amour androgyne (qui établit la relation entre le JE du sujet lyrique et le TU de l’allocutaire) et, enfin, vers la dimension collective de l’androgynie (avec le NOUS comme reflet d’une divino-humanité androgyne) Se penchant sur l’emploi que Gippius fait de l’antithèse, cette étude tente de saisir la démarche créatrice du poète-symboliste qui partirait d’une recherche quasi obsessionnelle des opposés pour aboutir à la synthèse universelle et se traduirait à travers le champ sémantique de l’union et de la fusion, à travers la place stratégique en fin de texte des mots et des séquences qui expriment cette sémantique et, surtout, à travers l'emploi de l’oxymore et du paradoxisme, tous deux relevant de la coincidentia oppositorum dont le mythe de l’androgyne est une des manifestations.C’est à un véritable acte démiurgique que l’on assimilerait l’écriture de Gippius au fil de laquelle, grâce à la fluidité des genres et des incarnations des principes masculin et féminin l’androgynie devient le principe fondateur de l’univers poétique tout entier. / By systematically analysing the poetry of Zinaida Gippius, this thesis attempts to show that the myth of the androgyne underlies the poet’s work, letting it be read as the initial stage of implementation of a utopian scheme of transfigured humanity. The thesis proceeds from the points of convergence of the themes characteristic of utopian thinking (person, love and society) and the principal discursive situations found inlyric poetry. It is ordered in three parts, progressing from the androgynous as a constitutive principle of the ideal human being (examined through the lyric subject I) to the conception of androgynous love (establishing the relationship between the lyric I and the YOU addressed), and finally to the collective dimension of theandrogynous (where the WE is the reflection of an androgynous humanity-divine).Considering the use Gippius makes of antithesis, this study attempts to grasp the symbolist poet’s creative process, which appears to spring from an almost obsessive search for opposites, and to lead to universal synthesis, as translated through the semantic field of union and fusion, through the strategic positioning at theend of the text of the words and sequences that express this semantic field, and especially through the use ofthe oxymoron and the paradox, both being part of the coincidentia oppositorum of which the myth of the androgyne is one manifestation.The writing of Gippius can be likened to a veritable demiurgic act via which, thanks to the fluidity of the genders and the incarnations of the two fundamental principles – the masculine and feminine – the androgynous becomes the founding principle of the whole poetic universe.

À la charnière entre deux siècles, Salomé fait office de lieu commun inévitable de la littérature et des arts. Cependant, aux côtés de la femme fatale, s'affirme la présence discrète mais tout aussi inévitable de la féminité fragile et bienveillante, formée sur le modèle de la princesse de conte et de l'héroïne de roman gothique, mais surtout sur celui de la vierge et martyre du roman édifiant, qu'il soit antiquisant ou contemporain. Parfois discrète jusqu'à l'illisibilité, cet archétype n'est légitimé dans sa fonction bienveillante que par un sacrifice. La signification religieuse du bouc émissaire reste à la fois lisible et efficace dans les structures narratives du roman, mais aussi dans le détail de l'écriture de ces personnages. Les figures mariales, magdaléennes ou féeriques sont soumises à la même épreuve de destruction, par laquelle l'édification qu'elles symbolisent se fait littéralement construction de sens, juxtaposition d'éléments esthétiques disparates mais efficaces par lesquels un personnage en vient à représenter allégoriquement la création artistique elle-même. En reliant le milieu du XIXe siècle aux années 1920 et en mettant les plus connus des héritiers de Baudelaire en perspective avec ceux dont le nom commence à peine à revenir à la postérité, l'enjeu de la recherche est d'établir dans quelle mesure ces représentations de la féminité bienveillante relèvent d'une permanence, d'un monument – au sens de monumentum – où la fin de siècle va non seulement contempler la mort d'une époque révolue, mais concentrer tout ce qui sert, à l'aube du XXe siècle, à théoriser l'art idéaliste. / At the crossroads between two centuries, Salome plays the part of a mandatory commonplace in art and literature. Nevertheless, next to the femme fatale and just as unavoidable, stands a fragile and benevolent form of feminity, molded in the cast of the fairytale princess and theGothic novel heroine, but inspired above all by the Virgin and Martyr of the edifying novel, be it antique or contemporary. As it might be discrete enough to become unreadable, this archetype's benevolence cannot be legitimated without a sacrifice. The religious meaning of the scapegoat remains just as obvious and as efficient in the novels' narrative structure, as well as in the detailsthrough which such characters are built. Marial, magdalenian and farylike characters must undergo the same destruction trial, through which their edifying meaning becomes a litteral building-up up meaning, by juxtaposing dissimilar and yet efficien aesthetic elements which turn the character into an allegory of artistic creation. By linking mid-19th century and the 1920es and by weaving a link between the most famous of Baudelaire's heirs and the ones whose name is just merging out of oblivion, the purpose of this study is to analyse how much these representations of benevolent femininity must be seen as a permanence, as a monument – or as a monumentum – where late-19th century will not only gaze a the death of a declining era, but concentrate all what will be used to theorize idealist artistic movements on the edge of the 20th century.

Nous définissons l'hybridation littéraire comme la combinaison d'éléments a priori disparates aboutissant à la création d'un ensemble à la fois un et multiple, qui garde les traces de ses parties constitutives tout en étant autre, différent, nouveau. L'hybride englobe les sphères de représentation de ses éléments-parents tout en les dépassant. Par conséquent, l'hybridation tend vers l'extension de toutes les frontières, littéraires et culturelles, dans le but de nous offrir une vision du monde et du sujet toujours plus complète. Dans Oranges are not the Only Fruit, Sexing the Cherry, Written on the Body et The PowerBook de Jeanette Winterson, l'hybridation se manifeste à tous les niveaux du texte. L'hybridité physique et sexuelle des narrateurs est ainsi une des manifestations de leurs identités et vies plurielles et paradoxales. Ces hybrides incarnés (monstres, travestis ou androgynes) se construisant au fil de leurs histoires, qui s'inspirent toujours de récits antérieurs, narrateurs et narrations se démultiplient conjointement, s'entremêlent et se redéfinissent sans cesse. Le texte fluctue au gré de l'hybridation générique et de l'intertextualité. De l'entrecroisement de genres réalistes - tels que l'autobiographie, le récit historique ou le discours scientifique - et fictionnels - tels que le conte ou la romance - naît un hybride générique à résonances parodiques représentant la nature du sujet, de sa vie, de la réalité et de la vérité. Enfin, en hybridant des textes préexistants à des motifs personnels, l'auteur élabore une narration originale qui réécrit les schémas sexistes relayés par ses ancêtres et retranscrit sa vision de l'individu, du monde et de l'art.