Cette thèse se propose à mieux comprendre le rôle du médiateur et son insertion dans le système discursif d'une exposition d'art en faisant une réflexion ponctuel sur les régimes d'interaction et de sens présents dans son propre discours. Dans cette perspective, on a utilisé le référenciel théorique de la sociossemiotique, en particulier les régimes d'interaction proposés par Landowski (2004, 2009). Pour atteindre ce but, on a fait des entrevues avec les médiateurs et les coordonnateurs des deux principales institutions qui développent professionnelment la pratique de la médiation à Porto Alegre, le Museu Iberê Camargo et le Santander Cultural . Les déclarations, qui constituent le corpus d'analyse de cette recherche, ont été recueillies par la méthode des groupes de discussion. C’est une méthodede recherche qualitative qui se propose à discuter le sujet suggéré par le chercheur responsable de l'enquête. Les résultats obtenus d’après l'analyse des entrevues présentent la situation d'une activité qui est en train de se développer professionnelment et montrent les relations d’interaction et le sens des pratiques de médiation, intégrées dans les discours multiples d'une exposition. / Esta dissertação pretende compreender melhor o papel do mediador e sua inserção no sistema discursivo de uma exposição de arte, trazendo (apresentando) uma reflexão pontual acerca dos regimes de interação e sentido presentes em seu próprio discurso. Nessa perspectiva, adota-se como referencial a teoria sociossemiótica, em especial os regimes de interação propostos por Landowski (2004; 2009). Para tanto, foram entrevistados os mediadores e coordenadores das duas principais instituições que desenvolvem a prática da mediação de forma profissional na cidade de Porto Alegre, o Museu Iberê Camargo e o Santander Cultural,. Os depoimentos, os quais constituem o corpus de análise desta pesquisa, foram coletados por meio do método de grupo focal, que consiste em uma abordagem da pesquisa qualitativa que procura debater um tema proposto pelo pesquisador responsável pela investigação. Os resultados obtidos a partir da análise das entrevistas apresentam um panorama da situação profissional de uma atividade em desenvolvimento e mostram como se dão as relações de interação e sentido das práticas de mediação inseridas nos múltiplos discursos de uma exposição.

O objetivo desta tese é retornar a um corpus artístico produzido em um contexto histórico extremamente ativo nas artes indígenas canadenses. Depois de uma primeira onda de ativismo político nos anos 1970, incorporada no movimento Red Power e na literatura da chamada Native American Renaissance, o final do século XX constituiu-se em um novo contexto de mobilização. Em grande medida impulsionada pela proximidade do aniversário de 500 anos da chegada de Colombo às Américas, uma nova geração de escritores e artistas visuais indígenas se engajou em reexaminar a história que levou a tal contexto. A publicação de suas obras coincidiu com um momento de extrema popularidade de estudos acadêmicos póscoloniais, pós-estruturalistas e focados em cultura e, consequentemente, foi extensamente analisada dessas perspectivas. Especialmente desde o início do século XXI, passaram a ser publicadas obras críticas de intelectuais indigenas nacionalistas, que se opõem a noções como hibridação e identidades fragmentadas para afirmar a especificidade dos diversos povos e culturas indígenas. Além disso, esses autores dedicam-se a produzir uma obra crítica engajada em refletir a longa história das tradições intelectuais e narrativas indigena, evidenciando que estas não se iniciaram com a colonização, com as residential schools – internatos para educação de indígenas – ou com a Native American Renaissance. A fim de refletir sobre esse contexto, localizo e relaciono as obras de Tomson Highway – escritor Cree – e Jim Logan – artista plástico Métis – na longa história da narrativa indígena. No segundo capítulo, introduzo o conceito de survivance do escritor Anishinaabe Gerald Vizenor e proponho que tal conceito pode servir de centro para a definição de uma ética e estética indígenas refletidas nas narrativas. Contrasto o referido conceito com alguns termos de teorias ocidentais sobre sobrevivência – experiência, trauma, testemunho – e considero suas limitações para tratar de obras fundadas em outras visões de mundo. Assim, também, busco na especificidade da cultura Anishinaabe o esclarecimento de como a teoria literária de survivance pode ser aplicada às artes visuais e, assim, ampliar o próprio conceito de narrativa. No terceiro capítulo, apresento o debate corrente na crítica indígena e trato de examinar os motivos pelos quais Gerald Vizenor é criticado na crítica nacionalista e explico como seu fazer artístico e crítico pode, de fato, revelar uma identidade Anishinaabe profundamente nacionalista, fundada na tradição. Em seguida, aplico os fundamentos da crítica nacionalista para examinar o romance Kiss of the Fur Queen e pinturas de Jim Logan, a fim de propor interpretações fundadas nas tradições culturais indígenas que foram em grande medida obscurecidas pela aplicação do marco teórico ocidental. Em conclusão, reflito sobre a importância das histórias de Criação, que aparecem como traço em todo o corpus artístico e crítico e proponho que a survivance pode servir de centro para a compreensão dos parâmetros éticos e estéticos que guiam os seus autores. / The aim of this thesis is to revisit an artistic corpus produced in an extremely active historical context in Canadian First Nations Art. After a first wave of political activism in the 1970s, embodied in the Red Power movement and the so-called Native American Renaissance, the late twentieth century gave new momentum to social engagement. Largely driven by the imminence of the 500th anniversary of Columbus' arrival to the Americas, a new generation of First Nation writers and visual artists engaged in revisiting the history leading to that scenario. The publication of their works coincided with a time when postcolonial, poststructuralist and cultural academic studies enjoyed especial popularity. Consequently, they have been extensively analyzed from these perspectives. Especially in the 21st century, an increasing body of criticism by Native American nationalist intellectuals has been published, questioning the implications of notions such as hybridization and postmodern, fragmented identities to assert the specificity of various indigenous peoples and cultures. Furthermore, these authors produce critical work geared to stressing the long history of indigenous intellectual and narratives traditions. Thus, they show that history did not begin with colonization, residential schools, or the Native American Renaissance. In order to reconsider this context, I locate the works of Cree author Tomson Highway and Métis painter Jim Logan in the long history of indigenous narrative. In Chapter 2, I introduce Gerald Vizenor’s concept of survivance and propose it can center an understanding of the ethics and aesthetics in Native American narratives. I confront the concept with key terms in Western theories on survival – namely, experience, trauma, testimony – and ponder on their limitations to study works founded on different worldviews. Thus, I also rely on the specificity of Anishinaabe culture to bridge the application of the literary theory of survivance to the visual arts and ultimately expand the concept of narrative. In Chapter 3, I present the current debate in Native American criticism and examine the reasons why Gerald Vizenor has criticized by nationalist critics. I then seek to expose how his creative and critical works may indeed be reflective of a deeply nationalist Anishinaabe identity, grounded in tradition. Finally, I seek to apply the principles of nationalist criticism to study Tomson Highway’s Kiss of the Fur Queen and paintings by Jim Logan in order to propose interpretations stemming from Native American cultural traditions which have been largely obscured by the application of Western theoretical frameworks. In conclusion, I reflect upon the importance of Creation stories as they appear as traces in the creative and critical corpus of this thesis and propose survivance can center the understanding of the ethical and aesthetic parameters guiding the authors.

What do students of the elementary school identify as work of art? By trying to answer this question I actually aim to understand the relation between the identification of art of graduating students of elementary schools and the images commonly used by their teachers in class. The problem of the identification of what is a work of art was debated by the philosopher Danto in his thesis about the world of art. On it he argues that the problem is part of a deeper discussion, and is related to the difficulty of discerning a work of art from a common object in the way it presents itself to him in the contemporaneity. My goal is to show that the approach used by teachers in class is the main reference to students to identify what is art. I approach the presence or the lack of work of art and its reproductions in the formal education in the Brazilian historical process and the emergence of the thematic of contemporary art. This is done with the precise objective of giving a historical dimension to the problem.The methodology is the mixed methods reuniting the content analysis of Bardin, the knowledge inventory of Charlot, photo-elicitation aspects of Harper, the studies of investigation based on the visual arts of Viadel, and on the semiotic perspective of Pierce. In the first phase of the research 348 students of the ninth grade of the elementary school from eight public and private schools of metropolitan area of Aracaju took part in the research. Of these, 61 are organized in groups of debate, and 8 art teachers are interviewed. The phase of interpretation is developed through the processes of comparison, quantification, categorization, and interpretation of the data and reports from teachers and students. This phase consists of nucleons of signification: subjective, art practice, and referencial. With these I identify the emphasis of the notion of art manifested by students as expression, painting, and culture, respectively. The result of the application of photo-elicitation is that 74% of reflexes among the images of work of art used by teachers and the identification of art by the students. The results of the present research support the thesis and identify a relation based on context and art practice developed by art teachers at schools. / O que as alunas e os alunos do Ensino Fundamental identificam como obra de arte? Ao buscar responder a essa pergunta, objetivo compreender a relação entre a identificação de arte de estudantes concluintes do Ensino Fundamental e as imagens abordadas por suas professoras e seus professores de arte(s) na escola. O problema da identificação de obras de arte foi discutido pelo filósofo Danto na sua tese do mundo da arte, sendo esse um problema que se insere em uma discussão mais profunda, e que diz respeito à dificuldade de discernimento da obra de arte em relação ao objeto comum, tal qual ela se apresentou a Danto na contemporaneidade. Pretendo demonstrar que a abordagem sobre as artes visuais no Ensino Fundamental realizada na disciplina de arte(s) é a principal referência que o(a)s aluno(a)s têm para identificar obras de arte. Abordo a presença ou a ausência de obras de arte e suas imagens na educação formal durante o processo histórico brasileiro e a emergência da temática da arte contemporânea, com o propósito restrito de contextualizar historicamente o problema. A metodologia que utilizo é a de métodos mistos, reunindo a análise de conteúdo de Bardin, o inventário de saberes de Charlot, os aspectos da foto-elicitação de Harper, os estudos de investigação baseada em artes visuais de Viadel, e a perspectiva semiótica de Peirce. Participam, na fase inicial da pesquisa, 348 estudantes dos nonos anos, de oito escolas públicas e particulares localizadas na região metropolitana de Aracaju, sendo que desse total 61 são organizados em grupos de discussão, e oito entrevistas com docentes de arte(s). A etapa de interpretação da pesquisa é desenvolvida através dos processos de comparação, quantificação, categorização e interpretação dos dados e relatos de participantes. Esta etapa é composta por três núcleos de significação: Subjetivo, Prática Artística e Referencial, e com eles identifico a ênfase da noção de arte manifestada por alunas e alunos como expressão, como pintura e como cultura, respectivamente. O resultado da aplicação da foto-elicitação é de um total de 74% de reflexos entre as imagens de obras de arte abordadas na escola e a identificação de arte destes estudantes. Os resultados desta pesquisa apontam para a confirmação da tese e indicam uma relação respaldada na contextualização e na prática artística desenvolvida na disciplina de arte(s) nas escolas. / São Cristóvão, SE

Made available in DSpace on 2014-08-20T13:20:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Paula Batista Araujo_Dissertacao.pdf: 7806652 bytes, checksum: b20efffe87414db00a183d9c3a927960 (MD5) Previous issue date: 2012-10-22 / This study is concerned with recovering the history of teaching drawing and its trajectory that extends from the School of Fine Arts (Escola de Belas Artes - EBA) to the creation of the Center of Arts (Centro de Artes - CA). It traverses the changes in structure and activities of the professors who have taught drawing, their materials and methodologies. The historical trajectory of teaching drawing in the city of Pelotas is a subject for research that is still incipient regarding this theme. This is not different with respect to the university, specifically in the area of the arts, in which nomenclature is modified according to the necessity for change in academic structure: ILA Institute of Letters and Arts, IAD Institute of Arts and Design- and CA Center of Arts. Thus, this study seeks to write a fragment of the school‟s institutional history as a way of revealing its identity. A principal source for research is the Center of Arts‟ collection, its recorded and visual documentation. The emphasis on teaching drawing within the arts especially seeks to analyze professors and their methodologies with respect to their activities as artists-draughtsmen and in the classroom, in this way showing the evolution or involution of the structure of teaching and its methodologies at the Federal University of Pelotas in the area of the arts. The research methodology employed is a documental survey based on fragments dispersed among personal and public collections with sources including personal belongings (of the professors) and documents belonging to the Center of Arts. Theoretical references are based texts with themes relatedon cultural memory, identity, history, photography, art and art education, drawing and the teaching of drawing, emphasizing the importance of the records that retrace our history / Este estudo trata de retomar a história do ensino de desenho vislumbrando uma trajetória que vai da Escola de Belas Artes (EBA) até a criação do Centro de Artes. Permeia suas mudanças de estrutura e a atuação dos professores do ensino de desenho, seus materiais e metodologias. A trajetória da história e do ensino de desenho, na cidade de Pelotas, é uma questão de pesquisas ainda incipientes neste tema. Na Universidade, especificamente na área das Artes, cuja nomenclatura se modificou conforme a necessidade de mudança em sua estrutura acadêmica: ILA Instituto de Letras e Artes, IAD Instituto de Artes e Design- e CA Centro de Artes, esta realidade não é diferente. Busca-se então escrever um fragmento da história desta instituição mostrando sua identidade. A principal fonte da pesquisa é o acervo do CA, em sua documentação escrita e visual. O enfoque é o ensino de desenho dentro das artes, buscando especialmente analisar os professores e suas metodologias na sua atuação enquanto artistas-desenhistas e em sala de aula, mostrando assim as evoluções ou involuções da estrutura de ensino e suas metodologias dentro da Universidade Federal de Pelotas na área das artes. A metodologia utilizada é um levantamento documental com base em fragmentos distribuídos em acervos pessoais e públicos com fonte em materiais pessoais (dos professores) e documentos do CA. O referencial teórico tem como fundamento textos com temáticas ligadas a memória, identidade, história, fotografia, arte e ensino de arte, desenho e ensino de desenho, para ressaltar a importância dos registros que remontam a nossa história.

Submitted by Julia Baker Valls Pereira (juliabvp@gmail.com) on 2018-06-11T19:04:13Z No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) / Approved for entry into archive by Diego Andrade (diego.andrade@fgv.br) on 2018-07-02T18:56:43Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-16T20:23:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTACAO_QUEM VAI FICAR COM LAURA.pdf: 1993983 bytes, checksum: ff83e111494fe95b2f75fa4064591326 (MD5) Previous issue date: 2016-09-09 / The text analyzes one of agents from the art market: the commercial gallery. It was a conscious choice to work with only one gallery and, through this, to understand its microcosms. Beginning with the review of the main authors that work with sociology of art, it was possible to delineate which agents belonged to the field of art and how its relations could happen. The first chapter summarize the theories used through the work, and brings the history of the commercial galleries in Rio de Janeiro. The next two chapters will concentrate in the object of this study: the story of the gallerist Laura Marsiaj and her experiences in the work of art galleries. The construction of these chapters was based in a vast research in newspaper archives, field research and interviews with some important elements from the art’s field that had different connections with Laura. The focus of this dissertation is to create a case study of an art gallery and, through it, see how the relations in the art market occur. / O trabalho analisa um dos agentes do mercado de artes: a galeria comercial. Foi uma escolha trabalhar apenas com uma galeria e entender seu microcosmos. Partindo de uma análise dos principais autores a tratar do tema de sociologia da arte, foi possível delimitar os agentes pertencentes ao campo das artes e como suas relações são traçadas. O primeiro capítulo sintetiza as teorias utilizadas assim como discorre sobre a história das galerias no Rio de Janeiro. Os dois seguintes capítulos se concentram no objeto de estudo dessa dissertação: a história da galerista Laura Marsiaj e de suas experiências como galerista no Rio de Janeiro. A construção dos capítulos se deu a partir de pesquisas em acervos de jornais, pesquisa de campo e entrevistas com sujeitos do campo das artes que possuíam ligações de diferentes âmbitos com Laura. O objetivo da dissertação é realizar um estudo de caso da galeria e, através dele, ver como ocorrem as relações na esfera do mercado de artes.

With the purpose of analyzing José de Dome’s artistic production as well as his importance for visual arts and its teaching, this work investigated his development and acting on his social environment, between 1955, when his first individual exhibition was held, and 1981, which marked the last exhibition of his life. This study is grounded on a qualitative approach as well as the theoretical and methodological framework of Cultural History, alert to Pierre Bourdieu’s (2001) warning about “illusory biography”, “indiciary paradigm” brought forward by Carlo Ginzburg (1989) and the “fissures and contradictions of normative systems” analyzed by Giovanni Levi (1992). It also grounds itself on the teachings of Norbert Elias (1996) and Vavy Pacheco Borges (2014) about the genre biography. For a history of modern art, we turned to the studies undertaken by Giulio Carlo Argan (2001) about Expressionism, and José D’Assunção Barros’ observations concerning the importance of African art in the history of modern art. As to the issues relating to the Afro-Brazilian art, we relied on the work by Arnaldo Marques da Cunha (2015). For the analysis of the artistic images, we made use of the concepts developed by Erwin Panofsky (2012) about the “meaning in the visual arts”, and the studies by Michael Baxandall (2006) about the “fabric of human intentions in the historical explanation of pictures”. In the light of the theoretical and methodological postulates of Cultural History that structure the biographical genre, we searched through printed texts, especially newspapers that circulated during the biographee’s lifetime as well as the interviewees’ statements in which he was given a mention. We established an articulation between the artist’s life experiences and his production, by placing some emphasis on the individual and his accomplishments. We pointed out that, on José de Dome’s paintings, his formal freedom, focus on Brazilian themes and chromatism confer upon his art particularly autochthonous characteristics, which place his name amongst the representatives of Brazilian Expressionism in the history of visual arts. We regard this work as a contribution to the teaching-learning process in the visual arts, since it produces knowledge on the reading of artistic images as well as the history of visual Arts and its producers.________________________________________________________________________________________________________________________________ / Afin d'analyser la production artistique de José de Dome et son importance pour les arts visuels et son enseignement, le présent travail a étudié la formation et la performance de cet artiste dans son environnement social, entre les années 1955, date de sa première exposition individuelle, et 1981, l'année de sa dernière exposition, alors qu'il vivait. Il s’agit d’une recherche à approche qualitative basée sur les hypothèses théoriques et méthodologiques de l'Histoire Culturelle, attentive à l'avertissement de Pierre Bourdieu (2001) sur «l'illusion biographique», au «paradigme indiciaire» présenté par Carlo Ginzburg ( 1989), et aux "lacunes et contradictions des systèmes normatifs" analysées par Giovanni Levi (1992). Il est également basé sur les enseignements de Norbert Elias (1996) et Vavy Pacheco Borges (2014) concernant le genre biographique. Dans l'Histoire de l'art moderne, ont été utilisés les études réalisées par Giulio Carlo Argan (2001) sur l'Expressionnisme et aussi les considérations de José D'Assunção Barros (2015) sur l'importance de l'art africain dans l'Histoire de l'art moderne. En ce qui concerne les questions sur l'art Afro-brésilien, il a été utilisé comme référence, le travail présenté par Arnaldo Marques da Cunha (2015). Pour l'analyse des images artistiques, on a recherché un soutien théorique dans les concepts d'Erwin Panofsky (2012) sur la «Signification dans les arts visuels» et dans les études de Michael Baxandall (2006) sur le «tissu des intentions humaines dans l'explication historique des toiles". A la lumière des hypothèses théoriques et méthodologiques de l'Histoire Culturelle qui structurent le genre biographique, une recherche a été réalisée dans des textes imprimés, notamment dans les journaux en circulation à l’époque du biographe et dans les discours des interviewés qui s'y référaient. Il a été établie une articulation entre l'expérience de l'artiste et sa production, mettant en évidence l'individu avec les histoires de ses performances. On souligne que dans les toiles de José de Dome, sa liberté formelle, la thématique brésilienne et le chromatisme qu'il utilise, donnent à son art, des caractéristiques spécificiques, autochtones, qui incluent son nom dans l'Histoire des arts visuels, entre les représentants de l'Expressionnisme brésilien. On considère ce travail comme une contribution au processus d'enseignement et d'apprentissage en Arts Visuels, pour produire des connaissances sur la lecture d'images artistiques et sur l'Histoire des Arts Visuels et de ses producteurs. / Com o intuito de analisar a produção artística de José de Dome e a sua importância para as artes visuais e o seu ensino, o presente trabalho investigou a formação e a atuação do referido artista, no seu ambiente social, entre os anos de 1955, data da sua primeira exposição individual, e 1981, ano da sua última exposição, enquanto vivia. Trata-se de uma pesquisa de abordagem qualitativa que tem por fundamentação os pressupostos teóricos e metodológicos da história cultural, atenta ao alerta de Pierre Bourdieu (2001), a respeito da “ilusão biográfica”, ao “paradigma indiciário” apresentado por Carlo Ginzburg (1989), e às “brechas e contradições dos sistemas normativos” analisadas por Giovanni Levi (1992). Fundamenta-se, também, nos ensinamentos de Norbert Elias (1996) e Vavy Pacheco Borges (2014) a respeito do gênero biográfico. Na história da arte moderna, foram utilizados os estudos realizados por Giulio Carlo Argan (2001) sobre o Expressionismo, e também as considerações de José D’Assunção Barros(2015), a respeito da importância da arte africana, na história da arte moderna. Quanto às questões que dizem respeito à arte afro-brasileira, foi utilizado como referência, o trabalho apresentado por Arnaldo Marques da Cunha (2015), e, para a análise das imagens artísticas, buscou-se suporte teórico nos conceitos de Erwin Panofsky (2012) sobre o “significado nas artes visuais”, e nos estudos de Michael Baxandall (2006) a respeito do “tecido de intenções humanas na explicação histórica dos quadros”. À luz de pressupostos teóricos e metodológicos da história cultural que estruturam o gênero biográfico, foi realizada uma pesquisa, em textos impressos, especialmente nos jornais em circulação, na época do biografado, e na fala dos entrevistados que a ele fizeram referência. Estabeleceu-se uma articulação entre a vivência do artista e a sua produção, evidenciando o indivíduo com as histórias das suas atuações. Destaca-se que, nas pinturas de José de Dome, a sua liberdade formal, a temática brasileira e o cromatismo por ele utilizado dão à sua arte características específicas, autóctones, que incluem o seu nome na história das artes visuais, entre os representantes do expressionismo brasileiro. Considera-se este trabalho como um contributo ao processo de ensino e de aprendizagem em artes visuais, por produzir conhecimentos a respeito da leitura de imagens artísticas e sobre a história das artes visuais e dos seus produtores. / São Cristóvão, SE

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-01-08T13:35:48Z No. of bitstreams: 2 Tese - Luiz Carlos Pinheiro Ferreira - 2015.pdf: 5009756 bytes, checksum: 063d684c4133bde0beeeab86ca8d4184 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-01-11T06:46:25Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Luiz Carlos Pinheiro Ferreira - 2015.pdf: 5009756 bytes, checksum: 063d684c4133bde0beeeab86ca8d4184 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-11T06:46:25Z (GMT). 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The research analyses pedagogical episodes lived in the classroom, reflecting on the temporality of biographical experience and existence to think the place of narrative in the context of connections between the know-how as a possibility for transformation and self-transformation of the subjects involved. The narrative fragments of the history of life give the research epistemological coherence consolidating interest in autobiographical approach as research perspective and as a practical training, enabling a (re)construction of archaeological subject. Self-reflexive references and biographical reflexivity are used as theoretical allowance to (re)position historical consciousness about learning and lived experiences throughout life. This route took me to design a methodological tripod based in teaching episodes, in interviews and focal groups as orientation to analyze the data produced in the field of research which showed the self narrative as a way that projects a subject involved in passages, territory of sensibilities configured through marks, affections and traces resulting from lived experiences, that is, a subject under training who learns not only through pedagogical practice but also giving place to whatever comes, and yet, learning to be a place, a port and a space for happenings and mo(ve)ments of life as a necessary way to knowledge and self narrative. / Este estudio de doctorado, de carácter autobiográfico con énfasis en la narrativa de sí, presenta cuestiones que parten de “momentos con movimiento” al mirar por el espejo retrovisor de la vida. Esa retro(re)visión arqueológica evoca imágenes, memorias y fragmentos de mi historia de vida, llevándome a una (re)visitación de los tiempos de colegio, formación y actuación docente en el campo de las Artes Visuales. El estudio articula y contempla análisis relacionados al proceso de la narrativa de vida y formación discente/docente de alumnos colaboradores del curso de Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad de Brasilia. La investigación analiza, también, episodios pedagógicos vividos en el salón de clases, con el objetivo de reflexionar sobre la temporalidad biográfica de la experiencia y de la existencia para pensar el lugar de la narrativa en el contexto de la conexión entre el saber-hacer como posibilidad de transformación y auto transformación de los sujetos involucrados. Los fragmentos narrativos derivados de la historia de vida proporciona a la investigación la coherencia epistemológica que consolidó el interés en el enfoque autobiográfico como perspectiva investigativa y como práctica de formación, permitiendo una posible (re)construcción arqueológica del sujeto. El referencial auto-reflexivo y la reflexividad biográfica son utilizados como subsidio teórico para (re)posicionar la consciencia histórica sobre aprendizajes y vivencias experimentados a lo largo de la vida. Tal camino me ha llevado a la concepción de un trípode metodológico pautado en los episodios pedagógicos, entrevistas y realización de grupos focales como una guía para analizar los datos producidos en el campo de la investigación, que evidenciaron la narrativa de sí como camino que vislumbra un sujeto permeado por transiciones, territorio de sensibilidades, configurado por marcas, afectos y vestigios consecuentes de las experiencias vividas, o sea, un sujeto en formación que aprendió por la práctica pedagógica no soló a dar lugar a aquello que llega, pero también, a ser lugar, puerto y espacio de los acontecimientos y movimientos de la vida como apertura esencial para el conocimiento y la narrativa de sí. / Esta pesquisa de doutorado, de caráter autobiográfico com ênfase na narrativa de si, apresenta questões que partem de mo(vi)mentos ao olhar pelo espelho retrovisor da vida. Essa retro(re)visão arqueológica situa imagens, memórias e fragmentos da minha história de vida, levando-me a uma (re)visitação dos tempos de escolarização, formação e atuação docente no campo das Artes Visuais. O estudo articula e contempla análises relacionadas ao processo da narrativa de vida e de formação discente/docente de alunos colaboradores do curso de Licenciatura em Artes Visuais da Universidade de Brasília. A pesquisa analisa, também, episódios pedagógicos vivenciados em sala de aula, com o objetivo de refletir sobre a temporalidade biográfica da experiência e da existência para pensar o lugar da narrativa no contexto de conexões entre o saber-fazer como possibilidade de transformação e autotransformação dos sujeitos envolvidos. Os fragmentos narrativos derivados da história de vida, conferem à investigação coerência epistemológica que consolida o interesse na abordagem autobiográfica como perspectiva de pesquisa e como prática de formação, possibilitando uma (re)construção arqueológica do sujeito. O referencial autorreflexivo e a reflexividade biográfica são utilizados como subsídio teórico para (re)posicionar a consciência histórica acerca das aprendizagens e vivências experienciadas ao longo da vida. Tal percurso levou-me à concepção de um tripé metodológico pautado nos episódios pedagógicos, nas entrevistas e na realização de grupos focais como orientação para analisar os dados produzidos na pesquisa de campo que evidenciaram a narrativa de si como caminho que vislumbra um sujeito permeado de passagens, território de sensibilidades, configurado por marcas, afetos e vestígios decorrentes das experiências vividas, ou seja, um sujeito em formação que aprende pela prática pedagógica não apenas a dar lugar àquilo que chega, mas, também, a ser lugar, porto e espaço de acontecimentos e mo(vi)mentos da vida como abertura necessária para o conhecimento e a narrativa de si.

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-03-21T21:36:39Z No. of bitstreams: 2 Tese - Pablo Petit Passos Sérvio - 2015.pdf: 6644320 bytes, checksum: 97ed5d5d51b286b798c5c675ff5a5cc6 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-03-22T14:25:11Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Pablo Petit Passos Sérvio - 2015.pdf: 6644320 bytes, checksum: 97ed5d5d51b286b798c5c675ff5a5cc6 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-22T14:25:11Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Pablo Petit Passos Sérvio - 2015.pdf: 6644320 bytes, checksum: 97ed5d5d51b286b798c5c675ff5a5cc6 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-03-10 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This thesis investigates the way visual art teachers pedagogically relate to the use of advertising images. Nine teachers in Goiania's municipal system participated as collaborators in the research. The methodological procedures used were observations, field notes and individual interviews. Based on Cultural Studies and principles of Visual Culture Education, this study adopts an epistemological approach that favors poststructuralist assumptions. It assumes that advertising images are relevant for a Visual Culture Education since they contribute to built and at the same time legitimize meanings that guide ways of perceiving, being and having dialogues with the world. The research opposes the prescription of content for the reason that it characterizes school submission to the university and indicate the need to identify and discuss the practices and aspirations that these teachers engage in their day-today teaching. Visual Culture Education highlights that today the visual arts teachers' challenge is not just work with images apart from those that are culturally considered art, but, especially, decide how to use them pedagogically. The research identifies, analyses, and discusses aspects of these teachers discourses and practices being able to produce questions for a Visual Culture Education. / Esta tese investiga o modo como professores de artes visuais se relacionam pedagogicamente com imagens de publicidade. Nove professores da Rede Municipal de Goiânia participaram como colaboradores da pesquisa. Observações, anotações de campo e entrevistas individuais foram os procedimentos metodológicos utilizados. Fundamentada nos Estudos Culturais e nos princípios da Educação da Cultura Visual, esta pesquisa assume posição epistemológica que privilegia pressupostos pós-estruturalistas. Este trabalho parte da convicção de que imagens de publicidade são relevantes para uma Educação da Cultura Visual porque contribuem para construir, ao mesmo tempo em que legitimam, significados que orientam modos de perceber, estar e dialogar com o mundo. Opõe-se à prescrição de conteúdos, pois tal atitude caracteriza uma submissão das escolas à universidade, apontando a necessidade de identificar e discutir as práticas e aspirações pedagógicas que estes professores perseguem no seu cotidiano docente. A Educação da Cultura Visual destaca que hoje o desafio dos professores de artes visuais não está apenas em trabalhar com imagens além daquelas socialmente legitimadas como arte, mas, especialmente, o modo de abordá-las pedagogicamente. A pesquisa identifica, analisa e discute aspectos de discursos e práticas desses professores produzindo questionamentos para uma Educação da Cultura Visual.

Submitted by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-02-19T11:00:46Z No. of bitstreams: 2 Tese - Alexandre José Guimarães - 2017.pdf: 10625160 bytes, checksum: 269dfd97267b302ac257f60db2b9826c (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-02-19T11:31:52Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Alexandre José Guimarães - 2017.pdf: 10625160 bytes, checksum: 269dfd97267b302ac257f60db2b9826c (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-02-19T11:31:52Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Alexandre José Guimarães - 2017.pdf: 10625160 bytes, checksum: 269dfd97267b302ac257f60db2b9826c (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-02-02 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG / This study deals the averse teaching of four visual arts teachers in the professional education context from their life histories. In order to discuss variables of the teaching images about the professional education teacher, the teaching work of the Federal Institute of Goiás was investigated through questions about: a) the art teachers identities in a school of technicist tradition; b) the teaching training processes in transit and in different places from and beyond school; c) the historical contextualization of the Brazilian professional education matrices; d) the dialogues between the artistic work and the teaching work as actions that feed back. For methodological inventions, the issue discussed was: how does an investigation in art invite me to experiment the art and how this artistic production infiltrates in a research problem? By understanding the art research as a research narrative this study was built at the same time that it told its story - a metalinguistic game that took shape while maintaining a pedagogical dialogue with itself. In this sense, this study arrives in appoitments such as: a) an identity crisis of the federal network teacher; b) the tension movements for the art education in the technical education context; c) the reaffirmation and reconfiguration of the professional education colorization throughout our histories; d) the necessity and the urgency to think about the art teaching practice in the professional education scope; e) the collegiality as an inseparable element for the art teacher formation; f) the artistic work (or experience) approximation with the teaching work as a dialogical action. In this way, we experimented an archaeological exercise to dig our and other stories for the understanding and reconfiguration of our profession contributing to the identity constitution and our difference within the public education. / Este estudo aborda os avessos docentes de quatro professoras de artes visuais no contexto da educação profissional a partir de suas histórias de vida. Para discutir variáveis das imagens docentes sobre o professor da educação profissional, investigou-se a docência no Instituto Federal de Goiás por meio de questões sobre: a) identidades de professoras de arte em uma escola de tradição tecnicista; b) processos formativos docentes em trânsito e em diferentes lugares a partir e além da escola; c) contextualização histórica das matrizes da educação profissional brasileira; d) diálogos entre o trabalho artístico e o trabalho docente como ações que se retroalimentam. Para as invenções metodológicas, voltou-se à pergunta: como uma investigação em arte me convida a experimentar arte e como essa produção artística se infiltra em um problema de pesquisa? Ao compreender a pesquisa em arte como uma narrativa de investigação, este estudo foi se construindo ao mesmo tempo em que contava sua história – um jogo metalinguístico que ganhou forma enquanto manteve um diálogo pedagógico consigo mesmo. Nesse sentido, chega-se a apontamentos como: a) crise de identidade do professor da rede federal; b) movimentos de tensão para o ensino de arte no contexto do ensino técnico; c) reafirmações e reconfigurações da colorização da educação profissional ao longo de nossas histórias; d) necessidade e urgência em pensar a prática docente em arte no âmbito da educação profissional; e) colegialidade como elemento indissociável para a formação do professor de arte; f) aproximação do trabalho (ou experiência) artística com o trabalho docente enquanto ação dialógica. Experimentou-se, dessa forma, exercícios arqueológicos para cavar as nossas e outras histórias para o entendimento e reconfiguração de nossa profissão, contribuindo para a constituição identitária e nossa diferença no interior da educação pública.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Carolina Silveira Gomes de Morais.pdf: 2226805 bytes, checksum: 7edde485fd4c1934c8b5ece4fd61b5d2 (MD5) Previous issue date: 2012-03-13 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / Stimulated by the experience as a Visual Arts teacher, the present research comes from the need to seek answers for some matters regarding teaching art. the intention was to analyze what theorists in art, education and art education think about contemporary art and teaching, and also how visual arts teachers deal with this manifestation as through fruition and as proposers. Are there contact points between theory and practice? The methodology was interviews with visual arts teachers who work in public and private teaching, and who are recognized as proposers in situations which involve contemporary art. Still as a selection criteria for those interviewed, the following aspects were considered: teachers who teach Basic Education II and took their students to the 29th Bienal de Arte in São Paulo in 2010. The path traced in the research begins in the investigation of some aspects of contemporary art, travels through the experimental territory of the encounter with art - fruition - and arrives at the place where art joins teaching. In this never ending path, specifics required by the teaching of art were evidenced and, mainly, the importance of a contemporary thinking in teaching art. / Impulsionada pela experiência como professora de Artes Visuais, a presente pesquisa surge da necessidade de buscar respostas para algumas questões relativas ao ensino da arte. A intenção foi analisar, o que os teóricos da arte, da educação e da arte educação pensam sobre a arte contemporânea e o seu ensino e também como os professores de artes visuais tem lidado com essa manifestação enquanto fruidores e propositores. Existem pontos de contato entre a teoria e a prática? Como metodologia foram realizadas entrevistas a professores de artes visuais que trabalham no ensino público e particular e que são reconhecidos como propositores de situações que envolvam a arte contemporânea. Ainda como critério de seleção dos entrevistados levou-se em conta os seguintes aspectos: professores que lecionam no Ensino Fundamental II e que levaram seus alunos na 29ª Bienal de Arte de São Paulo em 2010. O caminho traçado pela pesquisa inicia-se através da investigação sobre alguns aspectos da arte contemporânea, atravessa o território experiencial do encontro com a arte - a fruição - e chega ao local onde a arte se alia ao ensino. Nesse percurso que não se finda evidenciou-se especificidades que o ensino da arte contemporânea requer e, principalmente, a importância de um pensamento contemporâneo no ensino da arte.