Made available in DSpace on 2015-04-16T15:18:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 2613775 bytes, checksum: c5542e8d7e585d8ac4b54bb07c561e88 (MD5) Previous issue date: 2013-05-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This research discusses the creative processes of the visual artist and art critic Raul Córdula Filho, from Paraiba, in the treatment which he gives to the word as a visual image impregnated with memories, political positions and incursions into his private imaginary, as well as collective symbolic references, where issues of art-and-life are discussed in the panorama of contemporary visual culture, merging the universe of writing with the visual arts. The investigation is founded in the production of the esthetic-subject, focused in a critical genetic approach that occurs in the inset of intersemiotic speech, considering the appropriation of the word as a reframing of its lexical power, synergic point of multiple open plurilateral readings. This dissertation intends to point out and discuss the conceptions and enunciative practices of the artist, sedimented in the peculiar exercise of the power to verbalize and shape his ideas through the syntactic elements of orality enrolled in the supports and expressive categories established in the universe of the visual arts, thus conferring to the word the re-presentation of intertextual and intersemiotic meanings. / Esta investigação discute acerca dos processos criativos do artista visual e crítico de arte paraibano Raul Córdula Filho, no tratamento que este dispensa à palavra enquanto imagem plástica impregnada de memórias, posicionamentos políticos e incursões pelo seu imaginário particular, bem como por referências do simbólico coletivo, onde se discutem questões da arte-e-vida no panorama da cultura visual contemporânea, amalgamando o universo da escritura ao das artes visuais. A investigação tem fundamento na produção do sujeito-esteta, focada numa abordagem crítico-genética que se dá no entremeio do discurso intersemiótico, considerando a apropriação da palavra uma ressignificação de sua potência lexical, ponto sinergético de múltiplas leituras abertas plurilaterais. Esta dissertação pretende apontar e discorrer acerca das concepções e práticas enunciativas do artista, sedimentadas no exercício peculiar do poder verbalizar e plasmar suas idéias através de elementos sintáticos da oralidade inscritos nos suportes e categorias expressivas instituídas no universo das artes visuais, conferindo deste modo à re-apresentação da palavra sentidos intertextuais e intersemióticos.

Made available in DSpace on 2015-04-16T15:18:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 ArquivoTotal.pdf: 5959065 bytes, checksum: abbea1bb7ec0e7c4959562bc3df893a5 (MD5) Previous issue date: 2013-02-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Las mayores oportunidades de acceso a los productos de tecnología inalámbrica como el teléfono móvil, que en los últimos años ha sufrido varias transformaciones, tanto en su estructura como en sus características físicas, han provocado debates sobre su inclusión y su influencia en el campo educativo. Más que un medio de comunicación móvil, el teléfono móvil se ha convertido en un dispositivo con múltiples funciones y con una alta probabilidad de interacción en una variedad de plataformas multimedia, por lo que estas características han atraído el interés de los individuos de todas las clases sociales y edades grupos. Dentro de este contexto, esta investigación tuvo como objetivo analizar las narrativas imágenes (fijas y móviles) y orales que un grupo de estudiantes en el grado 9, el Escuela Primaria Antônio Cordeiro Pontes, la ciudad de Macapá / AP-BR, almacenados y transportados diariamente en sus teléfonos móviles, y cómo los maestros de la misma escuela de arte y pensamiento reaccionó en dichas imágenes. La investigación se ha asumido que los conceptos que subyacen a la práctica pedagógica del profesor de arte y son cruciales para el interrogatorio de los desafíos de la enseñanza del arte contemporáneo. Entró en el mundo de las culturas juveniles a comprender cómo los adolescentes piensan, actúan y se relacionan con la cultura de la imagen, la comprensión que da voz a los empleados de una investigación, aprovecha los discursos generados, que envuelven sujetos y produce de manera significativa. Guiados por un métodos exploratorios cualitativos y mixtos, en esta investigación se caracteriza como un estudio de caso, en el principio de diseño, en relación con la generación y el análisis, explora las entrevistas semiestructuradas (individual y grupo de discusión) y utiliza el análisis de discurso para examinar la regularidad y las incoherencias existentes en las formas en que los estudiantes y los profesores ven y / o se ven en las imágenes. / O aumento das possibilidades de acesso a produtos de tecnologia sem fio, como o telefone celular, que nos últimos anos passou por diversas transformações, tanto em sua estrutura física quanto em suas funcionalidades, têm desencadeado discussões acerca de sua inserção e influência no campo educacional. Mais que um meio de comunicação móvel, esse dispositivo tornou-se um produto com múltiplos recursos e com grandes probabilidades de interação, de forma que, todas essas características têm atraído o interesse de sujeitos de todas as classes sociais e faixas etárias. Dentro desse contexto, esta investigação objetivou analisar as narrativas imagéticas (fixas e móveis) e orais que um grupo de estudantes do 9º ano, da Escola Estadual do Ensino Fundamental Antônio Cordeiro Pontes, na cidade Macapá/AP-BR, armazenavam e transportavam, diariamente, em seus telefones celulares, e como as professoras de Arte desta mesma escola pensavam e reagiam sobre tais imagens. A investigação partiu do pressuposto de que as concepções de arte fundamentam a prática pedagógica do professor e são determinantes para a problematização das questões em relação aos desafios do ensino de Arte na contemporaneidade, adentrou no universo das culturas juvenis para compreender como os adolescentes pensam e agem cotidianamente e como se relacionam com a cultura da imagem. Orientada por uma abordagem qualitativa e exploratória de métodos mistos, esta pesquisa caracteriza-se como um estudo de caso, quanto ao princípio de delineamento, em relação à geração e análise de dados, explora entrevistas semiestruturadas (individual e discussão de grupo focal) e a análise de discurso. Compreendendo que dá voz aos colaboradores da pesquisa, potencializa os discursos gerados, envolve os sujeitos e produz sentidos significativos.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 aaudre.pdf: 20243874 bytes, checksum: 1caf533ecd2a6b69c565be35d941da19 (MD5) Previous issue date: 2012-09-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research examines two books, Formas de pensar o desenho (1994) and Desenho da figura humana (1990), both written by the Brazilian artist and educator Edith Derdyk. The author writes about drawing as visual language for the arts, the techniques and the sciences; about the development of children´s drawings and about the specificity of drawing in the visual arts. The investigation employed two categories of analysis: promoting factors of transformations in children s drawings related to the learning stage; and the possible uses of images and information, connected to the teaching contents of drawing and visual arts. In each category I have identified internal dissonances. Therefore, drawing on authors such as Iavelberg (1995 e 2008) and Wilson and Wilson (1987 e 1997) I was able to argue that Derdyk understands sociocultural factors as a necessary influence upon children s drawings. However the author also sees them with negativity, generating a concept which I synthesized as what authors like Rizzi (2008) refer to as spontaneism on Brazilian Art-education. In the second category I indicate that Derdyk has developed consistent literature and visuals for the process of learning drawing and visual arts. I have linked them to contemporary art teaching proposals such as to the Triangular Proposal to Art teaching by Barbosa (2002 2008). Nonetheless Derdyk does not suggest that such proposal should be used while teaching children, but only during teacher training. At the same time, I understand that the way Derdyk suggests the participation of the whole child´s body in the action of drawing and her exposure about the artists actions and their works of art are extremely useful in teacher training. Based on references provided by Derdyk herself and on the conception of procedures of creation formulated by Duarte (2001) I have elaborated strategies of art teaching to children that assessed their anxieties and difficulties related to their productions and, besides that, were able to enhance the abilities and benefit both standard children and children with special needs. This complex simultaneity of learning conditions was the core motivation of this research: how to elaborate alternative teaching strategies that would address in an effective way the anxieties and doubts that standard children and children with special needs presented while drawing / A presente pesquisa trata da análise de dois livros, Formas de pensar o desenho (1989-1994) e Desenho da figura humana (1990), ambos da artista e educadora Edith Derdyk. Nestas publicações a autora versa sobre o desenho como linguagem para as artes, a técnica e as ciências; sobre o desenvolvimento do desenho infantil; e, sobre a especificidade dos usos do desenho nas artes visuais. A investigação se deu por meio de duas categorias de análise: fatores promotores das mudanças nos desenhos infantis, relacionada à instância da aprendizagem; e usos de imagem e informações, referente ao conteúdo de ensino de desenho e artes visuais. Em cada categoria identifiquei uma dissonância interna. Assim sendo, a partir de autores como Iavelberg (1995 e 2008) e Wilson e Wilson (1987 e 1997), pude apontar que Derdyk compreende os fatores socioculturais como necessária influência no desenhar infantil. Mas ao mesmo tempo a autora os vê com negatividade, gerando uma visão de desenho infantil que relacionei ao que autores como Rizzi (2008) chamam de espontaneísmo no ensino de arte. Na segunda categoria de análise, indiquei que Derdyk constrói um consistente material de referência textual e visual para a aprendizagem do desenho e das artes visuais Esta estruturação de conteúdos foi por mim relacionada às propostas contemporâneas de ensino de artes visuais como a Proposta Triangular de Barbosa (2002 e 2008). Entretanto, Derdyk não sugere que tal estruturação seja usada para o ensino das crianças, apenas para a formação dos professores. Ao mesmo tempo, compreendo que a maneira como Derdyk propõe a atuação integral do corpo da criança em suas construções gráficas e a sua exposição sobre as ações e obras de artistas, são extremamente úteis à formação dos professores. Com base nas referências fornecidas por Derdyk e na concepção de procedimentos de criação formulada por Duarte (2001), construí estratégias de ensino de desenho e artes visuais para crianças que além de trabalhar as dúvidas e dificuldades em relação ao desenho, pudessem potencializar numa mesma estratégia de ensino as capacidades de crianças standards e das portadoras de necessidades especiais. Essa complexa simultaneidade de condições de aprendizagem foi a geradora da questão central desta pesquisa: como pensar em estratégias de ensino alternativas que pudessem contribuir concomitantemente com a diversidade de dúvidas e dificuldades que crianças standards e portadoras de necessidades especiais apresentam em relação aos seus desenhos

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana.pdf: 12794391 bytes, checksum: 78362fa386d17f0ada40ebca1908b317 (MD5) Previous issue date: 2009-09-15 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / In inventing the past, city constructs future, its architectonical particularities are characterized by the past that is possible to see. This work had as pretension to search, in the city of Curitiba, a past that left vestiges in the present. In the 19th century, some intellectuals from Paraná start to worry about the State s cultural identity. In the 20 s, a group of uncomfortable people yet by the fact that the state of Paraná did not have regional traces itself, they idealize the Paranista Movement, highlighting, among others, the writer Romário Martins and the plastic artists Lange de Morretes and João Turin. One of the Paranismo idealizer speech s characteristics was to integrate all individuals who adopted Paraná as their own land, no matter if they were paranaenses, Brazilians or immigrants. The Movement was divulged in the city of Curitiba, intending to reach all state of Paraná, through legends, published articles and mainly through Visual Arts, which were their main exposure vehicle. Icons and stylization were spread all over the city of Curitiba, even being recognized among its creators as the paranista style , intending to convince all population that from that time on, images of the pine tree, the pine and the pine fruit were effectively Paraná s symbols. Later on, also the blue crow as a possible preservation of the pine trees. Despite the paranista movement to be restricted to Curitiba, paranaenses usually still today recognize paranistas symbols, despite the fact that they did not know its history. This acceptance of the paranaense population, specially the curitibana, is strengthened also due some attitudes posterior the Paranismo which perpetuated its ideas, being able to cite the law and culture s inducements from the government and State s representatives and collaborators in relation tradition s rescue and paranaense symbology. However it is undeniable that the main agent of the paranistas symbols permanence was the artistic production generated after the movement, allowing a Neo-paranismo, this, with alternative and differentiated ideas, allowed paranaenses symbols innovative resolutions that, probably, were never imagined by their first idealizers / Ao inventar o passado a cidade constrói o futuro, suas particularidades arquitetônicas são caracterizadas pelo passado que é possível de se enxergar. Este trabalho teve como pretensão buscar na cidade de Curitiba um passado que deixou vestígios no presente. No século XIX inicia-se no Paraná uma preocupação por parte de alguns intelectuais em relação à identidade cultural do Estado. Na década de 20, um grupo de pessoas incomodadas ainda pelo fato do Estado do Paraná não possuir em si traços regionais, idealizam o Movimento Paranista, destacando, entre outros, o escritor Romário Martins e os artistas plásticos Lange de Morretes e João Turin. Uma das características do discurso dos idealizadores do Paranismo era de integrar todos os indivíduos que adotassem o Paraná como sua terra, sendo eles paranaenses, brasileiros ou imigrantes. O Movimento foi divulgado na cidade de Curitiba com a intenção de atingir a todo Estado do Paraná através de lendas, artigos publicados e principalmente por meio das Artes Visuais, que foram seu principal veículo de exposição. Ícones e estilizações foram espalhados por toda cidade de Curitiba, chegando a ser reconhecido entre seus criadores como o estilo paranista , com a intenção de convencer a toda população de que, a partir daquele momento, imagens do pinheiro, da pinha e do pinhão eram efetivamente os símbolos do Paraná. Posteriormente também a gralha-azul, remontando à mesma, uma possível preservação dos pinheiros. Apesar do movimento paranista se restringir à Curitiba, os paranaenses ainda hoje em geral reconhecem os símbolos paranistas, apesar de desconhecerem sua história. Esta aceitação da população paranaense, em especial a curitibana, é fortalecida também graças a algumas atitudes posteriores ao Paranismo que acabaram perpetuando as idéias do mesmo; podemos citar os incentivos às leis e à cultura por parte de governantes e representantes do Estado e de colaboradores em relação ao resgate da tradição e simbologia paranaense. Porém é inegável que o agente principal da permanência dos símbolos paranistas foi mesmo a produção artística que se gerou durante as décadas de 20 e 30, bem como a produção gerada após o movimento, propiciando um Neo-paranismo; este e suas idéias e alternativas diferenciadas, proporcionaram aos símbolos paranaenses resoluções inovadoras que, provavelmente, jamais foram imaginadas por seus primei os idealizadores

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Katyuscia.pdf: 4562698 bytes, checksum: aa625942867cfad11f4ac32c8e4203b1 (MD5) Previous issue date: 2011-10-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research aims to investigate the construction of the pedagogical planning of two art teachers one from Caxias do Sul (RS) and another from Aracaju (SE) - as well as the didactic-pedagogical interactions between them, in a virtual learning environment (AVA), in a proposition of online art teaching, based on a critical multiculturalism approach. It also aims to explore which were the art contemporary thematic they propose. And, at last, it is intended, in this investigation, to observe the relevance of the focusing on the critic teaching practice as a need to overcome traditional methods and transform them, producing new knowledge about the practice online. For that, it was investigated the teaching practices of the teachers with their ninth year of elementary school students, in the experience: Virtual Learning Platforms: a path of inclusion through art - 2010, held at the Moodle platform, at the Center for Distance Education - UDESC. It was listed, among other authors, the writings of Peter McLaren (2000), regarding to the studies of critical multiculturalism, Silva s (2010) on Education Online, Rosa (2004), Gatti and Barreto (2009) in teacher training, Santaella (2003) and Domingues (1997 , 2002) in the dialogues between the Contemporary Art with the Information Technologies and Communication, and at last, we get close to the writings of Fonseca da Silva (2010), Pimentel (2010) and Biazus (2009) in their investigations about the art teaching and the contemporary technologies setting up the theoretical field of this study. In this research it was set up an approximation among the teacher training and the art teaching in contemporaneousness with the online education, as well as contemporary Art's relations with ICTs. Through a qualitative research, having as parameter the Content Analysis methodology proposed by Bardin (1977), Franco (2007), it was established as data collection instruments: the observation of the records of the forums, journals and chats within the virtual learning environment, from which the analysis was done. As main results of this investigation, it is highlighted the online education as one alternative to the art training and teaching; the critical multiculturalism focused in the transforming action aimed to democracy and social justice as a significant approach in the Brazilian art education, besides the enlargement of the art teaching concept. It is also attempted to the importance of training teachers to educate in the cyberspace. And to the availability in overcoming the challenges of planning and educating, faced by the teachers in the experience of online exchange between the two teacher s groups, understood through the interactions recorded in the AVA / Esta dissertação tem como objetivo investigar a construção do planejamento pedagógico de duas professoras de artes - uma de Caxias do Sul (RS) e outra de Aracaju (SE) - bem como as interações didático-pedagógicas entre elas, em um ambiente virtual de aprendizagem (AVA), numa proposta de ensino de arte online, embasada de um viés multicultural-crítico. Objetiva, também, explorar quais foram as temáticas contemporâneas de arte propostas por elas. E por fim pretende-se, nesta investigação, observar a relevância do enfoque da prática docente crítica como necessidade de superar formas tradicionais e de transformá-las, produzindo novos conhecimentos sobre a prática online. Para isso, investigaram-se as práticas docentes das professoras, com seus respectivos estudantes de nono ano do Ensino Fundamental, na experiência: Plataformas virtuais de aprendizagem: um caminho de inclusão por meio da arte - 2010, realizada na Plataforma Moodle do Centro de Educação a Distância UDESC. Elencamos, entre outros teóricos, os escritos de Peter McLaren (2000) no que tange aos estudos do Multiculturalismo-crítico, os de Silva (2010) sobre Educação online, Rosa (2004), Gatti e Barreto (2009) na formação de professores, Santaella (2003) e Domingues (1997, 2002) nos diálogos da Arte contemporânea com as Tecnologias de Informação e Comunicação, e por fim, nos aproximamos dos escritos de Fonseca da Silva (2010), Pimentel (2010) e Biazus (2009) em suas investigações sobre o ensino da arte e as tecnologias contemporâneas marcando o campo teórico desse estudo. Nesta pesquisa estabelece-se uma aproximação entre a formação do professor e o ensino de arte na contemporaneidade com a Educação online, bem como as relações da Arte contemporânea com as TICs. Por meio de uma pesquisa qualitativa, tendo como parâmetro a metodologia de Análise de Conteúdos proposta por Bardin (1977), Franco (2007), estabeleceram-se como instrumentos de coleta de dados: a observação dos registros nos fóruns, diários e chats dentro do AVA, a partir dos quais fez-se a análise. Como principais resultados dessa investigação destacam-se a Educação online como uma alternativa à formação e ao ensino de arte; o Multiculturalismo-crítico focado na ação transformadora com vistas à democracia e à justiça social, como um viés significativo na educação em arte brasileira, além da ampliação do conceito de ensino de arte. Atenta-se, também para a pertinência de formar professores para educar no ciberespaço. E para a disponibilidade em superar os desafios de planejar e educar, enfrentados pelas professoras na experiência de interações online entre as duas turmas, compreendido por meio das interações registradas no AVA

O presente trabalho investiga a construção do olhar do aluno/professor diante da disciplina de Artes Visuais em sua formação frente à Arte através de um processo de compreensão crítica. Usa autores a partir da perspectiva das Artes Visuais, como Barbosa (1975), Lowenfeld (1977), Duarte Jr. (2012) e Iavelberg (2003), da Formação de Professores com Nóvoa (1991) e Tardif (2012), e sobre Experiência, com Larrosa (2001). A metodologia teve uma abordagem da pesquisa qualitativa desenvolvida através de questionários individuais com perguntas abertas e a investigação de imagens, como partes integrantes de uma análise crítica e construtiva de relatos que dialogam com a cultura visual. A pesquisa procura evidenciar que o desenvolvimento do ensino contemporâneo de artes visuais constitui-se como experiência docente que tem potencial para atuar positivamente na construção de conhecimento artístico na escola em consonância com a complexidade do mundo atual. A necessidade de tratar do tema arte se constituiu como uma possibilidade de um diálogo com as questões e preocupações que permeiam a contemporaneidade relacionada ao Ensino de Artes Visuais e à Formação do aluno/professor. Os resultados apresentam a importância da disciplina de Artes Visuais como uma maneira de transmitir o conhecimento e da integração com outras disciplinas. Com relação à formação docente, foram indicados os aspectos de oportunizar o conhecimento dos movimentos artísticos e do aluno ser produtor de sua arte, desenvolvendo habilidades equilíbrio espacial, sensibilidade, composição e criatividade, como a importância do ensino aprendizagem e ainda favorecendo o desenvolvimento do controle motor nas séries iniciais.

A presente pesquisa busca analisar ações de mediação dos projetos pedagógicos de cinco edições da Bienal do Mercosul (6ª – 2007, 7ª – 2009, 8ª – 2011, 9ª – 2013 e 10ª – 2015), a partir dos documentos e publicações disponíveis ao público, e utilizando o conceito de experiência segundo Jorge Larrosa como base teórica das questões de mediação. As ações analisadas são: as visitas mediadas que ocorrem dentro dos espaços de exposição, com a presença de um mediador; os materiais educativos que são produzidos e distribuídos aos públicos como forma de atuação fora da instituição de arte e os espaços físicos ocupados pelos programas educativos dentro da expografia das mostras. Com isso procura-se mostrar que a mediação vai além de um processo dialógico que exige um sujeito mediador, mas um processo que se utiliza também de objetos e estruturas para estabelecer uma relação de experiência entre públicos e arte. A escolha do uso de documentações disponíveis vem a mostrar de que formas essas experiências são registradas e quais acessos temos a elas atualmente. / The present research aims to analyze actions of mediation of the pedagogical projects of five editions of the Mercosur Biennial (6th - 2007, 7th - 2009, 8th - 2011, 9th - 2013 and 10th - 2015), based on documents and publications available to the public, and using the concept of experience according to Jorge Larrosa as the theoretical basis of mediation questions. The actions analyzed are: the mediated visits that occur within the exhibition spaces, with the presence of a mediator; the educational materials that are produced and distributed to the public as a way of acting outside the art institution and the physical spaces occupied by the educational programs within the expografia of the shows. The purpose of this work is to show that mediation goes beyond a dialogic process that requires a mediating subject, but a process that also uses objects and structures to establish a relationship of experience between public and art. The choice of the use of available documentation comes to show how these experiences are recorded and what accesses we have to them currently.

O objetivo desta tese é retornar a um corpus artístico produzido em um contexto histórico extremamente ativo nas artes indígenas canadenses. Depois de uma primeira onda de ativismo político nos anos 1970, incorporada no movimento Red Power e na literatura da chamada Native American Renaissance, o final do século XX constituiu-se em um novo contexto de mobilização. Em grande medida impulsionada pela proximidade do aniversário de 500 anos da chegada de Colombo às Américas, uma nova geração de escritores e artistas visuais indígenas se engajou em reexaminar a história que levou a tal contexto. A publicação de suas obras coincidiu com um momento de extrema popularidade de estudos acadêmicos póscoloniais, pós-estruturalistas e focados em cultura e, consequentemente, foi extensamente analisada dessas perspectivas. Especialmente desde o início do século XXI, passaram a ser publicadas obras críticas de intelectuais indigenas nacionalistas, que se opõem a noções como hibridação e identidades fragmentadas para afirmar a especificidade dos diversos povos e culturas indígenas. Além disso, esses autores dedicam-se a produzir uma obra crítica engajada em refletir a longa história das tradições intelectuais e narrativas indigena, evidenciando que estas não se iniciaram com a colonização, com as residential schools – internatos para educação de indígenas – ou com a Native American Renaissance. A fim de refletir sobre esse contexto, localizo e relaciono as obras de Tomson Highway – escritor Cree – e Jim Logan – artista plástico Métis – na longa história da narrativa indígena. No segundo capítulo, introduzo o conceito de survivance do escritor Anishinaabe Gerald Vizenor e proponho que tal conceito pode servir de centro para a definição de uma ética e estética indígenas refletidas nas narrativas. Contrasto o referido conceito com alguns termos de teorias ocidentais sobre sobrevivência – experiência, trauma, testemunho – e considero suas limitações para tratar de obras fundadas em outras visões de mundo. Assim, também, busco na especificidade da cultura Anishinaabe o esclarecimento de como a teoria literária de survivance pode ser aplicada às artes visuais e, assim, ampliar o próprio conceito de narrativa. No terceiro capítulo, apresento o debate corrente na crítica indígena e trato de examinar os motivos pelos quais Gerald Vizenor é criticado na crítica nacionalista e explico como seu fazer artístico e crítico pode, de fato, revelar uma identidade Anishinaabe profundamente nacionalista, fundada na tradição. Em seguida, aplico os fundamentos da crítica nacionalista para examinar o romance Kiss of the Fur Queen e pinturas de Jim Logan, a fim de propor interpretações fundadas nas tradições culturais indígenas que foram em grande medida obscurecidas pela aplicação do marco teórico ocidental. Em conclusão, reflito sobre a importância das histórias de Criação, que aparecem como traço em todo o corpus artístico e crítico e proponho que a survivance pode servir de centro para a compreensão dos parâmetros éticos e estéticos que guiam os seus autores. / The aim of this thesis is to revisit an artistic corpus produced in an extremely active historical context in Canadian First Nations Art. After a first wave of political activism in the 1970s, embodied in the Red Power movement and the so-called Native American Renaissance, the late twentieth century gave new momentum to social engagement. Largely driven by the imminence of the 500th anniversary of Columbus' arrival to the Americas, a new generation of First Nation writers and visual artists engaged in revisiting the history leading to that scenario. The publication of their works coincided with a time when postcolonial, poststructuralist and cultural academic studies enjoyed especial popularity. Consequently, they have been extensively analyzed from these perspectives. Especially in the 21st century, an increasing body of criticism by Native American nationalist intellectuals has been published, questioning the implications of notions such as hybridization and postmodern, fragmented identities to assert the specificity of various indigenous peoples and cultures. Furthermore, these authors produce critical work geared to stressing the long history of indigenous intellectual and narratives traditions. Thus, they show that history did not begin with colonization, residential schools, or the Native American Renaissance. In order to reconsider this context, I locate the works of Cree author Tomson Highway and Métis painter Jim Logan in the long history of indigenous narrative. In Chapter 2, I introduce Gerald Vizenor’s concept of survivance and propose it can center an understanding of the ethics and aesthetics in Native American narratives. I confront the concept with key terms in Western theories on survival – namely, experience, trauma, testimony – and ponder on their limitations to study works founded on different worldviews. Thus, I also rely on the specificity of Anishinaabe culture to bridge the application of the literary theory of survivance to the visual arts and ultimately expand the concept of narrative. In Chapter 3, I present the current debate in Native American criticism and examine the reasons why Gerald Vizenor has criticized by nationalist critics. I then seek to expose how his creative and critical works may indeed be reflective of a deeply nationalist Anishinaabe identity, grounded in tradition. Finally, I seek to apply the principles of nationalist criticism to study Tomson Highway’s Kiss of the Fur Queen and paintings by Jim Logan in order to propose interpretations stemming from Native American cultural traditions which have been largely obscured by the application of Western theoretical frameworks. In conclusion, I reflect upon the importance of Creation stories as they appear as traces in the creative and critical corpus of this thesis and propose survivance can center the understanding of the ethical and aesthetic parameters guiding the authors.

Cette thèse se propose à mieux comprendre le rôle du médiateur et son insertion dans le système discursif d'une exposition d'art en faisant une réflexion ponctuel sur les régimes d'interaction et de sens présents dans son propre discours. Dans cette perspective, on a utilisé le référenciel théorique de la sociossemiotique, en particulier les régimes d'interaction proposés par Landowski (2004, 2009). Pour atteindre ce but, on a fait des entrevues avec les médiateurs et les coordonnateurs des deux principales institutions qui développent professionnelment la pratique de la médiation à Porto Alegre, le Museu Iberê Camargo et le Santander Cultural . Les déclarations, qui constituent le corpus d'analyse de cette recherche, ont été recueillies par la méthode des groupes de discussion. C’est une méthodede recherche qualitative qui se propose à discuter le sujet suggéré par le chercheur responsable de l'enquête. Les résultats obtenus d’après l'analyse des entrevues présentent la situation d'une activité qui est en train de se développer professionnelment et montrent les relations d’interaction et le sens des pratiques de médiation, intégrées dans les discours multiples d'une exposition. / Esta dissertação pretende compreender melhor o papel do mediador e sua inserção no sistema discursivo de uma exposição de arte, trazendo (apresentando) uma reflexão pontual acerca dos regimes de interação e sentido presentes em seu próprio discurso. Nessa perspectiva, adota-se como referencial a teoria sociossemiótica, em especial os regimes de interação propostos por Landowski (2004; 2009). Para tanto, foram entrevistados os mediadores e coordenadores das duas principais instituições que desenvolvem a prática da mediação de forma profissional na cidade de Porto Alegre, o Museu Iberê Camargo e o Santander Cultural,. Os depoimentos, os quais constituem o corpus de análise desta pesquisa, foram coletados por meio do método de grupo focal, que consiste em uma abordagem da pesquisa qualitativa que procura debater um tema proposto pelo pesquisador responsável pela investigação. Os resultados obtidos a partir da análise das entrevistas apresentam um panorama da situação profissional de uma atividade em desenvolvimento e mostram como se dão as relações de interação e sentido das práticas de mediação inseridas nos múltiplos discursos de uma exposição.

[pt] Capas de disco: modos de ler busca chaves de leitura para compreender a relação entre a música e a cultura visual no século XX e início do XXI. Ao deslocar o objeto de uma discoteca, seu espaço tradicional de fruição musical, e trazê-lo para o campo dos estudos culturais, uma infinidade de leituras se apresenta. As capas são uma forma de arte muito particular, analisá-las é fundamental para entender as diversas formas em que seus mecanismos operam. A música é, por sua vez, um instrumento importantíssimo para entender a cultura visual de forma mais ampla. Este trabalho se vale de ferramentas do campo da história da arte e de outros dispositivos analíticos interdisciplinares para explorar as imagens e sua potência. O argumento central da tese defende a ideia de que as capas contribuem para a construção de um sentido musical, enriquecendo o processo estético do fruidor. Os anos 1950 foram essenciais para firmar a capa como elemento primordial para o disco. Foi também a partir dos anos 1950 que artistas plásticos e fotógrafos penetraram no mercado das gravadoras, vendendo seus talentos e experimentando concepções visuais inovadoras em capas. Ou seja: a criatividade de alguns capistas abriu novos caminhos e permitiu explorar novas concepções para as artes de LP. Procura-se, assim, mostrar que as capas foram locus privilegiado e fértil de expressão para diversos fotógrafos e artistas plásticos consagrados se expressarem em escala industrial. Esta tese busca entender a capa para além da simples ilustração e compreendê-la não só como invólucro ou objeto de design, mas principalmente como objeto artístico, tão importante quanto o conteúdo. Estão em foco neste trabalho principalmente dois aspectos que se complementam. Por um lado, analisa-se a capa de disco como campo de experimentação artística, ou seja, um suporte de trabalho para inúmeros artistas plásticos e fotógrafos. Por outro, que não deixa de complementar esse mesmo campo, reflete-se sobre a capa como suporte para o retrato do sujeito, no sentido restrito de portrait, que subentende tecer laços com o gênero pictórico secular. / [en] Album covers: ways of reading them aims to search for keys to interpret the relation between music and visual culture in the XXth century and the beginning of the XXIst. By displacing the object from a discotheque, its usual space of musical fruition, and bringing it to the cultural studies field, an infinity of possibilities come up. Covers are a very particular art form, analyzing them is central to understand the different forms in which their mechanisms operate. Music on the other hand, is a very important instrument to apprehend visual culture in a broader way. This work uses tools from the art history field and other interdisciplinary analytic devices to explore images and their strength. The central argument of this thesis asserts that album covers contribute to the construction of a musical meaning by enriching the esthetic process of the listener. The 1950s were essential to establish the album cover as primary element for the record. It was also in the 50s that visual artists and photographers penetrated the record company markets selling their talents and experimenting innovative visual layouts. In other words: the creativity of some cover artists opened new paths and enabled new conceptions for the album cover artwork. This work seeks to show that album covers were a notorious and fertile place of expression for photographers and visual artists to express themselves in a large scale. This thesis aims to understand the album cover beyond a simple illustration, and to grasp it not just as a packaging or design piece, but mainly as an artistic object, as important as the content itself. This work focuses on two aspects that complement themselves. On one hand, we analyze the record cover as a field of artistic experimentation, that is, a support for many visual artists and photographers to work on. On the other hand, that complements this same field, a reflection is made on the cover as a support for the portrait of the subject, in the restrict sense of the portrait, that aims to establish ties with the secular pictorial genre.